Di seguito anche il Teaser Poster.
 

Questa la trama ufficiale: Tutto ciò che Clara (Mackenzie Foy) desidera è una chiave, una chiave unica in grado di aprire un cofanetto che contiene un regalo prezioso da parte di sua madre, ormai scomparsa. Una corda d’oro, regalatale alla festa di Natale del suo padrino Drosselmeyer (Morgan Freeman), la guida alla tanto ambita chiave, che però scompare rapidamente in uno strano e misterioso mondo parallelo. Qui Clara incontra un soldato di nome Phillip (Jayden Fowora-Knight), una banda di topi e i reggenti di tre reami: la Terra dei Fiocchi di Neve, la Terra dei Fiori e la Terra dei Dolci, guidata dalla Fata Confetto (Keira Knightley). Clara e Phillip dovranno affrontare però l’oscuro Quarto Reame, dove dimora la dispotica Mamma Cicogna (Helen Mirren), per ritrovare la chiave di Clara e riportare l’armonia in questo mondo instabile.
Il film, diretto da Lasse Hallström (e Joe Johnston che ha curato le riprese aggiuntive), seguirà lo stile de Le Cronache di Narnia, ma con un tocco classico che si lega al balletto di Tchaikovsky: ci saranno infatti anche scene con coreografie di danza classica, che vedranno protagonista la prima ballerina Misty Copeland.
 
Mark Gordon sarà il produttore mentre Lindy Goldstein il produttore esecutivo.

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These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

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Due attrazioni attualmente in servizio nell’area di Tomorrowland, assieme ad alcuni store e punti ristoro nelle vicinanze, chiuderanno i battenti: si tratta di “Grand Circuit Raceway”, null’altro che l’equivalente giapponese dell’europea “Autopia”, e di “Star Jets”, giostra meccanica simile a “Dumbo the Flying Elephant” e “Orbitron”. Ciò permetterà di ampliare la confinante Fantasyland creando un’intera nuova zona a tema La Bella e la Bestia.

Ripercorrendo quanto fatto negli ultimi anni con la creazione della New Fantasyland all’interno del Magic Kingdom di Orlando, verranno interamente ricostruiti alcuni luoghi centrali della storia, permettendo ai visitatori di entrare letteralmente nel lungometraggio. Nello specifico sarà possibile visitare il Villaggio dove abita Belle e l’imponente Castello della Bestia. Sembra che quest’ultimo però sarà molto diverso dalla sua controparte americana: non sarà un enorme ristorante come il “Be Our Guest Restaurant”, bensì ospiterà un’inedita dark ride dedicata alla pellicola del 1991. I visitatori saliranno a bordo di alcuni piatti da portata che danzeranno sulle note delle famose musiche del film, mentre seguiranno le sorti di Belle e della Bestia, fino alla rottura del fatidico incantesimo.
Sembra che l’attrazione sarà incentrata quindi principalmente su una sorta di “viaggio musicale” all’interno della storia, richiamando di fatto la formula già usata per la californiana “The Little Mermaid: Ariel’s Undersea Adventure” (o “Under the Sea: Journey of the Little Mermaid”, nome usato per la sua corrispondente in Florida) incentrata su La Sirenetta, e che pare caratterizzerà anche la nuova attrazione a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio nel parco Epcot del Walt Disney World Resort di Orlando.
Un ristorante sarà comunque presente all’interno del Villaggio (la locanda di Gaston forse?), assieme ad un negozio. L’apertura di questa nuova area è prevista per la Primavera del 2020.

Ma i piani per Fantasyland  non sono finiti. Proprio a ridosso della Beauty and the Beast Area, verrà infatti aperto teatro più capiente (parliamo di circa 1.500 posti) del Tokyo Disneyland. Il nome della struttura è ancora da definire ma, da quanto emerge nel comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd., sarebbe già prevista la produzione di un live show con alcuni “Disney Friends”, da mettere in scena in questo spazio incantato. Anche per questo progetto l’apertura è prevista per la Primavera 2020.

Della piccola riduzione di Tomorrowland gioverà anche la vicina area di Toontown, la città dove abitano i personaggi dei cartoni animati, specialmente quelli legati a Topolino e alla banda Disney (e in parte anche a Roger Rabbit, dal cui film prende il nome l’area). Con una struttura simile al “Meet Mickey Mouse” di Parigi, aprirà i battenti un punto meet and greet con la stilosa Minni. Stilosa, sì, poiché i visitatori verranno accolti nel suo atelier di moda: in un piccolo set per shooting fotografici sarà possibile potranno scattare una foto in compagnia della stessa Minni e trascorrere qualche indimenticabile minuto in sua compagnia. La fila d’attesa sarà progettata come un tour attraverso il laboratorio e sarà arricchita da elementi interattivi che intratterranno gli ospiti. Anche in questo caso l’apertura è stata prevista per la Primavera del 2020.

