Con questa esaltante notizia, Disney+ ha diffuso anche il trailer italiano e il poster localizzato della serie originale che vede protagonista anche Eiza González insieme a Gael García Bernal e Diego Luna e che debutterà il 9 ottobre sulla piattaforma della The Walt Disney Company con tutti e sei gli episodi.

Guardate l’incredibile trasformazione dei due attori, direttamente sul canale YouTube della piattaforma:

La sinossi della serie

Dopo una sconfitta devastante, Esteban “La Máquina” Osuna (Gael García Bernal) si trova a un punto morto della sua carriera da pugile. Fortunatamente per lui, il suo manager e migliore amico Andy Lujan (Diego Luna) è determinato a riportarlo in vetta. Ma quando un’efferata organizzazione si ripresenta, la posta in gioco di questa rivincita diventa una questione di vita o di morte. Mentre lotta per la rimonta, Esteban deve infatti destreggiarsi tra i suoi demoni personali e proteggere la sua famiglia, compresa l’ex moglie Irasema (Eiza González), una giornalista che si trova in rotta di collisione con il lato oscuro del mondo della boxe.

Informazioni su Maquina: Il pugile

La serie è interpretata da Gael García Bernal, Diego Luna, Eiza González, Jorge Perugorría, Andrés Delgado, Karina Gidi, Dariam Coco e Lucía Méndez. Máquina: il pugile è prodotta da Searchlight Television e da Gael García Bernal (Y tu mamá también – Anche tua madre, Coco) e Diego Luna (Y tu mamá también – Anche tua madre, Rogue One: A Star Wars Story, Pan y Circo, Andor) con La Corriente del Golfo, e sarà disponibile in streaming sulle piattaforme DTC di Disney. Marco Ramirez (Daredevil) è produttore esecutivo e showrunner, mentre Bernal, Luna, Gabriel Ripstein, Gerardo Gatica, Leandro Halperín, Adam Fishbach e Kyzza Terrazas sono produttori esecutivi. La serie è diretta da Gabriel Ripstein (600 miglia, An Unknown Enemy).

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Di seguito potete vedere il trailer italiano del film interpretato da Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell e Claire Foy. Estranei, come comunicato ufficialmente dalla The Walt Disney Company, è in arrivo nel 2024 (presumibilmente al cinema, e non su Disney+, esattamente come per gli altri paesi dove la distribuzione è presente).

Il trailer di Estranei

Questa la sinossi ufficiale del film:

Una notte, nel suo condominio quasi vuoto nella Londra contemporanea, Adam (Andrew Scott) ha un incontro casuale con un misterioso vicino di casa, Harry (Paul Mescal), che spezza il ritmo della sua vita quotidiana. Mentre si sviluppa una relazione tra i due, Adam è ossessionato dai ricordi del passato e si ritrova attratto nella città di periferia in cui è cresciuto e nella casa d’infanzia in cui i suoi genitori (Claire Foy e Jamie Bell) sembrano vivere, proprio come il giorno della loro morte, 30 anni prima. 

In calce il poster localizzato di Estranei:

In passato la The Walt Disney Company Italia presentò già altri titoli del proprio listino come Le avventure di Olaf, Ron – Un amico speciale, Eternals, Amsterdam e The Menu.

Informazioni sul film

Il film è una produzione Searchlight Pictures, in associazione con Film4 e TSG Entertainment, Blueprint Pictures. Estranei è prodotto da Graham Broadbent, Pete Czernin e Sarah Harvey. Il film, scritto e diretto da Andrew Haigh e ispirato al romanzo “Estranei” di Taichi Yamada. La fotografia è di Jamie D. Ramsay, SASC, le scenografie di Sarah Finlay, i costumi di Sarah Blenkinsop, le acconciature e il trucco di Zoe Clare Brown. Il montatore è Jonathan Alberts, ACE, mentre le musiche sono di Emilie Levienaise-Farrouch.

Curiosi di vederlo?

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Tre storie differenti, ognuna con il suo stile ma che hanno in comuni temi come l’amore – capace di far compiere imprese credute impossibili -, la guerra che da sempre contraddistingue la storia dell’uomo e l’incomunicabilità tra le generazioni. In tutte le storie infatti troviamo genitori inflessibili incapaci di ascoltare i propri figli e i loro desideri, siano essi di libertà o giustizia. Un film in cui a farla da padrone è la fantasia, non a caso la narratrice invita il pubblico – sia animato che lo spettatore – a darle suggerimenti per le storie che racconterà. Suggerimenti istintivi e quindi confusionari, come spesso sono le leggende e le fiabe che nel tempo subiscono modifiche.

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa a livello stilistico presenta la consueta animazione 2D tipica del regista francese, ma qui è totalmente al servizio della narrazione. Infatti le tre storie hanno stili che richiamano l’arte dell’epoca in cui si svolgono. Per la storia ambientata in Egitto abbiamo disegni che ricordano le pitture tipiche del tempo con i personaggi raffigurati di profilo. Per la seconda storia Michel Ocelot ricorre alle ombre, tecnica tipica del Medioevo e per la terza abbiamo disegni più tondeggianti e ricchi di particolari.

Tre storie sicuramente intriganti e suggestive, ma che non riescono mai veramente a catturare l’attenzione dello spettatore a causa della loro ridondanza. Purtroppo tutte e tre le storie sono caratterizzate da scene che si ripetono come una cantilena. Dopo ogni incipit interessante ci ritroviamo i protagonisti che svolgono praticamente (quasi) sempre le stesse le stesse azioni e dicono sempre le stesse cose, con piccole variazioni. Un andamento narrativo quindi che alla lunga risulta ridondante e tutt’altro che coinvolgente.

