I due volumi dell’opera saranno disponibili in edicola, fumetteria e su Panini.it, al costo di € 9,90. Il primo volume esce oggi 22 luglio, mentre il secondo (e ultimo) arriverà il 19 agosto.

Inoltre, sarà possibile collezionare entrambi i volumi inclusi in un preziosissimo cofanetto-forziere al costo di € 25,00. Il cofanetto sarà esclusiva delle fumetterie o online.

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Il manga di Alice in WonderLand si ispira al live action di Tim Burton, uscito nelle sale nel 2010, il quale narra gli eventi conseguenti alle avventure raccontate nel romanzo di Lewis Carroll Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie, diventando di fatto il sequel del Classico Disney degli anni ’50. Nel film, come nel manga di Jun Abe, Alice ha diciannove anni, è cresciuta e deve fronteggiare le follie della vita degli adulti. Non ricorda più nulla delle peripezie vissute quando era stata per la prima volta nel Paese delle Meraviglie. Tutto scorre liscio, finché ad una festa incontra il suo vecchio amico Bianconiglio che la conduce nuovamente in quel magico luogo in cui dovrà affrontare il Ciciarampa, terribile mostro al servizio della Regina Rossa…

Il genio di Tim Burton e la potenza delle illustrazioni di Jun Abe si uniscono in un manga davvero speciale, che porterà ogni lettore in un mondo sospeso tra sogno e realtà. Un titolo imperdibile per tutti i fan di Alice e per chi non vuole smettere di sognare, neanche da ‘grande’.

Le copertine e il cofanetto del manga di Alice in WonderLand

Foto: © Disney, Courtesy of Panini Comics Italia

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Ogni episodio di Alice’s Wonderland Bakery avrà due ministorie di 11 minuti in cui Alice vivrà avventure “gustose” insieme ai suoi amici: il coniglio bianco Fergie, la sua eccentrica amica Hattie e Rosa, la Principessa di Cuori. La serie sarà rivolta ai bambini dai 2 ai 7 anni e ai loro genitori e sfrutterà la tematica del cibo per parlare di culture e tradizioni, della creatività in cucina, dell’espressione della propria individualità e dei propri talenti, di amicizia, collaborazione e senso di comunità.

Il team creativo per la nuova serie Alice’s Wonderland Bakery include la nominata all’Emmy Chelsea Beyl (Dottoressa Peluche) nel ruolo di produttrice esecutiva, Frank Montagna (Elena di Avalor) come co-produttore esecutivo e art director e Nathan Chew (Elena di Avalor) nel ruolo di regista supervisore. John Kavanaugh (Sofia la Principessa) si occuperà delle canzoni, mentre Matthew Margeson (Rocketman) è il compositore. La serie è prodotta da Disney Television Animation.

“La magia di Alice nel Paese delle Meraviglie ha incantato milioni di persone per oltre un secolo, e siamo felici di presentare questa versione giovane di Alice e i suoi simpatici amici alle nuove generazioni”, ha dichiarato Joe D’Ambrosia, senior vice president, Original Programming, e general manager di Disney Junior. “Ispirata al senso di comunità della cucina e del cibo, e con tantissime ricette ricche di magia e di amore, la serie racconterà delle storie divertenti con temi in cui il giovane pubblico di Disney Junior potrà riconoscersi”.

Alice’s Wonderland Bakery arriverà su Disney Junior (e su Disney+ nei paesi in cui i canali Disney non sono più presenti) nel 2022.

Fonte: D23

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I protagonisti di queste novità sono senza dubbio i due nuovi lungometraggi Disney e Pixar in uscita nei prossimi mesi: Raya e l’ultimo Drago e Luca. Per i fan più nostalgici, comunque, Funko ha creato delle nuove statuette dedicate ai classici come Lilo e Stitch, Alice nel Paese delle Meraviglie, Pinocchio e al film Cool Runnings della Walt Disney Pictures. Tutte le novità Funko Pop Disney sono disponibili per il preordine online.