Sembrerebbe quindi che l’unica area a fare le spese di questi aggiornamenti sarà come già detto Tomorrowland, le cui due attrazioni prossime al pensionamento chiuderanno i battenti nel corso del 2017 (“Grand Circuit Raceway”  verso Gennaio, “Star Jets” nell’autunno-inverno). Ma dallo spazio che verrà sgomberato, è stato previsto di ricavare qualcosa di nuovo anche per “il mondo di domani”. Parliamo di un’attrazione ispirata al 54esimo Classico Disney Big Hero 6, dal nome ancora da definire. Si tratterà di qualcosa simile alla “Mater’s Junkyard Jamboree” del Disney California Adventure Park: Baymax inviterà i visitatori a unirsi a lui in questo “vortice musicale” a bordo di alcune vetture che gireranno in tondo e su loro stesse rapidamente. Accanto a questa nuova whip ride sarà inoltre aperto uno store ispirato allo Spazio e dove, per la prima volta nei parchi giapponesi, sarà possibile comprare popcorn aromatizzati in vario modo. Come le altre, anche per queste novità relative a Tomorrowland occorrerà aspettare la Primavera del 2020.

Ma il Tokyo Disney Resort consta di ben due parchi: uno è il Tokyo Disneyland di cui ci siamo occupati finora, l’altro è il particolarissimo ed estremamente all’avanguardia Tokyo DisneySea. Negli ultimi tempi sono circolate diverse voci circa alcune modifiche e ampliamenti che avrebbero dovuto interessare il parco (si era parlato di un porto a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio, ad esempio).  Ad oggi abbiamo effettivamente una conferma di ampliamento, ma che non era stata contemplata da alcun rumor: il Mediterranean Harbor sarà leggermente ampliato a ridosso del ponte che lo mette in comunicazione con la Mysterius Island, per ospitare la celebre attrazione “Soarin'”. Nella sua versione originale questa attrazione è un simulatore di volo che dà ai visitatori l’illusione di sorvolare alcune località californiane. Anche a fronte dell’apertura dell’inedita variante “Soarin’ Over The Horizon” nel nuovo parco di Shanghai, che comprenderà scene ambientate in tutti i continenti, è stato annunciato che le attrazioni attualmente presenti nei parchi americani subiranno una ritematizzazione diventando così “Soarin’ Around The World”. È probabile che sarà proprio quest’ultima versione ad arrivare anche a Tokyo, non senza alcune peculiarità: il concept infatti ci mostra una vettura ispirata alle macchine volanti rinascimentali progettate da Leonardo Da Vinci. L’apertura è prevista per il 2019.

Strana è l’assenza dal comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd. di riferimenti alle novità annunciate durante l’ultimo D23 riguardanti la costruzione di piccole aree e di attrazioni ispirate ai lungometraggi Alice nel Paese delle Meraviglie e Frozen – Il Regno di Ghiaccio. Tuttavia non vi è ancora alcuna notizia riguardante una loro eventuale cancellazione, anzi, la Company ha sottolineato che sono ancora tanti i piani in progettazione per gli anni che seguiranno il 2020, soprattutto per quanto riguarda il Tokyo DisneySea. Non ci resta che aspettare ulteriori delucidazioni in merito.

Fonte: DisneyAndMore.

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Ebbene grazie a Disney Parks Blog possiamo annunciarvi che dal prossimo 22 Aprile anche il Disney’s Animal Kingdom del Walt Disney World Resort di Orlando avrà il suo primo night-time show intitolato “Rivers of Light”.

Sulle sponde del Discovery River, nell’area del parco dedicata all’Asia, due narratori daranno inizio a un suggestivo festival delle lanterne evocando quattro Spiriti Guida animali: una Tigre Asiatica, una Tartaruga Tropicale, un Elefante Africano e un Gufo della Virginia. Questi Spiriti Guida interverranno in diversi momenti dello spettacolo per accompagnare il pubblico nel viaggio attraverso i “fiumi di Luce”.

Di seguito potete dare una breve occhiata in anteprima ad alcuni degli elementi dello spettacolo:

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=eaPsw4fEDvA&w=560&h=315]

Fonte: Disney Parks Blog

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Dicembre 2015, dopo circa 5 mesi di fermo, è stato caratterizzato dalla riapertura di “It’s a Small World”, la cui facciata sfoggia così come gli interni nuovi colori vivaci. Ma, stando a quanto riportato su ED92, la crociera musicale continuerà ad attraversare una fase di rinnovamento fino ad Aprile 2017: nuovi animatronic più grandi rimpiazzeranno a poco a poco quelli attualmente in uso. A tal proposito pare che, durante i mesi di chiusura, sia stato effettuato un test per portare anche a Parigi un aggiornamento tanto atteso e già presente nelle attrazioni ad Anaheim e Hong Kong: l’inserimento di bambole raffiguranti personaggi Disney. La prova, effettuata con i pupazzi dei tre Caballeros, sembra non essere andata a buon fine, tuttavia non è da escludere che durante questa progressiva sostituzione degli animatronic non si riesca anche a trovare il modo per permettere questo upgrade. Malgrado tutto ciò per la deliziosa crociera musicale non sono previsti ulteriori periodi di chiusura prolungata.

