Questo è ciò che si prova guardando Il Re Leone di Jon Favreau.

L’attesissimo film non delude le aspettative create dalla campagna pubblicitaria ad esso legata: quella di seguire “shot-for-shot”, inquadratura dopo inquadratura, il lungometraggio animato del 1994. Ancor più de Il Ritorno di Mary Poppins, che clonava la struttura narrativa del film del 1964, ancora più de La Bella e la Bestia, che seguiva pedissequamente la controparte animata inserendo fugaci novità, Il Re Leone sembra voler essere una semplice conversione in digitale della pellicola originale. È lontanissimo da stravolgimenti come quello messo in atto in Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata, ma anche da reinterpretazioni come Cenerentola, Dumbo e Aladdin, dove tra un omaggio e l’altro è possibile scorgere la cifra stilistica dei registi Kenneth Branagh, Tim Burton e Guy Ritchie (più in alcuni che in altri casi).

Ma è sufficiente? La domanda è retorica.

E lo è ancor di più considerando che a produrlo è un’azienda nata su fondamenta legate alla lungimiranza, alla creatività, all’idea di sfida e di ricerca (ovviamente, non solo tecnologica) che ha reso possibile la creazione di un modello, di un tracciato, di un canone da seguire film dopo film, generazione dopo generazione, per realizzare dei “classici” intramontabili, validi nel 1936 quanto nel 2019. Dopo un periodo di scarso successo attraversato tra gli anni ’80 e ’90, Il Re Leone del 1994 fu proprio uno di quei film che guardando al passato (ed è emblematico questo parallelismo) segnò la strada verso il futuro, nel cosiddetto “Rinascimento” dei Walt Disney Animation Studios. Risulta assurdo pensare che, se non per bieco incasso, oggi ci fosse la necessità di realizzarlo con tecniche innovative per renderlo più fruibile e attuale. E lo è ancor di più sapendo che questo film (e il filone di cui fa parte) ha annientato la possibilità di vedere produzioni originali e creative.

Per quanto impressionante nel suo ricercatissimo realismo, il film è costretto a rinunciare ad alcune sequenze o ad alcune caratteristiche iconiche (come la caratterizzazione delle iene, la messa in scena di canzoni come “Voglio Diventar Presto un Re” e “Sarò Re” – presenti, ma necessariamente meno incisive a causa dell’estremo fotorealismo – o la mitica Hula di Timon e Pumbaa) proprio per il suo essere fotograficamente credibile. L’estraniamento dello spettatore, difatti, subentra proprio quando i protagonisti non si comportano pedissequamente come animali reali, per esempio nei momenti musicali, quando cantando svelano la loro natura di personaggi animati. Per tale motivo il film raggiunge il suo apice nel momento in cui diventa documentario, piuttosto che in situazioni comiche o emotivamente forti.

Le musiche di Hans Zimmer, nuovamente arrangiate dal compositore per l’occasione, hanno il merito di emozionare esattamente come accaduto 25 anni fa, essendo sostanzialmente le stesse.

All’altissima ambizione tecnica, allo straordinario fotorealismo raggiunto, si contrappone dunque un’ambizione creativa inesistente, costretta a rivelarsi solo per aggirare i limiti narrativi dell’animazione computerizzata, ingabbiata nella sua stessa forza legata alla forte veridicità, rispetto all’estrema libertà dell’animazione tradizionale, surreale, vivace e così affascinante.

Il gioco quindi vale la candela? Probabilmente chi non vede l’ora di rivedere il suo film preferito riproposto in modo più realistico apprezzerà. A tutti gli altri non resta che attendere storie più creative sotto il marchio Walt Disney Company, magari riguardando Il Re Leone animato in DVD o Blu-Ray.

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Nonostante sembrasse che il secondo modo di rivedere i Classici dei Walt Disney Animation Studios fosse il più apprezzato e utilizzato dei due (con lo stesso metodo sono stati infatti realizzati  Il Libro della Giungla o Il Drago Invisibile), con La Bella e La Bestia è stata aperta una terza strada.

