L’esperienza innovativa permetterà di immergersi a 360° nelle scene e nelle amatissime colonne sonore di alcune delle opere più famose di Disney Animation, dai primi classici come il corto Steamboat Willie, Biancaneve e i sette nani, Pinocchio e Bambi, fino alle uscite più recenti, tra cui Il Re Leone, Zootropolis, Frozen – Il regno di ghiaccio ed Encanto.

“Una combinazione di una mostra d’arte e di una sala cinematografica”, la definisce il produttore J. Miles Dale, vincitore dell’Oscar per La forma dell’acqua e supervisore del team creativo. L’esposizione sfrutterà il projection mapping per creare delle atmosfere a 360° che, unite alle iconiche musiche dei film, porteranno i visitatori direttamente dentro le storie dei classici, dando l’impressione di trovarsi all’interno dei mondi Disney Animation. Si potranno inoltre ammirare degli artwork mai visti prima dalla lavorazione di questi film, e anche nuove scene in animazione create appositamente per questa iniziativa.

Tra i produttori della mostra c’è David Korins, global creative director di Lighthouse Immersive e designer di oltre 20 show di Broadway, tra cui i pluripremiati Hamilton e Dear Evan Hansen. Korins ha dichiarato che l’esperienza immersiva durerà circa 47 minuti e che i visitatori riscopriranno il catalogo Disney in una forma del tutto nuova, imparando a conoscere gli artisti e il making of di questi film “dallo script allo schermo”, inclusi i processi di creazione dei costumi, dello storyboard e della realizzazione.

“Non vediamo l’ora che il pubblico di tutto il mondo e di tutte le età possa sperimentare in questa modalità incredibile i grandi momenti della nostra tradizione di film animati”, ha dichiarato il presidente di Disney Animation Clark Spencer.

Dopo Toronto, la mostra farà tappa a Cleveland, Nashville, Detroit, Denver, Boston, San Antonio, Las Vegas, Minneapolis e Columbus nel 2023. Ci sarà infine una tappa ad Anaheim accanto al parco Disneyland. In seguito, l’esposizione viaggerà nel resto del mondo, a partire dal Giappone. E chissà, magari arriverà anche in Europa…

Fonte: THR, Animation Magazine
Foto: © Disney Animation © 2022 Disney. All Rights Reserved.

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A dare la notizia è Deadline, che annuncia anche il nome del regista ovvero David Gordon Green (Halloween, Halloween Kills). Evan Spiliotopoulos sarà lo sceneggiatore; ha già lavorato per la Walt Disney Company al remake live action de La Bella e la Bestia e ad alcuni sequel e film direct-to-video come Il Libro della Giungla 2 e Trilli e il tesoro perduto.

Jason Reed e Dana Brunetti e Matt DelPiano di Cavalry Media saranno i produttori, dopo aver prodotto il live action di Mulan dello scorso anno. Allison Erlikhman sarà la produttrice per Disney Studios. Jessica Matthews sarà la produttrice esecutiva.

Il film racconterà il sogno di Walt Disney di aprire un parco a tema ispirato ai suoi film d’animazione (e non solo). Disneyland, che ha aperto i battenti ad Anaheim (California) il 17 luglio 1955, è l’unico parco al mondo ad essere stato costruito sotto la supervisione di Walt, che non fece in tempo a vedere l’inaugurazione dei parchi successivi, oggi presenti anche in Europa e in Ansia. Tra le ispirazioni per questa impresa l’artista ha sempre citato il Museum and Greenfield Village di Henry Ford, i Giardini di Tivoli in Danimarca e la New York’s World Fair del 1939.

Ovviamente non sappiamo ancora chi interpreterà Walt. In Saving Mr. Banks, che raccontava la creazione del classico del cinema Mary Poppins, l’inventore di Topolino aveva il volto e le movenze dell’attore Tom Hanks.

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Nata nel 1910 nel Maine, Thompson è arrivata in California nel 1918 e viveva con i suoi genitori ad alcuni edifici di distanza dallo storico Disney Bros. Cartoon Studio di Walt e Roy O. Disney. Come ha ricordato nella sua intervista con la Disney’s Animation Research Library: “Guardando la vetrina del loro studio vidi due signore che dipingevano. Non avevo mai visto niente di simile, perciò mi fermai a osservarle. E ogni giorno la mia curiosità mi spingeva a fermarmi e a guardare il loro lavoro. Iniziai a passare così spesso che alla fine qualcuno uscì e mi disse: “Perché non vieni dentro?” Penso che fosse Walt, perché circolava nei dintorni piuttosto spesso.”