Resterà invece in panchina per tutto l’anno buona parte di Frontierland: già verso la fine del 2015 “Big Thunder Mountain” e “Thunder Mesa Riverboat Landing” sono state chiuse al pubblico. Il lago Rivers of the Far West è stato completamente svuotato per permettere agli operai di ripulire tutta la zona e soprattutto di lavorare senza complicazioni alla roller coaster. Tante aspettative sono nate per la riapertura prevista per Gennaio 2017. Finora annunciata la riattivazione dei geysers e l’introduzione nell’ultima grotta percorsa dal mine train dell’ “effetto esplosione”, già presente nella corrispondente attrazione di Anaheim come potete vedere qui di seguito.

Resta qualche dubbio sulla sorte dei battelli Mark Twain e Molly Brown: riusciremo mai a vederli percorrere le acque del lago insieme?

Gennaio colpisce anche Adventureland e i percorsi a piedi “La Cabane des Robinson” e “Adventure Isle” le cui scale e tortuosi sentieri potranno essere calpestati nuovamente a Settembre.

Anche a Fantasyland una delle dark ride più amate dei parchi Disney chiuderà i battenti a partire da questo mese per poi tornare a brillare di una nuova luce, nel vero senso della parola, verso il prossimo Luglio: parliamo della “Peter Pan’s Flight”, che verrà completamente re-illuminata rendendo il cielo stellato e la veduta dall’alto della città di Londra più scintillanti che mai. Chissà se non verrà aggiunto qualche effetto speciale come recentemente accaduto nella sua corrispondente californiana e se verrà modificata anche la zona della fila per migliorare il solitamente massiccio flusso di visitatori (qualcuno ha ipotizzato anche l’introduzione del varco per i single riders).

Sempre al Disneyland Park a Marzo sarà un’altra attrazione storica a prendersi un anno di pausa per tornare con nuovissime vesti in occasione del 25esimo anniversario: parliamo di “Star Tours” che verrà completamente aggiornata nella nuova versione 2.0 “Star Tours II: The Adventure Continue” come vi avevamo già anticipato parecchio tempo fa. Disneyland Paris è ad oggi l’unico parco nel quale tale upgrade non è stato ancora eseguito. A proposito di questo intervento c’è davvero tanto su cui poter speculare: come accaduto in Asia e in America, la vicenda del nuovo viaggio nella galassia lontana lontana dovrebbe essere ambientata tra il III e il IV episodio della saga (la storia della versione originale ha luogo invece dopo gli eventi de Il Ritorno dello Jedi); ma chissà che, a fronte della volontà di ampliare lo spazio dedicato all’universo di Star Wars nei parchi a tema, e soprattutto dopo la programmazione della nuova trilogia inaugurata da Il Risveglio della Forza e degli spin off di prossima uscita, il refurbishment non venga influenzato in modo significativo da elementi e vicende dei nuovi lungometraggi fino a rendere lo “Star Tours” europeo anche più all’avanguardia delle sue controparti nel mondo.

A Marzo però tornerà operativo uno dei simboli per eccellenza del Disneyland Park: la Disneyland Railroad. Sarà quindi possibile nuovamente raggiungere le diverse aree tematiche via treno, nonostante la prolungata chiusura fino al prossimo Settembre della Main Street Station e addirittura fino a Marzo 2017 della Discoveryland Station (esattamente lo stesso periodo che vedrà, come abbiamo detto, l’inaugurazione del nuovo “Star Tours”…).

Previsto anche il rinnovamento di due attrazioni del Walt Disney Studios Park: parliamo della “Rock’n’Roller Coaster” e di “Studio Tram Tour”. La prima, sulla quale non ci sono rumors riguardanti modifiche significative, chiuderà al pubblico verso fine Febbraio per poi riaprire a Luglio. Per la seconda invece fu annunciata parecchio tempo fa una totale e misteriosa ritematizzazione delle sue tre scene. Che sia giunto il momento di metterla in atto nei circa 8 mesi di lavoro programmati (da fine Agosto ad Aprile del prossimo anno)? Anche qui si sprecano speculazioni, alcune connesse in qualche modo anche al tanto rumoreggiato ma mai confermato cambio di nome degli Studios in “Disney Movie Adventure Park” (e la trasformazione di due sue aree in Pixarland e Marvel Land) immaginato per il 2020. Sicuramente il potenziale è tanto, specialmente se si sceglierà di trarre nuove idee dai lungometraggi dei Marvel Studios e della Lucasfilm. In tal senso riportiamo l’ipotesi formulata dal sito disneylandparisbonsplans.com: Star Wars al posto di Dinotopia, qualcosa ispirato al mondo di Cars per sostituire la scena nel Canyon, e a rimpiazzare il set di Reign of Fire qualcosa di inerente alle pellicole degli Avengers. Certamente un’operazione simile darebbe nuovo lustro all’attrazione grazie a riferimenti cinematografici ben più popolari e di maggiore attrattiva rispetto a quelli attualmente proposti.

