Prodotto da Sony Pictures Animation e New Line Cinema, Fixed avrà la particolarità di essere animato in 2D e di essere rated-R ovvero dedicato a un pubblico adulto e non adatto ai bambini.

Il film, che sarà completato a settembre, avrà per protagonista Bull, un cane che scopre che di lì a poco verrà castrato. Scioccato da questa notizia che gli cambierà la vita, decide di vivere un’ultima grande avventura e andare a spassarsela con i suoi amici per le sue ultime 24 ore “con le palle”.

“Qualcuno si offenderà”, ha dichiarato Tartakovsky, ma a quanto pare il suo obiettivo non è quello di indignare il pubblico, bensì di richiamare i vecchi classici. “Sarà come Lilli e il Vagabondo o La Carica dei 101, ma per un pubblico adulto. Se riuscirete a guardare oltre “le palle”, troverete un film molto dolce e sincero che parla di amicizia e amore”.

Tra i doppiatori originali troveremo Adam Devine, voce di Bull, e Idris Elba, voce del suo amico Rocco. Con loro anche Bobby Moynihan (Lucky), Fred Armisen (Fetch), Beck Bennett (Sterling), River Gallo (Frankie), Michelle Buteau (Molasses), e Kathryn Hahn (Honey, la cagnolina di cui è innamorato Bull).

Dal punto di vista dell’animazione, Fixed sarà un ritorno al disegno a mano. “Il 2D è diventato un’arte dimenticata”, ha dichiarato Tartakovsky, “Ormai è tutto fatto al computer. Avevo il sogno di fare un film come questo. Siamo riusciti ad avere nel team degli animatori che ci sembravano impossibili da raggiungere, e quello è stato il momento in cui questo progetto per me è diventato davvero emozionante”. Per quanto riguarda lo stile, il regista lo ha definito “un omaggio a Bugs Bunny o Tex Avery, o ai film e cortometraggi Disney degli anni ’50”.

Fonte: Variety

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Per chi non lo sapesse, Sketchbook, in uscita il 27 aprile sulla piattaforma, è una serie dedicata al disegno in cui alcuni grandi artisti degli studi di Disney Animation, sia veterani che nuove leve, mostreranno al pubblico come disegnare i personaggi Disney più amati, tra cui Kuzco, Olaf, Simba e molti altri.

Tra essi troviamo la leggenda dell’animazione Eric Goldberg, veterano dello studio che oltre ad aver diretto Pocahontas ci ha regalato tantissimi personaggi indimenticabili come il Genio di Aladdin, Filottete in Hercules e la sequenza della Rapsodia in Blu di Fantasia 2000.

Proprio Goldberg annuncia ad Indiewire che lo studio sta progettando un ritorno in grande stile al 2D dopo il risultato non soddisfacente del suo ultimo film animato a mano, Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri, nell’ormai lontano 2011.

Nel frattempo non ci sono stati altri lungometraggi in 2D, ma la tecnica è stata tenuta in vita grazie ai pochi veterani rimasti e con tanti altri piccoli progetti come il corto Paperman, la sperimentazione in alcuni corti della serie Corto Circuito, lo show Drawn to Life di Walt Disney World e il personaggio del “Mini-Maui”, il tatuaggio di Maui nel film Oceania, animato proprio da Goldberg.

Sembra però che il merito di un eventuale ritorno del 2D sia da attribuire alla piattaforma Disney+ e alle nuove possibilità offerte dallo streaming, oltre che al nuovo studio di Disney Animation Vancouver che si dedicherà unicamente alle serie animate.

Alla fine del 2021, lo studio ha avviato per la prima volta in dieci anni un programma di mentorship per formare dei giovani artisti nell’animazione tradizionale. Voluto dalla chief creative officer Jennifer Lee e dal presidente Clark Spencer, il programma di training durerà 12 mesi e ha selezionato sei partecipanti da oltre 2000 candidature. I fortunati giovani artisti potranno lavorare fianco a fianco con i veterani del Rinascimento Disney tra cui Eric Goldberg, Mark Henn, Randy Haycock e Rachel Bibb, con un programma che va dalla character alla effects animation fino al cleanup.

