Il settimanale Topolino ha iniziato proprio in queste settimane le celebrazioni per Mickey90 (questo il nome e l’hashtag dell’anniversario), con iniziative come la Guida di Topolinia realizzata da Blasco Pisapia e pubblicata a puntate sul giornale.

Su Topolino 3274 però si entra nel vivo con la prima storia che omaggerà il leggendario topo, intitolata Io e Minni, scritta da Giorgio Fontana e disegnata da Massimo De Vita. Dalle pagine di Repubblica apprendiamo che in questa storia “è il nostro Topo a raccontare che cosa significa essere il fidanzato di un personaggio che ha dimostrato fin dal loro primo incontro tutta la determinazione e l’intraprendenza necessarie a una grande donna per stare accanto a un grande uomo. Chi, se non una come Minni avrebbe trovato il coraggio di salire a bordo di quell’aeroplanino precario costruito da Topolino nel cortile di casa? Da quel volo sulla città di Topolinia, avvenuto in Plane Crazy, cortometraggio muto del 1928 diretto da Walt Disney e Ub Iwerks, e dove c’è stato il primo tentativo di bacio a cui Minni si ribella, i due non si sono più lasciati. Nella storia a fumetti del numero 3274 di Topolino che riparte proprio da quella ‘prima volta’ si intuisce come un’icona pop di straordinaria grandezza per essere tale abbia bisogno di un mondo di relazioni nel quale ognuno di noi può ritrovarsi.”

Io & Minni inaugurerà un ciclo di cinque storie che esploreranno proprio le relazioni tra Topolino, i suoi amici più stretti e i luoghi più cari della città di Topolinia.

Queste le storie, a cadenza settimanale:

• Io e Minni (Giorgio Fontana e Massimo De Vita)
• Topolino e Pippo, il torbido inganno (Marco Bosco e Gianpaolo Soldati)
• Topolino e la profezia dei Saurotechi (Vito Stabile e Marco Mazzarello).
• Topolino e la popolarità ingombrante (Federico Rossi Edrighi e Nicola Tosolini)
• Topolinia 20802, maratona con contratto (Fausto Vitaliano e Carlo Limido)

Qui sotto la prima pagina di Io e Minni, per vedere le restanti visitate il sito di Repubblica:

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Sta per debuttare in fumetteria la versione DeLuxe de L’orizzonte degli eventi, il nuovo evento seriale dell’universo di PK composto da ben cinque puntate precedentemente pubblicate sul settimanale Topolino e firmato sempre dalla premiata ditta Artibani-Pastrovicchio-Monteduro.

Trattasi della saga più lunga dell’universo pikappico, poiché costituita da cinque capitoli e con un complessivo di ben centocinquanta pagine di storia. Il racconto riprende il filo del discorso interrotto con Il marchio di Moldrock, tassello rivelatosi fondamentale per le trame generali mandate avanti nell’intero corso scritto da Francesco Artibani. Una storia in cui aveva fatto capolino una vecchia conoscenza: Trauma (PKNA n.10, ndr), più che familiare per i lettori di vecchia data del papero mascherato.

Affari di famiglia

In Potere e potenza Pikappa ha dovuto compiere una scelta sofferta: se salvare la Ducklair Tower, e con un fine ben preciso, o piuttosto lasciarla distruggere dall’allarme interno della torre stessa.

In questa nuova storia si ritorna a parlare dell’iconico edificio ormai scomparso. Mentre Uno torna nella base, Paperino si ritrova autista di Solomon Hicks, che gestisce attualmente la Fondazione Ducklair. L’intelligenza artificiale, sotto mentite spoglie, giura davanti al sindaco di Paperopoli, con tutta la platea presente composta dagli abitanti, di restituire loro i simboli della città: la Ducklair Tower e la statua di Cornelius Coot. Lyla Lay non ci vede chiaro in questa storia, decidendo poco dopo di seguire le tracce di Solomon.

Nel covo di Pikappa irrompe il Razziatore, appena tornato dall’Egitto dopo aver saccheggiato in loco una piramide colma di antichi tesori. L’acerrimo nemico di Pikappa si accorge però che non può fare ritorno nel suo secolo causa cronovela guasta. Ma i due non hanno tempo di discutere che subito devono far fronte a una strana creatura. Come si sarà intrufolata nel covo di Pikappa? E da dove proviene? A questi interrogativi dà subito risposta Everett Ducklair, proprio lui, l’inventore miliardario che diede vita a numerose invenzioni avanguardistiche in passato.