Questo è quanto sappiamo finora relativamente ai lavori di manutenzione e rinnovamento previsti per questo 2016 a Disneyland Paris. I periodi di lavoro possono essere soggetti a cambiamenti, pertanto, per restare sempre aggiornati, vi consigliamo di tenere d’occhio la pagine dedicata ai lavori in corso del sito ufficiale italiano di Disneyland Paris, che trovate a questo LINK. Continuate a seguirci però: il 2016 sarà un anno ricco di spettacoli, tra piacevoli ritorni e nuovissime e inedite produzioni.

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Il rosso è uno dei colori natalizi per eccellenza… non sorprendiamoci troppo quindi se a in questo periodo nel parco c’è lei, la principessa dalla capigliatura rossa più ribelle che conosciamo: Merida. Sarà possibile incontrarla tutti i giorni a Frontierland, dove è stato allestito un punto fotografico completamente ispirato alle atmosfere del film.

Ma la primogenita del clan Dunbroch non è l’unica che festeggia il Natale dove vivono i sogni: per tre volte al giorno la magia Disney incontra quella delle Festività per dare vita al “Royal Christmas Whishes” (o “Les Voeux Royaux de Noël”). Due elegantissimi padroni di casa daranno inizio ad un gran ballo regale presso il Royal Castle Stage in compagnia di Biancaneve, Cenerentola, Aurora, Ariel, Belle, Jasmine, Tiana, Rapunzel e dei loro rispettivi principi. Lasciatevi coinvolgere dalle danze (anche quelle delle fontane sullo sfondo) e da alcune delle più celebri musiche natalizie, regalando così un tocco ancora più speciale alla vostra vacanza.

Ma restando in tema, non pensiate che la casa reale di Arendelle resti a guardare: insomma, con questo clima non è possibile non pensare a Frozen – Il Regno di Ghiaccio! Quindi dopo il successo estivo, torna al Chaparral Theatre di Frontierland, con 6 spettacoli al giorno durante la settimana e 12 nei weekend, il “Frozen Sing Along” (o “Chantons La Reine des Neiges”), lo spettacolo musicale e interattivo durante il quale potrete intonare alcune tra le canzoni più celebri del 53esimo Classico Disney in compagnia di Elsa, Anna, Olaf, Kristoff e tutti i loro amici. Inoltre proprio la Regina e la Principessa di Arendelle sfileranno nuovamente per le vie del Disneyland Park sulla loro carrozza trainata da due splendidi cavalli per i 3 appuntamenti quotidiani con “Hommage à La Reine Des Neiges” (o “Frozen: A Royal Welcome”). Potete trovare le nostre recensioni complete di tali iniziative a questo LINK, insieme alla descrizione dell’Arendelle Marketplace, area di Frontierland nei pressi del Chaparral Theatre, e di tutte le attività che esso ospita.

Sempre nell’ampia area dedicata al Far West, reduce dalla stagione di Halloween, il Re delle Zucche Jack Skeletron resterà ai piedi della collina di Boot Hill per salutare gli ospiti del parco.

Spostiamoci a Fantasyland adesso perché un ospite molto speciale ha raggiunto Topolino al “Meet Mickey Mouse”, dove resterà fino al 25 Dicembre per salutare tutti, grandi e piccini, in un luogo davvero tutto dedicato alla magica atmosfera natalizia: stiamo parlando dell’unico ed inimitabile Babbo Natale. In quest’occasione quindi il nonnino più famoso del mondo riceverà tutti i visitatori per poter scambiare qualche parola e scattare indimenticabili fotografie. Ma da indiscussa star del periodo dovrà presenziare a una serie di appuntamenti durante la giornata, a cominciare dalla tradizionale parata.

Come accaduto anche ad Halloween e in occasione di altre festività, alla tradizionale cavalcade quotidiana, “La Magie Disney en Parade!”, si affianca una mini-sfilata che percorrerà le vie del parco per 3 volte al giorno: la “Disney’s Christmas Parade”. Tanti ballerini travestiti da soldatini giocattolo, dolcetti o piccoli alberi di Natale, accompagneranno alcuni trai personaggi più amati del mondo Disney tra cui Topolino, Minni, Paperino, Paperina, Cip e Ciop, Pippo, Pluto, ma anche Woody, Jessie e Buzz Lightyear, Trilli, Winnie the Pooh e i suoi amici del Bosco dei 100 Acri, nonché personaggi che solitamente è più insolito incontrare come la scoiattolina Clarisse e Qui, Quo e Qua. E sarà proprio da loro tre che Babbo Natale si farà accompagnare sul suo maestoso carro-slitta in qualità di assistenti!

Finora abbiamo parlato di eventi, ma non dimentichiamo che il parco è super addobbato. Main Street Usa è come al solito il luogo dove la presenza di decorazioni è più appariscente: ghirlande, nastri, sculture di “neve” nel mezzo Central Plaza… ma a Town Square si trova qualcosa di veramente speciale: proprio lì è stato allestito un gigantesco albero di Natale alto 24 metri e con circa 1.000 addobbi. Ebbene, al calare della notte bisognerà accendere la magia per illuminare la serata del Disneyland Park, e per farlo si darà forma a una vera e propria cerimonia a base di luci, colori e musica natalizia, in compagnia di Topolino, Minni e Babbo Natale. Una grande novità magica ed imperdibile di cui sono previsti 2 appuntamenti quotidiani.

