Un altro tempo, un altro luogo, ma lo stesso papero mascherato di sempre. Nella storia inedita Un nuovo eroe ritroveremo il super papero che, dopo aver fronteggiato per anni vampiri emozionali evroniani e una serie di nemici infiniti, questa volta dovrà appellarsi a tutte le sue risorse per uscire dal guaio spaziotemporale in cui si è cacciato.

Di seguito la nostra intervista allo sceneggiatore Roberto Gagnor in occasione di Lucca Comics & Games 2019.

Siamo nell’anno del rilancio di due diverse identità di Paperino, PK e Paperinik. Perché ha ancora senso tenerli separati? O meglio, quali caratteristiche rendono PK “PK” e Paperinik “Paperinik”?

Roberto Gagnor: “Sono due modi diversi di vedere Paperino, che è un personaggio così grande da avere un passato, un presente e un futuro. Se vogliamo, Paperinik e le storie di Marco Gervasio guardano al passato del personaggio e sperimentano nel rispetto della tradizione – operazione tra l’altro molto difficile da fare -, mentre le storie di PK guardano al futuro e sono basate sull’innovazione. In mezzo c’è il Paperino del presente, un personaggio che racchiude tutti e tre. Quindi le due cose possono coesistere tranquillamente, anche perché secondo me attirano tipi di lettori diversi”.

PK aveva fatto il suo debutto sulle pagine Topolino qualche anno fa, ma ora si è reso necessario dargli una nuova collana chiamata “Fuori serie”. Come mai?

Roberto Gagnor: “È una decisione della redazione, di Alex Bertani e Davide Catenacci. Forse si è cercato di dargli uno spazio suo in cui non fosse costretto da certe caratteristiche di Topolino, per esempio in questa versione grande si possono apprezzare meglio le tavole. Su Topolino le storie di Artibani e Sisti – che per me sono dei capolavori – avevano una dimensione di un certo tipo, le mie avranno un’altra dimensione ancora e quindi per segnare questo cambio di rotta si è optato per il nuovo formato. Vorrei sottolineare però che non si tratta di un reboot: sono storie che si collegano a quell’universo, ma chiaramente quando un nuovo autore prende il testimone non deve imitare il passato ma creare qualcosa di nuovo. Artibani e Sisti per me sono due maestri, ma questo è il mio PK”.

La copertina di PK – Un nuovo eroe di Roberto Gagnor e Alberto Lavoradori.

È la prima volta che ti cimenti con questo personaggio, come ti sei preparato?

Roberto Gagnor: “Innanzitutto ho riletto le storie del passato e le ultime uscite su Topolino. Però ho capito subito di voler fare una cosa diversa, perché volevo raccontare una fantascienza e un supereroismo alla mia maniera. Io sono cresciuto con gli X-Men degli anni ’90, con un’idea di fantascienza dinamica, in cui tutto era possibile. Per cui ho cercato di dare a questo numero e alle prossime storie questa caratterizzazione. In questa storia in particolare PK viene un po’ spogliato di tutto, si trova nei guai e deve uscirne da solo. Per questo il titolo è Un nuovo eroe, perché volevo che cominciare con il togliergli tutto per poi ripartire da capo. Di nuovo, non è un reboot, ma si avvicina a quello che fanno gli autori Marvel dando nuove caratterizzazioni agli stessi personaggi”.

Le tue storie per Topolino fanno molto ridere, però si tratta di una comicità molto diversa da quella di PK, che è più improntata sul sarcasmo alla maniera dei supereroi americani. Come hai modellato il tuo stile sul personaggio?

Roberto Gagnor: “Il sarcasmo è un’arma che abbiamo usato tanto e di cui forse abbiamo abusato. Adesso ti aspetti sempre che il personaggio sia cool e con la battuta pronta. Io volevo raccontare un’avventura grandiosa, ma lo humor deve esserci sempre. Esempio perfetto sono i Guardiani della Galassia, che combinano benissimo le risate con i momenti drammatici. Mi premeva tenere il mio humor, però rispettando le atmosfere di PK”.

Per gli appassionati di Pikappa, in fumetteria è arrivata anche la versione Deluxe di Droidi, di Alessandro Sisti e Claudio Sciarrone.

Il fandom di PK è molto appassionato e molto esigente. Prendere le redini di una serie con un pubblico simile è una grande responsabilità. Ti senti pronto ad affrontare le eventuali critiche?

Roberto Gagnor: “È vero, è un pubblico molto esigente che oggi è cresciuto e ama ancora il personaggio. Però lo amo anche io, e proprio perché lo amo fare un’imitazione di chi c’è stato prima non avrebbe alcun senso. Non posso dare ai fan quello che si aspettano, il mio lavoro è dargli quello che non si aspettano. Ho cercato di raccontare in maniera diversa e soprattutto di sorprendere sempre: il primo numero finisce in un modo, nei prossimi succederanno un sacco di cose, ho in mente una trama sul lungo termine. È chiaro che a qualcuno non piacerà, però è giusto che la cultura di massa periodicamente si rinnovi e proponga qualcosa di nuovo in una cornice riconoscibile”.

E per quanto riguarda il futuro? Senza fare troppe anticipazioni, sappiamo che arriveranno altre storie…

Roberto Gagnor: “Mi occuperò anche delle storie future di PK. Cosa succederà? Beh, non ve lo dico. Però ho un piano lungo per queste storie, anzi è stato molto bello che la redazione mi abbia detto di osare. Io inizialmente avevo proposto delle idee anche abbastanza tranquille, ma poi mi hanno dato carta bianca per osare. Sono contento che ci sia con me Alberto Lavoradori, che è un disegnatore diverso, dirompente, interessante… può piacere o non piacere, ma senza dubbio nessuno fa quello che fa lui. E quindi dico: va bene così, andiamo a osare insieme!”.