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Come avevamo già intuito dai materiali diffusi, il film di Bill Condon fa più che strizzare un occhio al lungometraggio d’animazione di Gary Trousdale e Kirk Wise… lo indossa come fosse un grande e pomposo abito perdendo ogni propria aspirazione di originalità, soffocando la visione autoriale che precedentemente firme come Kenneth Branagh o Jon Favreau erano stati in grado di mostrare.

Il nuovo lungometraggio diventa così una vera e propria conversione del Classico del 1991, da cartone animato a film con alcuni fra i grandi nomi del momento. Nonostante ci sia la voglia di inserire nuovi elementi come la storia della madre di Belle o il motivo della crudeltà del principe, l’equilibrio fra inedito e già visto è decisamente poco bilanciato.

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Allo stesso modo la credibilità e la caratterizzazione degli interpreti in carne e ossa viene superata dallo stupefacente risultato dell’animazione e del movimento degli oggetti parlanti, nonostante i limiti che la CGI potrebbe avere soprattutto se paragonati alla libertà che il 2D si è potuto sempre permettere, dal momento che non ha come scopo l’essere realistico.

E difatti Emma Watson e Dan Stevens (impellicciato sotto un costume con un volto piatto e un pelo finto che lascia solo intravedere i seducenti occhi blu dell’attore) non riescono a reggere il confronto con l’arte di Mark Henn e Glen Keane (e altri numerosi artisti degli studi). Dopotutto parliamo di due (Belle e la Bestia) dei migliori esempi di espressività che l’animazione tradizionale abbia mai visto, in grado di rilanciare lo studio d’animazione più famoso al mondo.

Nota di merito, invece, per il Gaston di Luke Evans e il Le Tont di Josh Gad (nonostante per quest’ultimo si potesse osare di più, visto il polverone alzato negli ultimi giorni, rispetto alla velata omosessualità del personaggio che nel finale sembra quasi negata).
I due, oltre a portare una buona dose di ironia, denotano due ottime prove attoriali grazie a una grande sinergia. Allo stesso modo il resto della compagnia formata da Emma Thompson a Ewan McGregor e Ian McKellen avvolge con le proprie voci e emozionando con la loro presenza (peccato vederli per pochi istanti).

Un altalenante gioco di alti e bassi è infine rintracciabile nei costumi, nelle luci e nelle scenografia. Se in alcune sequenze come l’esibizione cantata di Stia Con Noi sembra esser stato svolto un grande lavoro, altre, come la famosa scena del ballo, non riescono a suggestionare particolarmente.

E nonostante i continui tentativi del regista di far entrare il pubblico nelle ambientazioni del film, come se ci si trovasse a Broadway, l’effetto risulta essere opposto per colpa di un montaggio che taglia di netto dall’azione lo spettatore.

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Persino il lavoro sulle musiche di Alan Menken e Tim Rice non riesce a stupire (avendo raggiunto livelli eclatanti già nel film e ancor più nello spettacolo teatrale), ma a creare solo un effetto nostalgia. Chissà se questo basti a spiegare e a far chiarezza sul senso di una produzione come La Bella e La Bestia: affascinante ma non necessaria.

“La curiosità porta verso nuovi orizzonti” e doverlo ricordare dopo aver analizzato un film della The Walt Disney Company con una protagonista forte come Belle non dovrebbe esser così scontato.

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In attesa della nostra video-recensione dedicata The Art of Finding Dory, ve lo mostriamo di seguito. Alcuni dei volumi saranno o sono stati anche tradotti in italiano.

Qual è il vostro preferito?

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Diretto ancora una volta da Andrew Stanton (Alla Ricerca di Nemo, WALL•E), co-diretto da Angus MacLane (Toy Story of Terror!) e prodotto da Lindsey Collins(WALL•E), il film è arrivato nelle sale americane il 17 Giugno 2016.

In Italia, invece, giugerà il 15 Settembre. Sarà ambientato sei mesi dopo le vicende di Alla Ricerca di Nemo e ci mostrerà Dory impegnata in un viaggio alla ricerca delle proprie origini e della sua famiglia, accompagnata da tanti nuovi amici e vecchie conoscenze.

Cliccando QUI potrete vedere il Poster ufficiale del film!