“Per moltissimo tempo ho sottolineato l’importanza di insegnare ai giovani artisti l’animazione a mano, ma man mano che i film in CGI diventavano più popolari questa necessità è diventata sempre meno importante per lo studio”, ha dichiarato Goldberg a Indiewire. “Ma ora finalmente abbiamo un gruppo di leader che riconoscono che questo è parte dell’eredità Disney e abbiamo anche dei contenuti che richiedono il contributo dell’animazione tradizionale, e questo è fantastico. Grazie al cielo abbiamo artisti che sanno fare entrambe le cose, ma prendersi l’impegno di insegnare a una nuova generazione è qualcosa di meraviglioso ed è davvero giusto che siamo noi a farlo”.

Infine, Goldberg ha annunciato che i piani di Disney Animation per il ritorno del 2D comprenderanno sia film e personaggi già conosciuti e parte della tradizione, sia progetti originali che prodotti ibridi, e che sono previsti sia lungometraggi d’animazione che serie Tv.

Nel frattempo potremo vedere Goldberg e gli altri artisti all’opera nella docuserie Sketchbook su Disney+.

Fonte: Indiewire

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Per chi non lo sapesse, SparkShorts è un programma sperimentale dei Pixar Animation Studios che permette alle nuove leve di proporsi come registi e ottenere il budget per un cortometraggio con cui mettersi alla prova. Lo scopo è ovviamente sperimentare nuove tecniche e testare quali potrebbero essere i registi del futuro, ma anche trovare un terreno in cui poter proporre nuove tematiche, come abbiamo visto con Out.

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Burrow, però, sperimenterà soprattutto con l’animazione: si tratta infatti di un raro prodotto Pixar realizzato in animazione tradizionale, una tecnica che lo studio di Toy Story utilizza molto raramente. Precedenti opere che hanno utilizzato il 2D sono ad esempio Il tuo amico topo (corto dei contenuti speciali di Ratatouille) e Kitbull, anch’esso all’interno della serie SparkShorts.

Protagonista del nuovo cortometraggio Burrow è una giovane coniglietta che vuole scavare la tana dei suoi sogni, nonostante non abbia la minima idea di cosa stia facendo. Piuttosto che rivelare ai suoi vicini le sue imperfezioni, si caccia sempre di più nei guai. Dopo aver toccato il fondo, però, imparerà che non c’è da vergognarsi a chiedere aiuto.

Burrow è diretto da Madeline Sharafian e prodotto da Mike Capbarat. Debutterà il 25 dicembre in esclusiva su Disney+.

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Per i meno informati, parliamo ovviamente del grande artista che, dopo l’inizio in Disney, ha fondato la propria casa di produzione Don Bluth Productions regalandoci film come Brisby e il segreto di NIMH, Fievel sbarca in America, Alla ricerca della Valle Incantata, Charlie – Anche i cani vanno in paradiso e, ovviamente, il celebre Anastasia, co-diretto con Gary Goldman.

All’età di 82 anni, Don Bluth ha annunciato sui social network l’avvio di un nuovo studio di animazione che si occuperà della rinascita dell’animazione 2D con nuovi progetti originali. Il primo saranno le Bluth Fables, una serie di cortometraggi che reinterpreteranno in chiave “donbluthiana” le favole classiche di Esopo o le filastrocche per bambini.

“Crediamo che il pubblico voglia un nuovo rinascimento dell’animazione a mano, e il nostro obiettivo è rendere questo sogno realtà. La nostra azienda sarà molto trasparente, mostrerà al proprio pubblico concept art, pencil test, model sheet, animatic e molto molto altro ancora. Siamo felicissimi di condividere con tutti voi ciò su cui stiamo lavorando. Unitevi a noi nella nostra nuova avventura”.

