Diretto da Gennaro Nunziante, il film porterà sul grande schermo l’esilarante storia di Fabio, giovane neolaureato che non riesce a trovare un lavoro, alle prese con un padre ingombrante e una sorellina capricciosa e viziata. Entrambi lo considerano un “vegetale”. Un evento inatteso cambierà improvvisamente i ruoli. Fra situazioni comiche e trovate paradossali, il protagonista dovrà reinventare la sua vita.

“La nostra scommessa – ha detto Gennaro Nunziante – sarà realizzare un film che faccia ridere ma sappia anche far riflettere il pubblico all’uscita dalla sala. Il Vegetale intende sfruttare la naturale comicità di Rovazzi, la sua fisicità e allo stesso tempo vuole anche offrire spunti su temi oggi importantissimi come il senso della comunità e quello della giustizia sociale”.

Nel cast accanto al protagonista Rovazzi ci saranno anche Luca Zingaretti, Ninni Bruschetta, Paola Calliari e la giovanissima Rosy Franzese.

L’uscita al cinema è prevista per il 18 gennaio 2018.

The post Il Vegetale, ecco la trama del film con Fabio Rovazzi prodotto da Disney Italia appeared first on Imperoland.

These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

The post IL 2016 DI IMPERO DISNEY – I PREFERITI (E NON) DI Kerm appeared first on Imperoland.

Per l’occasione la storica arena milanese si trasformerà in un vero e proprio Star Wars Day Village, con allestimenti galattici sia interni che esterni, e aree tematiche ispirate ai diversi mondi che popolano l’universo di Star Wars™ e uno speciale spazio LEGO™ dedicato a questo mito senza tempo e ai suoi leggendari personaggi.

Imperdibili eventi a tema sono previsti anche nelle suggestive e iconiche cornici del  Castello Sforzesco e di Piazza Duomo, con sorprese per tutti gli appassionati della celeberrima saga cinematografica, già alle prese con il countdown per il nuovo capitolo Star Wars: Il Risveglio della Forza, che arriverà nelle sale italiane il 16 dicembre 2015.

Lo Star Wars Day 2015 sarà un evento ricco di grandi sorprese e appuntamenti che animeranno la giornata, rendendola assolutamente indimenticabile.

Guarda il trailer di Star Wars – Il Risveglio della Forza

Guarda le prime immagini in HD dei protagonisti

The post Star Wars Day, il 3 maggio si festeggia a Milano appeared first on Imperoland.

La stessa versione, prima presentata con una microscopica preview che vi abbiamo mostrato, è stata mostrata per la prima volta in America nella giornata di ieri, durante la messa in onda dei primi due episodi di Agent Carter, la nuova serie televisiva degli studi. In Italia, inoltre, è stato anche diffuso il Teaser Poster che potete vedere qui sopra.

Di seguito, il Teaser.

Diretto da Peyton Redd e prodotto da Kevin Feige, insieme ai produttori esecutivi Louis D’Esposito, Alan Fine, Victoria Alonso, Michael Grillo e Stan Lee, il film uscirà nelle sale il prossimo 17  Luglio. In Italia, molto genericamente, durante il corso dell’Estate.

Eccovi la sinossi ufficiale: “Dotato della strabiliante capacità di rimpicciolirsi e al contempo accrescere la propria forza, il ladro provetto Scott Lang dovrà ricorrere alle sue doti eroiche per aiutare il proprio mentore Dr. Hank Pym a proteggere il suo spettacolare costume di Ant-Man da nuove, terribili minacce. Esposti a ostacoli apparentemente insormontabili, Pym e Lang dovranno pianificare un colpo che salverà il mondo“.

Vi ricordiamo che la colonna sonora è stata affidata a Steven Price.

Il cast è formato da Paul Rudd nei panni di Scott Lang alias Ant-Man, Evangeline Lilly nella parte di Hope Van Dyne, Corey Stoll nel ruolo di Darren Cross alias il Calabrone, Bobby Cannavale nei panni di Paxton, Michael Peña nella parte di Luis, Judy Greer nel ruolo di Maggie, Tip “Ti” Harris in quello di Dave, David Dastmalchian nella parte di Kurt, Wood Harris in quella dis Gale, Jordi Mollà nei panni di Castillo e Michael Douglas nel ruolo di Hank Pym.

The post Ant-Man, ecco il Teaser Trailer italiano! appeared first on Imperoland.

