Stand di Topolino Magazine nell’area dedicata alla Panini Comics, Lucca 2017

La saga a fumetti comprende per il momento le storie 19.999 leghe sotto i mari e L’isola misteriosa, pubblicate recentemente a puntate proprio su Topolino ed entrambe ispirate alle avventure dello scrittore Jules Verne.

“La scelta è ricaduta su Jules Verne perché è un autore che mi ha sempre affascinato” ha raccontato lo sceneggiatore Artibani durante la live sulla pagina Facebook ufficiale di Topolino. “Anni fa mi è capitato di lavorare a una serie animata per la televisione che riguardava le avventure del giovane Verne e gli spunti erano davvero infiniti. Quel mondo ha, oltretutto, molte affinità con lo spirito disneyano. L’idea è stata quindi di partire dal Capitano Nemo e immergere i personaggi nell’universo di Topolino. Pastrovicchio ha realizzato dei bozzetti di spirito prettamente verniano, dallo stile steampunk: da lì è stata tutta un’ebollizione di idee, spunti e proposte che ci hanno portati a confezionare questi progetti”.

Lorenzo Pastrovicchio ha poi aggiunto che ciò che lo spinge nel progetto creativo è “il dedicarmi a ciò che mi appassiona: la tecnologia in ogni sua definizione, che sia fantascientifica o steampunk come in questo caso. Ventimila leghe sotto i mari si presta benissimo, perché il Nautilus è esso stesso un personaggio”.

Di seguito potete riguardare la live per intero:

Ecco invece cosa ci ha raccontato Lorenzo Pastrovicchio, spaziando dalle storie a tema Verne fino ai prossimi progetti in cantiere.

Cominciamo dalla tua ultima collaborazione con Francesco Artibani. Come si è strutturato il processo creativo delle storie 19.999 leghe sotto i mari e L’isola misteriosa?

Lorenzo Pastrovicchio: “Tutto è cominciato come sempre dalle innumerevoli telefonate che io e Francesco ci scambiamo. Un’estate mi sono ritrovato a leggere 20.000 leghe sotto i mari e ho notato ancora una volta quanto Verne fosse preciso nei dettagli. Descrive in maniera quasi documentaristica i luoghi, i mari e persino da cosa sono popolati… Inizialmente – e parlo di anni fa – la mia idea era quella di sviluppare una storia più lunga di quella che poi abbiamo realizzato: mi piaceva l’idea di portare su Topolino un’avventura che insegnasse ai lettori un po’ di geografia. Per questo il Nautilus del nostro Nemo ha un aspetto da cetaceo, perché il Capitano era un naturalista, rispettoso del mondo che lo circonda. Successivamente feci un bozzetto di Pippo, Topolino e Paperino perché era mio grande desiderio averli in questa storia e Artibani approvò l’idea. Con l’avvento di altri progetti come la nuova saga di PK la storia è rimasta da parte ed è stata ritirata fuori soltanto oggi, con l’arrivo di Alex Bertani alla direzione. Le tavole a nostra disposizione erano solo 55, quindi abbiamo dovuto accantonare un po’ l’idea iniziale del fumetto documentaristico, ma grazie al materiale originale di base che è molto fantastico siamo ben riusciti a sviluppare la storia con i nostri personaggi”.

I racconti Verniani sono già stati di ispirazione per molti prodotti d’intrattenimento. In che modo avete rielaborato questo universo per non renderlo scontato?

Lorenzo Pastrovicchio: “È la parte più divertente! Con Artibani parliamo dei personaggi, facciamo il casting, definiamo i colpi di scena e lo sviluppo della storia che poi lui, in quanto sceneggiatore, traduce in dialoghi e gag che la rendono scorrevole e avvincente. Posso dire che lavorare con lui rende sceneggiatura e disegno un processo unico: già da PK – Potere e Potenza entrambi mettiamo mano alla storia, c’è uno scambio di idee che permette alla stesura di essere malleabile. Facciamo ricerche anche di livello storico, ad esempio per sfruttare avvenimenti contingenti al periodo ma che nel libro Verne non cita. È così che diventi inusuale, diverso: sfruttando il periodo storico, i suoi avvenimenti, il suo vestiario tipico e unendoli allo spirito originale della storia”.

