Ad aprire le danze è Giorgio Cavazzano, che elogia la capacità di Topolino di essere un personaggio semplice, ma sempre in grado di rinnovarsi: “ha una carica immensa, quando mi arriva una sceneggiatura con Topolino è sempre una piccola avventura anche per me”.
Dal canto suo, Silvia Ziche ci tiene a menzionare soprattutto il Topolino giocherellone, in opposizione a chi lo vede come un investigatore infallibile e forse un po’ perfettino: “Per me Topolino è un amico, è praticamente reale”, spiega, “Mi piace pensare di aver colto nelle mie produzioni la sua parte divertente, quella un po’ bambina del Mickey delle origini. Del resto non è nato come un investigatore serio, ma come un topo antropomorfo che ne combinava di tutti i colori”.

Casty e Corrado Mastantuono ricordano invece il momento dell’infanzia in cui sono rimasti folgorati dalle avventure di Topolino. Per il primo, cresciuto con le storie di paperi (“diciamocelo, le storie con protagonista Topolino all’epoca non erano poi così belle!”) si tratta della lettura di Topolino e la dimensione Delta di Romano Scarpa, una storia che ancora oggi l’autore cita come la sua “bibbia” a cui ritorna sempre quando ha necessità di un escamotage o di trovare una gag che sia particolarmente calzante. Mastantuono pensa invece a un momento divertente: “Quando ero bambino dissi a mia mamma che avrei messo da parte i soldi e che, una volta compiuta la maggiore età, sarei andato in America per comprare Topolino e Pluto! Quei personaggi erano davvero reali per me, e lo sono ancora. Ma realizzare storie di Topolino non è per niente facile: la sfida di ogni autore è quella di prendere il modello originale e riuscire a farlo proprio”.

Tuttavia, nessuno degli autori si dichiara preoccupato in merito al futuro di Topolino: anche dopo 90 anni di carriera, il nostro eroe è ben lontano dall’esaurire la sua carica e la sua sete di avventure. “L’età non è assolutamente un problema”, scherza Silvia Ziche. “Topolino è come un caro amico: anche vedendolo tutti i giorni non potrebbe mai andarci a noia, perché è una persona a cui vogliamo bene. Non vi stanchereste mai di un amico, no?”. Le fa eco anche il Maestro Cavazzano: “Topolino è un personaggio camaleontico che nel corso del tempo si è evoluto ed è cambiato sia fisicamente che caratterialmente. Questo gli permette di adattarsi a ogni genere e ad ogni epoca”.

Ma cosa può raccontare di nuovo un personaggio che in 90 anni di storie sembra apparentemente aver raccontato già tutto il possibile? Per Casty, finché ci saranno autori appassionati, allora ci sarà anche Topolino: “Se ami il personaggio e ti ci immedesimi, scriverai anche delle belle storie perché sono quelle che vorresti vivere anche tu. A me piace particolarmente la città di Topolinia perché, a differenza di Paperopoli dove molti rapporti sono basati sul contrasto – come quello tra Paperino e Paperone, o tra Paperino e Paperina – a Topolinia tutti vanno d’accordo e tutti si vogliono bene. Nelle mie storie mi piace inserire in questo ambiente idilliaco un elemento di disturbo e immaginare come Topolino possa riuscire a risolvere la situazione con l’aiuto dei suoi amici. Ma il tutto nasce dal mio amore per questi personaggi e per questa città immaginaria. Io a Topolinia ci vorrei vivere, se fosse possibile!”.

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Come è nata l’idea del videogioco di Kingdom Hearts? Al tempo vi aspettavate un tale successo?
Hashimoto: Ho lavorato a questa serie per ben 20 anni. L’idea è arrivata da un episodio buffo che racconto spesso. Eravamo una compagnia ancora piccola e lavoravamo nello stesso palazzo di Tokyo in cui si trovava anche Disney Interactive, il reparto della Disney Company che si occupa di videogiochi. Un giorno mi sono trovato in ascensore con la produttrice dei videogame Disney e lei mi ha detto di essere interessata alla nostra compagnia e di voler collaborare per un nuovo titolo. Essendo una collaborazione con un grande nome come Disney, sicuramente ci aspettavamo di realizzare qualcosa di importante, ma non avremmo mai immaginato un successo come quello che ha avuto poi in tutto il mondo Kingdom Hearts!

