Basato sui videogiochi Super Mario Galaxy e Super Mario Galaxy 2 e ispirato alla serie di videogiochi di Mario, è il sequel diretto del film del 2023 – che incassò più di 1.3 miliardi di dollari nel mondo – aggiungendosi ai successi animati dalla Illumination Entertainment, lo studio di grandi saghe di successo come Cattivissimo Me, Minions e Pets.

La recensione di Super Mario Galaxy – Il film

Apriamo questa recensione di Super Mario Galaxy – il film raccontando in breve la sinossi: la principessa Rosalinda viene rapita da Bowser Junior – figlio del temibile ma ormai innocuo Bowser – che vuole vendicarsi della sconfitta del padre e conquistare la galassia. Quando la principessa Peach decide di partire alla ricerca di questo nuovo personaggio, che sembra esser nei ricordi più reconditi, Mario (sempre innamorato della bella a capo del mondo dei Toad) e Luigi (ancora una volta più ingenuo e timoroso del fratello) non potranno che seguirla. Al loro fianco, un nuovo amico, Yoshi, e inaspettatamente anche l’altalenante Bowser. Riusciranno a salvare la galassia dalla furia distruttrice di Bowser Junior?

La storia è semplice, e questa è unica e grande pecca del film, che si presenta come un viaggio colorato e spettacolare nell’universo Nintendo, ma con una trama fin troppo essenziale. Nonostante alla regia ritroviamo Aaron Horvath e Michael Jelenic, i registi del primo film, che nonostante la loro esperienza nel mondo seriale (Batman: The Brave and the Bold, Scooby-Doo!, Teen Titans Go!), non sono stati in grado di realizzare una storia per far progredire la psiche dei protagonisti e, almeno a livello narrativo, giustificare l’arrivo di un secondo capitolo.

Il viaggio dell’eroe, che era alla base di Super Mario – Il film, viene qui riproposto con tre personaggi. I tre viaggi progrediscono senza sorprese, ostacoli o stravolgimenti di alcun genere. Tutto scorre lineare, in parallelo, senza mai riuscire a fondersi in modo davvero avvincente con un intreccio che rimane così frammentato, mancante di un epilogo dove tutto si unisce in modo sorprendente, dando un senso più ampio all’esperienza. In 98 minuti di film non ci sono senza colpi di scena e le occasioni in cui potevano esserci, vengono smorzate e depotenziate. L’ingresso di nuovi personaggi come come Yoshi, Rosalinda e le sue stelle, o Bowser Junior, non aiuta a evitare quell’effetto di déjà-vu.

Tutto si basa solo sulle capacità di world building della Illumination Entertainment, che ci hanno abituato alla propria maestria con il primo capitolo di questa saga, il mondo di Cattivissimo me e soprattutto quello dei Minions, e anche nella quotidianità animalesca di Pets.

Ovviamente, a supporto di questo, c’è anche la capacità di creare momenti di ilarità, tra risate e gag, costruite in modo molto semplice e diretto per un pubblico più giovane. Il pubblico adulto – e gli immancabili giocatori dei Super Mario Bros o gli accaniti fan di Nintendo – si sentiranno invece coinvolto con gli omaggi, i temi musicali e soluzioni grafiche accattivanti, ben inseriti (e costanti). Infatti, il comparto visivo, insieme a quello musicale (capitanato nuovamente da Brian Tyler), porta avanti con estro questo nuovo universo: le galassie, i colori, le invenzioni di gameplay creano un impatto estetico davvero notevole. Come, dopotutto, ci si poteva aspettare essendo uno degli aspetti che ha reso grande il primo capitolo.

Ma colori, effetti speciali e omaggi, bastano per motivare un sequel? La risposta è ovvia: a livello creativo non se ne vede la necessità, a livello economico è chiaro che il successo non solo premierà il film ma porterà sicuramente un terzo capitolo che, ci auguriamo, potrà sorprenderci di più anche a livello narrativo.

“Mamma mia!”

E voi che cosa ne pensate della nostra recensione di Super Mario Galaxy – Il film?