Stanno arrivando anche le nuove avventure di Wizards of Mickey: com’è stato l’approccio a questi nuovi capitoli, contando anche che sono stati creati per l’America e che non passano dal filtro di Topolino Magazine?

Lorenzo Pastrovicchio: “In realtà è già da un anno circa che Wizards of Mickey non passa per Topolino. Da quando Bertani è il nuovo direttore c’è stata un po’ di riorganizzazione in questo senso: sono state scelte alcune serie nuove, mentre quelle storiche sono state slegate dal magazine, forse perché si è pensato che potessero vivere anche senza il supporto della testata, lasciando spazio così a nuove idee. I primi due speciali sono stati disegnati da altri autori con un risultato molto elaborato. Stefano Ambrosio, il curatore della serie quando ancora tutto era sotto l’occhio della Disney/Panini, ha deciso di ritornare ai vecchi fasti, ovvero un Wizards of Mickey più semplice, con meno articolazioni e meno personaggi. Si puntava anche all’estero. Ho realizzato questo Wizards of Mickey durante il periodo del primo lockdown, quindi da marzo. Man mano che la produzione e le indicazioni andavano avanti, mi sono ritrovato a gestire moltissimo lavoro in tempi stretti. Il risultato è comunque molto bello, le storie sono particolari. La serie sarà composta da cinque volumi, con due storie di circa ventidue pagine ciascuna”.

Come si sono evoluti i personaggi di Wizards of Mickey in termini di design, parlando anche di abiti e accessori?

Lorenzo Pastrovicchio: “Luca Barbieri, lo sceneggiatore di queste storie, ha un grande legame con il genere fantasy, basti solo pensare al fatto che è il curatore di Dragonero. Ha fatto un lavoro egregio, anche grazie alla supervisione di Stefano Ambrosio. Quando mi è stato proposto il progetto Wizards of Mickey mi è stato chiesto di sviluppare non solo dei costumi nuovi ma anche dei robot, proprio perché voleva inserirli nelle storie. Ho avanzato una controproposta: dei robot che avessero le facce dei nostri personaggi, prendendo ispirazione dai mecha di Yattaman. Avevo anche iniziato una rivoluzione nei costumi, volevo fare cose molto fantasy – a Topolino avevo messo una zucca in testa -, ma poi mi è stato detto di rimanere più sul classico, utilizzando i costumi che i personaggi indossavano durante l’ultima serie che abbiamo creato insieme. Ho quindi ripescato quelle idee, cambiando qualche dettaglio, mentre per le copertine li ho abbelliti un po’ di più, anche per andare incontro alla precisione richiesta da Andrea Freccero. Inoltre, l’idea è di creare delle copertine componibili in modo da avere un poster a progetto finito”.

E per quanto riguarda invece i tuoi progetti futuri?

Lorenzo Pastrovicchio: “Sicuramente ci sarà una terza avventura del Capitano Nemo, perché io e Artibani abbiamo già sviluppato alcune idee. Forse verranno sfiorati altri libri come Viaggio al centro della Terra o Dalla Terra alla Luna. La nostra idea è quella di creare un mondo intorno a Nemo e ai suoi compagni, realizzando avventure nuove che mantengano lo spirito originale. Per quel che riguarda altri progetti, posso dire che ritornerò su una serie tanto amata…”

Foto: Topolino Magazine

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Nato nel 1955, Goldberg ha esordito alla Disney con il personaggio che gli ha cambiato la vita e per il quale viene tuttora maggiormente ricordato: il Genio di Aladdin. Da allora, ha animato alcuni tra i personaggi più indimenticabili degli ultimi decenni alla casa del Topo: il satiro Filottete in Hercules, l’alligatore Louis in La Principessa e il Ranocchio, il coniglio Tappo in Winnie the Pooh – Nuove avventure nel bosco dei 100 acri. Come regista, ha invece co-diretto il classico Disney Pocahontas (1995) e le sequenze della Rapsodia in Blu e del Carnevale degli animali in Fantasia 2000, per le quali si è occupato anche dell’animazione.