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A Lucca Comics 2019 abbiamo incontrato Freccero per farci raccontare qualcosa di più del suo ruolo e per svelarci segreti e consigli per i giovani che aspirano ad entrare nelle fila del giornalino a fumetti più famoso ed amato di sempre.

Da qualche mese svolgi il ruolo di supervisore artistico di Topolino: perché si è ritenuto necessario creare questa figura, in cosa consiste e quali sono i tuoi compiti?

Andrea Freccero: “Quella del supervisore artistico è una figura che è sempre stata presente nell’editoria, quindi era un ruolo che mancava da parecchio tempo. La supervisione artistica su immagini che devono raccontare una storia è molto importante, non tanto per la qualità grafica in sé, ma – per come la vedo io – per fornire una specie di anello di congiunzione fra quelle che sono le esigenze dei disegnatori e degli artisti e le esigenze invece della redazione e dell’editore. Quindi è una lacuna che, a prescindere dal fatto che sia io, è stata finalmente colmata dopo molti anni”.

Come avviene la comunicazione nella triangolazione redazione-supervisore artistico-autori?

Andrea Freccero: “È un rapporto molto stretto, anche fra collaboratori di generazione differente, e non dobbiamo scordare che adesso abbiamo mezzi di comunicazione estremamente veloci: una mail, un messaggio e tutto viene svolto con una rapidità incredibile. Il rapporto con l’editore è un rapporto quotidiano, così come fra sceneggiatori e disegnatori: è un continuo feedback fra le parti. Quando uno sceneggiatore propone un soggetto alla redazione e questo viene approvato dando il via al suo sviluppo e al poter contattare un disegnatore che possa realizzarlo, questo lavoro deve essere fatto in modo relativamente veloce, basti pensare che per realizzare una storia che conti venti-trenta pagine possono servire, solo per il disegno, uno o due mesi di lavoro. Richiede certe tempistiche, quindi la comunicazione deve essere rapida, chiara ed efficace”.

Cosa si ricerca oggi in un disegnatore di Topolino? Le linee guida devono essere rispettate in maniera ferrea o è permesso – diciamo – “colorare fuori dai margini”, metterci del proprio?

Andrea Freccero: “Il settimanale di Topolino per tradizione è sempre stato un contenitore di stili e grafie differenti. Abbiamo avuto artisti di grandissimo profilo ed ognuno di loro ha sempre parlato attraverso la propria grammatica. Il disegno è come la scrittura: ha sempre un timbro personale. Ma non dobbiamo scordare che il mondo che dobbiamo raccontare è sempre quello disneyano. Io cerco di fare un po’ da collante fra tutti quanti, non senza una certa fatica, e cerco di trovare lo stesso punto di riferimento che poi alla fine è quello della classicità Disney. Esso non prevede di poter debordare oltre certi limiti, perché chi cerca la dialettica disneyana cerca un linguaggio molto specifico, come quello dei grandi autori del passato più o meno recente come Carpi e Scarpa che sono stati l’anello di congiunzione fra il comics americano e quello italiano. Ognuno di noi, alla fine, interpreta questo linguaggio in modo personale ma il punto di riferimento, per me, deve essere quello. I giovani sotto certi punti di vista hanno una piccola marcia in più. Noi veterani abbiamo l’esperienza maturata in anni che ci permette di riuscire a ragionare in un certo modo. I più giovani devono imparare cose che ancora ovviamente non conoscono, ma dalla loro parte hanno un modo di raccontare che è più vicino alle nuove generazioni e questa è una cosa che si sente”.

La copertina di Topolino Flash Edition dedicata ad Andrea Freccero.

Le storie prodotte in Italia sono spesso tradotte ed esportate all’estero: come si fa ad andare incontro ad altre culture e come si lavora in questo senso?

Andrea Freccero: “La cosa è molto spontanea perché si lavora con personaggi che hanno una vita propria e noi non facciamo altro che metterli su carta e raccontarli, con il loro modo di recitare ed atteggiarsi. Sono universali e quindi facilmente appetibili. Indubbiamente ci sono preferenze a seconda della zona geografica: nel Nord Europa ad esempio sono più amati i paperi. Noi nel nostro piccolo abbiamo fatto scuola dal punto di vista narrativo e grafico ed è una piccola medaglia che mostriamo con un certo orgoglio”.

Con questo nuovo ruolo avrai anche meno tempo: hai comunque nuovi progetti da portare dentro Topolino? 

Andrea Freccero: “Questo ruolo da supervisore artistico mi prende tutto il tempo! Quando disegnavo e basta era già difficile tenere traccia di quel che facevo, l’organizzazione non è il mio forte. Ora sto imparando ad affidarmi a post-it, agende e promemoria. I progetti sono tantissimi e l’editore sta lavorando molto sotto questo punto di vista quindi in un prossimo futuro cominceremo a vedere quello a cui stiamo lavorando. Per quel che mi riguarda, adesso sto come combattendo in trincea nel tentativo di svolgere a meglio il ruolo che mi hanno chiamato a coprire e devo dire che richiede un dispendio di tempo ed energie enorme. Nel frattempo porto avanti le copertine per l’estero e per l’Italia e alterno questo al mio nuovo compito”.