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Eppure, l’ultima fatica dello studio di Pete Docter è un esempio perfetto di come una narrazione fresca e un pizzico di creatività possano suggerire nuove prospettive e nuovi punti di vista anche su tematiche di cui ormai pensiamo di sapere tutto. Sì, perché a sorpresa Jumpers azzecca praticamente qualsiasi cosa: dai personaggi (credibili, con motivazioni solide e relazioni autentiche) al pretesto narrativo (e se potessimo parlare con gli animali?), passando per il cuore emotivo della vicenda e persino per la colonna sonora. A rendere vincente l’opera è però senza dubbio l’umorismo: Jumpers è travolgente, viaggia su un ritmo serrato ed esplora una miriade di trovate creative e divertenti, senza per questo rinunciare ai doverosi momenti di contemplazione, distensione e silenzio. E se Il robot selvaggio, per citare la concorrenza, puntava sul sarcasmo e sul black humor, la Pixar sceglie una strada più consolidata ma sempre vincente: quella del caro e vecchio “cartone animato”. In un’epoca in cui sembra che ogni titolo d’animazione debba diventare un live-action per acquisire dignità cinematografica, Jumpers ci ricorda che certe soluzioni visive, certi espedienti fuori dagli schemi, certe espressioni volutamente esagerate e over-the-top funzionano solo e unicamente perché cartoon. In altre parole, è precisamente grazie all’animazione che noi spettatori possiamo attribuire a questo universo narrativo la qualità della plausibilità. Funziona perché ci crediamo, ci crediamo perché è questa la magia dell’animazione: rendere plausibile l’impossibile.

Ma c’è anche un altro piano che Jumpers riesce a innovare egregiamente, ed è quello della tematica. Il film affronta il concetto di ambientalismo offrendo una prospettiva insolita e coraggiosa, in cui per una volta il nemico non è (soltanto) l’avidità dell’essere umano, bensì l’incomunicabilità, l’incapacità di fermarsi ad ascoltare e comprendere chi parla una lingua diversa. La storia è disseminata di situazioni in cui tutti i personaggi (anche gli animali!) discutono con rabbia per difendere il proprio orticello: al centro Mabel, la protagonista che rappresenta simbolicamente l’unione tra umani e animali, ma soprattutto l’ingenuo Re George, un castoro che non fa altro che ricordarle che “siamo tutti sotto lo stesso cielo” e che soltanto lavorando insieme si possono scrivere le regole della perfetta convivenza. Per gli spettatori più adulti c’è anche un livello di interpretazione più sottile: in un momento di crisi, Mabel si rivela come l’eroina impotente, una ragazza qualsiasi che sente di lottare contro i mulini a vento, sola contro un mondo che continua a lasciare dietro di sé una scia di morte e distruzione. Perché a nessuno importa?, si chiede in una scena che sicuramente toccherà il cuore dei millennial, perché lotto soltanto io? Il film finisce bene, certo, e in chi non è più bambino questo potrebbe lasciare una sensazione di amaro in bocca. La realtà, lo sappiamo e ne abbiamo le prove tutti i giorni, non è esattamente così. Ma non vi piacerebbe che lo fosse?

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Il film sarà infatti nelle sale italiane dal 30 aprile distribuito da Eagle Pictures, in collaborazione con Sony Pictures Italia.

Sotto potete vedere il trailer italiano ufficiale di That Time I Got Reincarnated as a Slime Il Film Le Lacrime del Mare Azzurro:

La trama di That Time I Got Reincarnated as a Slime Il Film Le Lacrime del Mare Azzurro

L’anime racconta le vicende di Satoru Mikami, un uomo di trentasette anni che, dopo la morte, si reincarna in un mondo fantasy sotto forma di uno slime, una creatura gelatinosa dotata di poteri speciali. Con il nome di Rimuru Tempest, inizia una nuova vita stringendo alleanze con mostri e popoli diversi e fondando una nazione basata sulla convivenza pacifica. Dopo aver concluso la cerimonia di apertura della Federazione del Regno dei Demoni di Tempest, Rimuru e i suoi compagni vengono invitati dall’Imperatrice Celeste Elmesia della grande nazione elfica, la Dinastia Stregona di Thalion, a visitare la sua isola privata. Mentre il gruppo si gode la breve vacanza, appare una donna misteriosa di nome Yura. Un nuovo incidente si svolge sullo sfondo del mare azzurro sconfinato.