Con l’arrivo del terzo episodio, diffonderete mai una cronologia ufficiale del gioco per fare ordine nel canone degli eventi?
Lo abbiamo già fatto in Giappone tramite una miniserie di 5 episodi che riassumono la storia di Kingdom Hearts. Speriamo di poterli pubblicare presto anche nel resto del mondo!

Qual è il tuo universo preferito tra quelli creati per Kingdom Hearts III? E quale è stato il più difficile da realizzare?
Il mio preferito è senza dubbio l’universo di Big Hero 6, un mondo molto vasto dove si possono ambientare tantissime storie e vivere esperienze di ogni tipo. Per quanto riguarda quello più difficile, in realtà non ce n’è uno in particolare: quando ci si trova a dover realizzare dei mondi partendo da zero è sempre difficile!

Qual è il tuo ricordo preferito di questi 20 anni passati a lavorare a Kingdom Hearts?
Come Executive Producer, il mio lavoro è fare contratti con i nostri partner e mettere insieme il team di artisti e il regista. Faccio questo praticamente da vent’anni. Quando si pubblica un nuovo gioco è sempre un azzardo: non puoi sapere con certezza se avrai successo oppure no, e ovviamente il timore quando abbiamo pubblicato il primo Kingdom Hearts c’era. Ricordo con molto affetto il momento in cui abbiamo scoperto che non solo il gioco aveva venduto, ma che era andato addirittura sold out! Quella è stata la soddisfazione più grande.

Non possiamo spoilerare nulla dell’ultimo capitolo, ma possiamo aspettarci dei momenti emozionanti?
È difficile rispondere, sia perché non voglio rovinarvi l’esperienza, sia perché la sensibilità di ognuno di noi è diversa, perciò quello che è emozionante per uno potrebbe non esserlo per un altro. Ma posso dirvi questo: ho seguito passo dopo passo le persone che hanno lavorato al gioco e ho visto le loro reazioni alla storia, ai colpi di scena, alle scene drammatiche… Ve lo assicuro: sarete soddisfatti!

Di seguito il trailer di Kingdom Hearts III proiettato in esclusiva per Lucca Comics & Games 2018:

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“Al cinema, la musica è un’esperienza al di là delle immagini, permette di aggiungere un altro livello di emozione più nascosto, ma altrettanto importante”, ha riflettuto insieme al pubblico. “Ma a me non piace l’idea della “musica da film”. Non penso che esista una cosa del genere, esiste solo la musica, bella o brutta che sia. Ed essa racconta la storia dell’umanità. In tutti i vari generi che esistono, la costante per me non è “chi siamo stati” ma “chi potremmo essere come specie umana”.

Zimmer ha poi illustrato brevemente il suo metodo di lavoro, citando alcune esperienze con registi e produttori che gli hanno permesso “di dare voce alle sue idee più folli”, come Ridley Scott o Christopher Nolan. Solitamente la colonna sonora è l’ultimo anello della catena di produzione di un film, ma Zimmer preferisce lavorare a stretto contatto con il regista fin dal primo momento, creando un rapporto intimo che permetta di sviluppare le idee per la musica parallelamente a quelle per la storia. Anche per questo, ama particolarmente lavorare ai film d’animazione perché al contrario del live action sono sempre modificabili fino all’ultimo momento; questo gli permette di essere coinvolto fin dall’inizio nella produzione e di avere maggiore libertà. Idealmente, confessa di scrivere per un personaggio immaginario che ha chiamato Doris, una donna qualunque dal lavoro e dalla vita frustrante che ama andare al cinema per svagarsi nel weekend. “Il lavoro del filmmaker è quello di rendere la vita dello spettatore più bella, almeno per quelle due ore”, ha affermato.

Non poteva mancare poi qualche aneddoto sulla lavorazione del film Disney Il Re Leone, che gli è valso il Premio Oscar come Miglior colonna sonora. Zimmer ha rivelato di aver in realtà rifiutato la prima offerta della Disney: “Sapete, io non volevo fare Il Re Leone! Gli dissi: “Guardate che a me non piacciono né i musical né le principesse che cantano”. Mi risposero: “Proprio per questo vogliamo che lo faccia tu”. Incuriosito così dal progetto, ne è stato poi letteralmente conquistato quando ha scoperto che alla base della storia c’era il rapporto padre-figlio: Il Re Leone è diventato per lui un requiem per suo padre, morto quando lui aveva appena 6 anni.

