Per chi non lo sapesse, Sketchbook, in uscita il 27 aprile sulla piattaforma, è una serie dedicata al disegno in cui alcuni grandi artisti degli studi di Disney Animation, sia veterani che nuove leve, mostreranno al pubblico come disegnare i personaggi Disney più amati, tra cui Kuzco, Olaf, Simba e molti altri.

Tra essi troviamo la leggenda dell’animazione Eric Goldberg, veterano dello studio che oltre ad aver diretto Pocahontas ci ha regalato tantissimi personaggi indimenticabili come il Genio di Aladdin, Filottete in Hercules e la sequenza della Rapsodia in Blu di Fantasia 2000.

Proprio Goldberg annuncia ad Indiewire che lo studio sta progettando un ritorno in grande stile al 2D dopo il risultato non soddisfacente del suo ultimo film animato a mano, Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri, nell’ormai lontano 2011.

Nel frattempo non ci sono stati altri lungometraggi in 2D, ma la tecnica è stata tenuta in vita grazie ai pochi veterani rimasti e con tanti altri piccoli progetti come il corto Paperman, la sperimentazione in alcuni corti della serie Corto Circuito, lo show Drawn to Life di Walt Disney World e il personaggio del “Mini-Maui”, il tatuaggio di Maui nel film Oceania, animato proprio da Goldberg.

Sembra però che il merito di un eventuale ritorno del 2D sia da attribuire alla piattaforma Disney+ e alle nuove possibilità offerte dallo streaming, oltre che al nuovo studio di Disney Animation Vancouver che si dedicherà unicamente alle serie animate.

Alla fine del 2021, lo studio ha avviato per la prima volta in dieci anni un programma di mentorship per formare dei giovani artisti nell’animazione tradizionale. Voluto dalla chief creative officer Jennifer Lee e dal presidente Clark Spencer, il programma di training durerà 12 mesi e ha selezionato sei partecipanti da oltre 2000 candidature. I fortunati giovani artisti potranno lavorare fianco a fianco con i veterani del Rinascimento Disney tra cui Eric Goldberg, Mark Henn, Randy Haycock e Rachel Bibb, con un programma che va dalla character alla effects animation fino al cleanup.

“Per moltissimo tempo ho sottolineato l’importanza di insegnare ai giovani artisti l’animazione a mano, ma man mano che i film in CGI diventavano più popolari questa necessità è diventata sempre meno importante per lo studio”, ha dichiarato Goldberg a Indiewire. “Ma ora finalmente abbiamo un gruppo di leader che riconoscono che questo è parte dell’eredità Disney e abbiamo anche dei contenuti che richiedono il contributo dell’animazione tradizionale, e questo è fantastico. Grazie al cielo abbiamo artisti che sanno fare entrambe le cose, ma prendersi l’impegno di insegnare a una nuova generazione è qualcosa di meraviglioso ed è davvero giusto che siamo noi a farlo”.

Infine, Goldberg ha annunciato che i piani di Disney Animation per il ritorno del 2D comprenderanno sia film e personaggi già conosciuti e parte della tradizione, sia progetti originali che prodotti ibridi, e che sono previsti sia lungometraggi d’animazione che serie Tv.

Nel frattempo potremo vedere Goldberg e gli altri artisti all’opera nella docuserie Sketchbook su Disney+.

Fonte: Indiewire

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Per chi non lo sapesse, SparkShorts è un programma sperimentale dei Pixar Animation Studios che permette alle nuove leve di proporsi come registi e ottenere il budget per un cortometraggio con cui mettersi alla prova. Lo scopo è ovviamente sperimentare nuove tecniche e testare quali potrebbero essere i registi del futuro, ma anche trovare un terreno in cui poter proporre nuove tematiche, come abbiamo visto con Out.

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Burrow, però, sperimenterà soprattutto con l’animazione: si tratta infatti di un raro prodotto Pixar realizzato in animazione tradizionale, una tecnica che lo studio di Toy Story utilizza molto raramente. Precedenti opere che hanno utilizzato il 2D sono ad esempio Il tuo amico topo (corto dei contenuti speciali di Ratatouille) e Kitbull, anch’esso all’interno della serie SparkShorts.