Qualche informazioni in più sull’anime

La saga ha debuttato nel 2018 e si basata sulla serie di light novel best-seller scritte da Fuse e illustrate da Mitz Vah. Con oltre 56 milioni di copie vendute, l’opera è diventata uno dei titoli fantasy più popolari degli ultimi anni. L’anime mescola avventura, fantasia e politica, seguendo la crescita di Rimuru da creatura apparentemente insignificante a leader carismatico. La quarta stagione dell’anime sarà disponibile in streaming su Crunchyroll dal 3 aprile 2026.

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Haikyu!! Battaglia all’ultimo rifiuto

Il film conclusivo della serie Haikyu!!, dopo il successo avito in sala nel 2024, arriva in DVD e Blu-Ray anche in Italia. Siete pronti per l’attesissima “battaglia della discarica” tra le squadre di pallavolo dei licei Karasuno e Nekoma? Chi vincerà questo scontro decisivo? Sono lontani i tempi in cui un emergente Shoyo Hinata entrò nel club di pallavolo del liceo Karasuno per assomigliare al suo idolo, l’ex giocatore dell’istituto conosciuto come il “piccolo gigante”. Rendendosi subito conto che dovrà far squadra con la sua nemesi delle medie, Tobio Kageyama le sue avventure sono cresciute rapidamente come i loro stili agli antipodi che diventano un’arma inarrestabile, riuscendo insieme a sconfiggere il loro comune rivale, il liceo Nekoma. Ora, nell’attesissima partita chiamata “battaglia della discarica” diretta da Susumu Mitsunaka (già alla regia delle prime tre serie dell’anime), la resa dei conti finale tra due squadre è giunta.

Inoltre, c’è anche una sorpresa su SpyxFamily…

SPY×FAMILY CODE: White

Le vicende della famiglia fittizia più amata tornano in grande stile in un imperdibile film con azione, gag ed effetti speciali, diretto da Takashi Katagiri, già autore della serie di SPYxFAMILY e di numerose altre produzioni.

La trama, come sempre, parte da uno spunto semplice: Lui è una spia. Lei è un’assassina. Loid e Yor portano avanti la loro doppia vita fingendo di essere una normale famiglia. Ma la loro figlia adottiva, Anya, è una telepate che conosce bene i loro segreti. Mentre finge di passare con la propria famiglia un fine settimana invernale, Loid tenta di portare avanti la sua missione, l’Operazione Strix. Ma tutto si complica quando Anya viene coinvolta per sbaglio e scatena una serie di eventi che mettono a rischio la pace del mondo!

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Ieri pomeriggio, infatti, Prime Video ha svelato il teaser trailer ufficiale e la data di uscita della serie con Nicolas Cage nel suo primo ruolo da protagonista in una produzione a episodi, che debutterà in tutto il mondo su Prime Video in oltre 240 paesi e territori nel mondo il 27 maggio mentre negli Stati Uniti il 25 maggio su MGM+.

Il trailer di Spider Noir

Questo il trailer italiano della serie che ci introduce Ben Reilly (Nicolas Cage) che un tempo era il supereroe noto come “The Spider”. Dopo una tragedia personale, ha abbandonato il suo alter ego eroico. Solo un caso straordinario potrebbe convincere questo investigatore privato caduto in disgrazia ad abbandonare i panni dell’uomo qualunque e a indossare nuovamente la maschera.

Al suo fianco troveremo Robbie Robertson (Lamorne Morris), un giornalista appassionato che cerca di sfondare nella New York degli anni ’30, nonostante le difficoltà è disposto a fare tutto il necessario per la sua carriera e per il suo migliore amico, Ben; Cat Hardy (Li Jun Li), la star di punta del nightclub più esclusivo di New York (potrebbe sembrare che pensi solo a se stessa, ma la realtà è più complessa di quanto sembri), e Janet (Karen Rodriguez), una segretaria intelligente, determinata e leale di Ben Reilly che vuole aiutare il suo capo e la sua piccola impresa ad avere successo, e non ha alcun problema a dire la verità in faccia a chi comanda.