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Come sempre nel video non c’è l’assoluta presenza di anticipazioni che non siano già uscite ufficialmente.

Buona visione!

Diretto ancora una volta da Andrew Stanton (Alla Ricerca di Nemo, WALL•E), co-diretto da Angus MacLane (Toy Story of Terror!) e prodotto da Lindsey Collins(WALL•E), il film è arrivato nelle sale americane il 17 Giugno 2016.

In Italia, invece, giugerà il 15 Settembre. Sarà ambientato sei mesi dopo le vicende di Alla Ricerca di Nemo e ci mostrerà Dory impegnata in un viaggio alla ricerca delle proprie origini e della sua famiglia, accompagnata da tanti nuovi amici e vecchie conoscenze.

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Stiamo parlando di Piper.

In meno di quattrocento secondi, contro i novanta minuti di alcuni film come Il Viaggio di Arlo, un piccolo uccellino che si appresta ad abbandonare il proprio nido per seguire il ciclo della natura, imparando a vivere (e poi sopravvivere) da solo, è in grado di mostrarci come osservare, guardare, studiare o analizzare ciò che ci circonda, ciò che è diverso da noi, possa essere la chiave per affrontare le proprie paure… superandole. Questa breve ma intensa vicenda è accompagnata da un’unica poetica traccia scritta da Adrian Belew. Il compositore, con un uso preponderante del clavicembalo (strumento inusuale rispetto ai ritmi esotici o marinareschi che ci si potrebbero aspettare dal cortometraggio), realizza una intensa brano strumentale in grado di accompagnare perfettamente le ambientazioni e i personaggi sempre più foto-realistici, anche grazie all’uso sapiente delle luci.

Piper è un breve ma intenso viaggio di formazione che Alan Barillaro, negli studi di Emeryville fin dai tempi di A Bug’s Life, realizza ispirandosi al mondo vero incontrando la tradizioni dei più famosi Classici dei Walt Disney Animation Studios come Pinocchio, Bambi o Dumbo, dove esseri “quasi-umani” o piccoli animali devono lasciare il proprio nido per crescere e diventare indipendenti, scoprendo ciò che li circonda. Un concetto sempre più noto in un mondo dove l’indipendenza sembra essere un traguardo sempre più difficile da raggiungere. Ed è così che Piper, anche se non indossa un mantello, non ha una maschera o particolari poteri, diventa l’eroe al quale tutti dovremmo ispirarci.

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Dopo aver visto Alla Ricerca di Dory, in anteprima, durante la prima giornata di Giffoni Film Festival, ecco la mia personale recensione.

Realizzare il sequel di un film uscito più di dieci anni prima non è mai facile.

Potrebbero esser cambiati gli animatori e le tecniche impiegate, i regista o gli sceneggiatori potrebbero aver dimenticato la vera essenza dei propri personaggi, gli stessi protagonisti della pellicola che sembravano tanto amati potrebbero non esser più adatti al mondo nel quale viviamo, in continua trasformazione.

Eppure Dory non è solo sempre la stessa pesciolina blu, smemorata e divertente, ma è anche il miglior modo che gli studi di Ed Catmull avessero per portarci ancora una volta “beyond the sea”.

Come accennavo prima, in generale non è facile realizzare un seguito, si rischia di non aggiungere nulla alla storia già vista precedentemente e di creare solo un lungo “episodio televisivo” destinato a intrattenere, far cassa ed emozionare giocando sul fattore “nostalgia”.

Alla Ricerca di Dory non fa questo.

Il film che rivede il rilancio di un grandioso Andrew Stanton, regista con due Oscar vinti per Alla Ricerca di Nemo e Wall-E (e protagonista del recente fallimento di John Carter), è strutturalmente identico al suo predecessore ma, allo stesso tempo, assolutamente diverso.