Le storie quindi risultano alquanto prevedibili, anche a causa della linearità dello svolgimento e della totale mancanza di colpi di scena degni di nota. Dopo pochi minuti si intuisce subito cosa succederà. A ciò va aggiunto il fatto che i disegni e l’animazione del regista potrebbero far storcere il naso a chi è abituato a disegni più dettagliati e ad un animazione più fluida. Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa piacerà agli estimatori di Michel Ocelot, chi non conosce il suo cinema farà fatica.

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La storia vede protagonista il miliardario Jake Foley (Russell Crowe), il quale decide di riunire i suoi amici di sempre per una serata di poker dopo anni di lontananza. L’uomo invita così nella sua lussuosa casa Alex (Liam Hemsworth), Billy (Matt Noble), Sam (Daniel MacPherson) e Paul (Steve Bassoni). Jake però ha in mente una serata unica, diversa da tutte le altre per i suoi amici di infanzia. Una serata che permetterà loro di vincere un’ingente somma di denaro e a Jake di conoscere quei segreti che i suoi amici non sono mai riusciti a confessare.

Dopo il prologo, in cui facciamo la conoscenza dei protagonisti da giovani e di come siano diventati inseparabili, veniamo catapultati nel presente dove troviamo Jake intento a preparare la serata di poker, dove non mancheranno puntate azzardate e buon vino. Un vero e proprio tuffo nel passato per i cinque amici, che non si vedono da troppo tempo. Ma Jake ha un secondo fine, ovvero vuole conoscere i segreti dei suoi amici, quelli che non sono mai riusciti a confessargli. Ed è proprio quando la partita inizia che Poker Face da il meglio di sé. Una partita che sin dalla prima mano risulta essere adrenalinica e piena di tensione, con puntate milionarie. A questo si inframezzano i discorsi dei cinque amici che ricordano esilaranti episodi passati e che si prendono in giro vicendevolmente, tra risate e alcol.

Minuti in cui la regia di Crowe si sofferma su dettagli, come le carte e soprattutto gli sguardi dei protagonisti, che lasciano trasparire una vasta gamma di emozioni. In fondo la faccia da poker del titolo è solo quella di Jake. Crowe riesce a restituire tutta la determinazione di un uomo che non ha nulla da perdere. Si percepisce in breve tempo come la vera partita di poker non sia quella che i cinque amici giocano con le fiches e le carte ma quella che riguarda le loro vite ed i segreti che custodiscono. Il poker è solo un mezzo per arrivare ad un obiettivo.

Ma è solo un fuoco di paglia, i minuti iniziali sono l’unico aspetto positivo di Poker Face, che all’improvviso diventa un film completamente diverso. Repentinamente cambiano del tutto registro e genere. Il confronto tra gli amici dura una manciata di minuti e veniamo a scoprire subito quali sono i segreti che ognuno di loro non ha mai avuto il coraggio di confessare. Neanche il tempo di iniziare quindi che le carte vengono scoperte immediatamente. Inoltre nel film convivono fin troppi generi senza che questi vengano amalgamati a dovere. Si passa dall’heist movie all’home invasion senza senso di continuità e senza un vero perché.

Come se non bastasse la storia scorre sin troppo veloce. Non si ha il tempo di affezionarsi a nessuno dei protagonisti in scena, allo stesso modo alcuni personaggi risultano superflui e fuori luogo in un contesto in continuo mutamento. Proprio la sceneggiatura è uno dei punti deboli del film, troppo sconclusionata e incapace di dare vita ad una storia dove la tensione e il mistero avrebbero dovuto esserne i cardini. Una vicenda quella raccontata in Poker Face interessante nelle intenzioni ma sviluppata in maniera troppo frettolosa e senza il giusto approfondimento.

Poker Face purtroppo paga la gestazione travagliata, come dichiarato dallo stesso Crowe nella conferenza stampa di presentazione, tanto che lo stesso regista e protagonista è salito a bordo in corsa, dovendo riscrivere in poco tempo la sceneggiatura. Un vero peccato.

Poker Face arriverà al cinema il 24 novembre.

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Accolto calorosamente dal pubblico dell’Auditorium Conciliazione, Russell Crowe ha preso subito in mano le redini dell’incontro stravolgendo quelli che erano i piani degli organizzatori. “Dovremmo vedere alcune clip di film che avete già visto e poi farmi domande già fatte. Non accadrà niente di tutto ciò, io vi parlerò di cinema, di sceneggiatura, di performance, di narrazione, non intendo rispondere a domande su cosa ho mangiato per colazione. “Vedete quando si invecchia, ed io sono invecchiato, si ha l’opportunità di insegnare cosa si è imparato ed io sono intenzionato ad avere questa conversazione con voi.C’è solo una regola: le domande potranno essere fatte solo dagli studenti di cinema presenti in sala.”

Un inizio quindi tutt’altro che banale, che ha visto l’artista camminare su e giù per la sala per tutti i 90 minuti previsti, parlando dei suoi inizi nel mondo dello show business ed elargendo consigli. L’attore ha così iniziato a raccontare di come abbia iniziato quasi per caso a recitare quando aveva 6 anni: “un giorno andai a trovare mia madre, che faceva catering per il cinema e la televisione, sul set della serie Spy Force e mi propose come volontario per una scena in cui non avevano abbastanza bambini. Un viaggio iniziato a 6 anni e che continua ancora oggi a 58 anni.”

