These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

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Due attrazioni attualmente in servizio nell’area di Tomorrowland, assieme ad alcuni store e punti ristoro nelle vicinanze, chiuderanno i battenti: si tratta di “Grand Circuit Raceway”, null’altro che l’equivalente giapponese dell’europea “Autopia”, e di “Star Jets”, giostra meccanica simile a “Dumbo the Flying Elephant” e “Orbitron”. Ciò permetterà di ampliare la confinante Fantasyland creando un’intera nuova zona a tema La Bella e la Bestia.

Ripercorrendo quanto fatto negli ultimi anni con la creazione della New Fantasyland all’interno del Magic Kingdom di Orlando, verranno interamente ricostruiti alcuni luoghi centrali della storia, permettendo ai visitatori di entrare letteralmente nel lungometraggio. Nello specifico sarà possibile visitare il Villaggio dove abita Belle e l’imponente Castello della Bestia. Sembra che quest’ultimo però sarà molto diverso dalla sua controparte americana: non sarà un enorme ristorante come il “Be Our Guest Restaurant”, bensì ospiterà un’inedita dark ride dedicata alla pellicola del 1991. I visitatori saliranno a bordo di alcuni piatti da portata che danzeranno sulle note delle famose musiche del film, mentre seguiranno le sorti di Belle e della Bestia, fino alla rottura del fatidico incantesimo.
Sembra che l’attrazione sarà incentrata quindi principalmente su una sorta di “viaggio musicale” all’interno della storia, richiamando di fatto la formula già usata per la californiana “The Little Mermaid: Ariel’s Undersea Adventure” (o “Under the Sea: Journey of the Little Mermaid”, nome usato per la sua corrispondente in Florida) incentrata su La Sirenetta, e che pare caratterizzerà anche la nuova attrazione a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio nel parco Epcot del Walt Disney World Resort di Orlando.
Un ristorante sarà comunque presente all’interno del Villaggio (la locanda di Gaston forse?), assieme ad un negozio. L’apertura di questa nuova area è prevista per la Primavera del 2020.

Ma i piani per Fantasyland  non sono finiti. Proprio a ridosso della Beauty and the Beast Area, verrà infatti aperto teatro più capiente (parliamo di circa 1.500 posti) del Tokyo Disneyland. Il nome della struttura è ancora da definire ma, da quanto emerge nel comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd., sarebbe già prevista la produzione di un live show con alcuni “Disney Friends”, da mettere in scena in questo spazio incantato. Anche per questo progetto l’apertura è prevista per la Primavera 2020.

Della piccola riduzione di Tomorrowland gioverà anche la vicina area di Toontown, la città dove abitano i personaggi dei cartoni animati, specialmente quelli legati a Topolino e alla banda Disney (e in parte anche a Roger Rabbit, dal cui film prende il nome l’area). Con una struttura simile al “Meet Mickey Mouse” di Parigi, aprirà i battenti un punto meet and greet con la stilosa Minni. Stilosa, sì, poiché i visitatori verranno accolti nel suo atelier di moda: in un piccolo set per shooting fotografici sarà possibile potranno scattare una foto in compagnia della stessa Minni e trascorrere qualche indimenticabile minuto in sua compagnia. La fila d’attesa sarà progettata come un tour attraverso il laboratorio e sarà arricchita da elementi interattivi che intratterranno gli ospiti. Anche in questo caso l’apertura è stata prevista per la Primavera del 2020.

Sembrerebbe quindi che l’unica area a fare le spese di questi aggiornamenti sarà come già detto Tomorrowland, le cui due attrazioni prossime al pensionamento chiuderanno i battenti nel corso del 2017 (“Grand Circuit Raceway”  verso Gennaio, “Star Jets” nell’autunno-inverno). Ma dallo spazio che verrà sgomberato, è stato previsto di ricavare qualcosa di nuovo anche per “il mondo di domani”. Parliamo di un’attrazione ispirata al 54esimo Classico Disney Big Hero 6, dal nome ancora da definire. Si tratterà di qualcosa simile alla “Mater’s Junkyard Jamboree” del Disney California Adventure Park: Baymax inviterà i visitatori a unirsi a lui in questo “vortice musicale” a bordo di alcune vetture che gireranno in tondo e su loro stesse rapidamente. Accanto a questa nuova whip ride sarà inoltre aperto uno store ispirato allo Spazio e dove, per la prima volta nei parchi giapponesi, sarà possibile comprare popcorn aromatizzati in vario modo. Come le altre, anche per queste novità relative a Tomorrowland occorrerà aspettare la Primavera del 2020.