Protagonista del nuovo cortometraggio Burrow è una giovane coniglietta che vuole scavare la tana dei suoi sogni, nonostante non abbia la minima idea di cosa stia facendo. Piuttosto che rivelare ai suoi vicini le sue imperfezioni, si caccia sempre di più nei guai. Dopo aver toccato il fondo, però, imparerà che non c’è da vergognarsi a chiedere aiuto.

Burrow è diretto da Madeline Sharafian e prodotto da Mike Capbarat. Debutterà il 25 dicembre in esclusiva su Disney+.

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Per i meno informati, parliamo ovviamente del grande artista che, dopo l’inizio in Disney, ha fondato la propria casa di produzione Don Bluth Productions regalandoci film come Brisby e il segreto di NIMH, Fievel sbarca in America, Alla ricerca della Valle Incantata, Charlie – Anche i cani vanno in paradiso e, ovviamente, il celebre Anastasia, co-diretto con Gary Goldman.

All’età di 82 anni, Don Bluth ha annunciato sui social network l’avvio di un nuovo studio di animazione che si occuperà della rinascita dell’animazione 2D con nuovi progetti originali. Il primo saranno le Bluth Fables, una serie di cortometraggi che reinterpreteranno in chiave “donbluthiana” le favole classiche di Esopo o le filastrocche per bambini.

“Crediamo che il pubblico voglia un nuovo rinascimento dell’animazione a mano, e il nostro obiettivo è rendere questo sogno realtà. La nostra azienda sarà molto trasparente, mostrerà al proprio pubblico concept art, pencil test, model sheet, animatic e molto molto altro ancora. Siamo felicissimi di condividere con tutti voi ciò su cui stiamo lavorando. Unitevi a noi nella nostra nuova avventura”.

È già possibile vedere alcuni work in progress sul canale YouTube dell’animatore Lavalle Lee, precedentemente studente e poi collaboratore stretto di Don Bluth. Lee è stato promosso a vice presidente del nuovo studio, come annuncia in un post su Facebook:

“Una fantastica notizia! Sono felice di annunciare che collaborerò con Don Bluth alla creazione di un nuovo studio chiamato Don Bluth Studios. Come affermato da Don stesso, egli pensa che il mio talento sia promettente e mi ha concesso l’onore di diventare il vice presidente del suo nuovo business. Questa nuova azienda si occuperà di creare nuovi personaggi, nuove idee e nuovi progetti. Se mi aveste detto 10 anni fa che sarei stato il “numero due” di Don, avrei risposto: “Sì, come no!”. Per me è una notizia incredibile e non vedo l’ora di cominciare a condividere con voi quello che stiamo preparando. Non terremo i nostri progetti nascosti dal pubblico, condivideremo online molto materiale e vi mostreremo i nostri progressi. Tenetevi pronti!”

Fonte: Cartoon Brew
Foto: Pagina Facebook Don Bluth Films

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Il progetto è nato nel 2012 grazie a Craig Peck, allora un tirocinante ai Walt Disney Animation Studios, che ha avuto modo di partecipare alla produzione di Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri (2011), l’ultimo film in animazione a mano realizzato dalla Disney. Purtroppo l’artista si è reso conto che, durante la produzione, la tecnica veniva gradualmente messa sempre più da parte e che lo studio si stava preparando a licenziare alcuni dei suoi migliori talenti per convertirsi definitivamente soltanto all’animazione CGI.

Peck ha allora contattato alcuni grandissimi della storia Disney: il produttore Don Hahn (La Bella e la Bestia, Il Re Leone), lo sceneggiatore Tab Murphy (Tarzan, Atlantis – L’impero perduto, Il Gobbo di Notre Dame) e soprattutto Kirk Wise, regista de La Bella e la Bestia, Il Gobbo e Atlantis, qui di nuovo dietro la macchina da presa. Anche il team dei tecnici veniva da Disney: l’art director Brian McEntee, il layout supervisor Ed Ghertner, lo story artist Joe Haidar, i character designer Joe Moshier e Shane Prigmore, e gli animatori Ruben Aquino, Bruce Smith e Nik Ranieri.