E arriviamo così alla fine di questa giornata già così bella e unica. Ma come al solito, prima che il parco chiuda, c’è ancora un ultimo sogno in cui perdersi: il “Disney Dreams”. Lo abbiamo già recensito a questo LINK e vi abbiamo parlato anche della sua versione aggiornata con la popolarissima Let it Go (QUI). Ma a Natale, se possibile, lo spettacolo diventa ancora più magico nella sua versione “Disney Dreams of Christmas”. Il simpatico Olaf e la bella principessa Anna ci condurranno attraverso un emozionante viaggio proiettato sul Castello della Bella Addormentata, arricchito come al solito da luci, giochi pirotecnici e dai giri di valzer delle fontane, attraverso le scene più magiche dei lungometraggi Disney, soprattutto dedicate all’inverno e alle festività, accompagnate da alcune tra le canzoni di Natale più amate. Ma il viaggio andrà ancora oltre, mostrandoci un piccolo assaggio di tradizioni natalizie di tutti i paesi del mondo. E chiaramente tante scene tratte da Frozen – Il Regno di Ghiaccio, tra cui la già citata Let it Go. Insomma, non c’è davvero un modo migliore per concludere in bellezza un’esperienza magica come una visita a Disneyland Paris nel periodo natalizio.

È vero, dico sempre che Disneyland Paris è indubbiamente bella tutto l’anno… ma è difficile pensare a un periodo più speciale di questo, a una magia così travolgente come quella risultante dall’incontro del mondo Disney con l’atmosfera natalizia, a un sogno che prende vita così bello e  destinato a restare impresso nella memoria di tutti per sempre. Lasciatevi davvero rapire dalla magia, lasciate che vi trasporti nel suo cuore più profondo, lasciatevi inebriare da questo enorme sogno: finché riusciremo a sognare, saremo in grado di ricordare come si fa a vivere.

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Con queste tre parole è possibile riassumere Newsies, il nuovo musical di Broadway, che dopo 1004 repliche è sbarcato per la prima volta al mondo dopo gli USA al Teatro Nazionale di Milano, dove rimarrà in programmazione fino al prossimo 27 Dicembre.

Tratto da una storia vera e ispirato all’omonimo film del 1992 di Kenny Ortega (High School Musical, Michael Jackson’s This Is It, Descendants), il musical vanta una colonna sonora vincitrice del Tony Award, composta dall’otto volte premio Oscar Alan Menken, noto al pubblico per le meravigliose musiche di molti Classici Disney, tra cui Aladdin, La Bella e la Bestia, La Sirenetta e Rapunzel – L’intreccio della Torre. Al suo fianco, Jack Feldman e Harvey Fierstein, autori dei versi e del libretto. Menzione speciale a Bob Tzudiker e Noni White che, non solo hanno curato il film, ma anche le rispettive rappresentazioni teatrali.

Siamo nel 1899 a New York. Una città ben lontana da quella che conosciamo oggi: poco avanzata tecnologicamente, prevalentemente proletaria e in corso di sviluppo, in cui le notizie viaggiano grazie ad un gruppo di strilloni che cercano un posto nel mondo. Il loro capo è Jack Kelly, l’anima dello spettacolo, che nel prologo rivela al pubblico tramite il brano “Santa Fè” il suo sogno: vivere nella capitale del New Mexico. Dopo aver fatto la conoscenza di Dave e del suo fratellino Les, Jack e gli strilloni cadono vittima di un’ignobile scelta di Pulitzer. Un incremento della tassa sui giornali, porta i ragazzi a scendere in piazza e a scioperare per rivendicare i propri diritti. La versione italiana diretta da Federico Bellone, conta un cast di giovani attori quali Flavio Gismondi, Roberto Tarsi, Andrea Fazio e Giulia Fabbri, rispettivamente nei ruoli di Jack Kelly, David Baum, Gruccia e Katherine Plumber. Presenti anche attori di un certo calibro: Simona Patitucci nei panni di Miss Edda Larson, personaggio irriverente e sopra le righe, e Simone Leonardi che interpreta il malvagio direttore del New York Sun, Joseph Pulitzer.

Newsies è anche una storia d’amore, tra due personaggi (di cui non vi riveliamo l’identità), la cui innegabile alchimia è pronta a far emozionare anche i più duri di cuore con il brano “Credere in un Sogno”. Il musical infatti, parla appunto di questo. Se hai un sogno, inseguilo a qualunque costo.

“Punta verso le stelle, ma tieni sempre i piedi per terra. Ce la farai!”