Ma il Tokyo Disney Resort consta di ben due parchi: uno è il Tokyo Disneyland di cui ci siamo occupati finora, l’altro è il particolarissimo ed estremamente all’avanguardia Tokyo DisneySea. Negli ultimi tempi sono circolate diverse voci circa alcune modifiche e ampliamenti che avrebbero dovuto interessare il parco (si era parlato di un porto a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio, ad esempio).  Ad oggi abbiamo effettivamente una conferma di ampliamento, ma che non era stata contemplata da alcun rumor: il Mediterranean Harbor sarà leggermente ampliato a ridosso del ponte che lo mette in comunicazione con la Mysterius Island, per ospitare la celebre attrazione “Soarin'”. Nella sua versione originale questa attrazione è un simulatore di volo che dà ai visitatori l’illusione di sorvolare alcune località californiane. Anche a fronte dell’apertura dell’inedita variante “Soarin’ Over The Horizon” nel nuovo parco di Shanghai, che comprenderà scene ambientate in tutti i continenti, è stato annunciato che le attrazioni attualmente presenti nei parchi americani subiranno una ritematizzazione diventando così “Soarin’ Around The World”. È probabile che sarà proprio quest’ultima versione ad arrivare anche a Tokyo, non senza alcune peculiarità: il concept infatti ci mostra una vettura ispirata alle macchine volanti rinascimentali progettate da Leonardo Da Vinci. L’apertura è prevista per il 2019.

Strana è l’assenza dal comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd. di riferimenti alle novità annunciate durante l’ultimo D23 riguardanti la costruzione di piccole aree e di attrazioni ispirate ai lungometraggi Alice nel Paese delle Meraviglie e Frozen – Il Regno di Ghiaccio. Tuttavia non vi è ancora alcuna notizia riguardante una loro eventuale cancellazione, anzi, la Company ha sottolineato che sono ancora tanti i piani in progettazione per gli anni che seguiranno il 2020, soprattutto per quanto riguarda il Tokyo DisneySea. Non ci resta che aspettare ulteriori delucidazioni in merito.

Fonte: DisneyAndMore.

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Il primo pensiero che ho avuto a fine visione (escludendo salti di gioia ed entusiasmo vari) è stato quello di trovarmi davanti ad un Classico Disney impostato alla maniera degli anni ’90, aggiornato al XXI secolo.

In che modo però? Vedrò di spiegarlo.

“Anna è una giovane sognatrice, principessa di Arendelle, mentre sua sorella Elsa ne è la regina.

Il giorno dell’incoronazione però, il terribile segreto di Elsa viene fuori in tutta la sua potenza, e l’intero regno viene chiuso in un inverno senza fine. In condizioni estreme come quelle dell’Everest, Anna intraprende un epico viaggio in compagnia di un coraggioso uomo di montagna, Kristoff, e della sua fedele renna Sven alla ricerca della sorella.

Incontreranno creature fantastiche, come un buffo pupazzo di neve di nome Olaf, e combatteranno contro gli elementi della natura per salvare il proprio regno. E non solo.”

Ovviamente non vado avanti con il racconto, altrimenti rischierei una bella dose di SPOILER! Ma posso dirvi che, anche se la storia è un po’ prevedibile e con qualche rallentamento nella parte centrale (ma d’altronde in quale Classico Disney non è così?), alla fine scorre senza problemi, regalando intensi momenti di suspense e colpi di scena di tutto rispetto.

Inoltre con Frozen, i WDAS hanno portato avanti le innovazioni e lo stile sperimentato in Rapunzel e Ralph Spaccatutto, ottenendo risultati strabilianti!

La ricostruzione dei paesaggi e delle atmosfere è maniacale, e le architetture nordiche sono rese così bene che sembra quasi di poter toccare il legno di cui sono fatte.

I personaggi poi sono impressionanti. Le movenze, la mimica facciale raggiungono livelli quasi di perfezione, pur mantenendo un tratto cartoonesco tipicamente Disneyano.

Ma è nella colonna sonora che si nota una delle innovazioni apportate alla formula del Rinascimento Disneyano. Infatti, se normalmente il Classico Disney era improntato sull’alternanza tra canto e parlato, che scandiva il film; in Frozen si è puntato ad inserire tante brevi canzoni, che si vanno ad integrare perfettamente con lo svolgimento della storia (sul modello di Alice).

Non che non accadesse prima, ma in Frozen questa integrazione viene usata sistematicamente, per cui cantato e parlato si alternano senza spezzare la continuità dell’azione.. Effetto sottolineato dall’uso degli stessi doppiatori per il canto ed il parlato.

Una integrazione fatta così bene che, se si è rapiti dal film, non si nota il passaggio da una all’altra tecnica di recitazione.