La creatura aliena arriva dall’orizzonte degli eventi, forgiata dalle mani della figlia maggiore di Everett: Korinna. Questa, assieme alla sorella Juniper, ora regina del pianeta Corona (pianeta natale dell’inventore, ndr), ha messo mano ai progetti di Everett per ordire un piano di distruzione e morte, atto a distruggere pianeti e crearne di nuovi con la stazione spaziale di Ultima e per mezzo della materia oscura, la stessa che alimenta il muscolare e minaccioso Moldrock; villain protagonista delle ultime vicende pikappiche.

I nostri uniranno le forze per fronteggiare un nemico comune che li attende oltre l’orizzonte degli eventi, rappresentato dai parenti più prossimi di Everett, al quale è stato negato il riconoscimento e l’amore che un padre meriterebbe. Un odio che col tempo cominciava a diventare incontenibile a tal punto da scatenare una guerra intergalattica.

Storia, disegni e colori

La storia è tra le più riuscite dell’intero rilancio, perché Artibani è stato capace di far coabitare e connettere con rimandi e comparse tutte le questioni lasciate in parte sospese nelle prime due serie pikappiche, uscendo indenne da quella che poteva essere una accozzaglia di eventi e comparsate. Lo sceneggiatore mette in fila numerose tessere, inanellando retroscena del pianeta Corona e delle questioni familiari irrisolte in casa Ducklair; tanto da fare il nome di Serifa, madre di Juniper e Korinna.

Ai momenti di alta tensione si intervallano altri che riprendono il filone dei buddy movie: Razziatore e Pikappa si fanno strada inaspettatamente, tra una battuta ilare e un’altra, per fronteggiare i numerosi ostacoli che li conduranno poi oltre l’orizzonte degli eventi.

Artibani non ricorre a spiegoni eccessivamente verbosi, anzi, nel primo episodio lancia subito quella che è una sintesi delle puntate precedenti per mezzo del personaggio di Everett. Nelle battute finali del quinto episodio spinge appena l’acceleratore per chiudere il conflitto finale, ma comunque pertinente con quanto accaduto in precedenza per la linea narrativa generale.

Le matite di Lorenzo Pastrovicchio ben si sposano con la scrittura di Francesco Artibani, sempre in grado di dare una dimensione più matura e muscolare ai personaggi e agli sfondi in cui si muovono, perfette quinte teatrali per quanto raccontato nelle cinque storie dal ritmo sincopato. La regia si allarga con splash page potenti ed enfatiche per chiudersi in celle strettissime, utili a suggerire il climax di tensione e di pericolo incombente; aiutate anche dalle scelte cromatiche del buon Max Monteduro.

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Walt è stato ricostruito tramite la stop motion (un tipo di animazione che prevede l’utilizzo di pupazzi e marionette), ricreando persino il suo ufficio e gli oggetti sulla sua scrivania. Possiamo così ascoltarlo raccontare la storia dell’incontro con un piccolo fan, che rimane deluso quando il signor Disney gli rivela di non essere lui a disegnare i suoi cartoni animati o a scriverne le storie.

Il corto è diretto da Terry Shakespeare e David Molina e fa parte di una serie; il secondo episodio verrà pubblicato prossimamente.

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Per tutti i grandi e piccoli appassionati di arte, è arrivata in edicola e in fumetteria la nuova testata L’AltroTopo, che nel primo volume ripropone le storie dell’arte di Topolino, con un viaggio dalle pitture rupestri fino a Pollock, Fontana e gli artisti contemporanei.

In occasione di Cartoomics 2017 abbiamo incontrato lo sceneggiatore Roberto Gagnor, che ci ha presentato il volume e ci ha rivelato un piccolo “spoiler” sul prossimo ciclo di storie a cui sta lavorando…

Come è nata l’idea della raccolta L’AltroTopo?

L’idea è nata dalla redazione di Topolino: la collana raccoglie cicli di storie dedicate a dei temi specifici e arricchite dai redazionali già pubblicati sul settimanale. In questo primo volume sono confluite le mie “storie dell’arte” e appunto i redazionali di Gabriella Valera, una grande appassionata di arte come me, che ha fatto un bellissimo lavoro.

Come nasce la tua “storia tipo” di questa serie? Come ti documenti?