Spider-Noir è una serie live-action basata sul fumetto Marvel “Spider-Man Noir”.

Al loro fianco, nel cast, anche Abraham Popoola, Jack Huston e Brendan Gleeson. Fra le guest star, invece, Lukas Haas, Cameron Britton, Cary Christopher, Michael Kostroff, Scott MacArthur, Joe Massingill, Whitney Rice, Amanda Schull, Andrew Caldwell, Amy Aquino, Andrew Robinson e Kai Caster. Il regista dei primi due episodi è Harry Bradbeer, già dietro a Fleabag. Oren Uziel e Steve Lightfoot sono co-showrunners ed executive producer della serie e hanno sviluppato la serie insieme a Phil Lord, Christopher Miller e Amy Pascal (Spider-Man: Un nuovo universo).

La particolarità della serie

Per offrire un’esperienza di visione unica nel suo genere, Spider-Noir sarà disponibile in streaming in due modalità, “Autentico Bianco e Nero” e “True-Hue Full Color”, consentendo al pubblico di scegliere se guardare la serie in bianco e nero o a colori.

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La trama dell’anime

La storia di Ghost Cat Anzu segue Karin, una ragazzina di 11 anni che viene abbandonata dal padre in una piccola città giapponese vicino Tokyo, dove risiede il nonno, monaco nel santuario del paese. Trascinata dal padre, che vuole che stia in un posto sicuro mentre tenta di ripagare i propri debiti e sfuggire ai creditori, il nonno la affida ad Anzu, il suo gatto fantasma gioviale e disponibile, anche se piuttosto capriccioso, per prendersi cura di lei. Ma i due non vanno molto d’accordo: Karin cerca ogni occasione per allontanarsi dalla cittadina e raggiungere la capitale. Vorrebbe tornare a fare visita alla tomba della madre, venuta a mancare qualche anno prima. Anzu è grosso, rosso, un po’ maleducato, irriverente ma anche molto divertente. Guida il motorino (senza patente), cucina (maluccio) e fa i massaggi, oltre a lavoretti saltuari per garantirsi una minima entrata, che investe rigorosamente alle slot machines. Ha circa trentasette anni, perché, molto semplicemente, non è mai morto. È così che è diventato un bakeneko, e per gli abitanti della città non c’è cosa più naturale che offrigli un caffè e andare a pesca al fiume con lui. Quando, d’estate, la sua tranquilla routine nel tempio buddhista viene messa sottosopra dall’arrivo di Karin, Anzu la accompagna fra i grattacieli e i palazzi di cemento, dove i due trovano l’ingresso dell’oltretomba e scatenano un uragano di conseguenze imprevedibili…

Qualche informazione sulla produzione

Ghost Cat Anzu è un lungometraggio animato prodotto dallo studio giapponese Shin-Ei Animation (conosciuto soprattutto per la realizzazione della serie e dei film di Doraemon) e da quello francese Miyu Productions. Viene descritto come un’opera particolare dato che è stato realizzato con la tecnica del rotoscopio, filmando le scene in live-action e ridisegnando poi meticolosamente le sequenze fotogramma per fotogramma.

L’anime è tratto dal manga Bakeneko Anzu-chan di Takashi Imashiro, ancora inedito in Italia, che si ispira alla mitologia tradizionale giapponese per creare un racconto di formazione arricchito di realismo magico che alterna umorismo e malinconia per parlare di perdita, crescita e legami inattesi, ricordando con leggerezza che anche gli incontri più improbabili possono insegnare qualcosa su come affrontare ciò che lasciamo indietro e ciò che scegliamo di portare con noi.

Il doppiaggio di Ghost Cat Anzu

Ghost Cat Anzu verrà doppiato e, al momento, è stato annunciato che Anzu avrà la voce di Maurizio Merluzzo, ben noto nel settore e dagli appassionati per aver interpretato numerosi anime e film d’animazione.

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Cosa ci sarà su D Anime?