Sembra quasi rimandare ad altri Classici Disney, e Newsies è pronto a conquistare il suo pubblico tramite coreografie e musiche sensazionali (“Adesso o Mai”), e ad entrare a far parte dell’immaginario collettivo italiano, dopo aver conquistato il pubblico statunitense.

Newsies – Il Musical, 5 Novembre – 27 Dicembre, Teatro Nazionale, Milano.

www.newsies.it

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Dal programma dei Talent Casting del Resort sembrano arrivarci alcune novità. RadioDisneyClub ha infatti reso pubblico l’annuncio di nuove audizioni interne ai Cast Members: si cercano cantanti con buona presenza scenica e capacità coreografiche per interpretare i ruoli di Rapunzel, Flynn Rider e Pocahontas. Viene inoltre specificato che tali provini sono finalizzati a selezionare il cast di una nuova produzione che debutterà nel 2016 e che interesserà la prima parte dell’anno (si parla di contratti con inizio a Gennaio e scadenza a Maggio).

Ancora nessuna informazione sulla struttura di tale show, né tantomeno sul luogo dove verrà allestito o sulla data del debutto. È ovvio visti i requisiti richiesti che si tratterà di uno spettacolo musicale basato sulle canzoni di alcuni Classici come, appunto, Rapunzel – L’Intreccio della Torre e Pocahontas (ma non sappiamo se verrano inclusi ulteriori segmenti ispirati ad altri lungometraggi animati).

Possiamo soltanto supporre, alla luce dei rumours che ricordavamo all’inizio, che questo nuovo allestimento non sia altro che lo “Story Book” programmato al Chaparral Theatre per alternarsi con “Frozen Sing-Along”. È però da tenere in considerazione anche la possibilità che tratti di qualcosa di completamente diverso che coinvolgerà il Royal Castle Stage o il Discoveryland Theatre (dove tra un po’ verrà preparato qualcosa riguardante Star Wars – Il Risveglio della Forza).

La notizia più certa e interessante è sicuramente l’impegno di Disneyland Paris nell’organizzazione di nuovi spettacoli per sopperire ai periodi di chiusura per manutenzione straordinaria di alcune attrazioni molto gettonate (durante la prima parte del 2016 sono previsti lavori di rimodernamento e riparazione per ride del calibro di “Big Thunder Mountain”, “Thunder Mesa Riverboat Landing”, “Peter Pan’s Flight” e “Disneyland Railroad”), in vista del 25°Anniversario del Resort. Sorprende inoltre il ritorno di Pocahontas, personaggio non troppo presente nel parco dal 1999, terzo ed ultimo anno che ha visto in programma, proprio al Chaparral Theatre, uno spettacolo dedicato al 33° Classico Disney.

Vi terremo aggiornati su eventuali novità in merito.

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Inside Out… un titolo che dopo esser passato al vaglio dei nostri traduttori è rimasto così, nella sua purezza originale, senza neanche essere affiancato da un sottotitolo come capitato a Frozen o Tomorrowland. Perché? È un accostamento di termini opposti così essenziale, eppure tanto denso di significato da essere pressoché intraducibile?

Mai come stavolta comprendere questo binomio “contraddittorio” ci dà la possibilità di avventurarci nel lungometraggio e di tirarne fuori alcuni nodi concettuali fondamentali. È stato più volte sottolineato in questi mesi di attesa quanto potesse essere geniale l’idea del regista Pete Docter di imbarcarsi in un appassionante viaggio nei meandri della mente umana. Ma il tratto che forse in molti avevamo ignorato era la difficoltà di gestire una storia con due palcoscenici completamente diversi ma strettamente connessi e influenti l’uno sull’altro. Da una parte il road movie vero e proprio attraverso località governate da una rapsodia di colori e personaggi, divertente ed epico allo stesso tempo; dall’altra una comunissima storia di formazione ambientata nella vita di tutti i giorni e segnata da dinamiche che ben conosciamo.
L’unico modo perché potessimo capire il saldissimo legame che sussiste tra le due vicende e le catene di cause ed effetti che lo tessono, era spostare di frequente l’attenzione da un ambiente all’altro, anche in maniera brusca se la concitazione del momento lo richiedesse.

Questo continuo entrare ed uscire, dentro-fuori (Inside-Out appunto!), poteva portare al disastro, stancando lo spettatore, o peggio disperdendolo in quella zona di soglia tra l’interno e l’esterno, privato della possibilità di riuscire a seguire entrambi i filoni narrativi. O ancora, poteva portarlo ad affezionarsi soltanto ad una delle due storie e a considerare i vari focus sull’altra come “inserti fastidiosi”. Tutto questo non accade. Tutto questo è soltanto frutto della fervida immaginazione di un preoccupato spettatore che ha riposto la sua fiducia in questo lungometraggio da ormai moltissimo tempo e che teme di restare deluso, anche in minima parte. Le continue ripercussioni che a turno ognuno dei due mondi ha sull’altro, rendono necessario aspettare gli sviluppi su entrambi i fronti (è chiaro che è la dimensione interiore a condizionare prevalentemente quella esterna) e una risoluzione biunivoca degli intrecci.
Non saprei quanto in tutto questo discorso si possa parlare di equilibrio (che di fatto esiste e permea l’intero film consentendo agli spettatori di essere sempre a proprio agio) visto che, come abbiamo rilevato già solo analizzando il titolo, sono la giustapposizione e la convivenza di opposti a fare la parte del leone. Del resto a ognuno di noi risulta difficile parlare di controllo, misura e bilanciamento in materia di emozioni.