Il primo ciclo è partito molto semplicemente da… cose che mi piacevano. Sono un appassionato di arte e ho fatto anche esami di arte contemporanea all’università, perciò sono partito da opere che conosco bene e soprattutto che mi piacciono. Per esempio, nella storia dedicata all’arte contemporanea c’è il sole di Eliasson, che ho visto veramente alla Tate Modern Gallery di Londra, nella Turbine Hall, la sala delle turbine. O ancora, nella storia di Picasso (o meglio, Topasso) cito l’influenza dell’arte africana sulla nascita del cubismo, tutte cose che ho studiato all’università. In seguito, una volta trovato lo spunto, e quindi l’opera o l’artista da cui voglio partire, cerco di capire quale personaggio Disney potrebbe essere il più adatto per raccontare la storia e cerco gli espedienti per adattare certi elementi al mondo di Topolino.

A proposito di adattamento, come si trova l’equilibrio giusto per fare in modo che la storia bilanci intrattenimento e informazione?

Se conosci il mondo dell’artista di cui stai parlando, hai già degli appigli. Un esempio potrebbe essere la storia dedicata a Turner, disegnata da Stefano Zanchi, che ha per spunto l’opera The Fighting Temeraire, che si trova alla National Gallery di Londra. Si tratta ovviamente di una nave da guerra, quindi ho dovuto trovare un espediente per renderla Disney. L’importante era però richiamare le caratteristiche di maestosità e malinconia del quadro. Allo stesso modo, nella storia Mastro Topolinius e il portale rivelatore, ho dovuto eliminare l’elemento religioso, ma mantenere la capacità di queste opere di raccontare storie e istruire chi viveva nel Medioevo.

Topolino si è sempre occupato di divulgazione culturale e ha sempre avuto anche un intento pedagogico, lo vediamo per esempio anche di recente con le storie dedicate alla scienza. Come è cambiato negli anni questo aspetto, soprattutto con la nuova gestione Panini?

Abbiamo sempre cercato di divulgare su due livelli: da una parte trattando particolari argomenti come l’ecologia, la scienza, l’arte, oppure il cinema, che vi anticipo arriverà presto in un nuovo ciclo che sto scrivendo ora. Dall’altra parte c’è anche l’idea di utilizzare un linguaggio un po’ più alto, diverso, sempre accessibile ma che offra qualcosa di più ai nostri lettori e soprattutto ai più piccoli. Io utilizzo parole o concetti più complicati nelle mie storie, cerco di fare in modo che chi legge sia spronato ad approfondire autonomamente, oppure che un bambino possa cercare sul vocabolario una parola che non conosce. La redazione accetta queste idee con grande entusiasmo: lo scopo è quello di divulgare, ma sempre divertendo e divertendoci. Infatti, noi siamo i primi a divertirci un mondo a scrivere queste storie!

Dato che ormai lo hai nominato, cosa ci puoi anticipare del ciclo sulla storia del cinema? 

Mi sono divertito tantissimo a scrivere queste storie, che ripercorreranno la storia del cinema dalle origini a oggi, proprio come il ciclo dedicato all’arte. Valerio Held ha disegnato la prima parte, con la nascita del cinema e il cinema muto. Giada Perissinotto invece si è occupata del periodo che va più o meno dagli anni ’50 in poi, con incursioni negli anni ’70, nei blockbuster… Vi do un’ultima anticipazione: ci sarà una storia con protagonisti Basettoni e Manetta e una con Paper Bat. Ma non posso dirvi di più!

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Di seguito la prima parte dell’approfondimento.

Tracciare la storiografia della politica della Walt Disney Company nei confronti del mondo LGBT è un compito tutt’altro che facile. Il nucleo della compagnia, il Disney Brothers Cartoon Studio, nasce infatti nel 1923, un periodo storico ancora fortemente segnato da un profondo stigma nei confronti della sessualità “anticonvenzionale” (intesa come esterna agli schemi dell’eteronormatività mirata alla costruzione di un nucleo familiare). L’ostracismo effettuato nei confronti della popolazione omosessuale in quel periodo non ci permette quindi di dare un quadro dettagliato della situazione. Urge inoltre specificare che questo articolo intende essere unidirezionale; non tratterà quindi il modo in cui la popolazione LGBT si è rapportata all’immaginario Disney nel corso degli anni, un argomento decisamente più complesso che la sede presente non permette di trattare in maniera adeguata.