Inserendo temporalmente nella stessa posizione i momenti tragici, le scene comiche e l’ingresso di nuovi personaggi, il film mantiene sempre lo spettatore vigile, attento, incuriosendo, divertendo e in più situazioni commuovendo l’animo di ciascuno di noi. La scelta di spostare l’attenzione su Dory, se poteva esser un azzardo considerando l’estrema ironia che la contraddistingue nel primo film (o la scelta simile avvenuta per Cars 2, usando Cricchetto come protagonista, realizzando però un prodotto di poco conto), è stata vincente grazie alla scelta di mostrare il passato del Pesce Chirurgo e le paure che avvolgono il suo futuro in un presente perfettamente in equilibrio fra tensione, risate e amore. Questo cambio di soggetto, di ambientazioni e di rotta (non viaggiando più, apparentemente, verso il futuro ma verso il passato), hanno fatto sì che rispondendo alla domanda “Cosa ci faceva Dory sola in quel punto dell’oceano?” non ci accorgessimo di cavalcare l’onda della struttura del primo film. Inoltre sono stati geniali nello sfruttare tutti gli elementi più interessanti e simpatici per primo film mostrando la loro nascita e il motivo che li ha tanto legati a Dory caratterizzandone il proprio essere.

La protagonista, lungo il suo percorso, incontrerà molti amici nuovi e vecchi (in tutti i sensi possibili), e contrariamente a quanto accaduto in Alla Ricerca di Nemo o ancor più nel recente Il Viaggio di Arlo, non sono semplici strumenti di narrazione ma personaggi approfonditi psicologicamente e accomunati da uno stesso aspetto: la mancanza di qualcosa, che sia la vista, che sia la memoria. E in questi casi, come si suol dire, “l’unione fa la forza”, soprattutto se dietro c’è un’improbabile eroina che con il suo modo di “pensare alla Dory” è arrivata persino a cambiare lo scorbutico Marlin con il quale, nonostante nel film diventi giustamente co-protagonista, instaurerà un rapporto ancora più profondo rispetto a quanto fatto nel lungometraggio del 2003. Un occhio di riguardo va poi a Hank, un polpo con sette tentacoli che incontreremo nel l’Istituto Oceanografico (luogo che porterà con sé profonde riflessioni sulla vita degli animali e sull’influenza che l’uomo ha su di loro, come il primo film) che può vantare un elevatissimo elenco di espressioni facciali pur non avendo un vero e proprio viso. Merito dalla bravura degli studi.

Gli anni passati e il continuo sviluppo delle tecniche d’animazione dei Pixar Animation Studios non hanno spinto questi a modificare i Models, che sono rimasti fortunatamente gli stessi (anche perché il film è ambientato pochi mesi dopo le vicende del primo, motivo per il quale Nemo non è cresciuto), quanto a lavorare sulle Texture mostrandoci anche una quantità illimitata di ambienti e specie marine in più. Il tutto è splendidamente messo in risalto da una grande padronanza delle luci (che ai suoi tempi fu uno degli elementi più dispendiosi del primo film) e dalla colonna sonora composta ancora una volta da Thomas Newman, dopo averlo ascoltato di recente in Saving Mr. Banks. Il tipico accostamento che il compositore fa nelle sue opere fra archi e tastiera risulta ancora una volta una mossa vincente legata dalle percussioni usate sempre con parsimonia e nel momento giusto.

Seppur con un finale estremamente americano e tendente all’esagerazione, Alla Ricerca di Dory non solo è un ottimo seguito che ci mostra ancor più il mondo esplorato nel 2003 ma è un ottimo film ben strutturato, scritto e animato, arricchito da suggestive musiche ed effetti speciali e con una scena finale che farà impazzire tutti. Prendete pinne e maschere e preparatevi per buttarvi nell’oceano canticchiando “Zitto e Nuota!”, dal prossimo 15 Settembre!

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Vedere un film in anteprima non è sempre un bene.

Qualcuno pensa che battere sul tempo gli altri e vivere l’emozione di un film attesissimo sia un privilegio ma forse quel qualcuno non considera tutti i problemi che ne possano derivare.

Certo, la curiosità si placa, i dubbi vengono fugati ma… come fai a tenere la bocca chiusa? Come non lasciar trapelare nemmeno un dettaglio onde evitare di subire un attacco feroce di massa? Ma soprattutto come rimanere silente mentre i fan come te si scervellano per capire cosa succederà e tu detieni il potere tra le mani come una divinità?

È proprio vero, da grandi poteri derivano grandi responsabilità.