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A Lucca Comics & Games 2019 (dove il film è stato proiettato in anteprima davanti a una sala gremita ed entusiasta) abbiamo avuto l’opportunità di incontrare il regista Lorenzo Mattotti, che ci ha illustrato la genesi de La famosa invasione degli orsi in Sicilia e le sfide incontrate nel corso dei 6 lunghi anni necessari per portare sul grande schermo questa favola tutta italiana.

La versione italiana de La famosa invasione degli orsi in Sicilia vanta un cast di attori estremamente riconoscibili. Non ha avuto paura che lo spettatore si dissociasse dal personaggio, sentendo la voce di un attore famoso?

Lorenzo Mattotti: “Innanzitutto vorrei precisare che il primo doppiaggio è avvenuto in francese, prima ancora che si facesse l’animazione. Per quanto riguarda l’Italia, c’erano delle voci che avevo in mente fin da subito come quelle di Corrado Guzzanti o di Antonio Albanese, e altre che abbiamo dovuto ricercare come quella di Almerina. Quando ho sentito Linda Caridi, ho subito pensato: è lei. Io cercavo voci adatte ai miei personaggi, in realtà non mi sono posto il problema che fossero attori famosi. Volevo soltanto che le voci fossero molto caratterizzate, che ogni personaggio fosse immediatamente riconoscibile. Pensavo alla Commedia dell’arte, alle maschere: il doppiaggio doveva riflettere un certo divertimento nelle caratterizzazioni, anche grazie ai dialetti che abbiamo scelto. Ovviamente, nel momento in cui si rivela Andrea Camilleri è impossibile non riconoscerlo… ma va bene così, cercavo una voce simbolica e carismatica e l’ho scelto proprio per questo. Trovo che la versione italiana sia più divertente, mentre quella francese è raffinata e letteraria. Non è stato un doppiaggio tecnico ma un arricchimento, che ha dato come risultato due versioni complementari”.

Che tipo di studio è stato affrontato per quanto riguarda i colori del film?

Lorenzo Mattotti: “Sono abituato a lavorare molto con il colore, e sin dall’inizio della produzione ho cominciato a fare delle prove a colori, tenendo a mente come riferimento quelli utilizzati da Buzzati. Ai miei artisti dicevo sempre: “non abbiate paura del colore”. Il colore è fonte di energia visiva, io amo per esempio la cultura psichedelica e film come Yellow Submarine che sono un’esplosione di colori. Il mio obiettivo per La famosa invasione degli orsi in Sicilia è stato sempre quello di ottenere dei piani che fossero graficamente caratterizzati. Volevo immagini di grande forza grafica, nette, chiare e precise, di modo che lo spettatore potesse avere uno sguardo pulito, potesse cogliere ogni dettaglio e in un certo senso anche perdersi nelle profondità delle sequenze per arricchire ulteriormente la visione”.

L’uso delle luci e delle ombre è molto interessante: il film è illuminato in maniera completamente diversa rispetto a come si illumina un film in 2D tradizionale. Come avete lavorato per raggiungere questo risultato?

Lorenzo Mattotti: “Fin dall’inizio della produzione ho detto: “voglio ombre su tutti i personaggi e voglio lavorare molto con il compositing“, perché per me sono le chiavi della buona riuscita di una pellicola animata. Volevo che ogni personaggio avesse il suo volume, che occupasse uno spazio. Spesso i cartoni animati sono claustrofobici, ti manca l’aria: io invece volevo utilizzare la profondità. Abbiamo formato un’ équipe specializzata soltanto per le ombre, erano almeno 8 persone che si sono occupate soltanto di quello parallelamente all’animazione. Poi io ho voluto seguire tutte le ombre personalmente, soprattutto nelle scene di metamorfosi. Le ombre dei fantasmi, per esempio, perché dovevamo realizzare una forma che variasse tutto il tempo. È stato davvero un enorme lavoro”.

Quindi, il film è animato interamente in 2D e i volumi dei personaggi sono realizzati soltanto attraverso le ombreggiature?

Lorenzo Mattotti: “Tutti i personaggi principali sono disegnati in 2D, ma ci sono degli elementi 3D come nelle scene di massa dove gli orsi e i militari sono fatti al computer, oppure nel finale con le barche e il serpente marino. Ma tutto il resto, compresi i fondali e gli effetti speciali, è in 2D. E sì, il volume dei personaggi è dato solamente dalle ombre. Adesso ci sono programmi che permettono di integrare sempre di più le due tecniche, per esempio in Francia è appena uscito il film d’animazione Dov’è il mio corpo? che è disegnato al computer, ma poi gli è stata applicata una texture 2D, per cui quando lo vedi hai la sensazione che sia animato a mano”.

A proposito della Francia, cosa ne pensa della situazione attuale dell’animazione?

Lorenzo Mattotti: “Non sono un grande esperto, anzi negli ultimi anni ho evitato di vedere animazione per non essere influenzato durante la produzione del film. Io conosco più che altro la situazione europea, e mi sembra che si stiano realizzando dei prodotti molto belli. Noi siamo più raffinati, non facciamo tutti la stessa cosa perché ogni regista ha la sua visione e il suo mondo poetico. Questa è la grande ricchezza dell’Europa, mentre in America trovano una formula e la devono ripetere finché il pubblico non si stufa. La Francia è il paese più all’avanguardia in questo momento, perché è riuscita a fare una vera politica di sviluppo in questo settore e ora ne sta raccogliendo i frutti. Io mi chiedo sempre: ma in Italia avrebbero mai preso un regista esordiente francese per farlo lavorare su un testo francese? Nel nostro paese non riscontro la stessa apertura culturale che ho trovato in Francia: forse una volta eravamo così, ma adesso la verità è che sono i produttori italiani a doversi rivolgere all’estero e non viceversa”.