Così iniziò il lungo e proficuo rapporto tra Ruthie Tompson e la Walt Disney Company: da un ruolo di comparsa nelle Alice Comedies, i primi cortometraggi di Walt in tecnica mista, fino al primo lavoro come colorista per un lungometraggio d’animazione in Biancaneve e i sette nani (1937), il suo film preferito.

In seguito venne promossa a final checker, con il ruolo di controllare le cel prima della fotografia sulla pellicola. La sua precisione e il suo talento naturale per il gusto dei movimenti della telecamera e per la risoluzione di problemi tecnici le permisero di ottenere una nuova promozione nel 1948, nel dipartimento di animation checking e scene planning. Queste abilità inoltre le aprirono le porte della International Photographers Union, di cui al tempo, oltre a lei, facevano parte soltanto due donne.

Nella sua lunga carriera presso la Walt Disney Company, ha lavorato a film come Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941), La bella addormentata nel bosco (1959), Mary Poppins (1964), Gli Aristogatti (1970), e Robin Hood (1973). Dopo 40 anni in Disney, Ruthie Tompson è andata in pensione nel 1975. È stata nominata Disney Legend nel 2000.

“Ruthie Tompson era una leggenda tra gli animatori e i suoi contributi alla storia Disney – da Biancaneve e i sette nani fino a Bianca e Bernie – restano ancora oggi amatissimi classici” ha dichiarato Bob A. Iger, Executive Chairman and Chairman of the Board della Walt Disney Company. “Ci mancheranno il suo sorriso e il suo fantastico senso dell’umorismo, ma il suo lavoro eccezionale e il suo spirito di pioniera saranno per sempre un’ispirazione per tutti noi”.

“Ruthie era una vera Disney Legend”, ha aggiunto la regista Leslie Iwerks. “In qualità di giovane comparsa nelle Alice Comedies degli anni Venti, venne diretta sul set da Walt Disney stesso, ed ebbe l’opportunità di osservare Roy O. Disney e Ub Iwerks all’opera. All’età di 111 anni, era l’unica persona ancora in vita ad aver conosciuto Walt Disney durante i suoi primi anni di carriera ad Hollywood”.

Fonte: D23
Foto: © Disney. All rights reserved

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Ma a quanto pare la sua vitalità non è stata affatto indebolita dall’età, come dimostra un video diffuso prima su Tik Tok e poi ricaricato su Twitter in cui l’attore e showman canta alcuni versi di Supercalifragilistic-espiralidoso, probabilmente la canzone più nota del cult del 1964 prodotto da Walt Disney.

Please enjoy Dick Van Dyke singing Supercalifragilisticexpialidocious at age 94 🥰 pic.twitter.com/lZp13pbefQ

— Lucy Thackray (@LucyThack) November 4, 2020

Reso noto proprio dal ruolo di Bert, Dick Van Dyke ha interpretato nel Mary Poppins di Disney anche l’anziano presidente della banca, il signor Dawes. Accanto a lui ovviamente la splendida Julie Andrews nel ruolo della tata comparsa per la prima volta nei romanzi di P.L. Travers.

Van Dyke è tornato poi nei panni del vecchio signor Dawes nel recente sequel Il ritorno di Mary Poppins, in cui la governante ha il volto di Emily Blunt. Il personaggio di Bert non è presente, sostituito dal lampionaio Jack (Lin-Manuel Miranda). E per l’occasione non ha mancato di mostrarci il suo spirito giovanile indomabile: nonostante il suo sia soltanto un cameo, si tratta senza dubbio di uno dei momenti più belli del film!

Fonte: Twitter via BadTaste.it

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La collezione Walt Disney Family Classics è stata lanciata dalla Walt Disney Company Italia intorno al 2012 con l’obiettivo di portare al grande pubblico amatissimi classici per tutta la famiglia come Zanna Bianca, Il segreto di Pollyanna, Il computer con le scarpe da tennis o Il maggiolino tutto matto. Gli “antenati” di una tradizione che va avanti ancora oggi, con il trend più recente che vede Disney Pictures al lavoro sui remake dei classici più famosi, come La Bella e la Bestia, Aladdin, Il Re Leone e Mulan.

