Siamo in un periodo di fermento per l’animazione. Con la nascita di Netflix e delle piattaforme streaming, che hanno promesso ai loro artisti totale libertà creativa per “rubarli” dalle braccia rassicuranti dei grandi studi, qualcosa è cambiato. Le major si stanno piano piano accorgendo che il sistema executive-driven (cioè quello che comporta fortissime ingerenze dai dirigenti, compromettendo le possibilità artistiche dei creatori) non potrà funzionare a lungo, a meno che non si abbia alle spalle un brand forte come Disney o Pixar. Sony Animation è stata la prima a prendere una posizione netta, vincendo la battaglia su tutti i fronti grazie a Spider-Man: Into the Spiderverse e dimostrando che esiste un altro modo di fare cinema, un modo che metta di nuovo al centro i creatori e gli artisti.

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In Disney questo processo tarda ad avviarsi: da Rapunzel in poi gli studi hanno sviluppato un house style efficace, che ha saputo tradurre benissimo in computer grafica l’appeal del loro tradizionale disegno a mano, ma che è arrivato sostanzialmente a un livello di stasi. Pensiamoci: La Bella e la Bestia ha un look completamente diverso da Pocahontas, e entrambi hanno poco e nulla in comune con Hercules o con Cenerentola, ma tutti quanti sono indubbiamente “Disney” a colpo d’occhio. All’epoca, in effetti, lo stile veniva adattato sapientemente all’art direction, ossia rielaborato (a partire da un linguaggio condiviso tra studio e spettatore) secondo il gusto di un particolare regista o disegnatore. Al momento invece, con la notevole eccezione di Ralph Spaccatutto e specialmente del suo sequel Ralph Spacca Internet, i “nuovi classici” potrebbero tranquillamente essere ambientati tutti nello stesso universo. E a ben guardare non sono poi così diversi esteticamente da quelli dei loro colleghi Pixar e DreamWorks Animation, almeno all’occhio dello spettatore occasionale.

L’esistenza di un progetto come Disney Corto Circuito mira proprio a restituire ai Walt Disney Animation Studios un territorio di sperimentazione. Si tratta di un programma di cortometraggi aperto ai membri dello studio in senso ampio: tutti (ma proprio tutti, persino gli inservienti e gli addetti alle pulizie) sono liberi di proporre un soggetto per un corto, e di avere quindi la possibilità di essere selezionati per diventare aspiranti registi. Un’iniziativa importante; del resto, non c’è persona al mondo che non conosca i classici Disney, ma chi segue l’industria sa che spesso le vere chicche si trovano nei corti. Per due motivi principali: il primo è che i corti sono da sempre la fucina dove vengono create le nuove tecniche, i nuovi software, dove vengono orchestrate le prove generali di tutto ciò che verrà poi raffinato in un lungo; il secondo è che i corti hanno un budget ridotto, spesso risicato, e questo è un bene, perché avere restrizioni porta l’artista a trovare soluzioni creative per aggirarle.

C’è molto di buono nei cortometraggi di Disney Corto Circuito, e decisamente molto talento che la CCO Jennifer Lee dovrà tenere a mente per i prossimi lungometraggi. L’aspetto più interessante è sicuramente come ogni artista sia riuscito a portare non solo la propria storia, ma anche il proprio background artistico: abbiamo corti ispirati al fumetto, alla street art, alle stampe cinesi e molto altro ancora. La varietà è talmente ampia che i meno interessanti (anche se comunque gradevoli) risultano essere proprio quelli più tipicamente disneyani, come Lucky Toupée o Fetch.

Per il resto, in Disney Corto Circuito si sperimenta un po’ con tutto: sintesi tra stilizzazione cromatica e fotorealismo (Puddles), effetti visivi (Lightning in a Bottle, Drop e Zenith), camera work e dinamismo (Downtown, un risultato veramente notevole per un esordiente), texture ed effetto acquarello/inchiostro (Jing Hua), senza dimenticare la straordinaria tecnica Meander, che dopo Paperman e Winston è stata inspiegabilmente accantonata e che in Elephant in the Room mostra di aver raggiunto una maturità significativa per quanto riguarda design, movimento e ora anche uso del colore.

Chi scrive però ritiene indubbiamente Just a Thought il migliore del gruppo. Con un’estetica ispirata alle strisce a fumetti, il corto racconta la storia di un bambino i cui pensieri prendono vita diventando visibili in un vero e proprio balloon sospeso sopra di lui, situazione che gli causerà non pochi guai quando si innamorerà di una compagna di classe. Semplice ed efficace, l’opera porta allo step successivo il tratto Disney dimostrando che si può osare con un’altra estetica, che un’altra texture può rendere la CGI Disney ugualmente riconoscibile; soprattutto fa quello che un corto Disney per eccellenza dovrebbe fare: prendere una situazione della realtà di tutti i giorni e immaginare un “what if”, giocando con ironia e sagacia su qualcosa che è familiare a tutti gli spettatori. Bellissimo.