Galaxy Gas avrebbe dovuto essere la storia di un ragazzino che scopre che il padre, il quale possiede una solitaria stazione per la benzina nel deserto del New Mexico, in realtà fa rifornimento per una popolazione aliena di cui rappresenta la copertura per mantenere la pace nell’universo. Il film avrebbe dovuto essere animato in 2D ma con uno stile volumetrico e con l’integrazione della computer grafica per realizzare le astronavi e lo spazio. Inoltre sarebbe stato uno dei primi film 2D a essere convertiti in 3D stereoscopico (quello “con gli occhialini”).

Il progetto ha attirato l’attenzione di molti artisti, produttori e di un’importante compagnia di distribuzione: purtroppo, proprio quando la produzione di Galaxy Gas stava per iniziare, i creatori hanno scoperto che i fondi che erano stati loro promessi dagli investitori in realtà non erano disponibili. La lavorazione quindi è naufragata e tutto ciò che è rimasto è un sizzle reel realizzato nel 2014 e utilizzato per presentare il progetto a eventuali partner commerciali.

“Amiamo tutti profondamente questo progetto e se mai dovesse esserci la possibilità di tornare a lavorarci, ci piacerebbe moltissimo”, ha dichiarato Peck.

Nell’attesa, ecco il trailer/sizzle reel del film mai realizzato Galaxy Gas. Potete vedere altre immagini visitando Cartoon Brew.

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Il regista Sergio Pablos, però, è stato chiaro in merito fin dall’inizio: seppur riconoscendo le aspettative del pubblico, la sua filosofia è sempre stata quella di non ridurre Klaus alla mera tecnica, una semplificazione che forse avrebbe spinto a guardare il film solamente attraverso gli occhi della nostalgia, invece di considerare i suoi veri meriti. E senza dubbio aveva ragione, perché Klaus è un ottimo film prima ancora di essere un ottimo film d’animazione 2D.

Sarebbe stato molto facile bearsi della grandezza della character animation (probabilmente la migliore da molti anni a questa parte), della precisione della stilizzazione degli sfondi rigorosamente dipinti a mano o della straordinaria rivoluzione rappresentata dall’innovativo software per l’illuminazione, in grado di regalare ai disegni fatti con carta e matita un volume mai visto prima per un’opera bidimensionale. Eppure, alle conquiste grafiche e tecnologiche Pablos e i suoi collaboratori affiancano una storia solida, dal respiro classico ed evocativo di un modo di far cinema che in America sembra ormai perduto. Lontano dai riflettori di Hollywood, Klaus può permettersi di riscoprire tutta la raffinatezza e l’eleganza dell’animazione tipicamente europea, senza mai dimenticare tuttavia lo storytelling disneyano. Sergio Pablos ha imparato dai grandi (due nomi su tutti: John Musker e Ron Clements), e si vede: non c’è nulla di particolarmente originale o nuovo né nel soggetto raccontato né nella sua regia; piuttosto c’è un modo di dirigere che è già classico, ponte tra il passato e il presente con una nuova consapevole freschezza.

E c’è anche un’altra lezione che Pablos ha ben assimilato dai suoi mentori, quella del less is more che tanto sembra ostile alle grandi produzioni ad alto budget americane di oggi. Klaus non è un film ambizioso, ma è un film intelligente: sa che ridurre la trama all’essenziale significa far parlare i personaggi, mettere in risalto l’animazione, la loro recitazione, ed è proprio perché le loro performance sono così credibili che lo spettatore ride, piange e si emoziona di fronte a questa moderna leggenda natalizia. In Klaus – I segreti del Natale la storia serve la tecnica, e la tecnica serve la storia, e c’è poco da dire: è così che si dovrebbe fare animazione.

Guarda Klaus – I segreti del Natale su Netflix!

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A Lucca Comics & Games 2019 (dove il film è stato proiettato in anteprima davanti a una sala gremita ed entusiasta) abbiamo avuto l’opportunità di incontrare il regista Lorenzo Mattotti, che ci ha illustrato la genesi de La famosa invasione degli orsi in Sicilia e le sfide incontrate nel corso dei 6 lunghi anni necessari per portare sul grande schermo questa favola tutta italiana.