Acquista la collezione completa su Amazon

Storie magnifiche e personaggi che hanno conquistato intere generazioni, di ritorno finalmente in edicola insieme a Sorrisi, al prezzo di € 11,40  (9,90 online). Purtroppo per il momento si tratta soltanto di riedizioni di titoli già usciti (comunque perfetti per chi dovesse ancora aggiungerli alla propria collezione), ma speriamo in futuro di avere anche nuovi titoli inediti.

Questo l’elenco delle prime uscite:

• 15 settembre 2020: Quattro bassotti per un danese
• 22 settembre 2020: Il segreto di Pollyanna
• 29 settembre 2020: FBI Operazione gatto
• 6 ottobre 2020: Il cowboy con il velo da sposa
• 13 ottobre 2020: Herbie il maggiolino tutto matto
• 20 ottobre 2020: Tutto accadde un venerdì
• 27 ottobre 2020: Una ragazza, un maggiordomo e una lady
• 3 novembre 2020: Giallo a Creta

Per saperne di più visitate il sito ufficiale (da cui potete anche recuperare i vostri arretrati).

Vi ricordiamo che i Walt Disney Family Classics sono disponibili anche per lo streaming su Disney+, iscrivetevi utilizzando il nostro link per cominciare la visione!

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N.B.: Questo articolo fa uso di link affiliazione, senza alcun sovrapprezzo sul vostro acquisto.

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Infatti, oltre alle classiche sezioni riguardanti le opportunità lavorative, i corsi e gli stage per studenti, i programmi di mentorship e le nuove tecnologie promosse dallo studio, il sito sfoggia ora una sezione nuova fiammante che celebra 97 anni di storytelling dedicando una gallery a tutti i classici Disney.

La nuova pagina, che si chiama Feature Films, contiene infatti i poster e le brevi schede tecniche di tutti i 58 lungometraggi dei Walt Disney Animation Studios, da Biancaneve a Frozen 2. E ci sono già anche la trama e la data d’uscita di Raya and the Last Dragon, in arrivo nel 2021. Un ottimo modo per affermare il proprio brand e la propria filmografia, e per ribadire che i nuovi prodotti come Frozen, Ralph Spaccatutto e Oceania si inseriscono in una tradizione ormai secolare.

“Walt Disney Animation Studios è uno studio di animazione filmmaker-driven che ha realizzato alcuni dei film più amati di sempre. Situato in California, Disney Animation continua a portare avanti la sua ricca tradizione di innovazione e creatività, dal primo lungometraggio completamente animato – il film del 1937 Biancaneve e i sette nani – a Frozen 2 (2019)”

Nel 1937, Walt Disney Animation Studios ha realizzato il primo lungometraggio d’animazione inventando una nuova forma di intrattenimento per tutta la famiglia. Quasi un secolo dopo, continuiamo a onorare la nostra tradizione attraverso film animati che mescolano valore artistico, storytelling di prima categoria e tecnologie rivoluzionarie”.

Interessante notare come, oltre la trama, i registi, la data d’uscita e i primi vinti, le schede dei film riportino in alcuni casi anche le innovazioni tecnologiche inaugurate da ogni classico.

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Agli uomini che protestano, Walt Disney risponde per le rime:

“Un’altra voce disgustosa è che stiamo cercando di insegnare alle donne come fare animazione per rimpiazzare gli artisti uomini, che costano di più. È la cosa più stupida che io abbia mai sentito. Non siamo interessati a manodopera a basso costo, siamo interessati a persone che sappiano offrire un contributo efficiente. Forse è necessario dare una spiegazione di come mai abbiamo deciso di allargare l’apprendistato anche alle donne. Prima di tutto, vorrei iniziare dicendo che se una donna è in grado di fare il lavoro allo stesso modo, allora vale esattamente quanto un uomo.

Le ragazze stanno imparando come fare animazione per ottimi motivi. Il primo è renderle più versatili, così da riuscire a sostenere i momenti in cui c’è maggior lavoro tra inbetweening e inchiostrazione. Credetemi, più la nostra azienda sarà versatile, più ne beneficeranno tutti i dipendenti, perché questo garantirà un’occupazione stabile e un’alternanza di progetti costante allo studio.