La nuova “rete” debutterà sulla piattaforma il 2 marzo con oltre 1.000 ore di programmazione con un totale di 2.000 contenuti tra episodi, film e OAV delle serie anime più famose e amate dal pubblico italiano. Inoltre, annuncia il distributore, che l’offerta editoriale sarà arricchita da nuove serie in simulcast, in contemporanea con il Giappone, affiancate da nuove acquisizioni e dal recupero di grandi classici che hanno segnato la storia degli Anime in Italia.

Il catalogo di D Anime comprenderà titoli che hanno definito epoche e linguaggi: dalle avventure pionieristiche di Capitan Harlocke Conan, Il ragazzo del futuro, passando per la rivoluzione dei mecha con Mobile Suit Gundam e la svolta psicologica di Neon Genesis Evangelion; dall’eroismo classico di Daitarn 3 all’energia travolgente di GTO – Great Teacher Onizuka e Gintama, fino ai grandi shōnen che hanno conquistato generazioni come Bleach, Hunter x Hunter, Inuyasha e Demon Slayer. In arrivo anche Puella Magi Madoka Magica, che ha riscritto le regole del genere “magical girl”, e il fenomeno globale Sword Art Online, fra le opere che hanno dimostrato come l’animazione giapponese continui a reinventarsi, unendo tradizione e innovazione e parlando a un pubblico sempre più vasto.

Quando costerà?

Il costo dell’abbonamento sarà di € 4,99 al mese con un periodo di prova gratuita di 7gg.

Cos’è Dynit?

Fondata nel 1995, Dynit rappresenta oggi un punto di riferimento nella distribuzione anime in Italia. Il suo percorso si è evoluto dall’home video alla televisione — con collaborazioni con MTV, Rai e Mediaset — fino all’approdo nel cinema, portando, per prima, gli anime sul grande schermo. Nel tempo, Dynit ha esteso il proprio raggio d’azione anche ai Toys, al promozionale e al collezionabile, affermandosi come Gruppo integrato e multisettoriale di livello europeo.

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Il personaggio di Michela Giraud

La comica, attrice e regista romana presterà la voce a Nibbles Maplestick, una rustica e stravagante castorina che conduce un podcast, “Squame e Trame del Mistero”, in cui esplora cospirazioni, misteri sui rettili e voci sulle creature delle zone paludose del suo quartiere, Mercato Pantano.

Informazioni su Zootropolis 2

In Zootropolis 2, i poliziotti alle prime armi Judy Hopps e Nick Wilde si trovano sulle tracce di un grande mistero quando Gary De’Snake arriva a Zootropolis e mette sottosopra la città animale. Per risolvere il caso, i due, sotto copertura, sono costretti ad avventurarsi in nuove e inaspettate aree della città, dove la loro continua collaborazione viene messa alla prova come mai prima d’ora. Il film è diretto dal team vincitore dell’Oscar® composto dal Disney Animation chief creative officer Jared Bush e Byron Howard e prodotto da Yvett Merino. QUI parlavano i produttori del film all’inizio della produzione.

La colonna sonora strumentale di Zootropolis 2 è composta dal vincitore dell’Academy Award® Michael Giacchino e al suo interno potrà vantare anche la presenza di “Zoo”, una nuova canzone cantata da Shakira e interpretata nel film da Gazelle, personaggio ispirato proprio alla cantante. La musica e il testo del brano sono stati scritti da Ed Sheeran, Blake Slatkin e Shakira stessa e prodotto da Blake Slatkin, Alex (A.C.) Castillo, Shakira ed Ed Sheeran. Avrà il successo di “Try Everything”, riprodotto in streaming 2,7 miliardi di volte in tutto il mondo fino ad oggi?

Siete curiosi di sentire Michela Giraud in questo nuovo ruolo, dal 26 novembre al cinema?