Cinque personaggi straordinari (ma d’altronde la caratterizzazione è da sempre il punto di forza di Docter!) nei quali è impossibile non identificarsi: del resto sono parte di tutti noi! Sarebbe stato facile costruire delle emozioni monotone, che vivessero sempre e solo la propria natura; così come sarebbe stato altrettanto semplice costruire 5 personaggi a tutto tondo che provassero in modo equilibrato l’intera gamma di sentimenti che possiamo immaginare. Gioia, Tristezza, Rabbia, Paura e Disgusto sono invece nella dimensione del “prevalentemente”, altra difficilissima condizione da mantenere sempre coerente e soprattutto complicata da gestire a causa delle contraddizioni interne che porta con sé. La protagonista umana, Riley, è invece prevedibilmente studiata per provare tutti gli stati d’animo messi in scena, e per reagire in modo da rendere riconoscibile l’azione di ognuno di essi. Determinate combinazioni di pulsanti, leve e quant’altro generano infatti differenti espressioni del volto, dalle quali risulterebbe facile capire chi sta operando nella mente della ragazza anche senza avervi guardato “inside” pochi attimi prima.

Ma se è vero che Riley è mossa dai 5 impulsi presenti nel Centro di Comando… chi o cosa muove questi ultimi?

ATTENZIONE, SI SCONSIGLIA LA LETTURA DEI DUE PARAGRAFI SEGUENTI SEGNATI IN CORSIVO A TUTTI COLORO CHE NON HANNO ANCORA VISTO IL FILM – SPOILER ALERT

Gioia è mossa sicuramente da un incredibile affetto genitoriale nei confronti della sua bambina. Il feeling che ha instaurato con Riley è qualcosa di commovente, anche solo pensando al fatto che conosce i ricordi della ragazza a menadito, dai più importanti fino ai più insignificanti. Ed è proprio lei nelle fasi iniziali a spiegarci quali sono gli obiettivi dei suoi colleghi, meno che di Tristezza. Ma cosa li muove? Una programmazione? Un sistema razionale che li governa e trasmette loro cosa fare e come agire? Questo in parte è ciò che Gioia, leader della combriccola, vorrebbe (come in effetti mostra il minuzioso piano progettato per affrontare il primo giorno di scuola)… cos’è che però non funziona? Tristezza. Lei è l’anello impazzito della catena, quella che in effetti prendendo l’iniziativa sembra combinare un disastro. Possiamo ridurre il personaggio a un’impiegata di questo strambo ufficio, stanca di essere lasciata da parte ed esasperata dal rimanere confinata in un cerchio? Riflettendo più attentamente possiamo facilmente capire che non è così, altrimenti l’avremmo vista accennare un minimo di rabbia e frustrazione (l’abbiamo detto prima che ogni emozione esprime prevalentemente e non esclusivamente la sua natura… Era possibile vederla arrabbiarsi quindi). Questo non succede: lei vuole toccare i ricordi e questa volontà sembra dettata anche da una certa ingenuità. Di fatto non riesce neanche a spiegare per bene cosa stia facendo e soprattutto il perché lo faccia. E non possiamo neanche immaginare che abbia ricevuto ordini da qualcuno “più in alto” o che abbia letto qualcosa su uno dei tanti manuali, altrimenti avrebbe almeno provato a giustificarsi in modo più convincente. La risposta a questo rebus è molto più scontata di quello che si può credere: siamo alle radici del nostro essere, in una dimensione quasi pre-umana. Non è solo il nostro cervello con i suoi schermi organizzativi e razionali a guidarci, ma siamo anche e soprattutto istinto. Ed è proprio dalla parte di quest’ultimo che sono schierate le nostre emozioni in questa schizofrenia oppositiva che contraddistingue la nostra natura. Tristezza sente l’esigenza irrefrenabile di toccare quei ricordi e alla fine è la cosa giusta da fare. Lei sa cosa è necessario, nessuno glielo ha detto, ha una spinta irrefrenabile ad agire in quel modo. 

