L’occasione è l’uscita di una capsule collection Disney x Givenchy, ispirata proprio a La Carica dei 101. È la seconda collezione in edizione limitata a nascere dalla collaborazione tra questi due amatissimi brand, e comprende abbigliamento sia per donna che per uomo, accessori, gioielli e addirittura accessori per il proprio animale domestico, con prezzi dai 230 ai 5000 dollari.

La nuova collezione è accompagnata da una pubblicità creata da Givenchy e dai Walt Disney Animation Studios, con un piccolo cortometraggio in cui i 101 dalmata vivono una mini avventura a Parigi, in compagnia del Creative director Matthew M. Williams, di Kate Moss e dell’immancabile e iconica cattiva Crudelia De Mon.

Il corto è stato realizzato dal veterano Eric Goldberg, uno dei pochi animatori della “vecchia guardia” rimasti agli studi, che negli anni ’90 ha realizzato personaggi indimenticabili come il Genio e Filottete, oltre ad essere il regista di Pocahontas.

“Avere l’opportunità di raccontare una storia e di creare nuove animazioni per i personaggi de La Carica dei 101, attraverso la divertente visione del brand Givenchy, è stato davvero un sogno”, ha dichiarato Goldberg. “È stato bellissimo collaborare con questi fantastici creatori per ridare vita a questi amatissimi personaggi in un modo nuovo e unico”.

Qui potete vedere la pubblicità:

The Dalmatians are causing a sensation! 🐾 Pongo, Perdita and the puppies take an adventure to Paris and meet two very special guests in this new animation piece created by Walt Disney Animation Studios. #DisneyxGivenchy pic.twitter.com/jVAnQjjj77

— Disney Animation (@DisneyAnimation) July 1, 2022

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Per chi non lo sapesse, Sketchbook, in uscita il 27 aprile sulla piattaforma, è una serie dedicata al disegno in cui alcuni grandi artisti degli studi di Disney Animation, sia veterani che nuove leve, mostreranno al pubblico come disegnare i personaggi Disney più amati, tra cui Kuzco, Olaf, Simba e molti altri.

Tra essi troviamo la leggenda dell’animazione Eric Goldberg, veterano dello studio che oltre ad aver diretto Pocahontas ci ha regalato tantissimi personaggi indimenticabili come il Genio di Aladdin, Filottete in Hercules e la sequenza della Rapsodia in Blu di Fantasia 2000.

Proprio Goldberg annuncia ad Indiewire che lo studio sta progettando un ritorno in grande stile al 2D dopo il risultato non soddisfacente del suo ultimo film animato a mano, Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri, nell’ormai lontano 2011.

Nel frattempo non ci sono stati altri lungometraggi in 2D, ma la tecnica è stata tenuta in vita grazie ai pochi veterani rimasti e con tanti altri piccoli progetti come il corto Paperman, la sperimentazione in alcuni corti della serie Corto Circuito, lo show Drawn to Life di Walt Disney World e il personaggio del “Mini-Maui”, il tatuaggio di Maui nel film Oceania, animato proprio da Goldberg.

Sembra però che il merito di un eventuale ritorno del 2D sia da attribuire alla piattaforma Disney+ e alle nuove possibilità offerte dallo streaming, oltre che al nuovo studio di Disney Animation Vancouver che si dedicherà unicamente alle serie animate.

Alla fine del 2021, lo studio ha avviato per la prima volta in dieci anni un programma di mentorship per formare dei giovani artisti nell’animazione tradizionale. Voluto dalla chief creative officer Jennifer Lee e dal presidente Clark Spencer, il programma di training durerà 12 mesi e ha selezionato sei partecipanti da oltre 2000 candidature. I fortunati giovani artisti potranno lavorare fianco a fianco con i veterani del Rinascimento Disney tra cui Eric Goldberg, Mark Henn, Randy Haycock e Rachel Bibb, con un programma che va dalla character alla effects animation fino al cleanup.

“Per moltissimo tempo ho sottolineato l’importanza di insegnare ai giovani artisti l’animazione a mano, ma man mano che i film in CGI diventavano più popolari questa necessità è diventata sempre meno importante per lo studio”, ha dichiarato Goldberg a Indiewire. “Ma ora finalmente abbiamo un gruppo di leader che riconoscono che questo è parte dell’eredità Disney e abbiamo anche dei contenuti che richiedono il contributo dell’animazione tradizionale, e questo è fantastico. Grazie al cielo abbiamo artisti che sanno fare entrambe le cose, ma prendersi l’impegno di insegnare a una nuova generazione è qualcosa di meraviglioso ed è davvero giusto che siamo noi a farlo”.