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Due generazioni di attrici – Cinzia Scaglione e la giovanissima Beatrice Stella, di 11 anni – interpretano in momenti differenti della sua vita una donna di nome Viola, che rivive i traumi del bullismo infantile e di una violenza sessuale subita in età adulta. Attraverso un linguaggio che alterna realismo e sequenze oniriche, Puccioni mette in scena i limiti di un sistema giudiziario incapace di ascoltare e proteggere, ma lascia intravedere uno spazio fragile di resistenza e speranza. Ispirato al libro Stupro di Alberto Bottacchiari, il cortometraggio nasce da un’idea di Cinzia Scaglione, che lo ha precedentemente portato anche in scena. Il team creativo include anche Costanza Bongiorni (sceneggiatrice) e il produttore Giampietro Preziosa per Inthelfilm

Dopo la presentazione, abbiamo avuto modo di incontrare brevemente Beatrice Stella, che interpreta con straordinaria maturità e intensità il ruolo di Viola da piccola, portando sullo schermo tutta la fragilità e il dolore della sua infanzia ferita. Già vincitrice del premio come Miglior Giovane Attrice al Rome International Award Festival 2024 per la sua performance in L’ultimo addio di Denis Frison, Beatrice si conferma come una delle promesse più
interessanti del nuovo cinema italiano.

Ecco cosa ci ha raccontato.

Ciao, Beatrice. Come è andata la presentazione di Tutti giù per terra ad Alice nella Città? Eri emozionata?

Beatrice Stella: Ero super agitata, però è stato bellissimo. Il corto è stupendo, dalla fotografia alla bravura degli attori come Cinzia Scaglione, che è un’attrice superlativa. Nel pubblico c’erano molti miei coetanei, ma sono stati super rispettosi, anche durante le scene di violenza. Sono molto fiera di aver portato ad Alice nella Città questo progetto.

Sei davvero giovanissima: come sei arrivata così presto a fare questo bellissimo lavoro?

È iniziato tutto con Harry Potter, di cui ancora oggi sono appassionatissima. Quando ero più piccola, vedevo attori bambini come Emma Watson o Daniel Radcliffe e sognavo di essere come loro. Quindi ho chiesto ai miei genitori di poter fare l’attrice. All’inizio mio padre non era proprio convintissimo, poi mia mamma lo ha convinto a farmi provare. Da lì è partito tutto: corti, film, lungometraggi, ho girato tutta l’Italia grazie a questa passione.

Com’è la giornata tipo di una giovane attrice? Come riesci a gestire questo lavoro impegnativo parallelamente ai tuoi impegni scolastici, alle amicizie…?

Le mie giornate sono semplicissime. Come tutte le ragazzine, mi alzo la mattina e vado a scuola. Frequento la seconda media e mi piace molto studiare. Il pomeriggio torno a casa, mi cambio e vado a danza. Faccio più o meno tre
ore al giorno di danza, fra contemporanea, classica, aerea, hip hop… un po’ di tutto. La sera, invece, quando mi arrivano dei self tape o dei provini da fare, mi dedico a imparare il copione e a girare i video da inviare ai casting director. Il weekend faccio anche workshop e masterclass di recitazione.

Hai già citato Harry Potter, ma quali altri film o attori ti ispirano nel tuo lavoro?

Mi piacciono molto Jenna Ortega, Madelyn Cline, Millie Bobby Brown. Sono un po’ una “stalker” di queste attrici, ho visto praticamente ogni film che hanno fatto e le seguo sui social. Poi mi ispiro anche ad attrici magari non conosciute a livello internazionale, ma comunque straordinarie: un esempio è appunto Cinzia Scaglione, la
protagonista di questo corto.

Parliamo quindi di questo progetto. Il corto ci ha colpito davvero molto, sia per com’è realizzato che per le tematiche che sono forti e importanti. Anche la tua recitazione è molto d’impatto. Innanzitutto, come ti sei unita al cast?

Ho partecipato a un casting online e da lì sono arrivata al callback, dove ho conosciuto Cinzia Scaglione. All’inizio non sapevo chi sarebbe stato il regista e nemmeno se il progetto sarebbe partito davvero. Poi mi hanno chiesto di rifare il provino, perché era cambiato il regista, e da lì ho capito che ci tenevo tantissimo: il ruolo l’ho davvero sudato! Alla fine sono stata scelta per interpretare Viola Bambina e ho conosciuto anche il produttore Giampietro Preziosa e il regista Marco Simon Puccioni, che mi hanno aiutata a entrare completamente nella parte.