La seconda ragione è che l’eventualità di una guerra o della leva obbligatoria potrebbe costringere ad allontanarsi molti dei nostri impiegati uomini, specialmente i più giovani che vorrebbero lavorare con noi. Penso che le donne potrebbero aiutare, se c’è la possibilità di mantenere vivo questo business durante questo periodo, così che gli uomini possano tornare al lavoro dopo la guerra.

Terzo, le artiste hanno il diritto allo stesso avanzamento di carriera che è concesso agli uomini, e io credo sinceramente che possano contribuire a questo business portando qualcosa che gli uomini non potrebbero o non vorrebbero mai. Nel gruppo che si sta formando in questo momento ci sono delle vere promesse, e un ottimo esempio è il lavoro di Ethel Kulsar e Sylvia Holland nella Suite dello Schiaccianoci, oltre alla giovane Retta Scott, di cui sentirete parlare quando guarderete Bambi“.

Nella folla, probabilmente, alcuni sentono per la prima volta il nome di Retta Scott, eppure questa giovane artista uscita dal Chouinard Art Institute lavora agli studi già da tre anni. È stato il dirigente dell’Istituto d’arte a spingerla a candidarsi ai Disney Studios, dopo aver osservato i disegni dal vivo che la ragazza realizzava nel tempo libero, studiando gli animali al Griffith Park Zoo.

Appena arrivata, nel 1938, Retta Scott viene assegnata al reparto per lo sviluppo della storia di Bambi. Presto, però, i suoi disegni attirano l’attenzione di Walt Disney in persona e del regista del film Dave Hand: quando il film entra in produzione, decidono di assegnarle l’animazione di una scena. E non una scena qualunque: notando la sua propensione al disegno realistico piuttosto che alla caricatura, il regista destina a lei la sequenza in cui i cani da caccia rincorrono la cerbiatta Faline nell’atto finale. Il leggendario animatore Eric Larson, membro dei cosiddetti Nine Old Men (gli animatori “fedelissimi” di Walt), è il suo mentore in questa prima impresa, ma in seguito darà a lei tutto il merito della creazione della scena. “Retta aveva un’abilità straordinaria nel disegnare animali di stazza potente. Sembrava che avesse una profonda comprensione del loro comportamento”, avrebbe dichiarato in seguito Frank Thomas, un altro membro dei Nine Old Men. Nessuno agli studi Disney riesce a credere che disegni così realistici, di creature così forti e minacciose, siano nati da una mano femminile: Retta Scott diventa la prima donna a comparire nei titoli di coda di un classico Disney con un credit come animatrice.

Dopo questo importante primato, la sua carriera ai Disney Studios è in realtà piuttosto breve: realizza delle animazioni per Dumbo, per le donnole di Il vento tra i salici e compare nel film a tecnica mista Il drago riluttante. Si dimette nel 1946, per trasferirsi sulla East Coast insieme al marito, ma continuerà a collaborare con Disney come freelance: sue sono ad esempio le illustrazioni del Big Golden Book di Cenerentola. Si spegnerà nella sua casa in California nel 1990.

Una carriera breve, ma segnata da un fondamentale traguardo che ha fatto da apripista per molte altre donne che desideravano un impiego nel mondo dell’animazione: durante gli anni ’40, il pensiero progressista di Walt e l’esempio del talento di Retta Scott portarono all’assunzione o alla promozione di decine di artiste in ruoli che precedentemente erano loro preclusi.

Fonti: D23, Cartoon Brew, Deja View
Foto: via D23, © Disney. All rights reserved

Il libro Ink & Paint racconta la storia delle artiste dei Disney Studios

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In Italia questo film d’animazione ha sempre goduto di un discreto successo, anche se non si può certo incasellare tra i Classici più remunerativi dello Studio. Un parte del suo fascino è indubbiamente imputabile all’inarrivabile lavoro svolto da Roberto de Leonardis per l’adattamento italiano del copione del film. De Leonardis, affettuosamente chiamato dai colleghi “Il Comandante” per via dei suoi trascorsi biografici in marina, è stato non solo un amico personale di Walt ma anche e soprattutto l’adattatore italiano di tutti i prodotti audiovisivi della Casa del Topo per tutta la durata della sua carriera nel mondo del doppiaggio.