Foto: © Disney+/Walt Disney Animation Studios

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Lo studio dovrà quindi correre ai ripari nei prossimi mesi e anni, e una delle figure chiave potrebbe essere Domee Shi, prima regista donna di un cortometraggio Pixar. E, bisogna dirlo subito, con premesse come quelle di Bao c’è sicuramente da guardare con molto interesse al futuro di questa regista, non a caso una “protetta” del nuovo CCO Pete Docter, e presto alla guida anche di un proprio lungometraggio.

Bao è un’opera autobiografica che prende a piene mani dall’infanzia e dall’adolescenza della Shi, cresciuta in una famiglia di immigrati cinesi caratterizzata da chiusura e iperprotettività. La protagonista però non è una bambina, bensì una mamma che, una volta cresciuti i figli, ottiene una seconda chance quando uno dei suoi ravioli fatti in casa prende magicamente vita.

In Bao c’è tutto ciò che ha reso la Pixar (e la Disney prima di lei) grande: l’umanizzazione di oggetti inanimati, le gag intelligenti, la capacità di raccontare tanto mostrando il minimo indispensabile e soprattutto l’abilità unica di catturare lo spettatore con la risata, preparando nel frattempo la scena per un climax drammatico. Quest’ultimo, quando arriva, è di una potenza tale da lasciare agghiacciati. Non volendo anticipare nulla, si dirà soltanto che è una scena di un coraggio raro, di un significato simbolico fortissimo. In poche parole: è esattamente questa l’animazione che ci si aspetta da uno studio come Pixar.

La recensione del film Gli Incredibili 2

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Noi vi presentiamo i cinque corti animati protagonisti dell’appuntamento di stasera (dalle 19.00 in poi), segnalandovi anche la proiezione di The Breadwinner prevista per sabato 24 alle 21.00.

Cliccando qui trovate invece il programma completo e le modalità di accesso ai vari eventi.

I cortometraggi animati

Coranna
Scritto, prodotto e diretto da Steve Woods

Ispirato a una storia vera, Coranna è ambientato durante la Grande carestia irlandese dell’800. Lo stalliere Pat partecipa a una corsa di cavalli con la promessa di una ricca ricompensa che potrebbe salvare il suo intero villaggio, ma viene truffato dal suo padrone, che si rifiuta infine di consegnargli il denaro. Il corto, realizzato con la tecnica del rotoscopio (animazione tracciata sopra riprese di attori reali), si conclude con un forte messaggio di rivoluzione legato agli eventi che sarebbero avvenuti in Irlanda appena 80 anni dopo la carestia.

Departure
Diretto da Aoífe Doyle

Divertente ma con un retrogusto malinconico, Departure racconta la storia di una nonnina sola che sogna di raggiungere i nipotini in Australia per passare con loro il Natale. Ci riuscirà tramite una divertentissima combinazione di coincidenze. Un corto dolcissimo che vi farà venire voglia di abbracciare forte i vostri cari.

Late Afternoon
Scritto e diretto da Louise Bagnall

Dallo studio che ha realizzato La Canzone del Mare e il recente nominato all’Oscar The Breadwinner, Late Afternoon riflette sulla vecchiaia di una signora di nome Emily, che ha ricordi vaghi della sua vita ma fatica a rimettere insieme i pezzi per comprendere il presente. Un corto dalla regia straordinaria, ennesima prova dell’altissimo valore artistico di questo studio. Preparate i fazzoletti: Late Afternoon sarà proiettato prima di The Breadwinner e introdotto dalla regista stessa.

The Line
Diretto da Dillon Brannick

Lascia spiazzati già dalle premesse il cortometraggio di Brannick, descritto come “la storia del rapporto tra genitore e figlio in un momento di insopportabile dolore”. La premessa è infatti una dinamica di ruoli rovesciata, con il bambino nel ruolo dell’adulto e viceversa, tristemente nota a tutti coloro che hanno dovuto affrontare la malattia e il lutto di un genitore. Il corto esplora la sofferenza della perdita di un padre in maniera delicata e con un tocco di colore e di speranza alla fine.

An Béal Bocht (fuori concorso)
Diretto da Tom Collins

Il cortometraggio, di circa mezz’ora, è un adattamento dell’ omonimo romanzo di Flann O’Brien (nome d’arte di Brian O’Nolan). Si tratta della parodia di un romanzo autobiografico, in cui un povero contadino irlandese di nome Bónapárt Ó Cúnasa racconta la sua storia da dietro le sbarre di una prigione in cui è stato inviato ingiustamente. Non fatevi ingannare dalle atmosfere tetre: il corto è in realtà una satira tagliente, dalla scrittura molto intelligente.