Il finale è molto diverso dal romanzo di Buzzati. Si chiude con un interrogativo, lasciando la risoluzione effettiva sospesa. Come mai questa decisione?

Lorenzo Mattotti: “Il finale di Buzzati lo trovavamo un po’ troppo malinconico e un po’ datato. Attraverso i nuovi personaggi di Almerina e Gedeone abbiamo cercato di riportare il pensiero dello spettatore, che si lamenta perché non è possibile che il finale sia così triste. Avevamo pensato a una conclusione più divertente e felice, però poi avevamo paura che diventasse troppo americano, troppo prevedibile. Per cui abbiamo deciso di lasciare la risoluzione sospesa, attraverso l’espediente del segreto che non può essere rivelato. Quando finisce la proiezione molti bambini si fanno domande, ed è bello così perché per sciogliere il mistero il film li costringe a riflettere. La risposta sta a loro, alla loro fantasia, alla capacità di immaginare. Può esserci un finale migliore? Chissà”.

L’ accoglienza della critica è stata molto positiva, cosa si aspetta invece dall’accoglienza in sala?

Lorenzo Mattotti: “La scommessa a livello critico è stata vinta, ci sono state poche reazioni negative, ma in generale sono tutti entusiasti. Quello che abbiamo osservato è che una volta in sala il pubblico ama La famosa invasione degli orsi in Sicilia, ma il grosso problema viene prima, quando si tratta di attirare la gente al cinema. Proprio qualche giorno fa una signora mi ha detto: “non so se vada bene per i miei figli, perché sembra molto diverso da quello a cui sono abituati”. Mi ha fatto molto riflettere: oggi i genitori hanno paura di esporre i figli a qualcosa di diverso dal solito. Hanno paura che non sia per loro, che utilizzi un linguaggio troppo raffinato, troppo d’élite. Ma questo è un film per tutti, popolare, figuriamoci se volevo passare cinque anni a fare un film per me stesso… Anzi. Ho capito che c’era la possibilità di fare qualcosa di bello per i ragazzini, di portare al cinema una storia diversa dalle altre ma bella lo stesso, e io a 60 anni mi sono preso la responsabilità. Credo che ogni disegnatore prima o poi debba prendersi questa responsabilità: smettere di chiudersi nel proprio mondo e provare a portare qualcosa di positivo alle nuove generazioni, perché saranno loro che diventeranno la società del domani”.

Foto: ©2019 Prima Linea Productions – Pathé Films – France 3 Cinéma – Indigo Film
Foto Lorenzo Mattotti: © Caterina Sansone

Una versione breve di questa intervista è comparsa sul nostro partner web Ginger Generation.

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Ecco cosa ci ha raccontato Sciarrone a Lucca Comics & Games 2019, dove abbiamo potuto leggere anche il secondo episodio, pubblicato in anteprima esclusiva con l’edizione variant di Topolino 3337 che sfoggia una cover di Marco Rota.

Sei il factotum della tua serie Foglie Rosse: quali limiti e libertà ti sei imposto nell’essere autore completo?

Claudio Sciarrone: “Sapevo che non fosse più possibile fare parodie, perché la Disney ha avuto problemi con opere come Metopolis ad esempio e si è trovata costretta a bloccare tutto quel tipo di produzione. Ma sicuramente si possono raccontare storie anche senza rifarsi a qualcosa di già scritto: ci sono ormai dei macro-blocchi narrativi e i ragazzini in bicicletta che scoprono qualcosa di più grande di loro è già un tema narrativo in sé. Pensando dunque a un’ambientazione con degli adolescenti ho avuto subito in mente Tip e Tap, personaggi che non ricordo di aver mai visto impegnati in niente di importante, forse la storia scritta da Penna e Caffo Tip e Tap e la solitudine di Jack. Ero certo però di non volerli come unici protagonisti, quindi li ho messi assieme a un gruppo di altri personaggi inventati dove non c’è una dominanza protagonistica.

Le tematiche trattate sono oltretutto molto disneyane, al contrario magari di quelle affrontate da Enna e Celoni nella Trilogia Gotica, quindi non ho dovuto fare grandi ricerche. Ho presentato il progetto in due pagine e ho cominciato a farne uno storyboard scarabocchiato e pieno di appunti. Sapevo che per arrivare a certi snodi dovevo far accadere determinate cose, ma i vari botta e risposta li ho creati a storia già conclusa. Scrivere i dialoghi è stato come se avessi avuto i ragazzi davanti a me e cercassi di star loro dietro, quindi riuscivo ad appuntarmi qualche dialogo mentre altri me li perdevo. Dopo anni di sceneggiature lette ho assimilato la tecnica, ma la mia è fatta tutta d’istinto. Devo ringraziare Alex Bertani, Stefano Petrucelli e Davide Catenacci che mi hanno dato fiducia e carta bianca e mi hanno aiutato permettendo di potermi esprimere al meglio anche circa i dialoghi perfezionando così il mio ”stile”, se di stile possiamo parlare davanti a una prima storia”.