CONTINUA IL CORSIVO – SPOILER ALERT

Il problema non è lei, ma è Gioia che non comprende, che cieca d’affetto continua per la sua strada secondo ciò che lei crede sia meglio. Non che Gioia non abbia istinto, sia chiaro, semplicemente lo reprime. Se è vero che Disgusto gioisce, Paura si arrabbia e via dicendo… Gioia obbliga se stessa a non lasciarsi andare ad altri stati d’animo. Non comprende il ruolo di Tristezza perché non l’ha mai provata. Risulta chiarissimo in alcune fasi iniziali come il suo entusiasmo appaia forzato (ma volutamente, non è un errore di caratterizzazione). L’antagonismo tra la festosa emozione gialla e la sua controparte blu sta proprio nell’essere giustapposte senza che vi sia una comprensione biunivoca. Del resto fin dal primo momento Gioia ha visto Tristezza come una minaccia da contrastare, forse anche a causa di un leggerissimo tratto di egocentrismo: Tristezza è soltanto colei che le ha rubato la scena dopo appena 33 secondi dalla nascita di Riley. L’affetto genitoriale di cui sopra è in qualche modo esasperato e fuorviante, qualcosa che conosciamo anche nella vita quotidiana e che in questo film ci è mostrato nel mondo interiore. Gioia vorrebbe far crescere la sua piccola in una campana di vetro, lontana dai pericoli (ecco perché tollera Paura, Rabbia e Disgusto) ed è molto tesa e preoccupata all’idea di non essere all’altezza. Il mondo che ha interamente costruito su ricordi-base gioiosi è sicuro, e vuole restarvi ancorata senza capire che il cambiamento è necessario: bisogna lasciarsi qualcosa alle spalle per poter andare avanti, come i ricordi sbiaditi rimossi dagli impiegati della memoria a lungo termine, o come Bing Bong che ormai non ha più ragione di esistere. Del resto non siamo mai uguali a noi stessi, ma ci modifichiamo continuamente a seconda degli eventi, delle nostre azioni, delle conseguenze delle azioni degli altri. Siamo personalità in continuo sviluppo e crescita, organismi sempre completi ma mai formati definitivamente.         
Quando Gioia scoppia in un emozionante pianto capisce il senso di tutto, e come l’antagonismo tra lei e Tristezza non sia altro che l’avvicendarsi di forze opposte appartenenti alla stessa matrice: non può esserci una senza l’altra; Riley è stata felice poiché in precedenza era stata triste, e viceversa. Ed ecco quindi la necessità di farsi contaminare dall’altro per poter lavorare in squadra (emblematica la nascita dei nuovi ricordi-base, ora misti e non più monocromatici). I membri del team devono sapersi capire, sapersi ascoltare, e grazie a questa empatia provare tutti insieme a fare ciò che è meglio. Il lieto fine sta quindi nel dare un posto alla Tristezza e sentirla dentro, provarla, anche se ci chiamiamo Gioia e ne siamo l’opposto per definizione. Lieto fine e provare tristezza, ennesime forze in contrasto! Non trovate che sia un epilogo che rasenta il paradosso, ma vero come pochi nella storia della cinematografia?        
Fuori dal Centro di Comando, a parte Imagilandia, gli altri impiegati della mente arrivano prima a capire ciò che è meglio poiché si muovono secondo schemi più razionali improntati maggiormente all’utile: ecco quindi il lato organizzativo proprio della nostra parte più logica e meno istintiva che non poteva essere lasciata completamente fuori dal discorso, malgrado fosse tutto incentrato maggiormente sulle emozioni.

Fuori dalle implicazioni più interne alla storia, al messaggio e a quella che potremmo definire la “filosofia del film”, un campione in originalità ed eccentricità come Docter non poteva non esibirsi nella creazione di un mondo colorato e psichedelico, dove la geometria che sagoma i personaggi arriva alle estreme conseguenze addirittura destrutturando i corpi tridimensionali nella quadridimensionalità cubista e in un elaborato e poi sempre più elementare bidimensionalismo di cui tanto sentiamo la mancanza nel mondo dell’animazione.

Una comicità misurata, ironica, intelligente, senza troppi tormentoni, cosa invece molto in voga di questi tempi con quelle che un acuto giornalista ha soprannominato “hashGag“. Strutturata forse su alcuni cliché cui però è impossibile non dare assenso, uno su tutti la comparsa improvvisa e frequente di un motivetto orecchiabile che ci ronza nella testa… come accadrà a tutti voi con la colonna sonora del cortometraggio Lava che vedrete prima di iniziare questo strepitoso viaggio nella mente e in tutte le sue sfaccettature, in una dimensione di soglia tra opposizioni sapientemente giustapposte, tra il dentro e il fuori, tra il pianto e la risata, tra il lieto e l’amaro, tra le emozioni e la razionalità, tra l’istinto e la progettualità… tra Gioia e Tristezza, senza dimenticare l’esigente Paura, il simpaticissimo Rabbia e l’acuta Disgusto!

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Il Libro della Giungla sarà diretto da Jon Favreau e l’unico attore sarà il giovane Neel Sethi che interpreterà Mowgli. Idris Elba, Scarlett Johansson,Lupita Nyong’o,Giancarlo Esposito, Ben Kingsley, Bill Murray e Christopher Walken,invece, presteranno le loro voci rispettivamente aShere Khan, Kaa, Raksha, Akela, Bagheera, Baloo e Re Luigi, ovvero tutti i personaggi realizzati in CGI. La trama, ovviamente, sarà la stessa del classico e del libro dal quale trae ispirazione.

Cliccando QUI potrete leggere 20 curiosità sull’omonimo film animato!

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