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Tutte le novità Funko Pop Disney 2021

Per quanto riguarda Raya e l’ultimo Drago, le nuove statuette Funko Pop Disney dedicate al film sono 7 e ritraggono la protagonista, il drago Sisu, l’adorabile TukTuk e i personaggi di Namaari, Noi e Ongi.

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Raya guerriera
Raya
Sisu
Tuk Tuk
Namaari
Noi
Ongi

I nuovi Funko Pop di Luca, invece, ritraggono Luca e Alberto, i due bambini protagonisti del film in uscita il 18 giugno 2021. Il film sarà ambientato in Liguria ed è diretto da un regista italiano.

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Luca 
Alberto

Le novità Funko Pop Disney non finiscono qui. La casa delle statuette in vinile ha infatti deciso di omaggiare quest’anno anche alcuni classici Disney. Primo tra questi è il film Alice nel Paese delle Meraviglie al quale Funko Pop ha dedicato 8 nuove statuette. La protagonista è stata ritratta in due nuovissime figure in vinile. In una di queste è rappresentata mentre canta la canzone “Nel meriggio d’or” insieme ai fiori. Tra le altre statuette dedicate al tredicesimo classico Disney vi sono lo Stregatto, il Leprotto Bisestile, il Cappellaio Matto, il Bianconiglio, Pinco Panco insieme a Panco Pinco e la Regina di Cuori insieme al consorte.

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Alice con fiori
Alice
Regina di Cuori
Stregatto
Bianconiglio
Cappellaio Matto
Leprotto Bisestile
Pinco Panco e Panco Pinco 

Il secondo classico omaggiato da nuovi prodotti della Funko Pop è Pinocchio. Nella nuova gamma si possono trovare le statuette del protagonista, del Grillo Parlante, della Fata Turchina (anche in versione Chase) di Geppetto e del gattino Figaro insieme alla pesciolina Cleo.

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Pinocchio
Grillo Parlante
Fata Turchina
Figaro
Geppetto

L’ultimo lungometraggio animato omaggiato con nuove statuette Funko Pop Disney è Lilo e Stitch. I nuovi prodotti comprendono due statuette di Lilo, due di Stitch e due portachiavi (uno per ogni personaggio). Lilo è ritratta in una versione insieme al pesce Pudge (disponibile, senza il pesciolino, anche in versione portachiavi) e nell’altra con la sua bambola Scrump. Stitch invece è stato ritratto in una divertentissima versione sulla navicella spaziale giocattolo sulla quale sale durante il film. Le altre due statuette, invece, lo vedono sorridente in una versione (disponibile anche come portachiavi) e mentre suona l’ukulele in un’altra.

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Lilo e Pudge
Stitch sul razzo
Lilo e Scrump
Stitch
Stitch con ukulele
Portachiavi Lilo 
Portachiavi Stitch

Infine sono stati annunciati anche i Funko Pop dedicati alla commedia Cool Runnings – Quattro sottozero del 1993. La pellicola è basata sulla storia vera della Nazionale di bob della Giamaica che partecipò ai Giochi olimpici invernali di Calgary 1988. Le due statuette Funko rappresentano Irving Blitzer, l’allenatore del film, e Sanka Cofee, atleta protagonista del lungometraggio.

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Irving Blitzer
Sanka Cofee

Funko ha rilasciato moltissimi nuovi prodotti in questa Funko Fair 2021. Quali sono i vostri preferiti?