Ore 11:15, i nostri due eroi entrano in un lussuosissimo hotel al centro di Roma, come dei profughi, sotto lo sguardo visivamente allibito di chauffeur e personale d’albergo.
Ecco le premesse con cui siamo arrivati alla conferenza con registi ed i doppiatori di Frozen – Il regno di Ghiaccio!

L’incontro si è aperto con l’arrivo dei doppiatori italiani: Serena Autieri (Elsa), Serena Rossi (Anna) ed Enrico Brignano (Olaf), insieme al direttore del doppiaggio Roberto Morville.
Si è iniziato subito con le domande dei giornalisti in sala.

Giusto per rendere idea di come era poco lussuosa la sala

La prima era diretta a Brignano, a cui è stato chiesto come abbia lavorato sul personaggi di Olaf, considerando anche la grande differenza di timbro con la voce americana. Il comico ha risposto svelando qualche aspetto tecnico.

Infatti, mentre nel doppiaggio originale le voci vengono prima dell’animazione (che viene modellata sui toni delle battute), in Italia succede l’esatto contrario.
Il doppiatore italiano infatti deve seguire da una parte la traccia della voce americana, ma dall’altra tentare di metterci del proprio, ed è quello che Brignano ha dovuto fare, modificando i toni della propria voce per adattarsi al personaggio.

Ma come Morville ha fatto notare, è pienamente riuscito nello scopo!

A seguire, è stato chiesto quale aspetto del personaggio è piaciuto di più al rispettivo doppiatore.

Serena Rossi ha preso la parola per prima, sostenendo come sia impossibile non innamorarsi di Anna, una persona buffa, simpatica, pura, che attira subito l’amore del pubblico!. Ha inoltre aggiunto che anche lei è molto legata a sua sorella, e che questo sentimento è stato molto utile per immedesimarsi nel personaggio.
Serena Autieri ha spiazzato la sala annunciando che pure lei possiede i poteri… ZAN ZAN. Scherzi a parte, ciò che ha più tormentato la doppiatrice di Elsa è stata la grande responsabilità per le canzoni, e per il fatto di avere un personaggio impegnativo nonché centrale nel film.
Brignano prende di nuovo la parola, ricordando come la scuola di doppiaggio in Italia sia tra le più antiche e prestigiose del mondo, aspetto importantissimo nei film Disney, che mirano sempre ai bambini (d’età e di spirito).

Successivamente tutte e tre le voci hanno ringraziato Fiamma Izzo per l’aiuto e il sostegno durante le registrazioni, e per lo spazio d’improvvisazione lasciato a ciascuno. Senza dimenticare poi i ringraziamenti al maestro di canto Brancucci, perché per tutti era importante essere all’altezza dei grandi Classici Disney.
La conferenza si è chiusa con un’ultima domanda, riguardo a cosa hanno provato gli attori quando sono stati scelti per il doppiaggio.

Quello che Serena Rossi ha sottolineato è che un film Disney è per sempre, e che è estremamente contenta che i suoi nipotini e che la sua famiglia potranno ascoltarla, per quanto abbia ammesso che non sia stato facile doppiare Anna.
L’attrice inoltre è rimasta sorpresa di quanto sia “fisico” il lavoro di doppiaggio, e Fiamma Izzo è spesso intervenuta per strattonarla e rendere la scena più credibile!
Brignano confessa che lui stesso aveva suggerito i nomi di Serena Autieri e Serena Rossi, e di quanto abbia sperato di prendere la parte di Olaf.
Infine Morville conclude questa prima parte della conferenza elogiando il lavoro di tutto il cast, e la disponibilità che gli attori hanno dimostrato durante le registrazioni

Concluso il primo incontro, escono i doppiatori e, dopo una breve pausa, entrano Chris Buck, Jennifer Lee e Peter del Vecho. Rispettivamente i due registi ed il produttore di Frozen.

Chris Buck aveva già esperienza in Disney come animatore, avendo lavorato in alcuni Classici Disney negli anni ’80 e ’90, per poi arrivare alla regia “Tarzan” nel 1999.
Jennifer Lee si è unita ai WDAS nel 2011, ed è stata sceneggiatrice di Ralph Spaccatutto, incarico che ha mantenuto anche in Frozen, con la promozione alla co-regia.
Peter del Vecho infine è uno storico produttore degli WDAS, che ha firmato alcuni Classici del rinascimento (come Hercules) e molti di quelli più recenti (come Il pianeta del Tesoro e La Principessa ed il Ranocchio).

Di seguito vi riportiamo un breve riassunto delle domande e risposte avvenute tra i giornalisti in sala ed i registi!