Una piccolissima premessa prima di entrare nel vivo: Alice è un film degli anni ’50. Non esistevano computer, non esisteva internet e una grossissima fetta del pubblico italiano non era ancora alfabetizzata. Spesso si leggono critiche alla versione italiana del film, accusata di aver modificato e storpiato senza reali motivi il copione originale. In realtà l’operato di de Leonardis mirava a rendere il film perfettamente fruibile in italiano cosa che, per questo titolo più che in altri, poiché pieno di giochi di parole e virtuosismi linguistici, non era affatto facile. Il Comandante ci è riuscito? A voi la sentenza, ma prima eccovi qualche piccola curiosità della quale, forse, bisognerebbe tenere conto prima di rispondere alla provocatoria domanda.

L’arte di Roberto De Leonardis in Alice nel paese delle meraviglie

Da Dinah a Oreste

L’esempio probabilmente più famoso di adattamento (e non di semplice “traduzione”!) è da ricercare nel simpatico nome del gatto di Alice: Oreste. Se si confronta col nome originale del personaggio non ci vuole molto a scoprire che il gatto non è un maschio, bensì una femmina, come facilmente intuibile anche dal nastro rosa che porta al collo, e che si chiama Dinah. Ma a cosa è dovuto questo cambio nel nostro copione? Un semplice vezzo del de Leonardis? No. In realtà la motivazione è molto più complicata di quanto si possa pensare e, proporzionalmente, geniale è la soluzione che è stata trovata.

Per capirci qualcosa dobbiamo abbandonare Oreste/Dinah a inizio film e andare direttamente alla scena del tè dei matti, nella quale Alice ha capito che pronunciare la parola “gatto” è proibito, pena lo scatenare gli isterismi del Toperchio. Per superare l’ostacolo senza ricorrere al termine proibito, nella versione originale la ragazzina pensa di compitare la parola (C-A-T) ma, arrivata all’ultima lettera, il Cappellaio Matto pensa che Alice stia parlando di tè come bevanda (infatti la pronuncia inglese di “tea” e della lettera “T” sono identiche). Per mantenere il gioco e il fraintendimento anche nella nostra versione, Roberto de Leonardis ha genialmente pensato di di far sillabare ad Alice il nome O-RES-TE, così che sentendo l’ultima sillaba il Cappellaio potesse comunque ricollegarsi alla bevanda tè. I più pignoli noteranno che la sillabazione di Alice è in realtà scorretta, ma tanto nel libro di Carroll quanto nella versione originale del film Disney la protagonista commette diversi errori di grammatica, quindi de Leonardis non ha “creato” nulla che non fosse in sintonia col personaggio e con l’atmosfera generale della pellicola. Anzi, se non fosse ricorso a questo giochetto, con ogni probabilità la battuta sarebbe rimasta irrisolta.

Ostrichette 

Adattare un copione per un film non significa, banalmente, solo tradurlo letteralmente per poi farlo recitare ai doppiatori convocati al leggio per l’edizione italiana. L’adattamento è (o forse, purtroppo, era) un procedimento che adattava il copione da una cultura all’altra senza, ovviamente, stravolgere il testo e rispettando tutti i corretti riferimenti voluti dal regista nell’opera originaria. Uno dei più celebri casi d’adattamento “deleonardisiano” è forse Romeo che, ne Gli Aristogatti diventa un vagabondo gatto romano… er mejo der coloseo! Avrebbe avuto senso mantenere nella nostra versione un gatto di strada Irlandese (tale Thomas O’Malley), senza adattarlo? Probabilmente no…

Una bella chicca dialettale è nascosta anche in Alice nel paese delle meraviglie ma, al contrario del caso di Romeo, si tratta di una piccolezza che definire sopraffina è poco e che questa volta è da ricercare in un altro dialetto italiano: quello veneto.

Tricheco: Oh, io sono commosso!
Oh scusatemi!
Voi non saprete mai
qual gioia è il vostro incontro
e l’ho gustato assai!
Carpentiere: Ostrichette? Ostrichette?
Pinco Panco e Panco Pinco: Ma non ci fu risposta, oh ostregheta!
e non c’è da stupir
perché le avea mangiate tutte
ahimè!