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10 curiosità su Anne Hathaway

• Anne Hathaway nasce il 12 novembre 1982 a New York. Figlia dell’avvocato Gerald Hathaway e dell’attrice Kate McCauley, ha due fratelli: Michael e Tom.
• Anne nasce in una famiglia molto religiosa, tanto che da bambina accarezza l’idea di intraprendere la vita monacale.
• Anne è sempre stata un’attivista per i diritti della comunità LGBTQ+ anche e soprattutto dopo il coming out di suo fratello Michael. Proprio in quel momento l’attrice ebbe anche una crisi di fede, poiché riteneva che nessun tipo di religione accettasse veramente la comunità LGBTQ+. La famiglia Hathaway passò dalla religione cattolica romana alla chiesa episcopale americana (che fa parte della comunione anglicana). Anne, tuttavia, fatica tuttora a riconoscersi anche in questa religione.

Curiosità su Anne Hathaway, tra premi e ruoli iconici

• Impossibile dimenticarsi dell’iconico ruolo di Mia Thermopolis nei film Pretty Princess e Principe Azzurro Cercasi. Una curiosità su Anne che riguarda questo film risale al suo provino per la Disney. Durante una scena infatti cadde rovinosamente a terra, convincendo il regista e i produttori a darle il ruolo della maldestra Mia seduta stante (se volete sapere altro sul film, leggete 10 curiosità su Pretty Princess).
• E a proposito di Mia Thermopolis, Anne ha dichiarato di essere eternamente grata alla Disney per averle affidato il ruolo. Per quanto, secondo le sue dichiarazioni, aver recitato in un film simile sia stato anche un fardello durante la sua carriera, essere la principessa Mia ha avviato la sua carriera e le ha cambiato per sempre la vita.
• Anne Hathaway ha vinto l’Oscar per Migliore attrice non protagonista nel 2013 per il ruolo di Fantine in Les Misérables. Un ruolo a lei particolarmente caro in quanto la madre lo aveva precedentemente interpretato a teatro. Per questo personaggio perse diversi chili assumendo non più di 500 calorie al giorno. Inoltre si fece tagliare i capelli. Nonostante la vittoria del premio, Anne ha dichiarato di non essere stata bene per molto tempo successivamente alle riprese, e che alla notte degli Oscar quasi non si sentisse degna di accettare la statuetta.

Anne Hathaway e la Regina Bianca

• Un altro ruolo iconico del mondo Disney a cui Anne Hathaway ha prestato il volto è quello della Regina Bianca in Alice in Wonderland, accanto a Johnny Depp e Mia Wasikowska. Anne ha definito il suo personaggio come una “pacifista vegana con uno stile punk-rock”. Secondo l’attrice, infatti, la Regina Bianca ha dentro di sé tanta oscurità quanto la Regina Rossa (essendo entrambe della stessa famiglia). La differenza è che, per quanto a Mirana piaccia l’oscurità, cerca di allontanarsene il più possibile perché spaventata da quello che potrebbe succederle. “Per questo”, ha dichiarato Anne Hathaway, “si circonda di oggetti di colori chiari e che rendono l’ambiente felice e disteso”.
• L’attrice ha dichiarato di essersi ispirata a Debbie Harry e a Greta Garbo per il personaggio della Regina Bianca.

Idoli e regole da infrangere

• Anne ha confessato in un’intervista che la sua attrice preferita di tutti i tempi è Judy Garland. Tuttavia, ha sempre definito la magnifica Meryl Streep il suo idolo.
• Un’ultima curiosità riguardo Anne Hathaway riguarda una piccola regola che le è sempre piaciuto infrangere. Fin da quando era molto piccola, Anne si è sentita dire spesso di non poter fare alcune cose “perché sei una ragazza”. Da allora si è ripromessa di combattere con tutte le sue forze gli stereotipi di genere per dimostrare che, pur essendo donna, sarebbe riuscita a fare moltissime “cose vietate alle ragazze”.

Quale curiosità su Anne Hathaway vi ha sorpreso di più? Qual è il ruolo nella quale l’avete preferita, Disney e non?

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7 curiosità su Mia Wasikowska

• Nata il 25 ottobre 1989 a Canberra, Mia Wasikowska è un’attrice australiana. Sia il padre, John Reid, di origini australiane, sia la madre Marzena Wasikowska, di origini polacche, sono fotografi. La loro passione per le immagini e per la macchina fotografica è sempre stata molto presente in famiglia, tanto da essere “tramandata” anche ai figli Jess, Mia e Kai.

