Il regista Sergio Pablos, però, è stato chiaro in merito fin dall’inizio: seppur riconoscendo le aspettative del pubblico, la sua filosofia è sempre stata quella di non ridurre Klaus alla mera tecnica, una semplificazione che forse avrebbe spinto a guardare il film solamente attraverso gli occhi della nostalgia, invece di considerare i suoi veri meriti. E senza dubbio aveva ragione, perché Klaus è un ottimo film prima ancora di essere un ottimo film d’animazione 2D.

Sarebbe stato molto facile bearsi della grandezza della character animation (probabilmente la migliore da molti anni a questa parte), della precisione della stilizzazione degli sfondi rigorosamente dipinti a mano o della straordinaria rivoluzione rappresentata dall’innovativo software per l’illuminazione, in grado di regalare ai disegni fatti con carta e matita un volume mai visto prima per un’opera bidimensionale. Eppure, alle conquiste grafiche e tecnologiche Pablos e i suoi collaboratori affiancano una storia solida, dal respiro classico ed evocativo di un modo di far cinema che in America sembra ormai perduto. Lontano dai riflettori di Hollywood, Klaus può permettersi di riscoprire tutta la raffinatezza e l’eleganza dell’animazione tipicamente europea, senza mai dimenticare tuttavia lo storytelling disneyano. Sergio Pablos ha imparato dai grandi (due nomi su tutti: John Musker e Ron Clements), e si vede: non c’è nulla di particolarmente originale o nuovo né nel soggetto raccontato né nella sua regia; piuttosto c’è un modo di dirigere che è già classico, ponte tra il passato e il presente con una nuova consapevole freschezza.

E c’è anche un’altra lezione che Pablos ha ben assimilato dai suoi mentori, quella del less is more che tanto sembra ostile alle grandi produzioni ad alto budget americane di oggi. Klaus non è un film ambizioso, ma è un film intelligente: sa che ridurre la trama all’essenziale significa far parlare i personaggi, mettere in risalto l’animazione, la loro recitazione, ed è proprio perché le loro performance sono così credibili che lo spettatore ride, piange e si emoziona di fronte a questa moderna leggenda natalizia. In Klaus – I segreti del Natale la storia serve la tecnica, e la tecnica serve la storia, e c’è poco da dire: è così che si dovrebbe fare animazione.

Guarda Klaus – I segreti del Natale su Netflix!

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Diretto da Sergio Pablos (Cattivissimo Me) e animato presso lo studio spagnolo The SPA Studios, Klaus segna il tanto agognato ritorno all’animazione tradizionale, arricchito da un nuovo software per l’illuminazione che regala ai disegni tridimensionalità.

Per saperne di più sul film e sulla tecnica potete leggere qui la nostra intervista al regista.

Trama di Klaus

Questa la trama ufficiale: Quando Jesper si dimostra il peggior studente dell’accademia postale, viene inviato su un’isola ghiacciata sopra il circolo polare artico, dove gli scontrosi abitanti si scambiano a malapena qualche parola, figuriamoci le lettere. Jesper è sul punto di mollare quando trova una preziosa alleata nella maestra Alva e scopre Klaus, un misterioso artigiano che abita da solo in una capanna piena di giocattoli fatti a mano. La loro improbabile amicizia farà tornare il sorriso alla città di Smeerensburg, creando una nuova generazione di vicini generosi, una magica leggenda e tante calze appese con cura al camino.

Trailer di Klaus e poster ufficiale

Ecco il trailer di Klaus diffuso oggi, in lingua originale:

E anche in italiano:

Infine potete trovare qui sotto il poster ufficiale:

L’arrivo su Netflix è previsto anche in Italia per il 15 novembre 2019.

In America, Klaus sarà distribuito per una release limitata anche nei cinema: questo permetterà al film di qualificarsi per la corsa agli Oscar 2020 e in generale alla stagione dei premi, dove sarà il titolo di punta di Netflix per quanto riguarda le categorie dell’animazione.

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Qui potete leggere la nostra intervista con il regista, che abbiamo incontrato allo scorso Giffoni Film Festival. Scoprirete così come mai è importante sostenere questo film, che proviene da un piccolo studio spagnolo e che diventerà la prima grande release americana in animazione tradizionale dal 2011 a oggi.