A differenza di molti suoi colleghi che hanno scelto o sono stati costretti ad abbandonare lo studio dopo la conversione alla computer grafica, Goldberg ha invece deciso di rimanere. Oggi realizza principalmente pencil test per i personaggi in CGI (un esempio lo trovate cliccando qui) o cortometraggi (Tutti in scena, 2013). Di recente, abbiamo avuto l’opportunità di rivedere i suoi disegni sul grande schermo grazie al personaggio del “Mini Maui“, il tatuaggio del semidio Maui in Oceania.

Grazie a Nemo Academy, abbiamo avuto l’opportunità di essere tra gli ospiti della masterclass di Goldberg nella giornata del 27 aprile. Di seguito, qualche segreto del mestiere svelato dall’artista Disney nel corso dell’evento.

Character design, come si crea un personaggio

Nel momento in cui all’animatore viene assegnato il compito di studiare graficamente un personaggio, la prima domanda che dovrà porsi è: qual è lo stile generale del film? Che livello di realismo c’è? Come si inserisce il personaggio all’interno degli ambienti? Elementi come gli sfondi o le luci, infatti, influiscono molto sul design del personaggio. Non bisogna poi dimenticare il ruolo che gioca il budget a disposizione, che agisce indirettamente anche sul design: un budget maggiore permetterà un livello di dettaglio maggiore, un film a basso costo dovrà invece limitarsi a forme e linee più semplici.

E a proposito di dettagli: i particolari dovrebbero essere concentrati dove è più facile che sia rivolto lo sguardo dello spettatore, tipicamente il viso e gli occhi. Goldberg ha citato il design di Alice come esempio perfetto: i dettagli si concentrano sulla testa (i capelli, la frangetta, il cerchietto), mentre man mano che si scende le linee che formano il suo vestito e il suo corpo sono sempre più elementari. Le gambe addirittura sono semplicemente due linee dritte. La presenza di molti dettagli rende inoltre difficile dare dinamismo al personaggio: nel creare il Genio, l’artista aveva inizialmente pensato a un genio tradizionale in forma umana con barba, turbante, orecchini etc. In seguito ha capito che mantenendo le linee più semplici possibile, il personaggio poteva muoversi molto più liberamente e risultare più efficace.

I dettagli di Alice sono concentrati sul capo, mentre man mano che si scende verso i piedi le linee diventano sempre più essenziali.

Tra personaggi e sfondi ci deve essere un buon equilibrio: i primi non devono interferire con i secondi (per esempio bisogna studiare accuratamente la palette di colori per evitare che contrastino), ma allo stesso tempo lo sfondo deve essere al servizio della storia e lasciare che l’attenzione rimanga sul personaggio.

Come regola generale: character composti da forme circolari (Paperino, Topolino) sono più immediati per il pubblico, che li troverà automaticamente gradevoli a colpo d’occhio; le forme spigolose invece sono più complicate da percepire per l’occhio, ma appaiono anche più sofisticate (La Bella Addormentata).

Infine, quando si lavora con più personaggi, è importante avere un “design range” che mantenga la coerenza all’interno del film. Tutti quanti infatti devono convivere nella stessa storia e negli stessi ambienti in maniera credibile. Facendo un esempio, Aladdin e Jasmine sono realistici, mentre il Genio o Iago sono comici, ma possono coesistere nello stesso mondo perché sono coerentemente inseriti in un ambiente arabo/orientale di cui mantengono le caratteristiche.

Le linee spigolose sono più complicate per l’occhio dello spettatore, ma danno un senso di eleganza al film.

Writing, come scrivere un personaggio interessante 

Quando si inizia a concepire la storia, normalmente si parte da un archetipo/stereotipo di personaggio, che va poi arricchito a seconda dei casi. Solitamente le categorie di personaggi sono:

• Eroe/Eroina: è colui o colei con il quale gli spettatori empatizzano di più, deve avere un obiettivo da realizzare e dei sogni il più possibile “reali”, altrimenti non sarebbe credibile.
• Aiutante/Spalla: può essere un personaggio comico o un mentore. In quest’ultimo caso, spesso rappresenta la morale del film. Esempi: il Grillo Parlante o il Genio.
• Interesse amoroso: la persona di cui è innamorato il protagonista. Normalmente tra i due c’è un conflitto che poi sfocia in amore. Può avere dei problemi o una storia che inizialmente gli impedisce di vedere il punto di vista dell’altro, es. John Smith deve superare i suoi pregiudizi per amare Pocahontas.
• Antagonista: anche lui ha un obiettivo, per realizzare il quale deve sbarazzarsi dell’eroe o dell’eroina. Il villain può avere a sua volta una spalla, utile (Iago) o inutile (gli scagnozzi di Malefica). Quando la spalla è inutile ai fini della trama, il suo ruolo è quello di far entrare in gioco il cattivo in prima persona (es. gli scagnozzi di Malefica non riescono a trovare Aurora, quindi lei spazientita decide di cercarla da sola).