Ma non solo: si è appassionato così tanto al progetto che ha rischiato addirittura… la vita! La crew era infatti pronta a volare in Sudafrica per registrare la colonna sonora all’alba delle votazioni del 1994, che avrebbero portato all’elezione di Nelson Mandela e alla fine dell’apartheid. A causa dei tumulti e della guerriglia presente nel paese, i dirigenti dei Walt Disney Studios si opposero con fermezza, arrivando a chiedersi chi avrebbe potuto rimpiazzare Zimmer e finire la colonna sonora, in caso gli fosse successo qualcosa durante il viaggio. “Ero talmente appassionato del film che stavamo facendo che non mi importava nemmeno affrontare la morte“, ha ricordato Zimmer. “Alla fine non mi hanno permesso di andare, ma riuscirò a farlo adesso in quanto sto scrivendo la colonna sonora del live action de Il Re Leone che uscirà l’anno prossimo. Ho deciso di richiamare i bambini, ormai adulti, che avevamo nel coro originale nel 1994, in memoria di tutti coloro che hanno perso la vita durante quei giorni in Sudafrica. Quando ascoltate la colonna sonora del film, ricordatevi che stavamo creando bellezza in mezzo alla sofferenza e alla guerra.”

Hans Zimmer ha infine concluso il suo talk con un’esortazione alla creatività e anche alla follia dell’arte, per tutti i giovani aspiranti musicisti, ma non solo: “Vivete la vita con saggezza, siate senza paura, fate rumore. Create! Per quale altro motivo siamo su questa terra?”.

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Arriva oggi su Disney Channel la nuova serie per ragazzi Penny on M.A.R.S., l’atteso spin-off del fenomeno tutto italiano Alex & Co., ancora una volta incentrato sui grandi temi dell’amicizia, dell’amore e della passione per la musica che appassionano l’universo teen.

Abbiamo conosciuto il personaggio di Penny negli episodi speciali di Alex & Co. che hanno concluso la terza stagione. In quelle puntate abbiamo visto Alex incoraggiare la sua nuova amica a inseguire il suo sogno e iscriversi alle selezioni per il M.A.R.S., una prestigiosa scuola di canto, danza e recitazione che da sempre Penny desidera di frequentare insieme alla migliore amica Camilla. La nuova serie racconterà proprio le avventure delle due amiche tra i banchi di scuola, tra esami da superare e i primi batticuori per l’affascinante Sebastian. Ma Penny deve anche nascondere un segreto: è la figlia di Bakìa, la pop star più famosa del momento. Nessuno deve scoprire la sua vera identità, e la ragazza è decisa a farcela con le sue forze, senza dover fare i conti con l’ingombrante successo di sua madre.

Penny on M.A.R.S. va in onda dal 7 maggio da lunedì a venerdì alle ore 20.10. L’album musicale è già disponibile in tutti gli store digitali e su Spotify.

Di seguito la trascrizione del nostro incontro con i giovani protagonisti della serie: Olivia-Mai Barrett (Penny), Shannon Gaskin (Camilla) e Finlay MacMillan (Sebastian).

Raccontateci un po’ di voi, da dove venite e quali sono le vostre passioni oltre a quella della recitazione?
Olivia – Io vivo nella zona sud di Londra, mi piace moltissimo visitare le gallerie d’arte o le mostre fotografiche. Amo tantissimo la poesia e i gatti. Sto imparando a cucinare (un pochino), perché mio fratello è uno chef e in famiglia sono tutti molto bravi a farlo. Io invece ho cominciato da poco a cucinare la pasta!
Finlay – Sono di Glasgow, ma ho vissuto per molto tempo in Francia dove abita parte della mia famiglia. Quando sono a casa vivo vicino ad un fiume dove mi diverto a pescare. Mi piace correre e vorrei fare un po’ più di palestra, sollevamento pesi, attività sportive che mi aiutano anche a rilassare la mente.
Shannon – Io sono Shannon e ho 21 anni. Sono di Cambridge, ma non ho mai frequentato l’università lì. Oltre a cantare e recitare mi piace molto andare a cavallo, la boxe, il quad e scrivere canzoni. Mi piacciono moltissimo i cani, ne ho uno di nome Luna e spero un giorno di poterlo portare sul set.