La storia racconterà le origini della figura di Babbo Natale, ma il protagonista sarà Jesper, un giovane viziato che viene spedito dal padre in Scandinavia in un disperato tentativo di fargli mettere la testa a posto. Al ragazzo viene ordinato di creare un efficiente servizio postale nella comunità isolata in cui si trova: solo se riuscirà a farlo entro un anno potrà tornare a casa, altrimenti sarà diseredato. Cercando un modo per sfuggire a questo noioso compito, Jesper approfitta di una nuova conoscenza quando incontra Klaus, un intagliatore solitario che possiede un laboratorio di giocattoli.

A novembre inoltre verrà anche pubblicato da Titan Books l’artbook Klaus: The Art of the Movie, che ci mostrerà il dietro le quinte della produzione del film grazie a concept art, key art e sketch mai visti prima. Saranno inclusi anche un approfondimento sul nuovo software per l’illuminazione che SPA Studios ha sviluppato appositamente per questo lungometraggio e una prefazione del leggendario animatore James Baxter, supervisore del nuovo reparto di Netflix Animation e autore di alcune sequenze del film.

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Il ritorno dell’animazione tradizionale in casa Disney è un evento che i fan auspicano ormai da tempo (noi stessi ne abbiamo parlato diverse volte, per esempio QUI e QUI): è giunto finalmente il tanto atteso momento? La Disney è tornata, anche se per poche sequenze, al 2D? Sì e no.

Sì, perché Mary Poppins Returns sarà ricco di sequenze animate che, per tenersi sulla falsariga dell’originale, sono state realizzate a mano. Il timore che si facesse una versione “aggiornata” in computer grafica, come sta accadendo per altri live action, è stato sventato: stavolta si è deciso di riprendere il classico anche nella tecnica, e questo è senza dubbio un bene. Certo, che si releghi l’animazione tradizionale a mero omaggio nostalgico, collegandola a tal modo a qualcosa di “vecchio”, da riportare in auge solo perché legato ai bei ricordi, è assai deprimente. Ma se si tratta di un modo per rivedere sul grande schermo questa bellissima forma d’arte, si può anche chiudere un occhio.

Piuttosto, quello che è davvero triste è che l’animazione in questione non è stata realizzata dai Walt Disney Animation Studios, come sembrerebbe, ma è stata commissionata a uno studio esterno. Di buono c’è che il Duncan Studio di Pasadena, fondato da Ken Duncan, è composto praticamente solo da ex animatori Disney che, disegnando solamente con la tecnica tradizionale, si sono ritrovati senza lavoro quando lo studio ha fatto il passaggio alla CGI. Il fondatore stesso ha lavorato per oltre 10 anni in Disney ed è l’animatore di personaggi come Megara, Capitano Amelia, Jane e molti altri ancora. E tra i 100 animatori che hanno partecipato a Mary Poppins Returns ci sono molti altri veterani tra cui Tom Bancroft (animatore di Mushu) e Sandro Cleuzo (Le follie dell’imperatore, Mucche alla riscossa, La principessa e il ranocchio). Garanzia di eccellenza, insomma.

Resta però l’amaro in bocca nel pensare che Disney, che almeno in teoria avrebbe i mezzi e i fondi per realizzare animazioni del genere dall’interno, ritenga la tecnica a mano talmente morta da affidare quella che una volta era la sua specialità a un piccolo studio esterno. Per quanto valido sia quest’ultimo, e per quanto in fondo sia “un pezzo di Disney”, è comunque un gran peccato.

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Tra loro c’è anche Hiromasa Yonebayashi, già regista di Arrietty e di Quando c’era Marnie, qui al timone di un’avventura dalle atmosfere magiche che ricordano quelle dei film di Miyazaki.

Protagonista è Mary, una ragazzina di dieci anni dai folti capelli rossi che sta trascorrendo le vacanze nella noiosa casa di campagna della prozia. Seguendo i gattini Tib e Gib nel bosco, Mary trova tra l’erba folta uno strano fiore azzurro e luminoso, che secondo la leggenda è chiamato il “fiore della strega”. Il giorno dopo, tornata nel bosco, la ragazzina troverà una scopa magica che la trascinerà all’Endors College, una scuola di magia dove viene scambiata per una aspirante strega. Presto però i suoi insegnanti, e in particolare la malvagia rettrice Madama Mumblechook e il professor Dee, scoprono che il potere di Mary deriva unicamente dal fiore che ha trovato e progettano di sottrarglielo per utilizzarlo per i loro terribili esperimenti di metamorfosi. Mary dovrà quindi lottare per bloccare il piano dei due e per salvare una persona a cui ha iniziato a voler bene, scoprendo inoltre lo straordinario passato della sua vecchia prozia.