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L’annuncio di un corto come Inner Workings (oppure Testa o Cuore, come è chiamato nella versione italiana) poteva lasciare inizialmente interdetti, non solo per la presenza ingombrante del confronto con il capolavoro di Pete Docter, arrivato al cinema appena l’anno scorso, ma anche perché entrambi si ispirano allo stesso modo ad un’altra opera Disney, ovvero il cortometraggio bellico Reason and Emotion. Ancora una volta però la Disney riesce a sorprendere, dando a Inner Workings un’anima tutta sua ed evitando così il confronto diretto con i predecessori. Il regista Leo Matsuda è infatti abilissimo nell’assorbire diverse influenze (tra quelle citate da lui stesso: Ward Kimball, Wes Anderson e i Muppet), fondendole con la propria storia personale in modo originale e divertente.

Inner Workings racconta la mattinata tipo di un impiegato di nome Paul, che ricorda sia nella caratterizzazione che nell’aspetto lo stesso Matsuda. Mentre il cervello lo spinge razionalmente verso il suo monotono lavoro e i suoi doveri, il cuore vorrebbe “prendere le redini” e correre in spiaggia a svagarsi. Il corto è davvero esilarante, soprattutto per la gag ricorrente delle tragedie che potrebbero capitare al povero Paul se decidesse di ascoltare il cuore invece che la testa. Nella migliore delle tradizioni Disney, comunque, per ogni risata c’è anche una lacrima, e la semplice morale proposta è toccante al punto da suscitare una riflessione.

Tuttavia, l’aspetto più interessante è senza dubbio quello grafico e dell’animazione, soprattutto perché per la prima volta il design si discosta notevolmente dal canonico “stile Disney” in CGI che ci siamo abituati a vedere al cinema negli ultimi anni. I personaggi sono infatti molto stilizzati e geometrici e anche i loro movimenti sono ben lontani dalla realtà, giocando tutto sullo slapstick e sulle gag fisiche. Interessante quindi notare come quest’opera sia esattamente agli antipodi del cortometraggio Pixar del 2016, Piper, che fa del fotorealismo e dei movimenti incredibilmente fedeli al reale i suoi punti di forza. Inner Workings è un bel reminder del fatto che l’animazione (soprattutto quella in CGI) non deve “sembrare vera” per essere ben fatta. È impossibile insomma sfruttare appieno le potenzialità di quest’arte, se non si apre la porta alla varietà di tecniche e di stili.

Leggi la recensione di Oceania

La colonna sonora del corto:

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Come sempre nel video non c’è l’assoluta presenza di anticipazioni che non siano già uscite ufficialmente.

Buona visione!

Diretto ancora una volta da Andrew Stanton (Alla Ricerca di Nemo, WALL•E), co-diretto da Angus MacLane (Toy Story of Terror!) e prodotto da Lindsey Collins(WALL•E), il film è arrivato nelle sale americane il 17 Giugno 2016.

In Italia, invece, giugerà il 15 Settembre. Sarà ambientato sei mesi dopo le vicende di Alla Ricerca di Nemo e ci mostrerà Dory impegnata in un viaggio alla ricerca delle proprie origini e della sua famiglia, accompagnata da tanti nuovi amici e vecchie conoscenze.

Cliccando QUI potrete vedere il Poster ufficiale del film!

Cliccando QUI potrete vedere il Trailer italiano del film! 

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Stiamo parlando di Piper.

In meno di quattrocento secondi, contro i novanta minuti di alcuni film come Il Viaggio di Arlo, un piccolo uccellino che si appresta ad abbandonare il proprio nido per seguire il ciclo della natura, imparando a vivere (e poi sopravvivere) da solo, è in grado di mostrarci come osservare, guardare, studiare o analizzare ciò che ci circonda, ciò che è diverso da noi, possa essere la chiave per affrontare le proprie paure… superandole. Questa breve ma intensa vicenda è accompagnata da un’unica poetica traccia scritta da Adrian Belew. Il compositore, con un uso preponderante del clavicembalo (strumento inusuale rispetto ai ritmi esotici o marinareschi che ci si potrebbero aspettare dal cortometraggio), realizza una intensa brano strumentale in grado di accompagnare perfettamente le ambientazioni e i personaggi sempre più foto-realistici, anche grazie all’uso sapiente delle luci.

Piper è un breve ma intenso viaggio di formazione che Alan Barillaro, negli studi di Emeryville fin dai tempi di A Bug’s Life, realizza ispirandosi al mondo vero incontrando la tradizioni dei più famosi Classici dei Walt Disney Animation Studios come Pinocchio, Bambi o Dumbo, dove esseri “quasi-umani” o piccoli animali devono lasciare il proprio nido per crescere e diventare indipendenti, scoprendo ciò che li circonda. Un concetto sempre più noto in un mondo dove l’indipendenza sembra essere un traguardo sempre più difficile da raggiungere. Ed è così che Piper, anche se non indossa un mantello, non ha una maschera o particolari poteri, diventa l’eroe al quale tutti dovremmo ispirarci.

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