Anche se dal contesto è facilmente intuibile, per il reale significato di “ostregheta” ci viene in aiuto direttamente l’enciclopedia Treccani, la quale riporta: “ òstrega interiez. – Voce veneta, propriam. s. f., che significa «ostrica» (e come tale ha il plur. òstreghe), usata come esclam. di scherzoso stupore, di leggero dispetto, talora come energica e vivace affermazione (equivalente in genere a caspita, perbacco, e sim.) ◆ Dim. ostreghéta, usato anche questo come esclam., di tono più attenuato e scherzoso.”

Per completezza segue il riferimento originale del copione, nella cui versione italiana de Leonardis è riuscito a inserire questo mirabile ed azzeccatissimo “venetismo”:

Carpenter: Little oysters? Little oysters?
Tweedle Dee e Tweedle Dum: But answer there came none
and this was scarcely odd
because, they’d been eaten
every one!

Alice e il Brucaliffo

Una bellissima scena che più di tante altre nel film raccoglie il lavoro certosino svolto dall’adattatore di fiducia di Walt è indubbiamente quella dell’incontro tra Alice e il Brucaliffo… a partire proprio dal nome italiano del personaggio! Nella versione originale esso si chiama semplicemente Caterpillar (ossia: bruco), ma una traduzione fedele del nome non era adatta al labiale del cartoon poiché il termine inglese ha il doppio delle sillabe di quello italiano. Dovendo quindi allungare la parola, solo a de Leonardis poteva venire in mente, vedendo in moviola un bruco che fuma il narghilè come un califfo, il nome che noi tutti oggi conosciamo e quasi diamo per scontato: Brucaliffo!

Per tutta la durata della scena è chiaro che una traduzione letterale del copione non avrebbe quasi sicuramente reso giustizia al segmento del film, facendo risultare il tutto perfino incomprensibile, forse. Se, banalmente, quando il Brucaliffo dice “I do not see” e il fumo che gli esce di bocca assume forma di C, de Leonardis avesse letteralmente tradotto con “Non capisco” al posto di “Io non capirci” usato nel film, il riferimento alla fumosa C che si vede sullo schermo sarebbe – è il caso di dirlo – svanito in un nuvola di fumo.

Altra piccola trovata è l’adattamento della nuvola di fumo a forma di lettera Y che appare sullo schermo quando il Caterpillar in originale dice “Why”. Data l’impossibilità di trovare parole italiane che contenessero la lettera straniera, il Comandante ha pensato di attingere questa volta al linguaggio matematico universalmente noto e quando Alice chiede al Caterpillar “Cosa esser lei?” quella Y è diventata “Un’incognita!”, per poi far proseguire in fuori campo il bruco con la risposta: “Per ora Brucaliffo!”. Un adattamento da manuale!

Queste sono solo alcune delle geniali trovate che Roberto de Leonardis ha pensato  e usato per la versione italiana di quel gioiellino animato che è Alice nel paese delle meraviglie ma, chiaramente, ce ne sarebbero ancora tante altre da presentare: dalle invenzioni dei nomi italiani degli altri personaggi che oggi sono diventati quasi di pubblico dominio anche fuori dal contesto Disney (si pensi allo Stregatto, al Bianconiglio….) ai meravigliosi testi italiani delle canzoni, sempre tradotti dal Comandante ma sotto lo pseudonimo di PERTITAS, col quale sempre firmava la sua attività di paroliere.

Non vi resta dunque che omaggiare questo Classico animato nel giorno del suo anniversario con l’ennesima visione casalinga e, perché no, prestare maggiore attenzione alle parole del copione italiano, magari confrontandolo con la versione originale (cosa che grazie al cielo oggi è possibile fare!) per notare – ovviamente in modo critico e ragionato – tutte le assonanze o discrepanze.

E se i più curiosi vorranno approfondire un po’ più da vicino la figura del grande Roberto de Leonardis anche e specialmente fuori dal mondo Disney, consigliamo un breve e umile tributo realizzato da VHSWD – Il sito italiano delle videocassette nel 2018. Buona visione e buon anniversario ad Alice!

Articolo a cura di Marco Volpe di VHSWD – Il sito italiano delle videocassette

Leggi anche il nostro approfondimento sul doppiaggio de Le Follie dell’Imperatore

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A dodici anni dall’inaugurazione del secondo parco Disney parigino, il parco Walt Disney Studios apre una nuova area, con l’intenzione di aggiungere l’ingrediente speciale in una ricetta che, fino a quel momento, era stata abbastanza anonima. La Place de Rémy fa immergere i guest nel film Pixar Ratatouille, riproducendone le architetture, le musiche e i luoghi, offrendo ai visitatori l’esperienza di assaggiare i piatti del piccolo chef al ristorante Chez Rémy, e di guardare il mondo dal punto di vista del topolino grazie all’attrazione Ratatouille: l’adventure totalement toquée de Rémy.