 

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Bambini in bicicletta e alieni: si potrebbe dire che in Foglie Rosse ci siano rimandi ad opere degli anni Ottanta…

Claudio Sciarrone: “Se ci sono, non sono stati volontari. I bambini vanno in giro in bici anche oggi. C’è sicuramente una rappresentazione del passaggio dall’infanzia all’adolescenza, un momento in cui ci si trova da soli e lontani dal mondo adulto, una tematica che sicuramente si ritrova in tanti film degli anni Ottanta e che ora si affronta in maniera diversa. Qui l’adulto in questione è Topolino ed è stato difficile lasciarlo marginale in una situazione dove normalmente avrebbe iniziato a indagare: il vero passaggio all’età adulta dei ragazzini è far sì che l’adulto si fidi di loro.  C’è da dire anche che il rapporto di Tip e Tap con loro zio non è assolutamente come quello di Qui, Quo e Qua con Paperino. Nel loro caso, sono i paperotti ad essere più responsabili dello zio, mentre se hai la fiducia di Topolino vuol dire che hai anche determinati valori. Topolino ti dà fiducia perché è il primo ad essere fiducioso verso il prossimo e la storia verte su questo”.

Tip e Tap non ci pensano due volte ad aiutare qualcuno in difficoltà, andando oltre la sua ”diversità” in un periodo dove si pensa che la tecnologia ostacoli questa sensibilità. Come si affrontano questi temi?

Claudio Sciarrone: “Forse ho scritto questa storia perché ho un’indole di un certo tipo, seguo tutti i telegiornali e mi sono calato nella realtà. La tecnologia esiste, non possiamo ignorarla: quando sono approdato nel mondo del fumetto lo status quo erano personaggi secondari che al parco leggevano il giornale. Ora i quotidiani non li legge neanche chi li leggeva un tempo e rappresentare la tecnologia vuol dire semplicemente guardarsi intorno, non fare la caricatura del ragazzino attaccato al telefono. Così come non disegniamo vecchie Cadillac o segnali stradali fuori uso, non possiamo rimanere fermi a gente che legge le notizie sul quotidiano invece che sullo smartphone solo perché siamo abituati così. Creare pensando ai nostalgici vuol dire perdere i lettori giovani perché non si riconoscono nei personaggi con panciotto e giornale.

La parte visiva è come, secondo me, una storia della nostra epoca andrebbe rappresentata. Parlando della tematica principale: l’accettazione del diverso è la spina dorsale della storia. Quando Phil, l’alieno, appare per la prima volta, Tip e Tap gli chiedono se sia spaventato, non fanno commenti sui suoi capelli viola o sulle sue orecchie a punta. Ho voluto evitare ogni commento sulla sua ”stranezza” affinché fosse più chiaro possibile il messaggio che siamo tutti sullo stesso piano. La vera tematica della storia è questa, non l’uso della tecnologia. Questi elementi dovrebbero essere ormai dati per scontati nelle storie di adesso e invece stridono perché si affrontano le storie disneyane ancora con dei cliché. Ma nel frattempo il mondo è andato avanti. Io vorrei che le mie storie invecchiassero, vorrei che fra dieci anni, rileggendo ciò che ho fatto, si provasse affetto ripensando al passato, a come si rappresentava il mondo di quell’epoca”.

La copertina di Topolino Flash Edition dedicata alle opere di Claudio Sciarrone.

Come ”slogan” per pubblicizzare Foglie Rosse sui social hai spesso usato ”non cercatelo su Netflix ma in edicola”: in questo senso la tua narrazione è molto cinematografica. Come si crea una narrazione simile con un mezzo statico come quello del fumetto?

Claudio Sciarrone: “Innanzi tutto devo ringraziare chi mi ha permesso di andare oltre lo schema della gabbia di Topolino che solitamente ha sei vignette o al massimo delle doppie. Ho cercato di, per rimanere in tema, cambiare obiettivo alle cineprese senza strafare. Il mio scopo era che narrazione e personaggi comunicassero in scioltezza, non volevo che il lettore avvertisse la mia presenza, così come al cinema non si deve interrompere la sospensione dell’incredulità con una tecnica errata, magari un montaggio fatto male o dei raccordi sbagliati. Il passaggio da una vignetta all’altra e le loro forme sono in funzione alla velocità della lettura di quel momento. Normalmente le vignette orizzontali rallentano la scena mentre quelle verticali la velocizzano, è una tecnica basilare. Io agisco in maniera totalmente intuitiva. In questa storia ho sempre sei personaggi in campo quindi la composizione della tavola è proprio come l’occhio deve seguire la scena.

Quando si ha una gabbia statica non si ha un dialogo, un po’ come la differenza fra una telenovela, quindi con protagonista il racconto e non la dinamica della scena, e le serie di Netflix che invece vanno oltre questa impostazione, diventando anche quasi cinematografiche. La parte visiva racconta molto, ma fumettisticamente parlando lo sceneggiatore descrive e il disegnatore cerca di rendere la messa in scena. Essendo io, in questo caso, entrambe le cose, non ho dovuto descrivere le cose che avevo in testa, perché sapevo già lo spazio che una determinata scena doveva avere nella tavola. Ho cercato di rendere il ritmo narrativo fluido anche con le storie degli altri, ad esempio quando ho collaborato con Sisti per PK, con Gagnor o Vitaliano: sanno che ho un certo modo di scardinare la pagina per rendere al meglio determinati passaggi emotivi. È così che sono diventato inconsapevolmente sceneggiatore: riscrivendo delle messe in scene per renderle emotivamente migliori, rimanendo comunque nei paletti che mi davano”.

 

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Dopo Foglie Rosse, hai altri progetti in mente, dentro e fuori Panini Comics?