Che tipo di preparazione hai fatto per comprendere meglio le tematiche trattate?

Innanzitutto, quando mi è arrivato il copione mia madre l’ha letto per prima, perché Cinzia le aveva già accennato che c’erano delle tematiche forti. Io molte cose nemmeno le sapevo, perciò mia mamma mi ha spiegato per prima. Sul set, ho avuto tutta gente attorno a me super rispettosa. Nelle scene di bullismo ci sono stati molti ciak in cui dovevo piangere, mi dovevo accasciare a terra, e tutti sono stati rispettosi, dalla troupe ai miei coetanei che dovevano interpretare i bulletti. Ora che ho visto il corto finito, soprattutto oggi alla prima, mi sono resa davvero conto di quanto siano vere queste storie e di quanto siano importanti. Soprattutto, deve partire tutto da quando siamo piccoli: è molto importante fare educazione sessuale e educazione sentimentale ai ragazzi della mia età.

Che consigli ti ha dato Cinzia Scaglione per interpretare al meglio Viola?

Fin da subito mi ha messo a mio agio, e questo è fondamentale perché per lavorare con qualcuno, in qualsiasi ruolo, deve esserci un buon rapporto e una buona empatia fra sceneggiatore, regista e attori. Innanzitutto lei e il regista mi hanno chiesto se ero pronta a farlo, se me la sentivo. Mi hanno indirizzato, mi hanno dato un sacco di consigli su come calarmi nella parte, su quanta concentrazione servisse, quindi sono stati veramente un aiuto grandissimo, una grande risorsa per me.

Interpretando Viola, hai scoperto qualcosa di nuovo su di te?

Sì, non avevo mai pensato a quanta sensibilità servisse per fare un progetto del genere, per interpretare un ruolo del genere. Ho sentito una connessione forte con il personaggio e ho scoperto un lato molto più sensibile di me. Ora porto anche nel cuore queste tematiche contro cui dobbiamo lottare, come bullismo, violenza sulle donne, violenza sessuale.

Ultima domanda: che sogni hai per il futuro e che tipo di personaggio o film ti piacerebbe interpretare?

Vorrei fare un film horror, magari come Annabelle, la bambola assassina, o Chucky. Dato che ho fatto prevalentemente ruoli drammatici, mi piacerebbe anche fare un’altra commedia, senza tralasciare ovviamente parti più impegnative e con tematiche più pesanti. Al di fuori del cinema mi piacerebbe molto, quando sarò più grande ovviamente, andare ad Amici. Sogno da sempre di conoscere Maria De Filippi e vorrei partecipare come ballerina. Poi mi piacerebbe visitare New York, che penso sia una città meravigliosa, e vorrei essere ammessa alla Yale Law University, perché ho il sogno di diventare console da grande.

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Le dichiarazioni di Tatsuya Yoshihara

Per scoprire qualche segreto in più sull’anime, vi riportiamo delle dichiarazioni ufficiali del regista, Tatsuya Yoshihara (già al timone dell’anime di Black Clover e Chainsaw Man) e l’assistente alla regia Masato Nakazono.

Cos’è che vi ha colpito di più di questo anime? 

Tatsuya Yoshihara: “La rappresentazione del rapporto povero ma felice e prezioso tra Denji e Pochita all’inizio mi ha impressionato molto. Ho sentito che questo è un fumetto che sa suscitare abilmente le emozioni del lettore.”

Masato Nakazono: “Il fumetto originale Chainsaw Man ha un fascino ricco e multidimensionale. Mi ha davvero colpito come opera diversa da qualsiasi altra. L’amore per l’opera originale è stato particolarmente vantaggioso. Abbiamo riesaminato ogni vignetta del fumetto originale, ne abbiamo discusso e riflettuto con tutto lo staff, chiedendoci ‘perché Tatsuki Fujimoto ha disegnato questo?’, e li abbiamo reinterpretati visivamente“, racconta. Abbiamo fatto attenzione a mantenere il sentimento di fondo in linea con l’opera originale. Abbiamo mantenuto questo come un accordo comune all’interno del team e, allineando e combinando le nostre idee in un’unica visione, la forma attuale ha cominciato a prendere forma.”