Si tratta di una dark ride dal progetto ambizioso (basti pensare che i cinque minuti di video a cui possiamo assistere hanno richiesto un tempo di lavorazione maggiore del lungometraggio stesso!), che unisce scenografie reali, proiezioni tridimensionali e numerosi effetti speciali (come i profumi della dispensa o il calore del forno) per donare allo spettatore un’esperienza multisensoriale. Partendo dalla scena del film Ratatouille in cui Rémy cade nella cucina dello Chef Gusteau, ritrovandosi a scappare per non farsi vedere, gli Imagineering creano un’avventura in cui i guest si ritrovano protagonisti.

Una delle prime questioni da affrontare nella realizzazione di questo progetto gargantuesco sono state le dimensioni e le riduzioni in scala: come si traduce il punto di vista di un topo alto venti centimetri in un’attrazione? Le scenografie, quindi, hanno dimensioni che toccano i venti metri e i guest si trovano ad attraversarle a bordo di veicoli a forma di topo che si spostano in assenza di binari grazie alla local positioning system, cosa che permette di muovere il mezzo in maniera fluida rispettando il punto di vista degli spettatori.

Questa attrazione che omaggia la Francia ha confermato lo status del Disneyland Paris Resort come la destinazione turistica numero uno a livello europeo, raggiungendo anche il doppio dei visitatori della Tour Eiffel, dimostrando come la personalizzazione di un parco, unita al rispetto della tradizione culturale, possa diventare un vero e proprio gioiello.

5 curiosità sull’area di Ratatouille a Disneyland Paris

• Come accade nei parchi Disney, l’attrazione comincia dalla fila di attesa. Nella ride dedicata a Ratatouille a Disneyland Paris, i guest si immedesimano nel punto di vista dei topini già prima di iniziare la vera e propria avventura: se si guarda in terra, infatti, vedremo come le piastrelle del pavimento ci risultino davvero giganti!
• Ovviamente i temi principali della Place de Rémy sono il cibo e i topi. Troviamo chiaramente questi decori nella bellissima fontana al centro della piazza… ma non solo: le lampade che ornano l’esterno degli edifici sono abitate da dei topolini.
• Uno degli edifici ospita la porta dell’ufficio di Nadar Lessard, l’ispettore sanitario del film Ratatouille: è riconoscibile grazie alla targa che ne indica le referenze.
• L’attrazione dedicata a Ratatouille, come abbiamo ampiamente visto, ci porta ad essere protagonisti del film. Vari dettagli all’ingresso ci guidano all’interno della storia, rappresentando la ride come un vero e proprio teatro: abbiamo due biglietterie, le maschere della commedia dell’arte, e persino dei poster che indicano i protagonisti della storia.
• Nella fila di attesa dell’attrazione, troviamo una targa dedicata a Paul Bocuse, uno dei capisaldi della gastronomia francese. Bocuse è anche il direttore del ristorante che troviamo nel padiglione francese ad Epcot.

Cucina… d’esportazione

L’attrazione Ratatouille: l’adventure totalement toquée de Rémy è stata concepita come un’esclusiva del parco parigino. Non è infatti attualmente possibile trovare una ride o una mini area dedicate al lungometraggio Pixar del 2007 in altri parchi Disney. Almeno per il momento. Allo scorso D23 Expo, infatti, è stato rivelato che un’attrazione “gemella” sarà costruita al Walt Disney World Resort di Orlando. Più precisamente, Remy e compagni troveranno casa nel padiglione francese di World Showcase ad Epcot. A causa dell’emergenza da Covid-19, l’inaugurazione prevista per quest’estate slitterà di qualche mese, ma è comunque auspicabile che la versione americana della ride riuscirà a essere inaugurata entro la fine del 2020.