Crowe si è poi soffermato come nella sua lunga carriera abbia interpretato testi classici giusto in paio di volte quando aveva circa vent’anni e di come non abbia mai seguito corsi di lavorazione, imparando il mestiere d’attore direttamente sul palco di un teatro o sul set di serie TV e film. Una passione quella per la performance totale, che comprende anche la musica a cui si è avvicinato attorno ai quattordici anni, età in cui ha iniziato anche a scrivere canzoni. Un adolescenza passata in parte sul palco di un teatro ed in parte lavorando nei club in vari ruoli: “mentre recitavo ho lavorato anche come barman, dj, cameriere, barman. Volevo unire il mondo del lavoro con quello dell’intrattenimento. Ero ossessionato dalla performance. Questo sono io, questa è la realtà. Non sono venuto da Hollywood. Ho fatto il mio primo film a 25 anni ma avevo già fatto più di duemila performance live tra teatro e concerti.”

Un sogno quello di fare cinema che ha sempre coltivato ma che ha ammesso di non aver mai confessato ad alta voce nessuno. Ha confessato che quando gli si chiedeva cosa volesse fare grande rispondeva sempre “quello che sto facendo”, poi è arrivata la grande occasione e il resto è storia. Raccontando della sua carriera ha inoltre tenuto a spronare i ragazzi presenti a coltivare le loro passioni e a non lasciarsi dire da nessuno cosa possono fare, di non ascoltare chi dice che si può fare solo una cosa. “Scrivere canzoni è per me una passione, ma non ci pago le bollette. Le performance live sono per me una passione, ma non ci pago le bollette. Vedete ci sono persone fortunate che sanno cosa vogliono fare, che hanno dei desideri da realizzare, non lasciate andare questi sogni ma perseguiteli. Non sprecate questa energia.”

Dopo aver parlato di sé e dei suoi inizi, Russell Crowe ha poi passato la parola al pubblico e rispondendo alle domande che gli venivano poste, non prima però di informarsi un minimo sui ragazzi, chiedendo cosa studiassero.

Che suggerimenti dai ai compositori con cui lavori?

Russell Crowe: Come attore generalmente non vado dal compositore a dirgli come fare il suo lavoro, è come se lui venisse da me e mi desse consili di recitazione. Sono aree separate. Sono il regista e il compositore che decidono le musiche anche in base al mio lavoro. Come regista ho un approccio molto simile. Quando ho girato The Water Diviner ho avuto l’opportunità di lavorare con Ludovico Einaudi e io mi sono limitato a mostrargli cosa avevo girato, poi è stato lui a realizzare la musica.

Quali sono state le grandi delusioni della tua carriera? Come hai reagito?

Russell Crowe: La mia delusione non è quella che voi potete pensare, per me le delusioni sono su base quotidiana. Quando sei sul set di un film importante e hai un ruolo importante capita di girare scene difficili che riesci a portare a casa ma mi capita, quando sono a casa, di svegliarmi di notte ed avere un’idea su come la scena avrebbe potuto essere migliore, ma ormai è fatta. Succede tutte le volte. Inoltre non ambisco a determinati ruoli, preferisco essere il primo a fare qualcosa di nuovo. Sono sicuramente arrogante ed ho un ego spropositato, ma questo sono io. Sicuramente è Non ci si deve attaccare troppo a certe cose, il lavoro prima o poi finisce e ti tieni stretto i bei momenti passati sul set.

Come sei riuscito a mettere da parte il tuo ego, in particolare agli inizi? Che suggerimenti puoi dare ai giovani attori?

Russell Crowe: Il lavoro di attore consiste principalmente in rifiuti, un po’ di ego serve come protezione. Non troppo però, perché l’attore è comunque al servizio del personaggio che interpreta e del regista. Se sei su un set è perché ti ha scelto il regista e quindi tu devi dargli quello che ti chiede. Se il regista vede che fai bene il tuo lavoro, che riesci a restituirgli quella che è la sua visione parlerà bene di te con gli altri. È così che si creano legami nel cinema.

Come riesci a concentrarti sulla tua carriera con un lavoro instabile come quello dell’attore?

Russell Crowe: Bisogna avere il coraggio e un pizzico di pazzia. Tutti a scuola avevamo il compagno di classe matto, ma la pazzia senza controllo non serve a nulla. Siete i burattinai di voi stessi, ci si deve saper controllare. La ribellione richiede equilibrio. Vedete sul set è normale girare più volte la stessa scena. Vi racconto di quando ho girato la scena di Massimo che torna a casa e trova la moglie morte ne Il Gladiatore. Ridley mi dice “giriamo la scena in cui corri attraverso il campo e arrivi ad una fonte di luce e lì vedi una pira e i piedi di tua moglie, ti avvicini e ti rendi conto di aver fallito”. Io gli ho detto che dopo aver attraversato la Germani e la Spagna e aver ucciso cinque o sei cavalli per tornare a casa e scopro che mia moglie è morta non la bacio? Non le dico addio? E lui: no, ti avvicini ai piedi, ho soltato i piedi, non fare scherzi.” Così mi sono avvicinato ai piedi, le ho baciato il piede – il regista va sempre accontentato – e mentre faccio la scena inizio a piangere e disperarmi perché il fallimento di Massimo mi travolge. Ridley chiama lo stop e dice “scena bellissima, ora la rifacciamo di nuovo”. Vedete non c’è coraggio nello starsene seduti sul divano di casa ad aspettare che il mondo bussi alla tua porta.

