Nei panni dei protagonisti Kim Possible e Ron Stoppable ci saranno rispettivamente Sadie Stanley (alla sua prima prova per la Tv) e Sean Giambrone (la serie ABC The Goldbergs). Il film non arriverà al cinema, ma andrà in onda su Disney Channel; in America la data prevista per la trasmissione è il 15 febbraio 2019, mentre non si conosce ancora la data italiana.

La trama del film di Kim Possible

Nel live action di Kim Possible, Kim e il suo migliore amico e aiutante, Ron Stoppable, iniziano le scuole superiori, dove Kim dovrà affrontare una nuova gerarchia scolastica. Come con tutte le sfide che ha dovuto affrontare, è pronta a dare il massimo, ma la sua autostima verrà messa a dura prova quando si troverà davanti ostacoli di ogni tipo, dal perdersi negli immensi corridoi all’arrivare tardi in classe, passando per la rivalità con la sua nemica di sempre, Bonnie (Erika Tham).

Tutto cambia quando lei e Ron incontrano Athena (Ciara Wilson), una nuova compagna di classe (e superfan di Kim Possible) il cui inizio di scuole superiori è stato addirittura peggiore del loro. Con l’aiuto e con l’amicizia di Kim, Athena si trasforma nel nuovo membro del Team Possible. Presto però inizia a oscurare la popolarità di Kim, proprio quando i malvagi Drakken (Todd Stashwick) e Shego (Taylor Ortega) tornano a Middleton con un piano criminale per fermare finalmente la nostra eroina.

Soltanto il Team Possible – Kim, Ron, il genietto della scienza Wade (Isaac Ryan Brown), la nuova amica Athena e la talpa Rufus – potranno fermare questi super cattivi

Il trailer ufficiale in inglese

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È l’inizio di Big Hero 6: Baymax Returns, il film per la tv che dovrebbe fare da episodio introduttivo alla serie animata, come già successo con Rapunzel e con DuckTales. Questo episodio dovrebbe andare in onda in America a novembre, mentre gli episodi di Big Hero 6: The Series dovrebbero iniziare regolarmente a dicembre su Disney X D.

La serie riprenderà la storia dove l’avevamo lasciata nel 2014 e seguirà le avventure di Hiro, il quattordicenne genietto della scienza, e del suo operatore sanitario coccoloso trasformato in un supereroe, Baymax. Dopo le vicende del film, Hiro deve vedersela con le sfide di tutti i giorni a scuola e con la sua doppia vita da paladino di San Fransokyo.

Qui sotto trovate il nuovo sneak peek:

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Dopo alcuni giorni di domande sul perché di questa decisione improvvisa, è stato proprio Whitmire a rompere il silenzio rilasciando qualche dichiarazione alla nota testata The New York Times, per rivelare qualche dettaglio in più sulle cause del licenziamento. La Disney gli ha ufficialmente fornito due motivazioni: la prima riguarderebbe alcuni suggerimenti, accolti con poco piacere, che l’animatore avrebbe dato allo staff creativo della serie I Muppet, andata in onda tra il 2015 e il 2016 sul canale Abc e cancellata dopo soltanto una stagione; la seconda, e forse più importante, riguarderebbe la condotta di Whitmire soprattutto in materia di accordi contrattuali. Pare che la goccia responsabile di aver fatto traboccare il vaso, sia un video che doveva essere girato per una società esterna con protagonisti Kermit e gli altri Muppet: The Screen Actors Guild, sindacato statunitense per attori del quale Whitmire è membro, avrebbe consigliato a tutti i performer coinvolti di non prendere parte al progetto a causa delle paghe, giudicate troppo basse. L’animatore ha aderito alle sollecitazioni del sindacato, innescando il processo che ha portato al suo licenziamento.

Se da un lato l’ex interprete di Kermit parla di tradimento ed è alquanto sorpreso che non si sia riusciti a dirimere la questione, dall’altro la Walt Disney Company si difende parlando dell’atteggiamento aggressivo e problematico che Whitmire avrebbe perpetrato sul luogo di lavoro e in sede di negoziazioni contrattuali. Debbie McClellan, Presidente dei Muppets Studios, ha dichiarato:

“Kermit la Rana è un personaggio iconico, amato dai fan e noi abbiamo la responsabilità di proteggerne seriamente l’integrità. In tutti questi anni abbiamo più volte avanzato le nostre preoccupazioni per l’inappropriata condotta professionale di Steve, e lui non è mai stato capace di recepire il messaggio”.