Cosa avrà di diverso questa versione rispetto a quella europea? Probabilmente ben poco. Con i suoi 4 minuti e 40 secondi di durata, l’attrazione parigina si classifica già come più lunga rispetto alla maggior parte delle dark ride presenti ad Orlando. Non vi sarebbe, quindi, alcun motivo per aggiungere scene. Sarebbe un dispendio di energie controproducente mettere mano al filmato, se non per un ridoppiaggio completo in inglese. Oltre ad un upgrade tecnico degli effetti speciali e del local positioning system, sembra quindi difficile aspettarsi cambiamenti in-ride.

Ciò che potrebbe avere un aspetto un po’ diverso è la fila e, in generale, la capacità dell’intera attrazione. L’affluenza quotidiana di visitatori nel Resort di Orlando è infatti nettamente superiore rispetto a quella che si registra solitamente a Parigi. Si rende sicuramente necessario, quindi, un ampliamento della fila, con la presenza di più stanze, dettagli e scene da vedere. Ma a parere di chi scrive, per aumentare la portata generale della ride, sarebbe auspicabile (spazio permettendo) la presenza di “track parallele”. Con più schermi in grado di trasmettere lo stesso filmato, sarebbe possibile ospitare contemporaneamente più vetture e, di conseguenza, un maggior numero di guest.

Places jumelles?

Sulla scenografia esterna, invece, il discorso si fa più sfaccettato. Dal primo concept, possiamo constatare che l’attrazione si troverà al termine di un viale, aggiunto al preesistente padiglione francese. Davanti all’ingresso della ride è possibile anche scorgere una sorta di piazzetta con tanto di fontana, che sembrerebbe richiamare la Place de Remy, la piazza dell’area di Ratatouille a Disneyland Paris. Resta da capire se l’intenzione sia di riprodurre 1:1 la mini area degli Studios francesi.

Si tratta, sicuramente, dello scenario più probabile: malgrado lo spiccato realismo caratterizzante tutti i padiglioni di World Showcase, vi si possono comunque ritrovare elementi molto “cartooneschi”. Uno su tutti, la Frozen Ever After nell’area norvegese. Ciò che dobbiamo aspettarci è, probabilmente, una progressiva e graduale trasformazione degli elementi architettonici e decorativi lungo il nuovo viale, culminante nella fontana attorniata da bottiglie di vino sprizzanti getti d’acqua e piccole statue di topi animati.

Verosimilmente, lungo la strada sarà possibile imbattersi in boutique e negozi caratteristici. Tra questi, potremmo trovare una riproduzione della Chez Marianne, già presente sulla Place del Remy. Un “gemello” del Bistroz Chez Remy, invece, benché perfettamente funzionante nell’economia dell’espansione tematica, sembra non essere nei piani, per il momento.

(Di Lorenzo Dottorini e Giulia Dorantini)

Foto: InsidEars, Pagina Facebook Disneyland Paris

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Walt and Roy si soffermerà sul rapporto speciale che c’era tra Walt e il fratello, e sulla creatività dei due nel lanciarsi nell’industria del cinema. La colonna sonora si ispira, per quanto riguarda le sonorità, ai musical della golden age di Hollywood, con alcune componenti pop e ballad. L’opera è curata da Richard Allen e Taran Gray.

“Ci sono stati molti libri basati su Walt Disney, ma al contrario sappiamo poco e nulla su Roy, e praticamente niente sul loro rapporto. Abbiamo pensato che il loro legame fraterno potesse essere interessante da esplorare con un musical”, dichiara Taran Gray.

Scopri il fumetto sulla vita del fratello di Walt

“La relazione che avevano era qualcosa di mai visto prima, e così volevamo riflettere sul tema: “che cosa rende una famiglia tale”, aggiunge Richard Allen. “Per coloro che come noi vivono a Los Angeles come una sorta di orfani d’arte, è importante crearsi la propria famiglia. Ma questa è sempre stata una sfida difficoltosa per Walt”.

Walt and Roy avrà il suo debutto in esclusiva online (a causa della chiusura dei teatri in America) il 9 luglio 2020. Per questa performance speciale, il ricavato sarà devoluto in beneficenza alle associazioni Broadway Cares/Equity Fights AIDS e Broadway for Racial Justice. Payson Lewis interpreterà Walt, mentre Jonah Platt sarà Roy e Conner Peirson sarà il loro storico collaboratore, l’animatore Ub Iwerks.

Fonte: Playbill
Credits foto: http://www.allenandgray.com/
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