Quale ruolo ha rappresentato per te una sfida?

Russell Crowe: Ogni singolo ruolo è una sfida. A livello psicologico sicuramente A Beautiful Mind,mi ha letteralmente fatto impazzire. A livello fisico A Cinderella Man, ho passato 36 giorni a girare sotto la pioggiaa. È stata dura perché era inverno quindi l’acqua che usavamo era gelata e dover dire le battute quando non riesci ad aprire la bocca per il freddo non è facile.

Che consigli daresti ai giovani attori che iniziano a lavorare sul set?

Russell Crowe: Non correte sul set. La ragione è che il giusto passo richiede continuità e se la hai riesci a ad tempo extra. Correre su un set dove nessuno sta mai fermo è pericoloso, rischi di farti male. C’è un detto nel mondo del cinema “stai attento a chi sa cercando di farti un favore”. Sul set dovete fare quello che viene chiesto.

In Italia spesso i giovani artisti si sentono outsider, tu lo sei mai stato?

Russell Crowe: Sono nato in Nuova Zelanda nel 1964, sono un outsider in tutto. Non sono sicuro che quando sono nato ci fosse un canale TV da guardare! Sicuramente vi sentirete dei pesci fuor d’acqua, è la vita. Anche quando i tuoi sogni e desideri si realizzano capita di sentirti fuori posto, poi cresci e non sei più quello più giovane sul set e puoi aiutare gli altri ad uscire dall’angolino in cui sono andati a rinchiudersi. Il cinema ha due regole: dettagli e collaborazione.

Quando abbiamo girato Il Gladiatore c’era Joaquin Phoenix che era sul set per la prova costumi e si chiedeva “ma che ci faccio qui?”. Andò da Scott e gli disse: Ridley credo che ci sia stato un errore, non dovrei essere qui, sono solo un ragazzino della Florida, cosa c’entro con quel costume da gelataio mentre saluto la folla?”. Ci è voluta mezza giornata per convincerlo a entrare nel costume e poi tutti abbiamo visto che incredibile performance ha tirato fuori.

Come scegli le sceneggiature?

Russell Crowe: A tutti i giovani sceneggiatori presenti in sala: io amo i dialoghi. Mi innamoro delle battute particolari che devo recitare. Quello che mi interessa è la storia, non mi importa che ruolo faccio, è la storia che mi intriga. Mi vendo facilmente per un buon dialogo.

Quanto il tuo essere attore ti ha aiutato quando sei passato dietro la macchina da presa?

Russell Crowe: L’esperienza ovviamente aiuta, è importante che un regista sappia come funziona il lavoro di attore, come funziona la performance. È altrettanto importante che un regista conosca gli attori di cui si fida.

Sei tra i protagonisti de Les Misérables, cosa ha significato dover cantare e recitare tutti i giorni sul set?

Russell Crowe: Les Misérables è stata una delle più grandi esperienze della mia vita. Ogni giorno ero circondato dalla musica, un sogno. Ma detto tra noi non mi è piaciuta la caratterizzazione del mio personaggio (l’ispettore Javert, ndr.), è un personaggio difficile, è stato un ruolo difficile ma che mi ha divertito. Purtroppo tutto il lavoro che avevo fatto è andato perso in post produzione. Prima parlavamo di delusioni, ecco io durante la prima a metà proiezione sono uscito e sono tornato in albergo, sullo schermo non vedevo l’esperienza che avevo vissuto sul set. Per quanto mi riguarda nel film faccio schifo.

Appena finito di rispondere all’ultima domanda intona una delle canzoni del film e si congeda dal caloroso pubblico ripromettendosi di tornare in Italia in concerto insieme alla sua band.

Fonte immagine in evidenza: Alice nella Città.

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Questa la trama di Marcel the Shell with Shoes On, film che ha aperto Alice nella Città, la sezione parallela della Festa del Cinema di Roma e dedicata ai ragazzi. Opera prima di Dean Fleischer-Camp, il film è ispirato all’omonimo video pubblicato dal cineasta su YouTube nel 2010.

Usando la tecnica del mockumentary sin dal primo minuto veniamo catapultati nella particolare vita di Marcel. Scopriamo così che la piccola conchiglia ha sempre vissuto nella casa in cui arriva Dean, che passa le giornate a coltivare l’orto insieme alla nonna, che dorme in un letto composto da due fette di pancarrè e che inizialmente oltre a lui e la nonna c’era un’intera comunità. Una famiglia felice a cui non mancava nulla, ma tutto è cambiato quando Mark e Larissa si sono lasciati e con la loro rottura si è divisa anche la famiglia.

Proprio la separazione e il doversi adattare ad un nuovo stile di vita sono tra gli argomenti cardine di Marcel the Shell with Shoes On. Il regista decide di usare un personaggio di finzione per parlare di temi reali e tangibili. Non è facile per nessuno doversi adattare all’improvviso ad una nuova realtà, ancora meno per un bambino che spesso non sa come reagire ai grandi cambiamenti. Una storia, o meglio un falso documentario, sull’arte del reinventarsi e del cercare di godersi al meglio la vita con quel poco che si ha. Una storia di crescita e di maturità in cui Marcel capirà che il mondo è più grande di quel che credeva e che il pericolo è sempre dietro l’angolo.