Quali sono le similitudini e le differenze tra voi e il personaggio che avete interpretato?
Olivia – Anche io come il personaggio di Penny ho frequentato una scuola di ballo, e nella vita sono determinata come lei. Una cosa che ci differenzia è che io sono timida mentre lei non lo è.
Finlay – Io e il personaggio di Sebastian abbiamo in comune l’amore e la sensibilità per la musica, mentre trovo che rispetto a come sono io questo personaggio sia molto più calmo e paziente.
Shannon – Penso di essere molto simile al personaggio di Camilla, come lei sono pazza e un po’ goffa.

In un momento in cui tanti giovani attori lasciano il percorso scolastico per intraprendere questa professione a tempo pieno, qual è il vostro punto di vista? Vorreste continuare a studiare o pensate di volervi dedicare a questo lavoro e basta?
Olivia – Personalmente trovo difficile immaginarmi in un altro ruolo che non sia quello di attrice, soprattutto perché è quello a cui mi sono dedicata negli ultimi anni. Però nella vita non si sa mai: in passato ho lavorato a maglia, ero bravissima a giocare a scacchi, quindi chissà! Può sempre venire fuori una nuova passione.
Finlay – Io amo il mio lavoro, ma ho sempre sognato di studiare architettura. Forse un giorno comincerò a farlo.
Shannon – Quando ero piccola il mio sogno era quello di diventare veterinaria. Crescendo mi sono focalizzata sull’arte, la musica e la recitazione e in questo momento non penso che potrei fare qualcosa di diverso.

Visto che avete lavorato in Italia, avete imparato un po’ di italiano?
Olivia – Io so dire soltanto “pasta” e “pizza”…
Finlay – Avendo fatto le riprese in inverno ho imparato a dire “fa molto freddo”!
Shannon – “Io ho imparato a dire “belli ragazzi”

Contando anche questi impedimenti linguistici, com’è stato lavorare con Claudio Norza (il regista, n.d.r.) sul set?
[Tutti ripetono che lo hanno amato, che si è comportato da amico, rendeva tutto divertente, è una persona che mette a proprio agio e con un acceso senso dell’umorismo.]
Finlay – È una persona molto sincera, ed è rassicurante sapere di poter lavorare con chi ti dice le cose come stanno.

Qual è stata la scena più difficile da girare e perché?
[Iniziano a raccontare una scena (non ricordano quale) in cui cercavano di rimanere seri ma tutti, compreso il regista Norza, non smettevano di ridere. Sono andati avanti 25 minuti a cercare di iniziare le riprese e interrompersi, e hanno rifatto la scena 50/60 volte.]
Olivia – La cosa bella dell’aver lavorato con Claudio è che ci ha dato la possibilità di inserire delle cose nostre, improvvisare. In quella scena stavamo continuamente aggiungendo elementi e da lì abbiamo cominciato a ridere senza fermarci più.

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Non senza difficoltà, ha iniziato a seguire dei corsi serali per diventare un artista, fino a lasciare completamente i suoi studi in matematica per dedicarsi all’arte. Dopo numerosi tentativi è finalmente approdato alla Disney, prima nella divisione televisiva per occuparsi di Pepper Ann e Kim Possible, e in seguito ai DisneyToon Studios, dove ha lavorato ai film di Trilli e ad alcuni sequel come Le Follie di Kronk e Koda Fratello Orso 2. 

Da lì, il passo successivo è stato breve: dopo qualche anno è stato ammesso come story artist ai Pixar Animation Studios, dove è rimasto fino al 2014.

L’occasione per incontrare (ahimè solo “virtualmente”) il simpatico e talentuoso John Nevarez ci è stata offerta da Laura Farina, docente di Arte del fumetto, Elementi di morfologia, Dinamiche della forma e Disegno presso l’Accademia delle Belle Arti di Perugia. L’incontro, svoltosi il 16 gennaio, è stato il primo di una serie, con l’obiettivo di portare a Perugia (fisicamente o in videochat) animatori e fumettisti del panorama italiano e internazionale. Gli eventi sono rivolti principalmente agli studenti del corso, ma sono aperti a chiunque si interessi di animazione.