Ma non solo. A spalleggiare la Disney in questa decisione ci sono anche i figli di Jim Henson, Lisa e Brian, rispettivamente Presidente e Chairman della Jim Henson Company (società dalla quale nel 2004 la Company di Topolino ha acquistato i personaggi facenti parte del gruppo dei Muppet, e quelli protagonisti dello show Bear nella Grande Casa Blu). Lisa ha anch’essa evidenziato il temperamento aggressivo di Whitmire in sede di negoziazioni, sottolineando la dura opposizione dell’animatore alla possibilità di avere apprendisti per i ruoli da lui interpretati. Tale resistenza sarebbe sfociata in una sorta di ostracismo verso gli aspiranti nuovi burattinai, dai quali rifiutava di essere affiancato durante le performance. Brian invece ha parlato di email e lettere inviate dall’ex collaboratore nelle quali attaccava tutti, registi, sceneggiatori, e via dicendo.

Steve Whitmire si è detto disponibile a fare un passo indietro. Consapevole fin da ottobre del congedo forzato, durante questi otto mesi aveva già proposto alla Disney di stipulare un nuovo accordo, nel quale si impegnava ad astenersi dal dare suggerimenti e a evitare di parlare con rappresentanti del sindacato durante le discussioni contrattuali. Tuttavia pare che, malgrado le buone intenzioni dell’ex voce di Kermit la Rana, tale accordo sia stato rifiutato, un segnale forte da parte della dirigenza, decisa a non tornare sui propri passi. A riprova di ciò, è stato già nominato il sostituto di Whitmire: si tratta di Matt Vogel, altro burattinaio veterano, recentemente visto dare anima a Constantine, il sosia criminale di Kermit nel film Muppets Most Wanted.

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Il primo è uno sneak peek da DuckTales, che proviene in realtà dall’episodio speciale intitolato Woo-oo!, che andrà in onda ad agosto, anticipando l’inizio della serie previsto per il 23 settembre. La clip ruota attorno a Paperone e i nipotini mentre si stanno recando con un sottomarino verso la città di Atlantide.

La seconda clip disponibile online è invece tratta dalla serie di Big Hero 6, la quale per il momento non ha una data di première (indicata con un generico “in autunno”). La clip è tratta dall’episodio Fred’s Bro-Trillion e vede Hiro e Baymax intrappolati nel covo di un supervillain chiamato Baron Von Steamer.

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Questa la trama ufficiale: La serie riprenderà la storia dove l’avevamo lasciata nel 2014 e seguirà le avventure di Hiro, il quattordicenne genietto della scienza, e del suo operatore sanitario coccoloso trasformato in un supereroe, Baymax. Dopo le vicende del film, Hiro è diventato una sorta di leggenda al San Fransokyo Institute of Technology. Ora però deve vedersela con le sfide di tutti i giorni a scuola, soprattutto perché si ritrova al college pur essendo poco più che un ragazzino. E al di fuori dell’università, il team di supereroi di ultima generazione dovranno darsi da fare per proteggere la loro città da nuovi supercattivi dotati delle ultime tecnologie disponibili.

La serie arriverà su Disney X D in America durante l’autunno 2017.

Di seguito la videosigla:

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Quest’anno però vi sarà una modifica nella programmazione: lo show andrà in onda il Venerdì, anziché il Martedì, e probabilmente partirà dopo le otto settimane di messa in onda di Marvel’s Inhumans, la nuova scommessa di Marvel TV e Abc Studios.

Dopo un episodio finale che ha visto collidere i tre archi narrativi di questa apprezzatissima quarta stagione dello show, il consueto cliffhanger dopo i titoli di coda lascia spazio a nuovi misteriosi sviluppi.