Claudio Sciarrone: “Di Ugly Ducklings ho fatto una raccolta che comprende le illustrazioni dal 2011 ad oggi. Sto lavorando anche una graphic novel sotto grande richiesta. Poi ho in ballo altri progetti, di cui però non posso dire nulla. Per Topolino il nuovo anno è già pieno di cose da realizzare. Sarà un altro anno intenso, pensavo che l’acme del mio periodo positivo fosse stato il record dell’anno scorso, ma dall’anno scorso a quest’anno sono successe un sacco di cose che sono ancora in divenire, quindi sapendo cosa mi aspetta so e spero che arriveranno soddisfazioni, ma sento anche una grossa responsabilità. Fortunatamente il mio grande entusiasmo mi permette di lavorare senza troppa preoccupazione di sbagliare. Se arriverà l’errore lo accetterò, ma sono state così tante le cose positive che basterà ripensarci per stare meglio”.

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“In realtà stavamo pensando a un altro film intitolato Skeleton Story tratto da una graphic novel a cui ho lavorato ormai tanti anni fa”, ha spiegato Rak a proposito della genesi di The Walking Liberty. “Ma ci siamo accorti che la storia era fin troppo simile a quella di Coco della Pixar, e abbiamo dovuto cambiare. L’idea per The Walking Liberty mi è venuta osservando la realtà intorno a noi e l’insorgere dei populismi: personaggi come Trump, Johnson o Salvini parlano alla pancia delle persone, ci abituano a un linguaggio facile. Ormai molti si sono disabituati alla complessità, non riescono a inserirsi in contesti che non siano semplici, immediati”.

The Walking Liberty rimette così al centro l’ “uomo bestia”, nel suo stato più selvaggio e primitivo, esplorando il concetto di umanità in senso trasversale e atemporale. La produzione preferisce mantenere il massimo riserbo sulla trama del film, pertanto pochissime informazioni sono state condivise dal regista Alessandro Rak e dal produttore Carlo Stella nel corso dell’incontro. I protagonisti saranno una ragazza di nome Yaya di 15 anni e un ragazzo di nome Lennie di circa 20, quest’ultimo con qualche problema mentale. I due vivranno una serie di avventure in una giungla post-apocalittica, con un’ambientazione che ricorda Mad Max.

Nel corso del panel sono stati mostrati un teaser e un mood board (una pre-visualizzazione che serve a far intuire le atmosfere e il feeling del film). Il teaser era lo stesso diffuso in esclusiva via Variety qualche mese fa, mentre per quanto riguarda il mood board si è trattato di una vera e propria collezione di immagini e brevi studi delle ambientazioni che mostravano la giungla, gli animali che la popolano e i due personaggi principali.

Alessandro Rak ha anche rivelato il significato dell’enigmatico titolo scelto per questa terza opera di Mad Entertainment: The Walking Liberty fa riferimento a una moneta coniata negli Stati Uniti nel 1917, divenuta nota per l’incisione che raffigurava una donna che cammina ritenuta il simbolo della libertà. La moneta è stata in seguito utilizzata anche per la prestidigitazione, aspetto che nel film sta a significare che il destino dei personaggi dipenderà letteralmente da un lancio di moneta.

Il produttore Carlo Stella ha infine confermato il crescente interesse sia in Italia che sul mercato internazionale per le produzioni Mad Entertainment. Lo studio napoletano con il tempo (e con i numerosi successi) è cresciuto, ha ampliato la squadra, ma è rimasto fedele ai suoi propositi originari: garantire una continuità in termini produttivi, realizzando animazione di qualità in Italia, e rivolgendosi al target dei giovani adulti, cercando di attirare in sala la “generazione Netflix”. The Walking Liberty prevede inoltre un ulteriore livello di sperimentazione: sarà il primo film di Mad Entertainment ad essere realizzato interamente in 3D, comprese le scenografie che precedentemente venivano invece dipinte.

Quando lo vedremo al cinema? Troppo presto per dirlo: alla squadra di Mad occorrerà ancora circa un anno per ultimare la lavorazione. Occhi puntati dunque sul 2021.

Foto: Courtesy of Mad Entertainment

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Dopo un discorso di apertura, arricchito anche dall’intervento del sindaco di Lucca Alessandro Tambellini sul valore culturale di un evento come quello di Lucca Comics & Games, si è spostato il focus sugli 85 anni di Paperino e sulla collaborazione di The Walt Disney Company con Poste Italiane.

Come era già avvenuto durante l’edizione 2017 con i francobolli dedicati ai 90 anni di Topolino , Giorgio Cavazzano ha realizzato otto francobolli che vedono protagonista il papero più sfortunato del mondo e i personaggi che lo hanno accompagnato portandolo da spalla a protagonista delle sue proprie storie.

L’evento di apertura si è concluso con la rivelazione del francobollo gigante realizzato da Cavazzano e raffigurante Paperino a bordo della sua storica 313 sul profilo dell’Italia. Il francobollo, visibile fino al 3 novembre nella mostra Paperino siamo noi (Ex Mercato del Carmine), è entrato di diritto nel Guinness World Record con i suoi 4,102 metri quadrati, misurati davanti al pubblico presente al Teatro del Giglio.

In seguito abbiamo incontrato il Maestro Giorgio Cavazzano dietro le quinte del teatro per farci raccontare gli 85 anni di Paperino visti da lui e questa sua seconda collaborazione con le Poste Italiane.

Paperino compie 85 anni, anni di avventure e sfortune. Cosa lo rende, ancora dopo tutto questo tempo, un personaggio che attira?

Paperino piace ancora semplicemente perché non siamo cambiati noi. È un personaggio così particolare, così vulnerabile che ci appartiene, lo abbiamo nel DNA. Possiamo dire che è un papero molto umano e completo: in lui ci sono irascibilità, rabbia, ozio, stanchezza, desiderio di raggiungere certi risultati, avventura, amore…

Paperino la ha accompagnata durante la sua carriera: quali sono le sue storie che ha più a cuore?