Dopo aver illustrato brevemente la sua carriera e i suoi primi 14 anni trascorsi nel mondo dell’animazione, Nevarez ha tenuto una vera e propria lezione per tutti gli studenti presenti in sala, mostrando alcuni lavori suoi e di artisti a cui si ispira (Ralph McQuarrie, Chris Sanders, Thorn Enriquez, Andy Gaskill, Ken Anderson e altri ancora).

Essendo l’autore uno storyboard artist, i temi principali della lezione sono stati la composizione e la luce. “Quando guardi un film o un disegno” – ha spiegato Nevarez – “chiediti prima di tutto: come l’hanno fatto? Qual è l’obiettivo che si vuole raggiungere? Cosa vuole trasmettere? È efficace? Comunica qualcosa? Perché? Un frame o uno storyboard si focalizzano su un elemento importante. Il lavoro di noi disegnatori è creare la composizione in modo che gli occhi dello spettatore siano immediatamente attratti da quell’elemento. Tutto nel disegno deve essere disposto affinché i suoi occhi siano portati esattamente in quel punto.”

Particolarmente interessanti per noi “imperiali” sono stati dei deliziosi concept art di una scena eliminata di Cars 2 che Nevarez aveva completato, ma che in ultimo è stata tagliata dalla pellicola. Si tratta di una scena di corsa ambientata in Germania, nella Foresta Nera. L’artista ha mostrato tutto il processo di ricerca che c’è alle spalle di un film come Cars, compreso lo studio dal vivo degli ambienti e delle auto e il processo di “cars-izzazione” (“car-ifying”) che permette agli animatori Pixar di trasformare il nostro mondo in quello di Saetta e Cricchetto.

Infine c’è stato spazio anche per le domande dal pubblico, di cui riportiamo le più interessanti.

Come sei arrivato a lavorare alla Pixar?
È sempre stato il mio sogno lavorare lì. Inizialmente ho fatto un primo colloquio per diventare storyboard artist, ma non sono stato ammesso. La seconda volta ho provato per storyboard designer e sono stato fortunato: si ricordavano di me! Evidentemente avevo fatto una buona impressione nel colloquio precedente, perché mi hanno preso. 

Se ogni artista lavora a una minuscola parte del film, come si riesce ad amalgamare il tutto?
Ognuno ha una parte di lavoro, ma c’è molto dialogo all’interno del team. Gli animatori interagiscono costantemente con gli story artist. Il segreto è la comunicazione e ovviamente la fiducia nella qualità del lavoro degli altri.

Quante ore di lavoro ci sono alla settimana?
Io lavoro 8 ore al giorno, 5 giorni alla settimana. Adesso sono un freelance e ricevo il lavoro direttamente a casa per diversi studi che me lo commissionano. Questo mi permette di concentrarmi sui miei progetti personali. 

Quali difficoltà si incontrano in questo mestiere?
Ce ne sono molte, ma direi che la cosa più pesante sono le scadenze. A volte hai un lavoro difficile e sei obbligato a finirlo in poche ore. Bisogna imparare a gestire il tempo.

Che consiglio daresti a un giovane che sogna di fare l’animatore?
Prima di tutto devi chiederti se vuoi farlo veramente. L’animazione è un mondo molto competitivo, non è facile emergere. Metti sempre il cuore in ciò che fai e non smettere mai di essere curioso. Osserva tutto ciò che ti circonda e disegna sempre, non appena sei ispirato. Studia anche i lavori dei grandi animatori (io lo faccio anche ora) e chiediti sempre come puoi migliorare. Se poi vuoi fare un lavoro come il mio, è importante pensare sempre a una possibile storia mentre disegni. 

A cosa stai lavorando al momento?
Ho dovuto lasciare la Pixar nel 2014 e inizialmente è stato difficile. Ho avuto un periodo di crisi in cui mi chiedevo: e adesso cosa farò? Invece ora sono soddisfatto: come ho detto, lavoro da casa e questo mi permette di concentrarmi sul mio progetto personale, di cui sono molto fiero. Sto scrivendo un libro: la storia di un gatto che gira il mondo.

Gallery di fotografie dell’incontro

L’intera videoconferenza (in inglese con traduzione in italiano) è disponibile QUI. 

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Artworks by John Nevarez

Per maggiori informazioni sui futuri incontri visitate il sito dell’Accademia delle Belle Arti.

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