La versione italiana de La famosa invasione degli orsi in Sicilia vanta un cast di attori estremamente riconoscibili. Non ha avuto paura che lo spettatore si dissociasse dal personaggio, sentendo la voce di un attore famoso?

Lorenzo Mattotti: “Innanzitutto vorrei precisare che il primo doppiaggio è avvenuto in francese, prima ancora che si facesse l’animazione. Per quanto riguarda l’Italia, c’erano delle voci che avevo in mente fin da subito come quelle di Corrado Guzzanti o di Antonio Albanese, e altre che abbiamo dovuto ricercare come quella di Almerina. Quando ho sentito Linda Caridi, ho subito pensato: è lei. Io cercavo voci adatte ai miei personaggi, in realtà non mi sono posto il problema che fossero attori famosi. Volevo soltanto che le voci fossero molto caratterizzate, che ogni personaggio fosse immediatamente riconoscibile. Pensavo alla Commedia dell’arte, alle maschere: il doppiaggio doveva riflettere un certo divertimento nelle caratterizzazioni, anche grazie ai dialetti che abbiamo scelto. Ovviamente, nel momento in cui si rivela Andrea Camilleri è impossibile non riconoscerlo… ma va bene così, cercavo una voce simbolica e carismatica e l’ho scelto proprio per questo. Trovo che la versione italiana sia più divertente, mentre quella francese è raffinata e letteraria. Non è stato un doppiaggio tecnico ma un arricchimento, che ha dato come risultato due versioni complementari”.

Che tipo di studio è stato affrontato per quanto riguarda i colori del film?

Lorenzo Mattotti: “Sono abituato a lavorare molto con il colore, e sin dall’inizio della produzione ho cominciato a fare delle prove a colori, tenendo a mente come riferimento quelli utilizzati da Buzzati. Ai miei artisti dicevo sempre: “non abbiate paura del colore”. Il colore è fonte di energia visiva, io amo per esempio la cultura psichedelica e film come Yellow Submarine che sono un’esplosione di colori. Il mio obiettivo per La famosa invasione degli orsi in Sicilia è stato sempre quello di ottenere dei piani che fossero graficamente caratterizzati. Volevo immagini di grande forza grafica, nette, chiare e precise, di modo che lo spettatore potesse avere uno sguardo pulito, potesse cogliere ogni dettaglio e in un certo senso anche perdersi nelle profondità delle sequenze per arricchire ulteriormente la visione”.

L’uso delle luci e delle ombre è molto interessante: il film è illuminato in maniera completamente diversa rispetto a come si illumina un film in 2D tradizionale. Come avete lavorato per raggiungere questo risultato?

Lorenzo Mattotti: “Fin dall’inizio della produzione ho detto: “voglio ombre su tutti i personaggi e voglio lavorare molto con il compositing“, perché per me sono le chiavi della buona riuscita di una pellicola animata. Volevo che ogni personaggio avesse il suo volume, che occupasse uno spazio. Spesso i cartoni animati sono claustrofobici, ti manca l’aria: io invece volevo utilizzare la profondità. Abbiamo formato un’ équipe specializzata soltanto per le ombre, erano almeno 8 persone che si sono occupate soltanto di quello parallelamente all’animazione. Poi io ho voluto seguire tutte le ombre personalmente, soprattutto nelle scene di metamorfosi. Le ombre dei fantasmi, per esempio, perché dovevamo realizzare una forma che variasse tutto il tempo. È stato davvero un enorme lavoro”.

Quindi, il film è animato interamente in 2D e i volumi dei personaggi sono realizzati soltanto attraverso le ombreggiature?

Lorenzo Mattotti: “Tutti i personaggi principali sono disegnati in 2D, ma ci sono degli elementi 3D come nelle scene di massa dove gli orsi e i militari sono fatti al computer, oppure nel finale con le barche e il serpente marino. Ma tutto il resto, compresi i fondali e gli effetti speciali, è in 2D. E sì, il volume dei personaggi è dato solamente dalle ombre. Adesso ci sono programmi che permettono di integrare sempre di più le due tecniche, per esempio in Francia è appena uscito il film d’animazione Dov’è il mio corpo? che è disegnato al computer, ma poi gli è stata applicata una texture 2D, per cui quando lo vedi hai la sensazione che sia animato a mano”.