Ne ho fatte tante, è difficile scegliere. Quella che mi è piaciuto molto realizzare è l’ultima di Rodolfo Cimino: Zio Paperone e il veliero d’argento, per me un gesto di affetto. Poi anche Zio Paperone e il terzo Nilo scritta dal francese François Corteggiani: con quella mi sono proprio divertito.

Parlando di questa sua seconda collaborazione con Poste Italiane, come ha scelto gli otto soggetti?

La mia idea iniziale era quella di unire Paperino a grandi artisti italiani, purtroppo questo mio progetto si è rivelato irrealizzabile per questioni di diritti. Allora è stata Disney, precisamente Gianluca Landone, che mi ha dato l’idea di far ritrovare, attraverso dei francobolli, i personaggi che accompagnano Paperino. Non volevo che fosse monotono il tema del dono, quindi ho cercato di personalizzare i regali a seconda della relazione di Paperino con chi lo accompagna in ogni francobollo, avevo anche pensato a un Paperoga che si era pappato il regalo che voleva dargli.

Se ci fosse una terza collaborazione con Poste Italiane e lei potesse sceglierne il soggetto, chi sceglierebbe?

Sicuramente Zio Paperone, sarebbe fantastico e probabilmente piacerebbe tantissimo. Zio Paperone è amato in una maniera esagerata e sono felice di dirlo.

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Il film verrà presentato doppiato in italiano sabato 2 novembre alle ore 15.00 presso il Cinema Centrale. Al termine della proiezione verranno presentate alcune anteprime di opere cinematografiche che l’editore proporrà nel 2020.

Sempre per Yamato e Tim Vision, venerdì 1 novembre (ore 18.00, Cinema Astra) si terrà invece la proiezione completa e in lingua italiana del film Shinko e la magia millenaria di Sunao Katabuchi, introdotta da Gualtiero Cannarsi.

Lu e la città delle sirene, trama e trailer italiano

Questa la trama: A seguito alla separazione dei suoi genitori, il giovane Kai si trasferisce in un piccolo insediamento di pescatori dove leggenda vuole che la baia sia infestata dalle sirene, creature malvagie divoratrici gli uomini. Nel tempo libero Kai compone musica e finisce per attirare la curiosità di una giovane sirena di nome Lu. Kai e Lu avranno modo di intrecciare un profondo legame in grado di superare le credenze popolari e ogni diversità tra il mondo degli umani e quello degli abitati del mare.

Lu e la città delle sirene è diretto da Masaaki Yuasa, poliedrico regista di Devilman Crybaby, Mind Game e del recente Kimi to, Nami ni Noretara, di prossima uscita anche in Italia.

Ecco anche il poster diffuso dalla pagina Facebook ufficiale Yamato:

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L’attore sarà protagonista della giornata di apertura del festival, che si svolgerà dal 30 ottobre al 3 novembre e che promette tanti appuntamenti per gli appassionati di fumetti, animazione, games, cosplay e molto altro ancora.

Joonas “Chewbacca” Suotamo incontrerà i fan mercoledì 30 ottobre alle ore 12.00 presso il cinema Astra, dove terrà una masterclass sulla sua esperienza sul set di Star Wars, vestendo i panni dell’iconico personaggio. L’occasione perfetta per celebrare l’uscita del film Star Wars: L’Ascesa di Skywalker, che porterà avanti le vicende che hanno conquistato il pubblico nei precedenti capitoli Star Wars: Il Risveglio della Forza e Star Wars: Gli Ultimi Jedi.

Lucasfilm e il regista J.J. Abrams uniscono ancora una volta le forze per condurre gli spettatori in un epico viaggio verso una galassia lontana lontana con Star Wars: L’Ascesa di Skywalker, l’avvincente conclusione dell’iconica saga degli Skywalker, in cui nasceranno nuove leggende e avrà luogo la battaglia finale per la libertà.

Oltre a Joonas Suotamo nei panni di Chewbacca, il cast del film comprende Carrie Fisher, Mark Hamill, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Anthony Daniels, Naomi Ackie, Domhnall Gleeson, Richard E. Grant, Lupita Nyong’o, Keri Russell, Kelly Marie Tran e Billy Dee Williams.

Foto: Courtesy of Disney

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La mostra Paperino siamo noi si svolgerà dal 26 ottobre al 3 Novembre al Mercato del Carmine, antico edificio nel cuore della città di Lucca, dove si celebreranno il personaggio nato dalla penna di Walt Disney e il suo ‘alter ego’ supereroistico Paperinik, che quest’anno festeggia i suoi primi 50 anni, non solo grazie a opere inedite, disegni e fumetti, ma grazie anche alle nuove tecnologie.

La mostra Paperino siamo noi

L’esposizione, infatti, sarà divisa in quattro sale.

Si partirà dalla Paperino Experience, innovativa escape room che, grazie alla tecnologia della realtà virtuale e dei visori “Oculus Quest”, permetterà ai visitatori di vestire i panni di Paperino, di esplorare la sua casa e il rifugio sotterraneo di Paperinik. L’esperienza ludico-interattiva si basa sui disegni Disney e ricrea in modo fedele l’abitazione del celebre papero e del suo super alter ego. I visitatori, dotati di Oculus e joystick, avranno otto minuti di tempo per risolvere gli indovinelli presenti nel gioco e scoprire tutti gli ambienti della casa di Paperino in un viaggio virtuale immersivo ed emozionante.