C’è giusto una canzone forse un po’ debole, ma niente di cui preoccuparsi, soprattutto se controbilanciata da canzoni d’impatto come “Let it go”, “Vuelie” e “For the first time in forever”

Spendiamo infine alcune parole sul terrore di molti: il doppiaggio italiano.

Possiamo dire che durante la proiezione ogni dubbio che avevamo è letteralmente evaporato via!

Il cast vocale è ottimo, e la resa delle voci “su schermo” (talent inclusi!) è egregia.

Serena Rossi è stata una rivelazione, e per quanto si senta che non è una professionista, ci ha regalato una performance ed una caratterizzazione di Anna fantastica.

Anche Serena Autieri (Elsa) e Enrico Brignano (Olaf) ci regalano una buona recitazione, per quanto con, per fortuna, poche cadute di stile nel parlato.

Nulla da eccepire riguardo le voci degli altri personaggi comprimari, come Paolo de Santis (Kristoff) e Giuseppe Russo (Hans).

Tutti promossi invece nel cantato.

Ovviamente non si raggiungono i livelli della versione inglese con Idina Menzel e Kristen Bell, ma le voci italiane danno una eccellente prova di sé, forse con una impostazione un po’ più lirica (soprattutto l’Autieri).

Anche l’adattamento italiano delle canzoni è ottimo, e questa volta registra molti più alti che bassi, malgrado siano ancora presenti all’interno delle canzoni versi non proprio felici (alla “la tristezza non c’è più”), e qualche canzone riadattata lascia molto a desiderare… (la canzone iniziale dei tagliatori di ghiaccio).

L’unico mio rammarico in tutto il film è forse il poco approfondimento delle relazioni che intercorrono tra i vari personaggi comprimari.

Fermi restando che la protagonista del film è Anna, insieme alla sorella Elsa, avrei sperato in una maggiore presenza nel film di Kristoff ed Hans. Sia chiaro, non che nel film manchi! La storia funziona benissimo così com’è, solamente mi sarebbe piaciuto u

E per quanto ci sia in giro un certo sentimento di odio, Olaf regala momenti di comicità genuina, senza il cosiddetto “Toilet – humor”.

In conclusione, un Classico Disney di tutto rispetto!

Da vedere!

Perfettamente in linea con la sintesi tra vecchio e nuovo che caratterizza Frozen è anche il cortometraggio che precede il film nelle sale “Tutti in scena” (Get a Horse).

Il corto inizia come un corto Disney originale degli anni ’30, atmosfera intensificata dall’uso (nella versione inglese) della voce dello stesso Walt Disney, recuperata tramite montaggi audio! Topolino è nel bel mezzo di una gita in allegria con i suoi compagni di sempre Minni, Orazio e Clarabella, quando l’acerrimo nemico Gambadilegno arriva a rovinare la festa. Nel tentativo di rapire Minni, Gambadilegno lancia Topolino contro lo schermo, che improvvisamente si buca trasformando il corto in un meraviglioso ibrido tra un bianco e nero 2D “d’epoca” e una moderna produzione a colori in CGI!

La compresenza delle due tecniche e il continuo passaggio da una tecnica all’altra durante tutta la durata del cortometraggio stupisce e celebra allo stesso tempo la semplicità del disegno a mano del passato e la tecnologia del presente. Nei soli 7 minuti di durata del corto vediamo come i realizzatori abbiano voluto affermare che la tradizione Disney e le innovazioni di oggi possano armonizzarsi per dare avvio a una nuova gloriosa era di rifioritura dell’animazione degli studi Disney.

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Nel 2010 arrivò al cinema Rapunzel – L’intreccio della torre e fu una piccola rivoluzione. Non tutti se ne accorsero allora, ma i Walt Disney Animation Studios avevano finalmente ritrovato la loro identità, perduta in un lungo periodo di crisi che ha seguito il loro maggior successo, Il Re Leone. Il segreto, ormai l’hanno capito, sta nella sapiente mescolanza tra vecchio e nuovo: fiaba classica, ma con toni moderni; plot semplice ma che presenta ogni tanto dei twist sorprendenti; e soprattutto CGI, ma con un look assolutamente 2D. Fu questa la vera rivoluzione che portarono nel cinema d’animazione nel 2010: la risoluzione dei problemi legati alla figura umana in CGI grazie agli studi fatti a  matita dai grandi veterani dell’animazione a mano.
Sono arrivati in seguito quel gioiellino di Winnie The Pooh – Nuove Avventure nel Bosco dei 100 Acri e quello che forse è il loro vero capolavoro degli ultimi anni, Ralph Spaccatutto, dimostrazione di come anche i soggetti originali (per giunta legati al mondo dei videogames!), di solito sempre associati alla Pixar, possono essere trattati con lo spirito disneyano tradizionale.