• Lo sapevate che da bambina, a nove anni, Mia cominciò a studiare danza classica? Iniziò le lezioni di ballo al Canberra Dance Development Centre sperando di diventare, una volta cresciuta, una professionista. A tredici anni cominciò a danzare sulle punte per 35 ore alla settimana, oltre a frequentare le ordinarie lezioni scolastiche. Purtroppo, in seguito le venne diagnosticato uno sperone calcaneare che le impedì di accedere alla professione di ballerina. Oltre alla diagnosi, a Mia non piaceva avere l’ansia della ricerca del corpo perfetto, perciò abbandonò all’età di quattordici anni.

Remake Disney… ma non solo!

• Tutti i fan Disney conoscono Mia Wasikowska per il ruolo di Alice Kingsley in Alice in Wonderland e Alice attraverso lo specchio. Ciò che non molti sanno è che la ricerca della “Alice giusta”, come direbbero nel celebre remake, non è stata affatto semplice. Wasikowska fu scelta nel luglio del 2008 (due anni prima dell’uscita del film) dopo una ricerca estenuante. Inizialmente Mia inviò un video alla produzione, dopodiché dovette passare attraverso altre tre audizioni a Londra prima di essere scelta. Ovviamente riuscì ad avere la parte nel film del 2010 e riprese il suo ruolo nel 2016 in Alice attraverso lo specchio.

• Degni di nota tra gli altri suoi progetti sono Jane Eyre del 2011 con Michael Fassbender e Crimson Peak del 2013 con Tom Hiddleston e Jessica Chastain. In realtà, il ruolo di protagonista di quest’ultimo lungometraggio diretto da Guillermo del Toro avrebbe dovuto essere di Emma Stone. Tuttavia, quando la Stone rinunciò, Mia subentrò nella produzione e divenne l’attrice protagonista del film.
• Una curiosità su Mia Wasikowska particolarmente importante riguarda un’onorificenza. Nel giugno del 2011, infatti, l’attrice è entrata a far parte, ancora giovanissima, della Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Curiosità su Mia Wasikowska all’infuori dei set cinematografici

• Nel tempo libero Mia Wasikowska ama fotografare. Ha infatti ereditato la stessa passione dei genitori e ama catturare immagini durante i suoi viaggi, ma anche durante le riprese dei suoi film. Sul set di Jane Eyre, infatti, il reparto dei costumi aggiunse negli abiti di Mia delle piccole tasche che potessero contenere la sua Rolleiflex camera. Addirittura, una foto che fece proprio sul set di questo film vinse un premio in Australia, la sua terra natia.
• Un’ultima curiosità su Mia Wasikowska, invece, riguarda la Time 100, lista delle persone più influenti al mondo che viene stilata ogni anno dalla rivista statunitense Time. Il 21 aprile del 2011, infatti, Mia venne inserita nella lista dell’anno come una delle persone più influenti al mondo. Al suo fianco ci furono star del calibro di Glenn Close e Colin Firth e personaggi come Mark Zuckerberg e Michelle Obama.

Vi è piaciuta Mia Wasikowska nel ruolo di Alice? Quale di queste curiosità vi ha più sorpreso?

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In Italia questo film d’animazione ha sempre goduto di un discreto successo, anche se non si può certo incasellare tra i Classici più remunerativi dello Studio. Un parte del suo fascino è indubbiamente imputabile all’inarrivabile lavoro svolto da Roberto de Leonardis per l’adattamento italiano del copione del film. De Leonardis, affettuosamente chiamato dai colleghi “Il Comandante” per via dei suoi trascorsi biografici in marina, è stato non solo un amico personale di Walt ma anche e soprattutto l’adattatore italiano di tutti i prodotti audiovisivi della Casa del Topo per tutta la durata della sua carriera nel mondo del doppiaggio.