L’esperienza continuerà grazie a Kinder che intratterrà grandi e piccini con divertenti attività: i visitatori potranno creare, su grandi pareti magnetiche, il proprio Paperavatar, una versione a propria somiglianza del papero più famoso al mondo, combinando vari elementi realizzati dall’artista Disney Paolo Campinoti che sarà presente nell’area Kinder per realizzare sul momento creazioni “paperiniche”. L’idea di creare un Paperavatar sarà anche il fil rouge della nuova iniziativa Kinder per cui acquistando 2 confezioni di merendine Kinder sarà possibile personalizzare dei fumetti unici con Paperavatar in copertina, da spedire direttamente a casa dei consumatori.

Inoltre, non può mancare il momento foto facendo finta di essere l’avventuroso Paperinik o un romantico Paperino (o Paperina!). E poi tante altre sorprese!

Lasciate le prime due sezioni interattive si entrerà nella Pinacoteca di Paperino dove saranno esposti per la prima volta una serie di spettacolari dipinti, tramite i quali gli artisti Disney hanno voluto omaggiare, parodiandole, grandi opere della pittura mondiale. Questo elemento è fondamentale perché, da sempre, la parodia è una delle principali caratteristiche del fumetto Disney, rappresentate nella mostra dalle prime edizioni de: “L’inferno di Topolino” e “I Promessi Paperi”. Sempre in quest’area saranno presenti alcuni pezzi unici, come la serie completa di ceramiche di Paperino realizzate dal fiorentino Ugo Zaccagnini negli anni Quaranta e due dipinti di Romano Scarpa autografati in Italia dallo stesso Walt Disney negli anni Sessanta.

Il percorso prevede inoltre una serie di teche dedicate a La Storia di Paperino ove saranno esposti reperti cartacei originali delle pubblicazioni di Paperino, tutti di grande unicità. Dal menabò (progetto/studio) del primo numero del giornale “Paperino”, realizzato da Federico Pedrocchi nel 1937, alla prima annata del Donald francese sempre degli anni Trenta, alle locandine originali d’epoca per i vari lanci del giornale ”Topolino” con testimonial Paperino, sino alla rarissima “Paperino e la Cleopatrias extinta”, albo omaggio per gli abbonati a Topolino nel 1952. Spazio anche agli introvabili numeri di Disney MEGAzine, primo collaterale italiano allegato a un quotidiano (La Repubblica, 1996).

L’esposizione si concluderà nel bookshop dove sarà possibile acquistare gadget, memorabilia, pubblicazioni ormai esaurite Disney, e portate in mostra in un limitato numero di copie recuperate per l’occasione, come tutte le novità Panini e Giunti, gli editori italiani di Paperino.

Biglietti

Biglietto Intero: € 5, acquistabile anche sulla piattaforma di prevendita di Lucca Crea: luccacrea.vivaticket.it
Ridotto: € 3 (per chi acquista il biglietto in prevendita insieme a quello del Festival, o per chi esibisce il biglietto di Lucca Comics & Games presso la biglietteria dedicata presso il Mercato Del Carmine).

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Don Rosa a Lucca Comics 2019

Come già preannunciato qualche mese fa, è in arrivo in esclusiva per Disney a Lucca Comics 2019 un ospite straordinario che porterà dagli USA la sua enorme passione e conoscenza per gli abitanti di Paperopoli.

Don Rosa sarà ospite del PalaPanini nei 5 giorni della kermesse, e a lui saranno dedicate alcune delle principali novità Panini/Disney. Tra esse:

• Uncle Scrooge & Donald Duck, il primo di una nuova collana in dieci volumi che propone la produzione di storie dell’autore, oltre a saggi e immagini inedite in Italia;
• Portfolio Don Rosa da collezione, con 8 litografie dedicate ad alcune sue più celebri storie;
• Calendario 2020 Don Rosa con 12 illustrazioni a colori che celebrano il mondo dei Paperi.

Buon compleanno Paperino

Proseguono poi i grandi festeggiamenti per l’85esimo compleanno di Paperino, che verrà celebrato anche tramite un’iniziativa speciale in collaborazione con Poste Italiane (simile a quella avvenuta per l’anniversario di Topolino).

Inoltre a Paperino sarà dedicata la variant cover del numero 3336 di Topolino, ancora top secret, oltre al volume Donald Duck – Le Origini (1938-1940) che raccoglie le prime 750 memorabili strisce quotidiane -in rigoroso ordine cronologico- disegnate dal geniale Al Taliaferro. Infine, Le storie di Natale di Carl Barks, un elegante cofanetto che raccoglie due prestigiosi volumi cartonati con le più famose avventure uscite dall’inimitabile matita del Maestro Barks.

Novità Panini/Disney: Il viaggio di Zero

Come vi avevamo già anticipato, saranno in anteprima a Lucca Comics 2019 due succose novità della linea Disney Planet per dare un tocco di magia alla notte di Halloween.

La prima e la più attesa è Il viaggio di Zero, spinoff di Nightmare Before Christmas con protagonista il fedele cagnolino di Jack Skeleton. I fan dei classici Disney invece troveranno il volume unico che raccoglie entrambe le versioni del manga de La Bella e la Bestia dal punto di vista dei due protagonisti, in formato flipbook.

Queste sono solo alcuni dei grandi appuntamenti Panini Comics che troveranno spazio a Lucca. Tutte le informazioni, l’elenco completo e il calendario delle attività del PalaPanini sarà svelato nei prossimi giorni online e su tutti i canali social del gruppo.

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