Una volta stabiliti i ruoli, è responsabilità dei filmmaker stravolgere o modificare questi archetipi per renderli più originali e interessanti. Per esempio, Filottete è il vecchio burbero che brontola per qualsiasi cosa: per renderlo più interessante va spiegato agli spettatori come mai è diventato così. Il pubblico non empatizza con lui quando lo vede arrabbiato, bensì quando scopre che si comporta in quel modo perché in realtà si sente un fallito. Allo stesso modo proviamo compassione e ci affezioniamo a Megara quando scopriamo che la sua apparente durezza viene dal fatto che è stata ferita in amore.

Appeal dei personaggi

Il concetto di “appeal” non è così semplice da spiegare. In linea di massima un personaggio appealing è innanzitutto un personaggio gradevole per come è disegnato, ma non solo: a contribuire all’appeal c’è anche la personalità e tutto ciò che rende il personaggio interessante, permettendo allo spettatore di entrare in sintonia con lui.

L’appeal dipende quindi da quattro fattori principali:

• Character conception (il personaggio è gradevole alla vista)
• Design
• Movimento e recitazione
• Personalità

Possedere appeal non significa necessariamente che il personaggio debba essere carino (“cute”), con forme circolari e occhi grandi ed espressivi. Prendiamo ad esempio Paperino: a livello di design è formato da linee più o meno circolari e dolci, può essere simpatico e carino quando lo rappresentiamo sorridente, ma in realtà il momento in cui ci piace davvero e in cui ci rivediamo maggiormente in lui è quando dimostra la sua personalità esplosiva lasciandosi andare ai suoi famosi scatti di rabbia, e in questo consiste il suo vero appeal.

Anche i cattivi possono avere appeal, come Crudelia De Mon

Allo stesso modo persino i villain possono avere appeal, anche se non sono decisamente disegnati per essere carini. Personaggi come Mangiafuoco o Crudelia sono pieni di personalità e possono essere interessanti e divertenti anche se sono malvagi.

Di fondamentale importanza è l’appeal del movimento: in poche parole, il personaggio è definito da come si muove, poiché dai suoi movimenti trapela la sua personalità. È stata proprio la Disney a stabilire questo tipo di rivoluzione nel campo dell’animazione, fin da quando nel 1933 con la Silly Symphony I Tre Porcellini riuscì a realizzare tre personaggi dal design praticamente identico, ma fortemente differenziati dal loro modo di muoversi e comportarsi.

In conclusione, il lavoro dell’animatore è quindi quello di conoscere chi è, che cosa fa, che cosa prova il suo personaggio e quali sono i tratti della sua personalità e i movimenti che lo rendono unico. E ancora: il compito dell’artista è quello di credere nel suo personaggio. Soltanto quando sarà in grado di entrare in sintonia con le sue emozioni, sarà capace di trovare un modo per rappresentarle visivamente con foglio e matita.

Foto: Nemo Academy/Nemoland 

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Il film co-diretto da Andrew Stanton e Lee Unkrich, a dispetto di alcuni iniziali timori degli stessi produttori, può oggi vantarsi di essere uno dei film d’animazione più di successo di tutti i tempi, una visione per grandi e piccini che continua a divertire e commuovere oggi come ieri. E siamo certi che anche in futuro, il film con protagonisti il piccolo Nemo, l’apprensivo Marlin, la smemorina Dory e tutti gli altri, continuerà a “invecchiare” benissimo. Sul filone della nostalgia, ecco allora che vi proponiamo 15 curiosità su Alla ricerca di Nemo… preludio a un rewatching del film ovviamente!