Per trovare la sala più vicina a voi e prenotare il vostro biglietto visitate il sito ufficiale. Quest’ultimo è anche ricco di informazioni e approfondimenti sulla storia di Mary e sullo Studio Ponoc.

Il trailer italiano del film, distribuito da Lucky Red:

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A seguito dell’annuncio della partecipazione della pellicola alla 74esima Mostra del Cinema di Venezia, è stata ufficializzata tramite la diffusione di una locandina l’uscita nelle sale per il mese di settembre 2017.

Questa la sinossi ufficiale via MyMovies.it: Cenerentola è cresciuta all’interno della Megaride, un’enorme nave ferma nel porto di Napoli da più di 15 anni. Suo padre, ricco armatore della nave e scienziato, è morto portando con sé nella tomba i segreti tecnologici della nave e il sogno di una rinascita del porto. La piccola vive da allora all’ombra della temibile matrigna e delle sue perfide sei figlie. La città versa ora nel degrado e affida le sue residue speranze a Salvatore Lo Giusto, detto ‘o Re, un ambizioso trafficante di droga che, d’accordo con la matrigna, sfrutta l’eredità dell’ignara Cenerentola per fare del porto di Napoli una capitale del riciclaggio. La nave, infestata dai fantasmi-ologrammi di una tecnologia e di una storia dimenticate, sarà il teatro dell’intera vicenda e metterà in scena lo scontro epocale tra la miseria delle ambizioni del presente e la nobiltà degli ideali del passato. Il futuro della piccola Cenerentola e della povera città di Napoli sono legati ad uno stesso, sottilissimo, filo.

10 film d’animazione europei da non perdere

Qui sotto potete trovare i nuovi materiali del film diretto da Alessandro Rak, Ivan Cappiello, Marino Guarnieri e Dario Sansone, iniziando da una nuova clip:

Ed ecco anche la locandina ufficiale:

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Nato nel 1955, Goldberg ha esordito alla Disney con il personaggio che gli ha cambiato la vita e per il quale viene tuttora maggiormente ricordato: il Genio di Aladdin. Da allora, ha animato alcuni tra i personaggi più indimenticabili degli ultimi decenni alla casa del Topo: il satiro Filottete in Hercules, l’alligatore Louis in La Principessa e il Ranocchio, il coniglio Tappo in Winnie the Pooh – Nuove avventure nel bosco dei 100 acri. Come regista, ha invece co-diretto il classico Disney Pocahontas (1995) e le sequenze della Rapsodia in Blu e del Carnevale degli animali in Fantasia 2000, per le quali si è occupato anche dell’animazione.

A differenza di molti suoi colleghi che hanno scelto o sono stati costretti ad abbandonare lo studio dopo la conversione alla computer grafica, Goldberg ha invece deciso di rimanere. Oggi realizza principalmente pencil test per i personaggi in CGI (un esempio lo trovate cliccando qui) o cortometraggi (Tutti in scena, 2013). Di recente, abbiamo avuto l’opportunità di rivedere i suoi disegni sul grande schermo grazie al personaggio del “Mini Maui“, il tatuaggio del semidio Maui in Oceania.

Grazie a Nemo Academy, abbiamo avuto l’opportunità di essere tra gli ospiti della masterclass di Goldberg nella giornata del 27 aprile. Di seguito, qualche segreto del mestiere svelato dall’artista Disney nel corso dell’evento.

Character design, come si crea un personaggio

Nel momento in cui all’animatore viene assegnato il compito di studiare graficamente un personaggio, la prima domanda che dovrà porsi è: qual è lo stile generale del film? Che livello di realismo c’è? Come si inserisce il personaggio all’interno degli ambienti? Elementi come gli sfondi o le luci, infatti, influiscono molto sul design del personaggio. Non bisogna poi dimenticare il ruolo che gioca il budget a disposizione, che agisce indirettamente anche sul design: un budget maggiore permetterà un livello di dettaglio maggiore, un film a basso costo dovrà invece limitarsi a forme e linee più semplici.