Una vicenda che riesce a divertire di gusto grazie a situazioni e battute esilaranti ed allo stesso tempo capace di far riflettere. Marcel the Shell with Shoes On è più di un semplice mockumentary su una conchiglia con le scarpe da ginnastica, è il racconto di un’amicizia tra due anime sole che oltre a farsi compagnia si sostengono a vicenda, riuscendo a colmare (almeno in parte) quel vuoto lasciato da chi non c’è più.

Un film che fa della semplicità il suo punto di forza, perché in fondo la vita dovrebbe essere presa così come viene, senza soffermarsi troppo sui se e i ma, ma cercare di vederne sempre gli aspetti positivi. Non manca inoltre una frecciatina al mondo dei social, che hanno innegabilmente una grande utilità ma che troppo spesso vengono usati con il solo scopo di ottenere un like o una visualizzazione in più.

Uno spaccato della vita moderna senza dubbio interessante, filtrato attraverso il grande occhio di una piccola e simpatica conchiglia che non ha paura di mostrare i suoi sentimenti, ma che non riesce a coinvolgere sempre appieno a causa di un ritmo monocorde. Purtroppo durante i 90 minuti di durata non c’è un colpo di scena degno di nota che possa in qualche modo risvegliare lo spettatore dal sonno in cui rischia di cadere dopo pochi minuti.

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Domenica 23 ottobre, gli accreditati della Festa potranno assistere ai primi due episodi della serie, mentre il pubblico avrà la possibilità di vederli in anteprima il giorno successivo. Lunedì 24, infatti, il cast di Boris 4 introdurrà la proiezione sia presso la Sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone che all’Auditorium Conciliazione.

QUI altre novità sulla Festa del Cinema  di Roma.

La sinossi di Boris 4

Dopo tre stagioni e un film, scritte e dirette da Mattia Torre, Giacomo Ciarrapico e Luca Vendruscolo, Boris 4 torna sugli schermi per raccontare, ancora una volta, con un linguaggio satirico e fuori dagli schemi, il dietro le quinte del mondo del cinema e della televisione italiani. Sono passati più di dieci anni e tutto è cambiato. La morente tv generalista – con i suoi medici buoni e le paternali contro la droga – è ancora più morente e perfino René e i suoi amici ora lavorano per una Piattaforma globale. La serie che René deve girare stavolta è Vita di Gesù, da un’idea di Stanis La Rochelle. Che non solo vestirà i panni del protagonista, notoriamente morto a 33 anni quando lui ne ha 50, ma anche quelli di produttore, con la sua SNIP (So Not Italian Production). Stanis l’ha fondata con Corinna, che da qualche anno è anche sua moglie. La scrittura di Vita di Gesù è stata affidata ai soliti tre sceneggiatori. Coproduttore e organizzatore è Lopez, che, in pensione dalla Rete, si è reinventato produttore con la sua QQQ (Qualità, Qualità, Qualità). L’occasione da non lasciarsi sfuggire è che la Piattaforma europea più importante sta seriamente prendendo in considerazione il progetto ma, prima del via libera definitivo, serve l’approvazione delle sceneggiature (il “lock”) da parte dell’Algoritmo. Tutto sembra procedere bene ma cosa comporterà lavorare sotto questo nuovo padrone? René saprà approfittare della nuova occasione per girare una serie finalmente di qualità, ma soprattutto i nostri sapranno adattarsi al mondo che è cambiato così rapidamente?

Il numerosissimo cast

Nel cast di Boris 4, accanto ad alcune new entry, tornano tutti i gli amati interpreti delle passate stagioni: in ordine alfabetico, Luca Amorosino, Giulia Anchisi, Valerio Aprea, Massimiliano Bruno, Ninni Bruschetta, Raffaele Buranelli, Aurora Calabresi, Paolo Calabresi, Astrid Casali, Antonio Catania, Eugenia Costantini, Carolina Crescentini, Cecilia Dazzi, Massimo De Lorenzo, Giordano De Plano, Alberto Di Stasio, Caterina Guzzanti, Corrado Guzzanti, Angelica Leo, Andrea Lintozzi, Emma Lo Bianco, Jerri Mastrodomenico, Francesco Pannofino, Lucio Patanè, Cristina Pellegrino, Maurizio Pepe, Edoardo Pesce, Giuseppe Piromalli, Alessio Praticò, Karin Proia, Andrea Purgatori, Carlo De Ruggieri, Andrea Sartoretti, Pietro Sermonti, Alessandro Tiberi, Giorgio Tirabassi e Nina Torresi.

Quanto aspettate Boris 4?

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La regista e fumettista iraniana, autrice dell’acclamato film d’animazione Persepolis, candidato all’Oscar®, e di opere come Pollo alle prugne, La bande des Jotas, The Voices e Radioactive, tutte presentate nei maggiori festival internazionali, sarà affiancata dall’attore e regista Louis Garrel, i registi Juho Kuosmanen e Pietro Marcello e la produttrice Gabrielle Tana.

La giuria assegnerà i seguenti riconoscimenti: Miglior Film, Gran Premio della Giuria, Miglior regia, Miglior sceneggiatura, Premio “Monica Vitti” alla Miglior attrice, Premio “Vittorio Gassman” al Miglior attore e il Premio speciale della Giuria, a scelta fra le categorie fotografia, montaggio e colonna sonora originale,  scegliendo tra i 16 titoli della sezione, la cui forza narrativa illumina il presente mettendo a fuoco tendenze in evoluzione, memore del passato ma protesa a individuare direzioni nuove e a cercare di capire quello che potrebbe accadere domani.