Infine, Goldberg ha annunciato che i piani di Disney Animation per il ritorno del 2D comprenderanno sia film e personaggi già conosciuti e parte della tradizione, sia progetti originali che prodotti ibridi, e che sono previsti sia lungometraggi d’animazione che serie Tv.

Nel frattempo potremo vedere Goldberg e gli altri artisti all’opera nella docuserie Sketchbook su Disney+.

Fonte: Indiewire

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Questa esperienza in sei parti vedrà coinvolti alcuni dei grandi artisti degli studi di Disney Animation, sia veterani che nuove leve, che mostreranno al pubblico come disegnare gli amati personaggi Disney, tra cui Kuzco, Olaf, Simba e molti altri.

Ogni episodio di Sketchbook si concentra su un singolo artista che illustra un personaggio che ha contribuito a creare o che lo ha ispirato a voler essere parte degli Studios. Mentre si apprendono i passaggi per disegnare questi personaggi, si scopre anche la storia unica degli artisti in questione. Dai creatori di Chef’s Table, questa esperienza esclusiva darà agli spettatori di tutte le età la possibilità di comprendere come questi amati personaggi prendono vita sullo schermo, permettendogli di conoscere allo stesso tempo un nuovo gruppo di personaggi che fanno parte della vita reale.

Questo il trailer:

Ecco anche gli artisti che conosceremo nella serie Sketchbook e i personaggi che ci insegneranno a disegnare:

• Gabby Capili – Kuzco da Le Follie dell’Imperatore
• Hyun Min Lee – Olaf da Frozen
• Eric Goldberg – Genio da Aladdin
• Jin Kim – Capitan Uncino da Le avventure di Peter Pan
• Samantha Vilfort – Mirabel Madrigal da Encanto
• Mark Henn – Simba da Il Re Leone

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Ora, i Walt Disney Animation Studios riproporranno la formula con tre nuovi cortometraggi intitolati How to Stay at Home, in cui Pippo si troverà alle prese con la realtà del lockdown, descrivendola con il suo tipico umorismo. A proporre allo studio questo progetto è stato nientemeno che il grande Eric Goldberg, uno dei pochissimi veterani dell’animazione 2D rimasti allo studio, creatore di personaggi come il Genio di Aladdin e Filottete di Hercules.

Goldberg sarà il regista di tutti e tre i nuovi corti di Pippo e l’animatore supervisore di How to Wear a Mask, il primo. Gli altri due veterani rimasti, Mark Henn e Randy Haycock, saranno invece i supervisori di – rispettivamente – Binge Watching e Learning to Cook. I corti saranno realizzati interamente in animazione tradizionale. Dorothy McKim (Lanny e Wayne, I Robinson – Una famiglia spaziale) è la produttrice.

“Rimanere a casa è stato difficile per tutti noi”, spiega Goldberg, “ma credo che Pippo possa aiutarci a ripensarci con un sorriso. Ho visto molte persone raccontare di aver imparato a fare il pane o a cucinare per la prima volta. E io stesso mi sono dedicato al binge watching! È qualcosa che ha colpito tutti noi, ma in questi cortometraggi abbiamo giocato sull’esagerazione… personalmente non trovo così difficile indossare una mascherina come fa Pippo!”

Per completare i nuovi corti di Pippo How to Stay at Home ci sono voluti ben nove mesi. Goldberg ha spiegato che si rifanno apertamente ai cartoon degli anni ’40, ma che allo stesso tempo gli artisti hanno voluto dare al personaggio uno stile di disegno più moderno. Altri elementi, come gli effetti sonori o le musiche, saranno invece ripresi direttamente dai corti storici.

I nuovi corti di Pippo in arrivo su Disney+

How to Wear a Mask

Pippo dimostra alla telecamera la raffinata arte dell’indossare correttamente una mascherina mentre si prepara ad uscire e ad affrontare il mondo esterno. Ma nonostante i suoi tentativi, resta inevitabilmente intrecciato prima di riuscire finalmente nell’obiettivo.

Learning to Cook

È un disastro assicurato quando Pippo si cimenta con la cucina. Quando il narratore proclama che un vero maestro cuoco può riuscire a rendere deliziosa qualsiasi cosa abbia sottomano, il protagonista lo prende in parola e utilizza qualsiasi cosa trovi in cucina per combinare un pasto originale e in puro “stile Pippo”.

Binge Watching

Come ben sanno gli appassionati di serie Tv, in alcuni momenti della vita il binge watching può avere la precedenza su tutto il resto! Anche Pippo ne sa qualcosa: è bravissimo a districarsi tra le varie attività domestiche, ma quando si tratta di guardare il suo show preferito non c’è nulla che possa distoglierlo dello schermo.