Cosa vi ha colpiti della storia originale?

Jennifer Lee: Quello che ci ha colpito molto è la lotta tra l’amore e la negativita presente nella fiaba di Andersen, Lotta che abbiamo voluto mantenere in Frozen. Anna è armata solo di amore contro la paura. Nella storia originale non sappiamo nulla della regina delle nevi quindi abbiamo deciso di allontanarci dalla fiaba. Nella storia la regina è solo cattiva, mentre nel nostro film è più tridimensionale. Il momento chiave è stato trovare la giusto modo di far interagire le due sorelle.

Il film d’animazione basati sulle fiabe sono una tradizione della Disney fin da Biancaneve. Come ci si sente a far parte di questa tradizione?

Christ Buck: è un onore fare fiabe e far parte della tradizione Disney, anche perché sono cresciuto con i Classici! Il mio preferito è Pinocchio.

Lee: Abbiamo saputo che già Walt Disney voleva fare la regina delle nevi. Il fatto di averlo realizzato noi è molto importante. Il film che preferisco in assoluto è Cenerentola. Ma la cosa più importante del fare fiabe nel 2013 è fare in modo che mantengano un tocco classico ma che ci si possa ancora identificare.

Peter Del Vecho: Non realizziamo un mondo realistico, ma un mondo credibile. Sono storie che hanno una grandissima portata ed obiettivo: avvolgere e trasportare il pubblico

Come mai era un problema che all’inizio la regina delle nevi (Elsa) fosse solo negativa? In genere nei Classici Disney il cattivo è solo cattivo

Lee: Perché chi legge la fiaba non sai niente della regina. Abbiamo fatto cattivi “veri” molte volte, ma volevamo tentare un approccio nuovo e più complicato che ruotasse attorno al rapporto tra buono e cattivo. Man mano che esploravano il personaggio e ci chiedevamo chi fosse e quale fosse il suo percorso, e più pensavamo di creare un personaggio diverso.

Buck: è stato quando hanno scritto Let It Go che è cambiata completamente la nostra visione del personaggio! Fino a quel momento lei era LA cattiva, ma quella canzone è stata un punto di svolta. È chiaro che Elsa non è l’antagonista della storia, ma è qualcos’altro, che il pubblico riesce ad avere più a cuore.

I film sulle Principesse sono anche dei modelli per le donne, che adesso sono cambiati anche in una svolta “femminista”. Jennifer è la prima donna regista in Disney. Qual è stato il tuo percorso? è vero che è un ambiente maschilista come dice la Chapman?

Lee: Io amo i personaggi imperfetti, ragazze reali con cui ci si può identificare. Ogni eroina disney è stata realizzata per la sua epoca, e noi non vogliamo personificare un cambiamento, ma semplicemente rappresentare le donne di oggi. Sempre più donne lavorano nell’animazione e c’è maggior equilibrio. La parità maschile e femminile rende migliori i personaggi ed i film. Quando ho iniziato a lavorare a Ralph Spaccatutto, metà del team era costituito da donne, non sapevo che in passato fosse un problema…. Questo per quanto riguarda la Disney. Nel cinema live action forse sono rimasti un po’ rimasto indietro, ma le cose cambieranno!

I film disney rappresentano un pilastro della cultura popolare. Quanto è diverso “Frozen” dalla tradizione e quanto è nuovo, cosa rappresenterà per la tradizione?

Buck: Cerchiamo di creare qualcosa di nuovo, rispettando sempre però la tradizione Disney perché fa parte del nostro DNA. Film per tutti, di ogni età, e con un messaggio importante, oltre che alle risate e ai momenti tristi.

I personaggi comprimari nei film Disney, sono sempre molto importanti. Quanto è stato difficile scrivere un personaggio come Olaf?

Lee: Chris ha inventato Olaf, tutti noi abbiamo subito amato l’idea di un pupazzo di neve che poteva rompersi in vari pezzi. Io ho insistito perché fosse funzionale alla storia di Anna e Elsa e non solo un’aggiunta comica. Rappresenta l’amore innocente. È una parte importante del film.

E con questa ultima domanda si è chiuso l’incontro! Prossimamente arriverà un articolo riguardante la piccola sorpresa della mattinata, ovvero la presentazione del documentario “Walt Disney e l’Italia – una storia d’amore”, prodotto dalla Disney Italia con Kobalt Entertaiment.

   

The post [Frozen] Incontro con i doppiatori ed i registi del nuovo Classico Disney! appeared first on Imperoland.