Marjane Satrapi alla Festa del Cinema di Roma 2022

Marjane Satrapi è un’illustratrice e autrice di libri. La sua carriera raggiunge la fama mondiale con Persepolis, romanzo a fumetti autobiografico nel quale descrive la sua infanzia in Iran e la sua adolescenza in Europa attraverso una serie di episodi di vita quotidiana. La graphic novel è vincitrice, nel 2001, del Prix Révélation al Angoulême International Comics Festival, una delle più grandi e prestigiose manifestazioni europee dedicate al fumetto. Nel 2006, Sony Pictures Classics ha realizzato l’omonima trasposizione animata, vincitrice del Premio della Giuria alla 70° edizione del Festival di Cannes e nominata come Miglior Film d’Animazione agli Oscar. Marjane Satrapi è anche autrice di Broderies (noto in Italia con il titolo di Taglia e cuci), grazie al quale ha ottenuto la candidatura per il Prize for Best Album ancora una volta all’Angoulême International Comics Festival. Anche Poulet aux prunes (Pollo alle prugne), suo terzo romanzo a fumetti edito nel 2004 e vincitore Prize for Best Album dell’Angoulême International Comics Festival, nel 2011 è divenuto un film presentato alla 68° Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia. Nel 2014 e nel 2019 è stata regista di The Voices, film presentato al Sundace Film Festival con Ryan Reynolds, Gemma Arterton e Anna Kendrick e di Radioactive, biotopic con Rosamund Pike presentato al Toronto Film Festival sulla vita di Marie Curie, scienziata, chimica e matematica due volte vincitrice del premio Nobel (e prima donna a riceverne uno in assoluto).

Vi ricordiamo che la Festa del Cinema di Roma 2022 si terrà dal 13 al 23 ottobre presso l’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone e in altri luoghi culturali della Capitale. Parteciperete?

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Protagonista della vicenda è Suzu, studentessa liceale diciassettenne che vive in campagna con il padre. La ragazza si è chiusa in sé stessa sin da quando in tenera età ha perso sua madre, non riuscendo più a dedicarsi alle sue passioni. La sua vita cambia quando decide di iscriversi a U, mondo virtuale che ha 5 miliardi di utenti. Qui la timida ragazza si trasforma nell’avatar Belle e ben presto attira l’attenzione di tutti grazie alla sua voce e alla sua musica. In questo nuovo mondo incontrerà anche un misterioso Drago con cui inizierà il viaggio alla ricerca della loro vera natura.

Dopo essere stati catapultati direttamente in U e averci presentato la star del mondo virtuale, ovvero la cantante Belle, Mamoru Hosoda ci porta a fare la conoscenza di Suzu, la ragazza che si cela dietro l’amata avatar. Suzu, a differenza della sua controparte virtuale, è timida e riservata, tutt’altro che popolare e appariscente. Due facce di una stessa medaglia in quanto Belle non è altro che la rappresentazione in codice binario della bellezza interiore della ragazza e del suo talento musicale. Suzu è il classico personaggio che non riesce a relazionarsi con le persone che le stanno intorno in maniera naturale ed è incapace di dare sfogo a tutta la sua creatività a causa della sua grande timidezza, che però svanisce in un mondo in cui nessuno sa chi è.

Attraverso un nuovo mondo, e quindi iniziando una nuova vita, la ragazza riesce a ritrovare la sua voce e farla sentire a tutti, incurante di cosa gli altri utenti pensino di lei. Grazie all’anonimato e a una nuova fiducia, data anche dal bell’aspetto del suo avatar Belle, Suzu inizierà un lungo e un non facile percorso di guarigione da un trauma infantile che le farà anche fare pace col suo passato. L’incontro con il “villain” di U e la sua conoscenza le farà capire i motivi del gesto di sua madre. Una rivelazione catartica che la porterà a maturare ed essere più forte e indipendente, trovando anche quel coraggio necessario ad affrontare gli ostacoli che la vita ci pone davanti.

La storia raccontata in Belle ci mostra quindi il passato della protagonista, il motivo che l’ha spinta ad iscriversi a U e come Belle sia diventata in poco tempo la cantante virtuale più amata al mondo. Una storia delicata, appassionata ed appassionante che ci mostra l’incontro della bella e della bestia del mondo virtuale, ricordandoci che la bestia che è in noi è solo una sfaccettatura dell’essere umano e quindi non ha senso negarla.

Il regista ci racconta quindi l’evolversi di un rapporto che nasce in maniera burrascosa e che lentamente e  inesorabilmente farà avvicinare i due, che si scopriranno più simili di quanto credano. Un legame sicuramente inaspettato e non facile da mantenere, soprattutto perché Drago tiene Belle a distanza, ritenendosi non meritevole della sua gentilezza. Si tratta di un chiaro omaggio al Classico Disney La Bella e la Bestia – anche a livello visivo, con tanto di scena di ballo – e che, come nel film del 1991, fa della Bestia un essere incompreso e odiato perché diverso.

Sarà proprio Belle a vedere in lui bellezza e fragilità e quindi a essere la prima a trattarlo come un essere umano e non come un mostro. Il rapporto tra i due ricorda anche il più classico cliché (non necessariamente una storia d’amore, come in questo caso) tra la ragazza dolce e romantica e il teppista di turno. Un teppista che nasconde la sua solitudine e il suo sentirsi fuori posto dietro aggressività e un avatar mostruoso, che rispecchia cosa la gente pensi di lui.