È già possibile vedere alcuni work in progress sul canale YouTube dell’animatore Lavalle Lee, precedentemente studente e poi collaboratore stretto di Don Bluth. Lee è stato promosso a vice presidente del nuovo studio, come annuncia in un post su Facebook:

“Una fantastica notizia! Sono felice di annunciare che collaborerò con Don Bluth alla creazione di un nuovo studio chiamato Don Bluth Studios. Come affermato da Don stesso, egli pensa che il mio talento sia promettente e mi ha concesso l’onore di diventare il vice presidente del suo nuovo business. Questa nuova azienda si occuperà di creare nuovi personaggi, nuove idee e nuovi progetti. Se mi aveste detto 10 anni fa che sarei stato il “numero due” di Don, avrei risposto: “Sì, come no!”. Per me è una notizia incredibile e non vedo l’ora di cominciare a condividere con voi quello che stiamo preparando. Non terremo i nostri progetti nascosti dal pubblico, condivideremo online molto materiale e vi mostreremo i nostri progressi. Tenetevi pronti!”

Fonte: Cartoon Brew
Foto: Pagina Facebook Don Bluth Films

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Il progetto è nato nel 2012 grazie a Craig Peck, allora un tirocinante ai Walt Disney Animation Studios, che ha avuto modo di partecipare alla produzione di Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri (2011), l’ultimo film in animazione a mano realizzato dalla Disney. Purtroppo l’artista si è reso conto che, durante la produzione, la tecnica veniva gradualmente messa sempre più da parte e che lo studio si stava preparando a licenziare alcuni dei suoi migliori talenti per convertirsi definitivamente soltanto all’animazione CGI.

Peck ha allora contattato alcuni grandissimi della storia Disney: il produttore Don Hahn (La Bella e la Bestia, Il Re Leone), lo sceneggiatore Tab Murphy (Tarzan, Atlantis – L’impero perduto, Il Gobbo di Notre Dame) e soprattutto Kirk Wise, regista de La Bella e la Bestia, Il Gobbo e Atlantis, qui di nuovo dietro la macchina da presa. Anche il team dei tecnici veniva da Disney: l’art director Brian McEntee, il layout supervisor Ed Ghertner, lo story artist Joe Haidar, i character designer Joe Moshier e Shane Prigmore, e gli animatori Ruben Aquino, Bruce Smith e Nik Ranieri.

Galaxy Gas avrebbe dovuto essere la storia di un ragazzino che scopre che il padre, il quale possiede una solitaria stazione per la benzina nel deserto del New Mexico, in realtà fa rifornimento per una popolazione aliena di cui rappresenta la copertura per mantenere la pace nell’universo. Il film avrebbe dovuto essere animato in 2D ma con uno stile volumetrico e con l’integrazione della computer grafica per realizzare le astronavi e lo spazio. Inoltre sarebbe stato uno dei primi film 2D a essere convertiti in 3D stereoscopico (quello “con gli occhialini”).

Il progetto ha attirato l’attenzione di molti artisti, produttori e di un’importante compagnia di distribuzione: purtroppo, proprio quando la produzione di Galaxy Gas stava per iniziare, i creatori hanno scoperto che i fondi che erano stati loro promessi dagli investitori in realtà non erano disponibili. La lavorazione quindi è naufragata e tutto ciò che è rimasto è un sizzle reel realizzato nel 2014 e utilizzato per presentare il progetto a eventuali partner commerciali.

“Amiamo tutti profondamente questo progetto e se mai dovesse esserci la possibilità di tornare a lavorarci, ci piacerebbe moltissimo”, ha dichiarato Peck.

Nell’attesa, ecco il trailer/sizzle reel del film mai realizzato Galaxy Gas. Potete vedere altre immagini visitando Cartoon Brew.

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Questa la trama ufficiale di Buñuel Nel labirinto delle tartarughe:

Parigi 1930. Dopo lo scandalo suscitato nella società fascista e clericale dell’epoca, con il suo primo lungometraggio L’âge d’or”, il cinesta Luis Buñuel prende le distanze da Salvador Dalì, con il quale aveva collaborato nei suoi primi lavori e con il quale si era imposto come voce autorevole della cultura surrealista. L’esito infausto del suo film lascia Buñuel senza un soldo ma il suo buon amico, lo scultore Ramón Acín compra un biglietto della lotteria, con la promessa che se avesse vinto avrebbe finanziato il prossimo lavoro del regista. Incredibilmente il biglietto è vincente. Luis e Ramón, partono per realizzare il documentario Las Hurdes.