Una piccolissima premessa prima di entrare nel vivo: Alice è un film degli anni ’50. Non esistevano computer, non esisteva internet e una grossissima fetta del pubblico italiano non era ancora alfabetizzata. Spesso si leggono critiche alla versione italiana del film, accusata di aver modificato e storpiato senza reali motivi il copione originale. In realtà l’operato di de Leonardis mirava a rendere il film perfettamente fruibile in italiano cosa che, per questo titolo più che in altri, poiché pieno di giochi di parole e virtuosismi linguistici, non era affatto facile. Il Comandante ci è riuscito? A voi la sentenza, ma prima eccovi qualche piccola curiosità della quale, forse, bisognerebbe tenere conto prima di rispondere alla provocatoria domanda.

L’arte di Roberto De Leonardis in Alice nel paese delle meraviglie

Da Dinah a Oreste

L’esempio probabilmente più famoso di adattamento (e non di semplice “traduzione”!) è da ricercare nel simpatico nome del gatto di Alice: Oreste. Se si confronta col nome originale del personaggio non ci vuole molto a scoprire che il gatto non è un maschio, bensì una femmina, come facilmente intuibile anche dal nastro rosa che porta al collo, e che si chiama Dinah. Ma a cosa è dovuto questo cambio nel nostro copione? Un semplice vezzo del de Leonardis? No. In realtà la motivazione è molto più complicata di quanto si possa pensare e, proporzionalmente, geniale è la soluzione che è stata trovata.

Per capirci qualcosa dobbiamo abbandonare Oreste/Dinah a inizio film e andare direttamente alla scena del tè dei matti, nella quale Alice ha capito che pronunciare la parola “gatto” è proibito, pena lo scatenare gli isterismi del Toperchio. Per superare l’ostacolo senza ricorrere al termine proibito, nella versione originale la ragazzina pensa di compitare la parola (C-A-T) ma, arrivata all’ultima lettera, il Cappellaio Matto pensa che Alice stia parlando di tè come bevanda (infatti la pronuncia inglese di “tea” e della lettera “T” sono identiche). Per mantenere il gioco e il fraintendimento anche nella nostra versione, Roberto de Leonardis ha genialmente pensato di di far sillabare ad Alice il nome O-RES-TE, così che sentendo l’ultima sillaba il Cappellaio potesse comunque ricollegarsi alla bevanda tè. I più pignoli noteranno che la sillabazione di Alice è in realtà scorretta, ma tanto nel libro di Carroll quanto nella versione originale del film Disney la protagonista commette diversi errori di grammatica, quindi de Leonardis non ha “creato” nulla che non fosse in sintonia col personaggio e con l’atmosfera generale della pellicola. Anzi, se non fosse ricorso a questo giochetto, con ogni probabilità la battuta sarebbe rimasta irrisolta.

Ostrichette 

Adattare un copione per un film non significa, banalmente, solo tradurlo letteralmente per poi farlo recitare ai doppiatori convocati al leggio per l’edizione italiana. L’adattamento è (o forse, purtroppo, era) un procedimento che adattava il copione da una cultura all’altra senza, ovviamente, stravolgere il testo e rispettando tutti i corretti riferimenti voluti dal regista nell’opera originaria. Uno dei più celebri casi d’adattamento “deleonardisiano” è forse Romeo che, ne Gli Aristogatti diventa un vagabondo gatto romano… er mejo der coloseo! Avrebbe avuto senso mantenere nella nostra versione un gatto di strada Irlandese (tale Thomas O’Malley), senza adattarlo? Probabilmente no…

Una bella chicca dialettale è nascosta anche in Alice nel paese delle meraviglie ma, al contrario del caso di Romeo, si tratta di una piccolezza che definire sopraffina è poco e che questa volta è da ricercare in un altro dialetto italiano: quello veneto.