Quella raccontata in Belle è dunque una favola moderna, che riesce a essere fuori dal tempo, ma allo stesso modo molto attuale ed ancorata alla realtà, in particolare quella dei social network. Se Belle e il Drago risultano essere in qualche modo personaggi eterei e atemporali, il mondo virtuale di U che li circonda è “tangibile” e “reale” e cala i due in una realtà specchio di quella reale e sicuramente più vera, poiché ogni avatar non è altro che la rappresentazione dell’alter ego di ogni utente.

Realtà virtuale si unisce al mondo reale: due facce di una stessa medaglia che si influenzano direttamente e tramite i quali l’utente può riuscire a realizzare sé stesso. Belle è un cammino verso la consapevolezza di sé, un viaggio di crescita doloroso ma necessario che porterà Suzu a fare i primi passi nell’età adulta. In questo senso, il titolo offre una doppia chiave di lettura, richiamando da un lato la favola de La Bella e la Bestia e dall’altro la ricerca della propria bellezza interiore. Una storia di coraggio capace di emozionare sin dai primi minuti. Assolutamente da vedere.

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La fama e il successo di Tim Burton si devono in particolare al suo stile, caratterizzato da mondi fiabeschi e gotici e da storie dove non mancano l’emarginazione e la solitudine. Tra i grandi successi del regista spiccano Beetlejuice – Spiritello porcello, i due film su Batman, la fiaba dark Edward Mani di forbice – che segna l’inizio del sodalizio con Johnny Depp -, l’horror Il mistero di Sleepy Hollow e Big Fish – Le storie di una vita incredibile, considerato da molti uno dei suoi migliori lavori.

Una carriera lunga quasi 40 anni, dove non sono mancati film non propriamente riusciti come il remake de Il pianeta delle scimmie o mai realizzati come Superman Lives con protagonista Nicolas Cage e il terzo capitolo dedicato al pipistrello di Gotham. In attesa di sapere quale sarà il prossimo film che Tim Burton dirigerà dopo Dumbo nel 2019, il prolifico e amato regista è stato tra gli ospiti più attesi della sedicesima edizione della Festa del Cinema di Roma, dove ha ricevuto il Premio alla carriera. Ecco cosa ha raccontato in conferenza stampa.

Più volte ha dichiarato che Lei realizza solo i film che sente e quindi la scelta dei suoi progetti è più emotiva che intellettuale. È ancora così?

Tim Burton: Non faccio film da un paio d’anni, ma sì. Ho sempre pensato che i film creati da me siano più emozionali. È diverso quando fai un film in cui metti passione.

Di tutti i personaggi che ha raccontato, quale sente più vicino a Lei? Visto che sta preparando la serie TV Wednesday, la serialità è per Lei un modo nuovo di raccontare? È l’evoluzione del suo cinema?

Tim Burton: Per quanto riguarda la prima domanda, i personaggi che sento più vicini a me sono Edward mani di forbice ed Ed Wood, in loro c’è molto di me. Non so quale dei due lo sia di più, ma mi sento molto come Ed Wood. Riguardo la seconda domanda, sì la serie è basata sul personaggio di Mercoledì Addams, che amo molto e che mi ricorda Beetlejuice e sono molto eccitato nel fare questo progetto.

Lei è stato il primo a raccontare il diverso e a battersi per l’inclusività. Cosa pensa di Hollywood, che oggi è quasi maniacale nella sua inclusività e nel suo essere multietnica? Inoltre cosa resta secondo Lei della fantasia in un cinema sempre più affascinato da storie vere?

Tim Burton: Mi sono sempre sentito un outsider e mi sento ancora così, per me i “diversi” sono personaggi come gli altri. È bello che oggi ci sia maggiore inclusione, ma io mi sento sempre nello stesso modo. A prescindere da dove sei nato o quali vestiti porti, capisco come si sentono gli outsider. È parte della mia vita, è qualcosa a cui non ho mai veramente pensato. Per quanto riguarda la seconda domanda la cosa bella dei film è che raccontano storie, anche i biopic spesso raccontano storie incredibili che superano la fantasia.

Sono più di 30 anni che collabora con Danny Elfman, può parlarci del vostro rapporto?

Tim Burton: La cosa divertente è che al momento lui è in concerto a Los Angeles con The Nightmare Before Christmas, lui interpreta Jack e c’è Billie Eilish che fa Sally. Mi piacerebbe essere lì adesso ma sono molto felice di essere qui. Per rispondere alla tua domanda, la musica è come un personaggio, ho sempre pensato lo fosse, così come la fotografia e la scenografia. Ecco perché tali collaborazioni sono così importanti, sono come attori o personaggi nel film.

La paura è sicuramente uno dei personaggi dei suoi film, ma di cosa ha paura Tim Burton?

Tim Burton: Non crederesti mai a quanto io sia terrorizzato all’idea di essere su questo palco ora. Seriamente. Non ho dormito l’altra sera al solo pensiero di dover essere davanti a tanta gente, siete magnifici ma è spaventoso. Non mi ci abituerò mai. Ma grazie per la pazienza.

Lei ha iniziato a lavorare molto presto, che consiglio darebbe a chi vuole iniziare a lavorare nel mondo del cinema? Come si affrontano la paura di non essere adatti o il giudizio altrui?

Tim Burton: È una bella domanda, c’è una sola cosa di cui non ho mai avuto paura: di cosa volevo fare. Quando fai qualcosa di artistico non devi avere paura, devi essere appassionato, non devi temere di fallire. Qualunque sia il progetto devi farti guidare dalla passione di star facendo qualcosa di speciale.