I nuovi corti di Pippo diretti da Eric Goldberg arriveranno l’11 agosto su Disney+.

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Nato nel 1955, Goldberg ha esordito alla Disney con il personaggio che gli ha cambiato la vita e per il quale viene tuttora maggiormente ricordato: il Genio di Aladdin. Da allora, ha animato alcuni tra i personaggi più indimenticabili degli ultimi decenni alla casa del Topo: il satiro Filottete in Hercules, l’alligatore Louis in La Principessa e il Ranocchio, il coniglio Tappo in Winnie the Pooh – Nuove avventure nel bosco dei 100 acri. Come regista, ha invece co-diretto il classico Disney Pocahontas (1995) e le sequenze della Rapsodia in Blu e del Carnevale degli animali in Fantasia 2000, per le quali si è occupato anche dell’animazione.

A differenza di molti suoi colleghi che hanno scelto o sono stati costretti ad abbandonare lo studio dopo la conversione alla computer grafica, Goldberg ha invece deciso di rimanere. Oggi realizza principalmente pencil test per i personaggi in CGI (un esempio lo trovate cliccando qui) o cortometraggi (Tutti in scena, 2013). Di recente, abbiamo avuto l’opportunità di rivedere i suoi disegni sul grande schermo grazie al personaggio del “Mini Maui“, il tatuaggio del semidio Maui in Oceania.

Grazie a Nemo Academy, abbiamo avuto l’opportunità di essere tra gli ospiti della masterclass di Goldberg nella giornata del 27 aprile. Di seguito, qualche segreto del mestiere svelato dall’artista Disney nel corso dell’evento.

Character design, come si crea un personaggio

Nel momento in cui all’animatore viene assegnato il compito di studiare graficamente un personaggio, la prima domanda che dovrà porsi è: qual è lo stile generale del film? Che livello di realismo c’è? Come si inserisce il personaggio all’interno degli ambienti? Elementi come gli sfondi o le luci, infatti, influiscono molto sul design del personaggio. Non bisogna poi dimenticare il ruolo che gioca il budget a disposizione, che agisce indirettamente anche sul design: un budget maggiore permetterà un livello di dettaglio maggiore, un film a basso costo dovrà invece limitarsi a forme e linee più semplici.

E a proposito di dettagli: i particolari dovrebbero essere concentrati dove è più facile che sia rivolto lo sguardo dello spettatore, tipicamente il viso e gli occhi. Goldberg ha citato il design di Alice come esempio perfetto: i dettagli si concentrano sulla testa (i capelli, la frangetta, il cerchietto), mentre man mano che si scende le linee che formano il suo vestito e il suo corpo sono sempre più elementari. Le gambe addirittura sono semplicemente due linee dritte. La presenza di molti dettagli rende inoltre difficile dare dinamismo al personaggio: nel creare il Genio, l’artista aveva inizialmente pensato a un genio tradizionale in forma umana con barba, turbante, orecchini etc. In seguito ha capito che mantenendo le linee più semplici possibile, il personaggio poteva muoversi molto più liberamente e risultare più efficace.

I dettagli di Alice sono concentrati sul capo, mentre man mano che si scende verso i piedi le linee diventano sempre più essenziali.

Tra personaggi e sfondi ci deve essere un buon equilibrio: i primi non devono interferire con i secondi (per esempio bisogna studiare accuratamente la palette di colori per evitare che contrastino), ma allo stesso tempo lo sfondo deve essere al servizio della storia e lasciare che l’attenzione rimanga sul personaggio.

Come regola generale: character composti da forme circolari (Paperino, Topolino) sono più immediati per il pubblico, che li troverà automaticamente gradevoli a colpo d’occhio; le forme spigolose invece sono più complicate da percepire per l’occhio, ma appaiono anche più sofisticate (La Bella Addormentata).

Infine, quando si lavora con più personaggi, è importante avere un “design range” che mantenga la coerenza all’interno del film. Tutti quanti infatti devono convivere nella stessa storia e negli stessi ambienti in maniera credibile. Facendo un esempio, Aladdin e Jasmine sono realistici, mentre il Genio o Iago sono comici, ma possono coesistere nello stesso mondo perché sono coerentemente inseriti in un ambiente arabo/orientale di cui mantengono le caratteristiche.

Le linee spigolose sono più complicate per l’occhio dello spettatore, ma danno un senso di eleganza al film.