Tricheco: Oh, io sono commosso!
Oh scusatemi!
Voi non saprete mai
qual gioia è il vostro incontro
e l’ho gustato assai!
Carpentiere: Ostrichette? Ostrichette?
Pinco Panco e Panco Pinco: Ma non ci fu risposta, oh ostregheta!
e non c’è da stupir
perché le avea mangiate tutte
ahimè!

Anche se dal contesto è facilmente intuibile, per il reale significato di “ostregheta” ci viene in aiuto direttamente l’enciclopedia Treccani, la quale riporta: “ òstrega interiez. – Voce veneta, propriam. s. f., che significa «ostrica» (e come tale ha il plur. òstreghe), usata come esclam. di scherzoso stupore, di leggero dispetto, talora come energica e vivace affermazione (equivalente in genere a caspita, perbacco, e sim.) ◆ Dim. ostreghéta, usato anche questo come esclam., di tono più attenuato e scherzoso.”

Per completezza segue il riferimento originale del copione, nella cui versione italiana de Leonardis è riuscito a inserire questo mirabile ed azzeccatissimo “venetismo”:

Carpenter: Little oysters? Little oysters?
Tweedle Dee e Tweedle Dum: But answer there came none
and this was scarcely odd
because, they’d been eaten
every one!

Alice e il Brucaliffo

Una bellissima scena che più di tante altre nel film raccoglie il lavoro certosino svolto dall’adattatore di fiducia di Walt è indubbiamente quella dell’incontro tra Alice e il Brucaliffo… a partire proprio dal nome italiano del personaggio! Nella versione originale esso si chiama semplicemente Caterpillar (ossia: bruco), ma una traduzione fedele del nome non era adatta al labiale del cartoon poiché il termine inglese ha il doppio delle sillabe di quello italiano. Dovendo quindi allungare la parola, solo a de Leonardis poteva venire in mente, vedendo in moviola un bruco che fuma il narghilè come un califfo, il nome che noi tutti oggi conosciamo e quasi diamo per scontato: Brucaliffo!

Per tutta la durata della scena è chiaro che una traduzione letterale del copione non avrebbe quasi sicuramente reso giustizia al segmento del film, facendo risultare il tutto perfino incomprensibile, forse. Se, banalmente, quando il Brucaliffo dice “I do not see” e il fumo che gli esce di bocca assume forma di C, de Leonardis avesse letteralmente tradotto con “Non capisco” al posto di “Io non capirci” usato nel film, il riferimento alla fumosa C che si vede sullo schermo sarebbe – è il caso di dirlo – svanito in un nuvola di fumo.

Altra piccola trovata è l’adattamento della nuvola di fumo a forma di lettera Y che appare sullo schermo quando il Caterpillar in originale dice “Why”. Data l’impossibilità di trovare parole italiane che contenessero la lettera straniera, il Comandante ha pensato di attingere questa volta al linguaggio matematico universalmente noto e quando Alice chiede al Caterpillar “Cosa esser lei?” quella Y è diventata “Un’incognita!”, per poi far proseguire in fuori campo il bruco con la risposta: “Per ora Brucaliffo!”. Un adattamento da manuale!

Queste sono solo alcune delle geniali trovate che Roberto de Leonardis ha pensato  e usato per la versione italiana di quel gioiellino animato che è Alice nel paese delle meraviglie ma, chiaramente, ce ne sarebbero ancora tante altre da presentare: dalle invenzioni dei nomi italiani degli altri personaggi che oggi sono diventati quasi di pubblico dominio anche fuori dal contesto Disney (si pensi allo Stregatto, al Bianconiglio….) ai meravigliosi testi italiani delle canzoni, sempre tradotti dal Comandante ma sotto lo pseudonimo di PERTITAS, col quale sempre firmava la sua attività di paroliere.