Si cercherà di seguito di fornire un quadro estremamente generale della situazione. Di fronte alla necessità di affermarsi sul mercato statunitense, il percorso artistico intrapreso da Walt Disney e soci si è inevitabilmente conformato ai canoni della società consumatrice, precedentemente identificata come la borghesia americana della prima metà del ventesimo secolo, fortemente orientata alla famiglia. Nel 1966, anno di morte di Walt, la compagnia aveva oramai consolidato quest’immagine di sé. Senza entrare nel merito di un’analisi approfondita della “sessualità Disney” , trattata in maniera estremamente eterogenea nel corso degli anni, è innegabile la presenza del filo conduttore dell’eteronormatività e dell’amore platonico. È indubbia, tuttavia, la presenza di istanze esterne a questa politica, per quanto sempre implicite, e spesso usate in chiave comica e/o messe in ridicolo. Pur portando sul grande schermo situazioni familiari tutt’altro che convenzionali (orfani, matrigne cattive ecc.), sfidare apertamente le norme della società consumatrice avrebbe inevitabilmente portato alla rovina definitiva degli studi, già alle prese con varie crisi finanziarie nel corso del mandato di Walt Disney stesso.

È irragionevole però supporre la totale assenza di dipendenti omosessuali all’interno della compagnia. Richard Hitt, dipendente di Disneyland Anaheim e membro della Lesbian And Gay United Employees (LEAGUE) Anaheim, entrò a far parte dello staff del parco nel 1957. Nel 1995, durante un’intervista per l’LA Times, dichiarò, ricordando un clima di tollerante indifferenza nei confronti della sessualità di membri dello staff del parco: “Prima [delle lotte sociali degli ’80] i diritti dei gay e il riconoscimento non erano parte del posto di lavoro. Ora lo sono.”. La situazione, tuttavia, pare sia stata nettamente diversa rispetto a quella degli studi nello stesso periodo. Tommy Kirk, giovane star di “The Hardy Boys” dello spettacolo televisivo di varietà targato Disney, The Mickey Mouse Club, è stato licenziato durante le riprese di The Misadventures of Merlin Jones nel 1963. La madre del ragazzo con il quale Kirk stava avendo una relazione segreta in quel periodo, avendo scoperto l’affare, si è appellata direttamente a Walt, il quale ha deciso di terminare il contratto di Kirk. “Nel 1963, la Disney mi mandò via. Walt però mi chiese di tornare per l’ultimo film di Merlin Jones, The Monkey’s Uncle, siccome i film di Jones si erano rivelati essere una miniera d’oro per lo studio.” dichiarò l’attore al riguardo. Se questo episodio è da considerarsi rappresentativo della politica dello studio, non ci è dato saperlo. Può tuttavia considerarsi rappresentativo della politica generale nei confronti degli omosessuali in quel periodo, dove un outing comportava serie retribuzioni dal punto di vista sociale, tra cui anche la perdita del posto di lavoro.

Dylan Bonner Art

Le sommosse di Stonewall del 1969 e le successive lotte di riconoscimento nel corso dei due decenni a seguire hanno portato, seppur con qualche riserva, ad un’esposizione sempre crescente della popolazione omosessuale statunitense. Tutto ciò, per la Disney, si concretizza a partire dal 1980, che vede uno spiacevole episodio accadere nel parco di Anaheim. Due uomini gay sono stati infatti allontanati dal parco da un paio di guardie per avere ballato insieme sul Tomorrowland Terrace. I due hanno successivamente citato il parco in giudizio presso la Corte Superiore in un processo che si è protratto per quattro anni per infine concludersi con la vittoria della coppia in quanto, secondo la sentenza del giudice, il comportamento delle guardie avrebbe violato i diritti civili dei due. Questo episodio ha portato alla decisione da parte della direzione del parco di rimuovere il veto sul touch-dancing tra persone dello stesso sesso vigente fino a quel momento. Ciò tuttavia non ha impedito il verificarsi di un episodio analogo nel 1988, quando tre ragazzi gay hanno sporto denuncia contro il parco per essere stati interrotti nel danzare all’interno del parco l’anno precedente da parte di una guardia. I tre hanno deciso quindi di ritirare la denuncia in seguito all’impegno pubblico da parte del parco di non discriminare in base all’orientamento sessuale.