Writing, come scrivere un personaggio interessante 

Quando si inizia a concepire la storia, normalmente si parte da un archetipo/stereotipo di personaggio, che va poi arricchito a seconda dei casi. Solitamente le categorie di personaggi sono:

• Eroe/Eroina: è colui o colei con il quale gli spettatori empatizzano di più, deve avere un obiettivo da realizzare e dei sogni il più possibile “reali”, altrimenti non sarebbe credibile.
• Aiutante/Spalla: può essere un personaggio comico o un mentore. In quest’ultimo caso, spesso rappresenta la morale del film. Esempi: il Grillo Parlante o il Genio.
• Interesse amoroso: la persona di cui è innamorato il protagonista. Normalmente tra i due c’è un conflitto che poi sfocia in amore. Può avere dei problemi o una storia che inizialmente gli impedisce di vedere il punto di vista dell’altro, es. John Smith deve superare i suoi pregiudizi per amare Pocahontas.
• Antagonista: anche lui ha un obiettivo, per realizzare il quale deve sbarazzarsi dell’eroe o dell’eroina. Il villain può avere a sua volta una spalla, utile (Iago) o inutile (gli scagnozzi di Malefica). Quando la spalla è inutile ai fini della trama, il suo ruolo è quello di far entrare in gioco il cattivo in prima persona (es. gli scagnozzi di Malefica non riescono a trovare Aurora, quindi lei spazientita decide di cercarla da sola).

Una volta stabiliti i ruoli, è responsabilità dei filmmaker stravolgere o modificare questi archetipi per renderli più originali e interessanti. Per esempio, Filottete è il vecchio burbero che brontola per qualsiasi cosa: per renderlo più interessante va spiegato agli spettatori come mai è diventato così. Il pubblico non empatizza con lui quando lo vede arrabbiato, bensì quando scopre che si comporta in quel modo perché in realtà si sente un fallito. Allo stesso modo proviamo compassione e ci affezioniamo a Megara quando scopriamo che la sua apparente durezza viene dal fatto che è stata ferita in amore.

Appeal dei personaggi

Il concetto di “appeal” non è così semplice da spiegare. In linea di massima un personaggio appealing è innanzitutto un personaggio gradevole per come è disegnato, ma non solo: a contribuire all’appeal c’è anche la personalità e tutto ciò che rende il personaggio interessante, permettendo allo spettatore di entrare in sintonia con lui.

L’appeal dipende quindi da quattro fattori principali:

• Character conception (il personaggio è gradevole alla vista)
• Design
• Movimento e recitazione
• Personalità

Possedere appeal non significa necessariamente che il personaggio debba essere carino (“cute”), con forme circolari e occhi grandi ed espressivi. Prendiamo ad esempio Paperino: a livello di design è formato da linee più o meno circolari e dolci, può essere simpatico e carino quando lo rappresentiamo sorridente, ma in realtà il momento in cui ci piace davvero e in cui ci rivediamo maggiormente in lui è quando dimostra la sua personalità esplosiva lasciandosi andare ai suoi famosi scatti di rabbia, e in questo consiste il suo vero appeal.

Anche i cattivi possono avere appeal, come Crudelia De Mon

Allo stesso modo persino i villain possono avere appeal, anche se non sono decisamente disegnati per essere carini. Personaggi come Mangiafuoco o Crudelia sono pieni di personalità e possono essere interessanti e divertenti anche se sono malvagi.

Di fondamentale importanza è l’appeal del movimento: in poche parole, il personaggio è definito da come si muove, poiché dai suoi movimenti trapela la sua personalità. È stata proprio la Disney a stabilire questo tipo di rivoluzione nel campo dell’animazione, fin da quando nel 1933 con la Silly Symphony I Tre Porcellini riuscì a realizzare tre personaggi dal design praticamente identico, ma fortemente differenziati dal loro modo di muoversi e comportarsi.

In conclusione, il lavoro dell’animatore è quindi quello di conoscere chi è, che cosa fa, che cosa prova il suo personaggio e quali sono i tratti della sua personalità e i movimenti che lo rendono unico. E ancora: il compito dell’artista è quello di credere nel suo personaggio. Soltanto quando sarà in grado di entrare in sintonia con le sue emozioni, sarà capace di trovare un modo per rappresentarle visivamente con foglio e matita.

Foto: Nemo Academy/Nemoland 

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Stavolta vi mostro la statuetta della Rapsodia in Blu tratta dal film Fantasia 2000. Questo pezzo fa parte della Sketchbook Ornament Collection dedicata all’arte dell’animazione Disney.

Potete acquistarla su Disney Store Online al prezzo di 25 euro.

Di seguito il video:

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