Non vi resta dunque che omaggiare questo Classico animato nel giorno del suo anniversario con l’ennesima visione casalinga e, perché no, prestare maggiore attenzione alle parole del copione italiano, magari confrontandolo con la versione originale (cosa che grazie al cielo oggi è possibile fare!) per notare – ovviamente in modo critico e ragionato – tutte le assonanze o discrepanze.

E se i più curiosi vorranno approfondire un po’ più da vicino la figura del grande Roberto de Leonardis anche e specialmente fuori dal mondo Disney, consigliamo un breve e umile tributo realizzato da VHSWD – Il sito italiano delle videocassette nel 2018. Buona visione e buon anniversario ad Alice!

Articolo a cura di Marco Volpe di VHSWD – Il sito italiano delle videocassette

Leggi anche il nostro approfondimento sul doppiaggio de Le Follie dell’Imperatore

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Si tratterà proprio del classico d’animazione di Walt Disney, arrivato per la prima volta al cinema nel 1951 e distribuito in Italia a dicembre dello stesso con un adattamento dell’impareggiabile Disney Legend Roberto De Leonardis, qui probabilmente in una delle sue prove migliori data la difficoltà del trasporre in italiano il testo originale di Lewis Carroll, caratterizzato dal suo tipico non-sense.

La storia di Alice nel paese delle meraviglie la conosciamo tutti: una bambina che ama sognare ad occhi aperti si ritrova un giorno in un luogo fantastico dove ben poco ha senso, popolato da personaggi bizzarri e in cui è vero tutto e il contrario di tutto. Seguendo il Bianconiglio, Alice fa una serie di incontri (Pinco Panco e Panco Pinco, lo Stregatto, il Cappellaio Matto e il Leprotto Bisestile), finché non arriva di fronte a sua Maestà la Regina di Cuori.

Il film Alice nel paese delle meraviglie andrà in onda su Canale 5 il giorno di Pasqua 2019, ovvero domenica 21 aprile, alle ore 21.15. Lo seguirete anche voi?

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These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

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Ve la lasciamo di seguito.

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Di seguito la sinossi ufficiale del lungometraggio:

Alice Kingsleigh ha trascorso gli ultimi anni seguendo le impronte paterne e navigando per il mare aperto. Al suo rientro a Londra, si ritrova ad attraversare uno specchio magico, che la riporta nel Sottomondo dove incontra nuovamente i suoi amici il Bianconiglio, il Brucaliffo, lo Stregatto e il Cappellaio Matto che sembra non essere più in sé. Il Cappellaio ha perso la sua Moltezza, così Mirana manda Alice alla ricerca della Chronosphere, un oggetto metallico dalla forma sferica custodito nella stanza del Grand Clock che regola il trascorrere del tempo. Tornando indietro nel tempo, incontra amici – e nemici – in diversi momenti della loro vita e inizia una pericolosa corsa per salvare il Cappellaio prima dello scadere del tempo.

Basato sul libro Through The Looking Glass, la sceneggiatura è di nuovo opera di Linda Woolverton (La Bella e La Bestia, Alice In Wonderland, Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata). Alla regia, invece, troviamo James Bobin (I Muppets, Muppets Most Wanted) che sostituisce il celebre Tim Burton che figurerà solo come produttore. Nel cast, invece, tornano nomi come Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Matt Lucas e nuovi volti come Rhys Ifans, Sacha Baron Cohe ed Ed Speelersn.

Nel cast vocale, invece, troviamo nuovamente Stephen Fry, Alan Rickman, Michael Sheen, Timothy Spall, Paul Whitehouse, Barbara Windsor e Toby Jones.

Confermato anche il ritorno di buona parte del cast tecnico tra cui Colleen Atwood per i costumi, Ken Ralston per gli effetti visivi, Dan Hennah per le scenografie, Stuart Dryburgh per la fotografia, Peter King per il Make-Up e Danny Elfman per le musiche.

Il film uscirà nelle sale il prossimo 25 Maggio 2016.

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