È azzardato però considerare questi episodi come rappresentativi della politica Disney nei confronti del mondo LGBT. Tenendo presente in mente l’intento di rispecchiare e di “accontentare” il mindset del consumatore medio di quel periodo, è altrettanto ragionevole supporre che siano semplicemente l’espressione dell’istinto di autoconservazione della compagnia. Negli anni ’90, infatti, la storica impresa di Walt Disney si saprà dimostrare una delle più progressiste degli Stati Uniti nel campo dei diritti civili. Gli sforzi congiunti della LEAGUE Burbank e della LEAGUE Anaheim, le associazioni di dipendenti gay e lesbiche dello studio e del parco, si concretizzeranno nella concessione degli stessi privilegi sanitari, dentali e in caso di decesso ai propri dipendenti omosessuali e i loro partner già in precedenza concessi allo staff eterosessuale e i rispettivi coniugi, diventando così una delle primissime realtà a trattare le coppie LGBT alla stregua delle coppie eterosessuali sposate.

Fonti: 
Tinker Belles and Evil Queens: The Walt Disney Company From The Inside Out
LA Times: click / click

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Se può interessarvi, ecco anche la nostra Recensione in Anteprima.

Il lungometraggio, diretto da Kenneth Branagh, approderà nelle sale italiane accompagnato dal cortometraggio Frozen Fever, dal prossimo 12 Marzo.

Questa la trama ufficiale: Ella è diversa dalla maggior parte delle ragazze del regno. Conosce a memoria tutte le opere di Shakespeare. Stringe amicizia con tutti gli animali che incontra, inclusi i furtivi topolini che vivono tra le pareti. Crede nel potere della gentilezza e nella possibilità di migliorarsi. Ella ha dovuto affrontare incredibili tragedie e lutti, e ora si trova alla mercé della crudele matrigna. E tuttavia, Ella continua a sperare, non importa quanto grande sia la difficoltà. Kit è sempre stato un sognatore. Pone al di sopra di tutto la pace. Non ha mai compreso il perché di certe tradizioni e cerimonie reali. Preferirebbe passare il tempo nel giardino della madre, piuttosto che allenarsi a combattere o posare per un ritratto. E siccome è un principe, questa sua personalità potrebbe essere un problema. Questa è una storia sulla bontà e il coraggio, sull’amore perduto e poi ritrovato, sulla potenza delle parole. Questa è la storia di Cenerentola.

Nel cast ci saranno grandi nomi come Lily James, Richard Madden, Cate Blanchett, Helena Bonham-Carter, Hollyday Grainger e Sophie McShera. Prodotto da Simon Kinberg , Allison Shearmur e David Barron, la sceneggiatura è di Chris Weitz. La colonna sonora, composta da 27 tracce audio e 3 canzoni (due reinterpretazioni ed una originale) è stata composta da Patrick Doyle (Thor, Ribelle – The Brave).

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Le abbiamo tradotte e riassunte per voi.

Stando a quanto è trapelato, il nuovo lungometraggio non sarà collegato alla precedente trilogia. Sarà piuttosto un capitolo a sè. Il genere di riferimento, oltre al mero “film d’animazione”, sarà la commedia romantica. Non vedremo interazione fra giocattoli e bambini. Di conseguenza il ruolo di Bonnie non sarà nè fondamentale nè approfondito. E proprio per quest’ultima caratteristica non è certo che ci saranno altri sequel. Non hanno intenzione di cominciare questo quarto film con l’intenzione di metterne in cantiere già altri due.

Per lo script del film, invece, sembrano esser stati coinvolti i nomi di Rashida Jones e Will McCormack. In particolare, è stato voluto il nome della prima, dallo stesso regista del lungometraggio. Per lui è importante una visione femminile in questa nuova avventura.

Il presidente ha aggiunto, inoltre, che John Lasseter sentiva il bisogno irrefrenabile di farlo. Pur sapendo che la trilogia era terminata in modo perfetto. Forse proprio per questo.

Toy Story 4 uscirà al cinema nel Giugno del 2017. La regia sarà di John Lasseter.

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Ribattezzata Sam Paperinetti, eccola sulla prima tavola di Belle Spaziali, storia sceneggiata da Gaja Arrighini e disegnata da Stefano Intini che vede Paperina, Brigitta, Miss Paperett e Nonna Papera sognare un’avventura… nello spazio!

In edicola mercoledì 11 febbraio.

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