Pochi giorni fa è stato ospite alla Festa Johnny Depp, può parlarci del suo rapporto con l’attore? Inoltre tempo fa è uscito il sequel a fumetti di Edward mani di forbice, ha pensato di riprendere il personaggio?

Tim Burton: No, perché dopo che ho visto la versione porno ho deciso di chiudere con quel personaggio! (ride). Per quanto riguarda Johnny Depp, sono stato fortunato a lavorare con persone come lui o Danny, persone collaborative con cui mi piace lavorare perché c’è confronto. È bello lavorare con artisti che cercano di fare sempre cose diverse.

Cosa significa per Lei questo premio alla carriera?

Tim Burton: È il riconoscimento del lavoro di una vita, ma mi sento un po’ come al mio funerale! È un premio speciale perché Roma è una città che amo. Sono cresciuto vedendo film italiani di registi come Mario Bava, Federico Fellini, Dario Argento e molti altri. Ho un rapporto speciale con Roma, inoltre ho lavorato con artisti come Dante Ferretti e molte altre persone importanti per me.

I film che ha girato negli anni ’90 hanno cambiato il concetto di normalità, ma ora con il politicamente corretto viene filtrato tutto, cosa ne pensa? E visto che ha diretto Dumbo, cosa pensa dei remake in live action dei film d’animazione Disney?

Tim Burton: Odierei essere un comico oggi, non puoi dire nulla senza avere dei problemi. È un problema per ogni artista. Oggi devi fare attenzione a tutto quello che dici. A me non importa più di tanto, perché non faccio mai caso a quello che dico, a dire la verità non mi interessa. Per quanto riguarda i remake live action sono responsabile in parte. Non sono più un grande fan di questi film, è per questo che mi sono preso una pausa, mi sento come un topo in trappola. Ora la Disney è interessata a fare film Marvel, Pixar, remake e anche se sono stato parte di tale processo non ho intenzione di farlo nuovamente. Farei un’eccezione per il remake di Red & Toby (ride).

Quale dei suoi film predilige e perché?

Tim Burton: Vincent, dura solo 5 minuti!

Qual è la cosa più sbagliata che si dice di Lei?

Tim Burton: Che sono una persona cupa, ma non lo sono. È un’etichetta che mi porto dietro da sempre ed è anche il motivo per cui non mi piace bollare le persone. Non amo racchiudere le persone in semplici categorie, proprio perché non mi piace la sensazione di essere etichettato. È una cosa che è con me da sempre.

Ritornerà a fare film in stop-motion? Ha già qualche progetto in mente?

Tim Burton: Ho sempre qualcosa in mente, non qualcosa di specifico al momento. Per fare tale tipo di animazione servono artisti particolari, mettere insieme una squadra per farlo. È una forma d’arte specializzata. La stop-motion ha un posto speciale nel mio cuore e la userò sicuramente ancora.

Come è stato approcciarsi a Batman dopo la serie anni ’60 pensando di rivoluzionarlo totalmente e come è stata la risposta per un personaggio così oscuro e gotico rispetto al precedente?

Tim Burton: È stato speciale perché è stato come entrare in un nuovo territorio. Non c’era un modo per valutarne la validità. È stato eccitante perché era qualcosa di nuovo e la cosa strepitosa è che quello che abbiamo fatto all’epoca rimane ancora oggi.

La sala è piena di giovani, quindi Le chiedo come era Tim Burton da giovane? Ha ancora dei sogni?

Tim Burton: Ho sempre dei sogni, mi sento fortunato. Vivo sognando ad occhi aperti. La cosa importante, per chiunque, è creare.

Come si approccia con gli attori che dirige?

Tim Burton: Ogni attore è differente e io non sempre sono un grande comunicatore. Sono stato fortunato a lavorare con persone che mi hanno ispirato. Ho sempre lavorato con attori che hanno dato tutto, che hanno sempre provato cose nuove. Mi piace lavorare con attori che non guardano loro stessi e cosa hanno fatto.

Come si spiega che non abbia mai vinto un Oscar?

Tim Burton: Ho vinto un Golden Globe, sono felice così! A dire la verità non è vero, ho mentito. Sono stato solo nominato.

Come avviene il processo creativo in Tim Burton? Da cosa scaturisce la sua immaginazione?

Tim Burton: In genere vado in un bar, mi faccio un paio di drink e vedo che succede! A volte, non sempre (ride). Sogno costantemente ad occhi aperti, osservo le cose e cerco di capire se mi dicono qualcosa di diverso.

C’è un film che si è pentito di aver diretto e uno che si è pentito di non aver diretto?

Tim Burton: No. È vero quello che si dice, i film sono un po’ come i tuoi figli. Sicuramente ho commesso degli errori ma ogni film l’ho fatto per una ragione. Non ho rimpianti ad essere sincero, sono parte di me. Ho ricordi positivi e negativi di ogni progetto, sono un grande bagaglio di emozioni. Ci sono lezioni che ho imparato e cose che non rifarei, ma nessun rimpianto.

Riguardo al live action di Dumbo, può parlarci del film e del personaggio?

Tim Burton: Dopo Dumbo ho avuto un esaurimento perché ho relizzato che era la mia storia con la Disney. Io sono Dumbo, la creatura disadattata che lavorava in Disney. È un film in qualche modo autobiografico. È per questo che non sono ancora tornato a fare film, sono ancora traumatizzato.

Fonte immagini: Festa del Cinema di Roma.

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