In una suggestiva combinazione di animazione ed estratti di immagini e musiche dal documentario originario, il film racconta un’avventura affascinante e drammatica, dalla quale emerge uno spaccato toccante della vita del grande regista, alla ricerca di una sua libera espressione artistica: i nodi irrisolti del suo passato, la frustrazione rispetto alla fama di Dalì, il difficile rapporto con una figura paterna austera e distante, la sua formazione clericale e il talento innato nel raccontare storie.

L’appuntamento con Buñuel Nel labirinto delle tartarughe è al cinema dal 5 marzo 2020 grazie a Draka Distribution.

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Si tratta di un retelling della storia vera di Calamity Jane, pseudonimo di Martha Jane Cannary, un’avventuriera del selvaggio West nota per essere diventata la prima donna pistolera. La pellicola si concentrerà sugli anni dell’infanzia, quando la giovane protagonista dovrà diventare “l’uomo di casa” dopo un incidente accaduto al padre durante un viaggio verso il West.

“Ho visto un documentario su Calamity Jane sul canale francese Arte”, ha raccontato il regista Rémi Chayé ad Animation Magazine. “Così ho scoperto che Martha Jane Cannary, che anni dopo sarebbe diventata Calamity, ha viaggiato per l’Oregon e che ha imparato un sacco di cose durante quel periodo. Cacciare, cavalcare, condurre una carrozza… ha amato molto questo periodo della sua vita, nonostante il lutto della morte della madre. Mi sono chiesto: e se fosse il padre ad avere un incidente e Martha Jane fosse costretta dalle circostanze a vivere la vita di un ragazzo? Scopre la libertà che si prova a essere un uomo e non vuole più farne a meno. Potrebbe essere un buon soggetto per un film”.

Realizzato interamente in 2D come Sasha e il Polo Nord, il film ha richiesto una lavorazione di sei anni con un budget stimato a 9.4 milioni di dollari. Il produttore lo definisce come “una delle produzioni indipendenti europee più ambiziose del momento”. Scritto dai collaboratori di Chayé Fabrice de Costil e Sandra Tosello e prodotto da Henri Magalon (Ernest e Celestine, Zombillennium, Sasha e il Polo Nord), vanta anche la collaborazione del color designer Patrice Suau, dal film francese nominato all’Oscar 2020 Dov’è il mio corpo?.

Foto: Animation Magazine, Pagina Facebook del film

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Il regista Sergio Pablos, però, è stato chiaro in merito fin dall’inizio: seppur riconoscendo le aspettative del pubblico, la sua filosofia è sempre stata quella di non ridurre Klaus alla mera tecnica, una semplificazione che forse avrebbe spinto a guardare il film solamente attraverso gli occhi della nostalgia, invece di considerare i suoi veri meriti. E senza dubbio aveva ragione, perché Klaus è un ottimo film prima ancora di essere un ottimo film d’animazione 2D.

Sarebbe stato molto facile bearsi della grandezza della character animation (probabilmente la migliore da molti anni a questa parte), della precisione della stilizzazione degli sfondi rigorosamente dipinti a mano o della straordinaria rivoluzione rappresentata dall’innovativo software per l’illuminazione, in grado di regalare ai disegni fatti con carta e matita un volume mai visto prima per un’opera bidimensionale. Eppure, alle conquiste grafiche e tecnologiche Pablos e i suoi collaboratori affiancano una storia solida, dal respiro classico ed evocativo di un modo di far cinema che in America sembra ormai perduto. Lontano dai riflettori di Hollywood, Klaus può permettersi di riscoprire tutta la raffinatezza e l’eleganza dell’animazione tipicamente europea, senza mai dimenticare tuttavia lo storytelling disneyano. Sergio Pablos ha imparato dai grandi (due nomi su tutti: John Musker e Ron Clements), e si vede: non c’è nulla di particolarmente originale o nuovo né nel soggetto raccontato né nella sua regia; piuttosto c’è un modo di dirigere che è già classico, ponte tra il passato e il presente con una nuova consapevole freschezza.