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These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

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Ricordandovi che non siamo in alcun modo affiliati con gli studi (siamo solo un gruppo di appassionati), abbiamo deciso di tradurre questo interessante articolo di Collider che riporta la trascrizione di un incontro avvenuto l’anno scorso al WonderCon con tre addetti al recruitment per i Walt Disney Animation Studios e per la divisione televisiva. I tre speaker sono: Camille Eden (Walt Disney Animation Studios), Matt Roberts (Artistic Recruiter), e Brooke Keesling (Disney Television Animation).

La lettura è consigliata anche a chi non intende lavorare nel campo dell’animazione ma è semplicemente un appassionato. Infatti, oltre a capire quali differenze ci sono tra i processi produttivi per il cinema e quelli per la tv, scoprire quali qualità si ricercano nei dipendenti è un ottimo modo per comprendere ancora più a fondo come lavora la Disney e quali sono i suoi valori.

Ricordiamo infine che gli studi si trovano negli USA e che non esiste una divisione italiana che produce animazione. Inoltre, da quanto è emerso non sembra esserci interesse per la ricerca di animatori specializzati in 2D/animazione tradizionale. Sulla situazione del 2D alla Disney vi consigliamo la lettura di questo articolo.

Walt Disney Animation Studios

• Gli studi principali realizzano un film all’anno, uno o più cortometraggi e degli eventuali speciali. I progetti nascono e vengono sviluppati in maniera verticale, ovvero completamente all’interno dello studio.
• Tutti i progetti tranne i cortometraggi sono “director driven”. Questo significa che per proporre l’idea per un film occorre aver fatto carriera all’interno dello studio e aver raggiunto il ruolo di regista.
• Ci sono tre regole alla base dei film Disney: raccontare storie avvincenti, creare mondi credibili e ideare personaggi interessanti.
• La produzione di un film è divisa in 14 dipartimenti.
• La produzione di un film inizia con la storia, proposta dal regista, dallo sceneggiatore e dall’head of story. Queste tre figure lavorano in collaborazione con lo “story trust”, un gruppo di artisti che si occupa di supervisionare il tutto risolvendo eventuali problemi e sviluppando personaggi e set.
• Gli artisti nel reparto di visual development si occupano di esplorare il mondo in cui è ambientata la storia e aiutare il regista a visualizzare tramite immagini le sue idee. Spesso il loro lavoro è molto tecnico perché dovranno risolvere i problemi che potrebbero crearsi durante la trasposizione dal disegno alla CGI.
• Ai Disney Studios arte e tecnologia sono importanti allo stesso modo, e gli animatori che si occupano del modeling e del rigging lavorano fianco a fianco con i disegnatori. La domanda ricorrente è: “come possiamo fare per rendere al meglio questa opera d’arte con la CGI?”.
• Per gli story artist, lo studio offre un training program due volte l’anno. Lo stage dura da tre mesi a un anno e permette allo studente di lavorare a stretto contatto con un artista Disney che ha il compito di fargli da mentore e sviluppare le sue potenzialità.
• Gli studi ricercano artisti per posizioni precise: è importante che nel portfolio sia indicata una specialità in particolare. Allo stesso tempo mostrare di avere esperienza in più campi è comunque un vantaggio.
• Per i designer è importante, oltre a saper disegnare in stile Disney, dimostrare di saper interpretare la realtà e il mondo che ci circonda attraverso il proprio stile personale. Disegni di animali sono sempre ben accetti!
• Ogni estate i Disney Studios offrono internship e stage di otto settimane agli studenti di animazione. In questo modo gli artisti sono in grado di individuare chi ha potenziale e chi è in grado di reggere la mole di lavoro e i ritmi.