E a proposito di dettagli: i particolari dovrebbero essere concentrati dove è più facile che sia rivolto lo sguardo dello spettatore, tipicamente il viso e gli occhi. Goldberg ha citato il design di Alice come esempio perfetto: i dettagli si concentrano sulla testa (i capelli, la frangetta, il cerchietto), mentre man mano che si scende le linee che formano il suo vestito e il suo corpo sono sempre più elementari. Le gambe addirittura sono semplicemente due linee dritte. La presenza di molti dettagli rende inoltre difficile dare dinamismo al personaggio: nel creare il Genio, l’artista aveva inizialmente pensato a un genio tradizionale in forma umana con barba, turbante, orecchini etc. In seguito ha capito che mantenendo le linee più semplici possibile, il personaggio poteva muoversi molto più liberamente e risultare più efficace.

I dettagli di Alice sono concentrati sul capo, mentre man mano che si scende verso i piedi le linee diventano sempre più essenziali.

Tra personaggi e sfondi ci deve essere un buon equilibrio: i primi non devono interferire con i secondi (per esempio bisogna studiare accuratamente la palette di colori per evitare che contrastino), ma allo stesso tempo lo sfondo deve essere al servizio della storia e lasciare che l’attenzione rimanga sul personaggio.

Come regola generale: character composti da forme circolari (Paperino, Topolino) sono più immediati per il pubblico, che li troverà automaticamente gradevoli a colpo d’occhio; le forme spigolose invece sono più complicate da percepire per l’occhio, ma appaiono anche più sofisticate (La Bella Addormentata).

Infine, quando si lavora con più personaggi, è importante avere un “design range” che mantenga la coerenza all’interno del film. Tutti quanti infatti devono convivere nella stessa storia e negli stessi ambienti in maniera credibile. Facendo un esempio, Aladdin e Jasmine sono realistici, mentre il Genio o Iago sono comici, ma possono coesistere nello stesso mondo perché sono coerentemente inseriti in un ambiente arabo/orientale di cui mantengono le caratteristiche.

Le linee spigolose sono più complicate per l’occhio dello spettatore, ma danno un senso di eleganza al film.

Writing, come scrivere un personaggio interessante 

Quando si inizia a concepire la storia, normalmente si parte da un archetipo/stereotipo di personaggio, che va poi arricchito a seconda dei casi. Solitamente le categorie di personaggi sono:

• Eroe/Eroina: è colui o colei con il quale gli spettatori empatizzano di più, deve avere un obiettivo da realizzare e dei sogni il più possibile “reali”, altrimenti non sarebbe credibile.
• Aiutante/Spalla: può essere un personaggio comico o un mentore. In quest’ultimo caso, spesso rappresenta la morale del film. Esempi: il Grillo Parlante o il Genio.
• Interesse amoroso: la persona di cui è innamorato il protagonista. Normalmente tra i due c’è un conflitto che poi sfocia in amore. Può avere dei problemi o una storia che inizialmente gli impedisce di vedere il punto di vista dell’altro, es. John Smith deve superare i suoi pregiudizi per amare Pocahontas.
• Antagonista: anche lui ha un obiettivo, per realizzare il quale deve sbarazzarsi dell’eroe o dell’eroina. Il villain può avere a sua volta una spalla, utile (Iago) o inutile (gli scagnozzi di Malefica). Quando la spalla è inutile ai fini della trama, il suo ruolo è quello di far entrare in gioco il cattivo in prima persona (es. gli scagnozzi di Malefica non riescono a trovare Aurora, quindi lei spazientita decide di cercarla da sola).

Una volta stabiliti i ruoli, è responsabilità dei filmmaker stravolgere o modificare questi archetipi per renderli più originali e interessanti. Per esempio, Filottete è il vecchio burbero che brontola per qualsiasi cosa: per renderlo più interessante va spiegato agli spettatori come mai è diventato così. Il pubblico non empatizza con lui quando lo vede arrabbiato, bensì quando scopre che si comporta in quel modo perché in realtà si sente un fallito. Allo stesso modo proviamo compassione e ci affezioniamo a Megara quando scopriamo che la sua apparente durezza viene dal fatto che è stata ferita in amore.

Appeal dei personaggi

Il concetto di “appeal” non è così semplice da spiegare. In linea di massima un personaggio appealing è innanzitutto un personaggio gradevole per come è disegnato, ma non solo: a contribuire all’appeal c’è anche la personalità e tutto ciò che rende il personaggio interessante, permettendo allo spettatore di entrare in sintonia con lui.