E c’è anche un’altra lezione che Pablos ha ben assimilato dai suoi mentori, quella del less is more che tanto sembra ostile alle grandi produzioni ad alto budget americane di oggi. Klaus non è un film ambizioso, ma è un film intelligente: sa che ridurre la trama all’essenziale significa far parlare i personaggi, mettere in risalto l’animazione, la loro recitazione, ed è proprio perché le loro performance sono così credibili che lo spettatore ride, piange e si emoziona di fronte a questa moderna leggenda natalizia. In Klaus – I segreti del Natale la storia serve la tecnica, e la tecnica serve la storia, e c’è poco da dire: è così che si dovrebbe fare animazione.

Guarda Klaus – I segreti del Natale su Netflix!

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Il lungo lavoro di adattamento operato da Mattotti e dal suo team sull’opera originale di Buzzati non deve essere stato facile, ma ha dato i suoi frutti. Il film, che pur si mantiene piuttosto in linea con il romanzo, sceglie di inquadrare la storia della famosa invasione degli orsi all’interno di una cornice quasi mitica, affidata ai due cantastorie Gedeone e Almerina. Cercando riparo in una caverna, i due si imbattono in un vecchio orso e, un po’ per sdebitarsi dell’ospitalità, un po’ per non essere mangiati in un sol boccone, decidono di raccontargli una storia antica che riguarda orsi e umani. Il meccanismo narrativo della cornice è spesso un’arma a doppio taglio in quanto rischia di interrompere eccessivamente lo svolgimento della trama. Qui, tuttavia, il pericolo è stato abilmente scongiurato: i due narratori (a cui poi si aggiungerà nel secondo atto il vecchio orso, doppiato dal compianto Andrea Camilleri) rappresentano non soltanto l’espediente registico per guidare lo spettatore alla comprensione della storia, ma anche il ponte tra la realtà e la leggenda, tra chi assiste al racconto e gli abitanti del regno di re Leonzio.

È un mondo che sembra un teatro di burattini quello immaginato da Lorenzo Mattotti, in cui orsi e uomini finiscono per confondersi e prendere i vizi l’uno dell’altro. Ma è anche un mondo che sa delinearsi in maniera netta attraverso il mezzo dell’animazione: la palette di colori, le forme ben distinte, il design di personaggi come il mago De Ambrosiis, un piccolo capolavoro di linee e geometrie, contribuiscono alla creazione di un universo del quale non si ha mai abbastanza. A lasciare totalmente stupefatti è soprattutto il lavoro senza pari portato a termine dal team di specialisti di luci e ombre. Sono queste ultime, soprattutto, a caratterizzare i personaggi de La famosa invasione degli orsi in Sicilia, disegnati completamente a mano ma resi volumetrici e tridimensionali unicamente dall’utilizzo delle ombre. Non è solo una questione di avanzamento tecnico (e lo è, perché è difficile ricordare un altro film d’animazione 2D illuminato a questo modo): le ombre raccontano la storia, non lasciano mai i personaggi, determinandone personalità, movimenti, emozioni e stati d’animo.

Il finale del film, poi, è forse il miglior regalo che Lorenzo Mattotti potesse lasciare al suo pubblico: in un mondo in cui il cinema, e specialmente il cinema per ragazzi, tende sempre di più a voler spiegare ogni cosa, dando in pasto a chi osserva passivamente quasi un’overdose di informazioni, La famosa invasione degli orsi in Sicilia rema in direzione contraria con un finale aperto in cui soltanto l’intervento dello spettatore può sciogliere il mistero. La risposta è nell’immaginazione di chi guarda, e questo è un modo di fare cinema bellissimo.

Foto: ©2019 Prima Linea Productions – Pathé Films – France 3 Cinéma – Indigo Film

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Pablos ha avuto modo di illustrare al pubblico di View Conference la lavorazione del film, che essendo animato interamente a mano ha visto il coinvolgimento di veterani della sua generazione accanto a nuove leve appassionate di 2D. Pezzo forte di Klaus è però lo straordinario software per l’illuminazione che regala ai disegni una tridimensionalità mai vista prima per un film in tecnica tradizionale, tanto che Pablos ha scherzato sul fatto che tutti gli spettatori continuano a scambiarla per tecnica 3D.