1. Monsters & Co.

Prima ancora che gli venisse dedicato un film tutto suo, Nemo fa una comparsata in Monsters & Co. sotto forma di un pupazzo che Boo porge a Sulley.

2. Ventimila leghe sotto i mari

Il nome del piccolo protagonista del titolo è un omaggio al Capitano Nemo, celebre comandante del sottomarino Nautilus nel romanzo di Jules Verne Ventimila leghe sotto i mari.

3. Sidney

A differenza dei predecessori, Alla ricerca di Nemo è stato il primo film d’animazione targato Pixar ad essere ambientato al di fuori degli Stati Uniti, per la precisione all’interno della Grande Barriera Corallina nell’Oceano Pacifico, fino ad arrivare a Sydney.

4. Bruce

Bruce (nome originale di Bruto), lo squalo vegetariano nel quale si imbattono Marlin e Dory, è stato così chiamato in onore del film di Steven Spielberg Lo squalo. Ai tempi delle riprese di quest’ultimo infatti vennero costruiti dalla produzione tre squali meccanici, a cui ci si riferiva complessivamente proprio col nome di Bruce.

5. Dory

Inizialmente, il personaggio di Dory doveva essere un pesciolino rosso maschio di nome Gill, in quanto gli esemplari di questa specie hanno una memoria di tre secondi. Ma una sera il co-regista Andrew Stanton, guardando in tv l’Ellen Show in cui Ellen DeGeneres cambiava argomento più volte all’interno di una stessa frase, e a seguito di una visita all’acquario di Long Beach, decise che Dory sarebbe stata un pesce chirurgo femmina. La voce originale di Dory venne affidata proprio a Ellen DeGeneres, in quel periodo disoccupata a causa del proprio coming out.

6. A-113

Quando Nemo viene catturato e Marlin fotografato dal sub, la macchina fotografica ha sopra impressa la sigla A-113, che appare in tutti i film Pixar. Si tratta di un divertissement, in riferimento al numero di un’aula al California Institute of Arts dove hanno studiato molti animatori che sono poi finiti a lavorare alla Pixar.

7. Dentista

Su una parete dello studio dentistico in cui finisce Nemo, è appeso tra gli altri un certificato rilasciato dalla “Pixar University School of Dentistry” che utilizza come logo uno dei piccoli alieni verdi con tre occhi di Toy Story, con tanto di toga e cappello di laurea.

8. Occhi

I classici occhi spenti e opachi tipici della media dei pesci, non erano certo il massimo per dare carattere ai personaggi marini del film. Motivo per cui gli animatori Pixar per delineare gli occhi e le espressioni facciali dei pesci hanno piuttosto preso ispirazione dai cani, decisamente più comunicativi.

9. La mamma

La scena della morte della madre di Nemo inizialmente doveva esser mostrata un po’ per volta sotto forma di flashback, ma poi si decise di cambiare idea per renderla emotivamente più potente così da far comprendere il perché dell’atteggiamento iper protettivo di Marlin nei confronti del figlioletto.

10. Padre e figlio

Lo spunto per la storia raccontata in Alla ricerca di Nemo è autobiografico. Durante la realizzazione del film, il co-regista Andrew Stanton comprese di aver sviluppato un atteggiamento protettivo con il figlio. Ecco perché la storia messa in scena è quella emozionale di un padre e della sua sfida nel cercare di essere un buon genitore. L’ambiente marino è anch’esso conseguenza della storia personale di Stanton, che da piccolo cominciò a interessarsi a tutto ciò che è acquatico dopo essere rimasto affascinato da un acquario in uno studio dentistico.

11. Branchia

I colori che caratterizzano la faccia di Branchia, riproducono le rughe intorno alla bocca tipiche del doppiatore originale del pesce, Willem Dafoe. In una prima versione, Branchia non doveva essere un pesce buono, ma un personaggio più vicino a un villain.

12. Megan Mullally

L’attrice Megan Mullally, la Karen Walker di Will & Grace, inizialmente venne ingaggiata per doppiare uno dei pesci, in quanto si riteneva che la tipologia di voce da lei modulata nella celebre sit-com fosse perfetta. L’attrice non volle tuttavia replicarla, motivo per cui venne “congedata”.