L’appeal dipende quindi da quattro fattori principali:

• Character conception (il personaggio è gradevole alla vista)
• Design
• Movimento e recitazione
• Personalità

Possedere appeal non significa necessariamente che il personaggio debba essere carino (“cute”), con forme circolari e occhi grandi ed espressivi. Prendiamo ad esempio Paperino: a livello di design è formato da linee più o meno circolari e dolci, può essere simpatico e carino quando lo rappresentiamo sorridente, ma in realtà il momento in cui ci piace davvero e in cui ci rivediamo maggiormente in lui è quando dimostra la sua personalità esplosiva lasciandosi andare ai suoi famosi scatti di rabbia, e in questo consiste il suo vero appeal.

Anche i cattivi possono avere appeal, come Crudelia De Mon

Allo stesso modo persino i villain possono avere appeal, anche se non sono decisamente disegnati per essere carini. Personaggi come Mangiafuoco o Crudelia sono pieni di personalità e possono essere interessanti e divertenti anche se sono malvagi.

Di fondamentale importanza è l’appeal del movimento: in poche parole, il personaggio è definito da come si muove, poiché dai suoi movimenti trapela la sua personalità. È stata proprio la Disney a stabilire questo tipo di rivoluzione nel campo dell’animazione, fin da quando nel 1933 con la Silly Symphony I Tre Porcellini riuscì a realizzare tre personaggi dal design praticamente identico, ma fortemente differenziati dal loro modo di muoversi e comportarsi.

In conclusione, il lavoro dell’animatore è quindi quello di conoscere chi è, che cosa fa, che cosa prova il suo personaggio e quali sono i tratti della sua personalità e i movimenti che lo rendono unico. E ancora: il compito dell’artista è quello di credere nel suo personaggio. Soltanto quando sarà in grado di entrare in sintonia con le sue emozioni, sarà capace di trovare un modo per rappresentarle visivamente con foglio e matita.

Foto: Nemo Academy/Nemoland 

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Ora Cartoon Brew presenta in esclusiva il debutto del full trailer del film, per gentile concessione dello studio Cartoon Saloon.

Ispirato ancora una volta alla mitologia irlandese, come i due precedenti lavori di Moore, Wolfwalkers racconterà la storia di una ragazza di undici anni di nome Robyn Goodfellowe che arriva in Irlanda con suo padre, un cacciatore incaricato di uccidere gli ultimi branchi di lupi rimasti. Nell’Irlanda del 1600, questi animali sono infatti considerati esseri demoniaci, persone maledette da San Patrizio perché avevano rifiutato di convertirsi al cristianesimo. La vita di Robyn cambia però quando salva la vita di una ragazzina selvaggia di nome Mebh, che le rivela l’esistenza dei Wolfwalkers e la trasforma esattamente in ciò che suo padre è incaricato di distruggere.

A fianco di Tomm Moore ci saranno Ross Stewart, già art director di The secret of Kells e qui co-regista, e Will Collins, autore della sceneggiatura di La canzone del mare, di ritorno nello stesso ruolo.

L’animazione sarà curata nuovamente da Cartoon Saloon e, come si può notare nel trailer, Moore e Stewart stanno lavorando a uno stile grafico che vada a supporto del messaggio e dei valori della storia. Per esempio, i puritani, i soldati inglesi e il loro mondo sono rappresentati da uno stile più “solido” e definito, che ricorda le incisioni sul legno. Quando invece entriamo nel mondo dei lupi, la linea diventa più morbida e libera e si utilizzano diverse tecniche: carboncino, matita, acquerelli.

Cartoon Saloon sta ancora cercando finanziamenti per il progetto, ma Moore si è detto fiducioso e conta di iniziare la produzione nei primi mesi del 2018.

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Entrambi hanno pubblicato sul loro profilo Instagram una foto insieme ad Alan Menken e Stephen Schwartz, leggende della musica di Broadway e della storia Disney, nonché autori della colonna sonora del primo Come d’Incanto. “A musical dream team”, scrive lo sceneggiatore, che sembra quindi indicare un ritorno dei due compositori nel sequel.

E non è finita qua, perché il regista ha inoltre postato una foto insieme a James Baxter, l’animatore che si occupò con il suo studio di realizzare il mondo a cartoni di Andalasia. Shankman scrive: “Io e James Baxter, il fenomenale creatore di Giselle, che lui ha appena disegnato sul muro davanti ai miei occhi. Sono così tremendamente emozionato.”

Il sequel di Come d’Incanto tornerà a utilizzare l’animazione tradizionale? Ancora è troppo presto per dirlo con certezza, ma sicuramente la possibilità c’è…

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