L’effetto ricercato era invece quello di un artbook o un libro illustrato in movimento, e sicuramente Klaus dal punto di vista visivo è qualcosa di impressionante, e un enorme salto in avanti per l’animazione a mano, sulla quale la sperimentazione ad alto budget era praticamente ferma da La principessa e il ranocchio (2009). Dalle prime (e numerose) scene mostrate da Pablos a View Conference, il film non solo sembra la fusione perfetta tra animazione a mano e un feeling 3D (che è, appunto, solamente apparente), ma dimostra anche una storia solida, gag ben riuscite ed emozioni assicurate. C’è molto di Disney classica in questo Klaus, con un tocco moderno che decisamente si attendeva da tempo per quanto riguarda l’animazione a mano.

Ecco infine la descrizione delle scene mostrate a View Conference 2019 Klaus.

Concept art by Pascal Campion Via The SPA Studios Facebook page

View Conference 2019 Klaus, la descrizione delle scene 

L’arrivo di Jesper al villaggio 

Il protagonista Jesper, inizialmente scontroso e poco socievole, viene inviato nel villaggio sperduto di Smeerensburg con l’obiettivo di mettere in piedi un efficiente servizio postale. Aspettandosi una grande accoglienza, Jesper viene imbrogliato dal traghettatore Mogens che lo spinge a suonare “la campana della guerra”, una campana posta al centro della città al cui rintocco si scatena l’inferno tra i riottosi cittadini. La città si rivela subito litigiosa e ostile; cercando rifugio Jesper finisce per caso in una baracca che molto tempo addietro era una scuola. La abita la maestra Alma, che avendo perso tutti i suoi alunni (non più interessati ad imparare) ora si è trasformata in una venditrice di pesce fresco.

L’incontro con Klaus 

Alla disperata ricerca di un modo per andarsene in fretta dalla città, Jesper si imbatte in Klaus, un uomo burbero dalla folta barba bianca che intaglia giocattoli fatti a mano. Sembra la soluzione perfetta: il postino gli propone così di regalare giocattoli ai bambini in cambio di una letterina.

Il nuovo servizio postale 

In breve tempo, il nuovo servizio postale di Jesper inizia a prendere piede con successo: tutti i bambini sono entusiasti dell’iniziativa e ogni giorno corrono a spedire nuove letterine al signor Klaus sperando di ricevere in cambio giocattoli. I giochi, a loro volta, finiscono per ravvivare la città: per la prima volta, i più piccoli scoprono il piacere di stare insieme e di condividere, risvegliando le risate e l’allegria in tutta Smeerensburg. Inoltre, Jesper annuncia che soltanto coloro che faranno buone azioni riceveranno un regalo da Klaus, il quale compila ogni giorno una lista dei bambini buoni e dei bambini cattivi. La notizia genera una catena di buone azioni che iniziano a ripercuotersi anche sulla vita dei genitori e di tutti i cittadini.

Ma non solo. Come abbiamo scoperto all’inizio, alcuni bambini di Smeerensburg non sono mai andati a scuola, tanto che la maestra ha dovuto improvvisarsi venditrice di pesce. Jesper suggerisce loro di tornare sui banchi per imparare a scrivere: senza lettera, infatti, non riceveranno alcun dono. Anche se inizialmente riluttante, Alma ritrova così la passione per l’insegnamento e la sua scuola si popola di nuovo di allievi.

Le renne 

Nell’ultima scena vediamo invece Jesper e Klaus domare un branco di renne per poter trainare la slitta con cui consegnare tutti i loro regali. È ovviamente l’inizio della famosa leggenda di Babbo Natale, ma anche un’occasione per il regista di mostrare uno dei pochi elementi del film realizzati in CGI 3D. Sergio Pablos ha spiegato infatti che il computer è corso in aiuto dei disegnatori per quanto riguarda alcuni oggetti di scena, set e animali che non sarebbero più stati riutilizzati e per cui era necessario economizzare il più possibile il budget e il tempo. Nonostante ciò, le texture di questi elementi sono state studiate approfonditamente per far sì che si mescolassero in maniera perfetta con i disegni a mano: in effetti, sullo schermo è praticamente impossibile distinguere gli uni dagli altri.

The post View Conference 2019 Klaus, la descrizione di alcune scene in anteprima dal film Netflix appeared first on Imperoland.