Disney Television Animation

• Solitamente gli studi televisivi hanno circa 12 serie in lavorazione allo stesso tempo.
• Chiunque può proporre un soggetto per una serie tv, ma il creatore non sarà necessariamente anche il regista. In alcuni casi occuperà solo il ruolo di supervisore.
• Affinché un soggetto sia approvato, gli studi realizzano un pilot, ovvero un episodio di prova. Se funziona, il progetto ottiene il via libera ed entra ufficialmente in produzione.
• Oltre alle serie originali, i Television Animation Studios realizzano anche show basati su personaggi di loro proprietà, gli “heritage projects“. Questo significa che possono pescare da tutti i film di proprietà della Disney per realizzare una nuova serie animata. Un esempio sono i corti di Topolino di Paul Rudish o le serie dedicate a Rapunzel o Ducktales in arrivo nei prossimi anni.
• I ritmi di lavoro ai Disney Television Studios sono molto serrati, perché si devono produrre in poco tempo molti episodi.
• I ruoli che si ricercano sono principalmente quelli di designer e storyboard artist. Gli studi non assumono molti sceneggiatori, perché la storia viene realizzata attraverso gli storyboard stessi.
• Lo storyboard revisionist è il livello di partenza per il quale è consigliato fare domanda. Si tratta di una sorta di assistente che controlla gli storyboard disegnati da un artista più esperto.
• Per essere assunti è molto importante dimostrare di saper raccontare una storia attraverso un cortometraggio, una graphic novel oppure un fumetto.
• Per i designer è importante dimostrare di saper padroneggiare diversi stili, perché le serie tv Disney sono tutte diverse l’una dall’altra.

Becky Bresee, supervisore dell’animazione in Frozen. Foto: disneyanimation.com/careers

Consigli generali 

• Per entrambi gli studi alla base di ogni cosa c’è la tradizione Disney. I loro nuovi prodotti devono essere conformi alla tradizione e portarla avanti coerentemente. È importante quindi che i nuovi arrivati dimostrino nel loro portfolio di conoscere bene lo studio in cui vogliono lavorare e i suoi valori.
• Entrambi gli studi sono ambienti in cui il lavoro di squadra è fondamentale e gli artisti imparano l’uno dall’altro scambiandosi continuamente idee.
• Parte della ricerca di nuovi artisti per i Disney Studios avviene sul web, e in particolare su siti come Tumblr, Behance o Artimated. In questo caso è importante avere un profilo “professionale” dedicato solamente alle proprie creazioni, separato da quello personale. È inoltre consigliabile aggiornarlo spesso per dimostrare la propria costanza nel lavoro.

Per maggiori informazioni visitate la sezione Careers all’interno del sito ufficiale dei Disney Studios cliccando qui.

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È stato infatti svelato il cast vocale di doppiatori che compariranno nella serie. Oltre al ritorno di Mandy Moore e Zachary Levi, voci originali di Rapunzel e Eugene/Flynn, torneranno anche gli avventori del Brutto Anatroccolo. Tra i nuovi personaggi l’ancella Cassandra, un amico di Eugene, Lance, un alchimista e molti altri ancora.

Di seguito l’elenco completo di doppiatori e rispettivi characters:

Mandy Moore – Rapunzel
Zachary Levi – Flynn Rider/Eugene Fitzherbert
Ashley Judd – Regina Arianna, madre di Rapunzel
Clancy Brown – Re Frederic, padre di Rapunzel
Eden Espinosa – Cassandra, ancella e confidente di Rapunzel
Jeff Ross – Hook Foot, fratello di Uncino
Richard Kind – Zio Monty
Jeffrey Tambor – Big Nose
Paul F. Tompkins – Shorty
M.C. Gainey – Il Capitano delle Guardie
Sean Hayes – La guardia Pete
Peter MacNicol – Nigel il consigliere
Adewale Akinnuoye-Agbaje – il fabbro Xavier
Diedrich Bader – la guardia Stan
Charles Halford – Vladimir
Steve Blum – Attila Buckethead
James Monroe Iglehart – Lance Strongbow, amico di Eugene
Jeremy Jordan – il giovane alchimista Varian
Jonathan Banks – Quirin, padre di Varian

Come vi avevamo già spiegato, la serie sarà ambientata nel periodo che intercorre tra le vicende del film e quelle del cortometraggio Rapunzel – Le incredibili nozze. Prima di sposarsi, la protagonista decide di prendersi del tempo per conoscere meglio i suoi genitori, il suo popolo e il regno di Corona. Al suo fianco ci saranno Eugene, gli inseparabili Maximus e Pascal, e Cassandra, un’ancella che diventa la sua confidente.

Tangled Before Ever After sarà realizzata in Toon Boom Harmony con un design stilizzato creato con la consulenza di Claire Keane. Le musiche saranno curate da Kevin Kliesch, mentre Alan Menken tornerà a comporre le canzoni. La serie debutterà nel 2017.

Qui sotto potete vedere la nuova foto:

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