Come vi siete approcciati per adattarlo sul grande schermo, per la prima volta, e non come anime seriale? 

Tatsuya Yoshihara: “Come team, abbiamo deciso che volevamo esprimere ancora di più l’essenza dell’opera originale, includendo aspetti come l’uso dei colori, la quantità di linee, l’illuminazione e le ombre che crea. Tutto si riduce a cogliere con diligenza i piccoli gesti, le pose e le espressioni dei personaggi”. Ciò è stato particolarmente evidente nelle sequenze d’azione esplosive di Reze Arc. Il film aggiunge “una quantità significativa di contenuti originali alle scene d’azione e sfrutta appieno il mezzo (e il grande schermo che lo accompagna) per esprimere rapidamente le sue idee con energia e dinamismo.” 

Masato Nakazono: “In termini di dimensioni, [le sequenze d’azione sono] ancora più grandiose rispetto alla serie TV.”

Tatsuya Yoshihara: “Potrete godervi appieno l’esperienza spettacolare che solo un grande schermo può offrire. Abbiamo anche realizzato gli effetti sonori in full surround, in modo che gli spettatori possano godere di un’esperienza davvero coinvolgente. Abbiamo aggiunto espressioni simili al super slow motion e giocato con i colori e il compositing. Spero che questi elementi giocosi ricorrenti fungano da ganci e mantengano il pubblico coinvolto fino alla fine.”

Su cosa credi che il pubblico si soffermerà di più? 

Tatsuya Yoshihara: “Quando lo vedranno per la seconda o terza volta, potrebbe essere interessante cercare di concentrarsi su dettagli specifici. Ad esempio, provate a concentrarsi su Denji e Beam, o non solo sui personaggi principali, ma sulle persone sullo sfondo che fanno piccoli gesti.” 

Masato Nakazono: “Ci sono piccole scoperte da fare in ogni angolo dello schermo, quindi sarei felice se poteste guardarlo più volte. Un aspetto che vorrei che il pubblico osservasse è come i pannelli del fumetto che si basano esclusivamente sulle espressioni facciali, senza alcun dialogo, sono gestiti nella versione animata. Credo che siamo riusciti a valorizzare i punti di forza dell’animazione attraverso il ritmo dei dialoghi e il modo in cui è stato utilizzato il tempo”. Ma anche se il team ha sfruttato il nuovo mezzo come un’opportunità per aggiungere dettagli e arricchire le sequenze d’azione, il loro punto di riferimento è rimasto l’opera originale di Tatsuki Fujimoto. Vogliamo trasmettere sullo schermo esattamente la stessa sensazione che si prova leggendo il fumetto per la prima volta. Vogliamo creare un film in cui anche chi ha già letto il fumetto possa provare una sensazione di freschezza grazie all’aggiunta del colore e del suono. È un film che si può apprezzare in molti modi, quindi sarei molto felice se gli spettatori potessero godersi quest’opera in vari modi.”

Il trailer di Chainsaw Man – Il Film: La Storia Di Reze

Di seguito potete vedere il trailer in italiano di Chainsaw Man – Il Film: La Storia Di Reze.

Qui, invece, trovate il suggestivo poster localizzato, dedicato al titolo.

La trama di Chainsaw Man – Il Film: La Storia Di Reze

Tratto da Chainsaw Man, opera originale di Tatsuki Fujimoto (già autore di Fire Punch), il manga è stato pubblicato in serie su Shonen Jump+ di Shueisha. Questa la sinossi ufficiale: La storia è ambientata in un mondo in cui i demoni nascono dalle paure umane e racconta la storia di Denji, un ragazzo che lavora come cacciatore di demoni insieme al fedele cane “Diavolo Motosega” Pochita. La sua vita scorre segnata dalle difficoltà e dal peso del debito ereditato dai genitori, finché un giorno viene tradito e ucciso. Sul punto di perdere conoscenza, Denji stringe un patto con Pochita e rinasce come Chainsaw Man, un essere metà uomo e metà demone, destinato a combattere in una guerra senza tregua tra cacciatori e creature infernali.

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