13. Scorza

Nella versione originale di Alla ricerca di Nemo, a prestare la propria voce alla tartaruga Scorza è lo stesso regista del film Andrew Stanton. Inizialmente il doppiaggio da parte di Stanton doveva essere provvisorio, in attesa di trovare l’attore definitivo per la tartaruga marina con accento californiano. Ecco perché le sessioni vocali di Stanton furono registrate mentre l’uomo giaceva comodamente stravaccato sul divano, nell’ufficio del co-regista Lee Unkrich.

14. Pesci Pagliaccio

L’enorme successo riscosso da Alla ricerca di Nemo ebbe come conseguenza un aumento delle richieste di pesci pagliaccio per gli acquari. Tuttavia, la loro cattura e vendita eccessiva, portò purtroppo a un rapido e preoccupante calo della presenza della specie nel suo habitat naturale.

15. Gli Incredibili

Ad anticipare l’uscita del successivo film d’animazione Pixar, è un bambino nella sala d’attesa del dentista che legge un fumetto con protagonista Mr. Incredible. Sempre nello studio dentistico, in un angolo pieno di giochi, si può individuare un pupazzo di Buzz Lightyear.

A cura di Giorgia Lo Iacono di Wild Italy

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Diventa così uno dei dieci Secondi Migliori Week-End della storia e il Migliore di Sempre per un Film Animato.

Grande risultato per la The Walt Disney Company che su 26 settimane, finora 12 sono state vinte da una delle sue pellicole. Quasi la metà!

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Il nuovo film Pixar è ora il maggior esordio di sempre per un film animato, superando Shrek 3 (121.6 milioni di dollari) e Toy Story 3 (110 milioni). Dory ha anche conquistato l’incasso più alto per le anteprime del giovedì e quello del primo giorno di programmazione (venerdì) con 55.2 milioni.

Nel resto del mondo ha incassato per il momento 50 milioni, che portano il totale a 186.

In Italia l’uscita del film è prevista per il 14 settembre 2016.

Cliccate qui per leggere la nostra recensione dal Taormina Film Festival.

Fonte: Hollywood Reporter

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Stiamo parlando di Alice Attraverso Lo Specchio e Alla Ricerca di Dory, rispettivamente dei Walt Disney Pictures Studios e dei Pixar Animation Studios.

Mentre i due lungometraggi, almeno in Italia, usciranno il 25 Maggio e il 14 Settembre, i due diversi PlaySet saranno disponibili dal 24 Maggio e dal 17 Giugno. 

I personaggi aggiunti così saranno: Dory, Nemo, Alice, il Cappellaio Matto e il Tempo.

Vi mostriamo di seguito le foto ufficiali diffuse.

Li acquisterete?

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Ve lo lasciamo ammirare di seguito.

Chiaramente, rispetto alla versione americana mostrata qualche tempo fa, il video non presenta alcuna modifica se non per la grafica del logo e dei contenuti testuali ovviamente tradotti nella nostra lingua.

Fatte eccezione per Nemo, sembra essere confermato il cast vocale con la mitica Carla Signoris per la smemorata Dory e Luca Zingaretti per Marlin.

Diretto ancora una volta da Andrew Stanton e scritto dallo stesso regista con Bob Peterson e Victoria Strouse, il film prodotto dai Pixar Animation Studios arriverà nelle sale americane il prossimo 17 Giugno 2016. In Italia, invece, il 14 Settembre.

Cliccando qui potrete vedere il Poster ufficiale del film!

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Dal 14 settembre all’8 novembre i vostri nuovi amici saranno ben 9, scelti tra i personaggi Pixar più amati di sempre. Li trovate nei supermercati Carrefour, dove ogni 20 euro di spesa riceverete un bollino che vi permetterà di ottenere uno dei simpaticissimi peluche che vedete in foto.

Accumulati 12 bollini, con solo 2,90 euro di spesa in più potrete scegliere quale pupazzo portare a casa con voi tra Woody, Buzz Lightyear, Nemo, Dory, Sulley, Mike Wazowski, Saetta McQueen e persino Gioia e il dolcissimo Arlo di Il Viaggio di Arlo.

Troverete più informazioni sulla raccolta punti cliccando sull’immagine seguente.

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