Quest’anno si torna alla fiaba, ed ecco arrivare al cinema un film che i WDAS hanno in cantiere da diversi anni: Frozen – Il Regno di Ghiaccio, adattamento disneyano de La Regina delle Nevi di Andersen. Bollato da subito dai più come “brutta copia di Rapunzel”, Frozen dimostra di essere in realtà molto, molto di più. Frozen è la fiducia che i WDAS ripongono nella loro ritrovata identità. Sicuri di sé, per la prima volta puntano sul nuovo Classico etichettandolo come “il più grande evento da Il Re Leone ad oggi”, ed hanno ragione. Intendiamoci, Frozen non è il più bel film Disney da Il Re Leone a questa parte. Ma è quello che più di tutti, ancora di più di Rapunzel, fa respirare aria di Classico anni ’90, quello che il pubblico chiedeva a gran voce. Chi era scettico di fronte all’impostazione da commedia di Rapunzel qui troverà pane per i suoi denti: il registro è alto, serio, e diventa proprio dramma in alcuni punti (penso al toccante prologo accompagnato dalla deliziosa “Facciamo un pupazzo insieme?”). Olaf e Sven portano una buona dose di comicità, ma il tutto è equilibrato e rimane sempre molto fine, senza mai scadere nel banale o nel volgare. Le scene forti, che sono specialmente quelle di incontro e scontro tra le due sorelle, sono talmente belle che quelle di azione o del viaggio di Anna e Kristoff passano più lente, e ci si ritrova ad aspettare il prossimo momento in cui comparirà anche Elsa. Le due sorelle da sole reggono l’intero film, che è centrato sul loro difficile rapporto. Ottimista, aperta ed espansiva Anna e fredda, chiusa e tormentata Elsa: due personaggi incredibili in cui è impossibile non identificarsi.

Frozen è anche il ritorno del musical Disney. Le critiche per non aver affidato l’incarico di occuparsi della colonna sonora al veterano Alan Menken sono totalmente infondate: i coniugi Lopez vincono la sfida sotto tutti i fronti e ci regalano un vero e proprio musical. Non un film accompagnato da canzoni, ma un film che si struttura attraverso le canzoni. I pezzi cantati sono tanti e ben inseriti: il recupero del recitativo e delle battute ritmate prima del canto (si veda il reprise di “Oggi, per la prima volta”) rende il passaggio alla canzone assolutamente naturale: qualcosa che in casa Disney non si vedeva da diversi anni. Tra tutte spicca la splendida Let It Go/All’Alba Sorgerò, interpretata da Idina Menzel e da Serena Autieri nella versione italiana: la sequenza è mozzafiato e può essere accostata senza problemi alla ben più famosa “Parte del tuo mondo” (La Sirenetta) nell’Olimpo delle canzoni Disney.

Tecnicamente parlando, siamo davanti a nuovi miglioramenti nell’animazione in CGI. Anna, in particolare, è senza dubbio uno dei personaggi in CGI più belli di sempre: una vera gioia per gli occhi in ogni movimento, tanto che a volte sembra addirittura di vedere le linee di matita a guidare le sue giravolte, le sue espressioni, le sue pose. Menzione particolare per gli sfondi, che altro non sono che gli artwork renderizzati in 3D, ma che mantengono uno spiccato look 2D.

Promossa anche la versione italiana del film: la vera rivelazione è Serena Rossi, che ci regala un’Anna allegra, divertente e impacciata che non fa rimpiangere quella di Kristen Bell; ottima anche Serena Autieri nel ruolo di Elsa: la sua performance non è esente da qualche sbavatura nel parlato, ma nel canto dimostra di essere la scelta perfetta. La sua Elsa è forse più melodica e più lirica di quella di Idina Menzel: un’interpretazione del personaggio che sottolinea la sua regalità. Simpaticissimo Enrico Brignano nel ruolo del pupazzo di neve Olaf.

Epico e toccante, Frozen è anche e soprattutto la bella storia d’amore e amicizia tra due sorelle e affronta temi importanti come la solitudine, l’isolamento, la paura, la fiducia. Elsa, diversa per natura, si sente un mostro e si chiude in sé stessa per paura di ferire e di essere ferita. Toccherà ad Anna ricordarle che “l’amore è una porta aperta” ed insegnarle l’importanza della fiducia e della condivisione.
I detrattori della Disney sostengono ancora che i nuovi Classici non saranno ricordati in futuro: Frozen è la risposta.

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