A proposito della Francia, cosa ne pensa della situazione attuale dell’animazione?

Lorenzo Mattotti: “Non sono un grande esperto, anzi negli ultimi anni ho evitato di vedere animazione per non essere influenzato durante la produzione del film. Io conosco più che altro la situazione europea, e mi sembra che si stiano realizzando dei prodotti molto belli. Noi siamo più raffinati, non facciamo tutti la stessa cosa perché ogni regista ha la sua visione e il suo mondo poetico. Questa è la grande ricchezza dell’Europa, mentre in America trovano una formula e la devono ripetere finché il pubblico non si stufa. La Francia è il paese più all’avanguardia in questo momento, perché è riuscita a fare una vera politica di sviluppo in questo settore e ora ne sta raccogliendo i frutti. Io mi chiedo sempre: ma in Italia avrebbero mai preso un regista esordiente francese per farlo lavorare su un testo francese? Nel nostro paese non riscontro la stessa apertura culturale che ho trovato in Francia: forse una volta eravamo così, ma adesso la verità è che sono i produttori italiani a doversi rivolgere all’estero e non viceversa”.

Il finale è molto diverso dal romanzo di Buzzati. Si chiude con un interrogativo, lasciando la risoluzione effettiva sospesa. Come mai questa decisione?

Lorenzo Mattotti: “Il finale di Buzzati lo trovavamo un po’ troppo malinconico e un po’ datato. Attraverso i nuovi personaggi di Almerina e Gedeone abbiamo cercato di riportare il pensiero dello spettatore, che si lamenta perché non è possibile che il finale sia così triste. Avevamo pensato a una conclusione più divertente e felice, però poi avevamo paura che diventasse troppo americano, troppo prevedibile. Per cui abbiamo deciso di lasciare la risoluzione sospesa, attraverso l’espediente del segreto che non può essere rivelato. Quando finisce la proiezione molti bambini si fanno domande, ed è bello così perché per sciogliere il mistero il film li costringe a riflettere. La risposta sta a loro, alla loro fantasia, alla capacità di immaginare. Può esserci un finale migliore? Chissà”.

L’ accoglienza della critica è stata molto positiva, cosa si aspetta invece dall’accoglienza in sala?

Lorenzo Mattotti: “La scommessa a livello critico è stata vinta, ci sono state poche reazioni negative, ma in generale sono tutti entusiasti. Quello che abbiamo osservato è che una volta in sala il pubblico ama La famosa invasione degli orsi in Sicilia, ma il grosso problema viene prima, quando si tratta di attirare la gente al cinema. Proprio qualche giorno fa una signora mi ha detto: “non so se vada bene per i miei figli, perché sembra molto diverso da quello a cui sono abituati”. Mi ha fatto molto riflettere: oggi i genitori hanno paura di esporre i figli a qualcosa di diverso dal solito. Hanno paura che non sia per loro, che utilizzi un linguaggio troppo raffinato, troppo d’élite. Ma questo è un film per tutti, popolare, figuriamoci se volevo passare cinque anni a fare un film per me stesso… Anzi. Ho capito che c’era la possibilità di fare qualcosa di bello per i ragazzini, di portare al cinema una storia diversa dalle altre ma bella lo stesso, e io a 60 anni mi sono preso la responsabilità. Credo che ogni disegnatore prima o poi debba prendersi questa responsabilità: smettere di chiudersi nel proprio mondo e provare a portare qualcosa di positivo alle nuove generazioni, perché saranno loro che diventeranno la società del domani”.

Foto: ©2019 Prima Linea Productions – Pathé Films – France 3 Cinéma – Indigo Film
Foto Lorenzo Mattotti: © Caterina Sansone

Una versione breve di questa intervista è comparsa sul nostro partner web Ginger Generation.

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La sequenza effettivamente non è stata animata dai Disney Studios (che attualmente non hanno più né animatori 2D né i mezzi per produrre questo tipo di tecnica), ma è stata commissionata ad uno studio esterno chiamato Duncan Studio, di proprietà di Ken Duncan, un ex artista Disney. Si tratta dell’unico studio negli USA specializzato unicamente in animazione a mano (non per la Tv).

La precisazione è doverosa anche alla luce di quanto sta succedendo in questi giorni, durante la corsa di Il Ritorno di Mary Poppins al box office e soprattutto in vista della stagione dei premi, in cui il film potrebbe essere candidato per gli effetti speciali. Stando a quanto lamentano (piuttosto apertamente) gli animatori e il fondatore di Duncan Studio stessi, Disney si rifiuterebbe infatti di concedere i dovuti crediti e il dovuto riconoscimento allo studio, preferendo restare sul vago con una generica narrativa che attribuirebbe a Walt Disney Animation e addirittura alla Pixar (!) l’animazione della sequenza. A livello mediatico infatti si è parlato soltanto di “ex animatori Disney e Pixar che sono stati richiamati dal pensionamento per lavorare a questo film”, ma questo non è affatto vero: gli artisti che hanno lavorato a Il Ritorno di Mary Poppins sono ancora tutti attivi nell’industria, e non erano certo andati in pensione, bensì molti di loro sono stati licenziati dai Disney Studios quando la tecnica 2D è stata dichiarata morta.

Addirittura alcuni animatori hanno constatato con delusione la mancanza del loro nome nei titoli di coda del film, cosa che di fatto nega i credits per il lavoro svolto a diversi professionisti, e che ha spinto Ken Duncan a creare un “cartello” di titoli di coda amatoriale per poter comprendere tutti i suoi collaboratori.

Non solo: più ci si avvicina alla stagione dei premi e più sembra palese che lo studio che verrà riconosciuto in caso di candidatura o di vittoria di statuette legate ai VFX sarà il londinese Framestore, a cui vengono attribuiti anche gli effetti 2D “con un aiuto dagli esperti Disney”. Questo significa, ovviamente, che Disney Pictures ha proposto per la candidatura agli Academy Award soltanto uno dei due studi di VFX con cui ha lavorato, attribuendogli però il merito di tutti gli effetti, compresi quelli realizzati da Duncan Studio.

Per maggiori informazioni visitate i profili di Ken Duncan e Duncan Studio, dove ci sono anche molte foto del making of di Il Ritorno di Mary Poppins.

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Già allora però era stato sollevato il dubbio: l’animazione sarebbe stata in 2D, per omaggiare il film originale, oppure in computer grafica in un tentativo di rendere il sequel di Mary Poppins un film più contemporaneo?

La risposta finalmente è arrivata, anche se non ufficialmente dalla Disney (che per il momento sta mantenendo il segreto sull’argomento). A rivelarlo è stata infatti un’artista attualmente al lavoro sull’animazione di Il ritorno di Mary Poppins, che ha pubblicato sul suo profilo Twitter le parole: “sto lavorando come clean up artist nel sequel di Mary Poppins!”. Il tweet è stato da allora cancellato (questa è l’unica prova che ne resta), ma non lasciava spazio all’immaginazione: i clean up artist sono coloro che si occupano di “ripulire” l’animazione tradizionale grezza per creare il disegno finale.

L’artista in questione, secondo la sua biografia di Twitter, lavora ai Duncan Studio, una compagnia fondata dall’animatore Ken Duncan, veterano Disney dell’animazione 2D che ha realizzato personaggi come Megara in Hercules o Jane in Tarzan. Si tratta di uno dei pochissimi studi americani che producono ancora animazione tradizionale.

Si parlerebbe quindi delle più estese sequenze in animazione tradizionale del cinema Disney degli ultimi anni (almeno dal 2011 in poi, anno in cui c’è stato l’ultimo classico in animazione 2D, ovvero Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri). L’ultima volta che abbiamo visto il 2D al cinema in un prodotto Disney è infatti in Oceania, con il personaggio del “Mini Maui”, ovvero il tatuaggio del semidio Maui animato dalla leggenda Disney Eric Goldberg.

La differenza sarà ovviamente che questa volta non si tratterà di animazione realizzata dalla casa principale, ovvero i Walt Disney Animation Studios (che del resto hanno licenziato quasi tutti i loro animatori di una volta), ma sarà prodotta da uno studio esterno.

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