Queste righe ne sono l’esempio.
Non vi dirò chi era Dory prima di “Alla ricerca di Nemo” ma vi posso dire che come l’abbiamo amata nel primo capitolo, la amerete nel secondo.

Non vi dirò come sono la sua mamma e il suo papà ma vi dirò che le figure genitoriali dei Pixar Animation Studios non ci hanno mai deluso e non lo faranno in questo caso.

Non vi dirò se e quanto siano presenti i vecchi amici dell’acquario e dell’oceano ma vi inviterò ad amare quelli nuovi che si presenteranno (va bene, qualcuno più valido e qualcuno meno, bisogna essere sinceri).

Come sempre, ogni film degli studi di Emeryville tocca in modo diverso ogni suo fan.

Personalmente credo che in questo film si sia riproposta la stessa situazione dividendo ancora di più lo spettatore più sensibile da quello più grezzo.  Mi spiego meglio. Durante i primi minuti di film ho sentito tanta gente ridere intorno a me, genitori e figli, amici, tutti divertiti dalla nostra pesciolina. Purtroppo non sono stata in grado di riproporre la stessa immagine su di me: io ero una statua. Impietrita dallo spessore della pesciolina blu, ammutolita dalle sue difficoltà, incredula di fronte alla capacità degli studi d’animazione di Ed Catmull e John Lasseter di aver mai potuto concepire un personaggio così intenso, banalmente interpretato come buffo, e spero in futuro idolatrato come simbolo di qualcosa di più grande, come d’altronde suggerisce la morale del film.

Da adesso fino al 14 Settembre mi limiterò a canticchiare…

…Zitto e nuota, nuota e nuota!

Diretto ancora una volta da Andrew Stanton e scritto dallo stesso regista con Bob Peterson e Victoria Strouse, il film è giunto  nelle sale americane il 17 Giugno 2016.

Sarà ambientato sei mesi dopo le vicende di Alla Ricerca di Nemo e ci mostrerà Dory impegnata in un viaggio alla ricerca di se stessa e della sua famiglia, accompagnata da tanti altri nuovi amici.

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Nonostante qualche piccolo problema tecnico dettato dall’inesperienza del sottoscritto, ho cercato di rispondere a tutte le domande che ci avete in precedenza posto.

Buona visione!

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Di seguito la sinossi ufficiale del lungometraggio:

Alice Kingsleigh ha trascorso gli ultimi anni seguendo le impronte paterne e navigando per il mare aperto. Al suo rientro a Londra, si ritrova ad attraversare uno specchio magico, che la riporta nel Sottomondo dove incontra nuovamente i suoi amici il Bianconiglio, il Brucaliffo, lo Stregatto e il Cappellaio Matto che sembra non essere più in sé. Il Cappellaio ha perso la sua Moltezza, così Mirana manda Alice alla ricerca della Chronosphere, un oggetto metallico dalla forma sferica custodito nella stanza del Grand Clock che regola il trascorrere del tempo. Tornando indietro nel tempo, incontra amici – e nemici – in diversi momenti della loro vita e inizia una pericolosa corsa per salvare il Cappellaio prima dello scadere del tempo.

Basato sul libro Through The Looking Glass, la sceneggiatura è di nuovo opera di Linda Woolverton (La Bella e La Bestia, Alice In Wonderland, Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata). Alla regia, invece, troviamo James Bobin (I Muppets, Muppets Most Wanted) che sostituisce il celebre Tim Burton che figurerà solo come produttore. Nel cast, invece, tornano nomi come Mia Wasikowska, Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Matt Lucas e nuovi volti come Rhys Ifans, Sacha Baron Cohe ed Ed Speelersn.

Nel cast vocale, invece, troviamo nuovamente Stephen Fry, Alan Rickman, Michael Sheen, Timothy Spall, Paul Whitehouse, Barbara Windsor e Toby Jones.

Confermato anche il ritorno di buona parte del cast tecnico tra cui Colleen Atwood per i costumi, Ken Ralston per gli effetti visivi, Dan Hennah per le scenografie, Stuart Dryburgh per la fotografia, Peter King per il Make-Up e Danny Elfman per le musiche.

Il film uscirà nelle sale il prossimo 25 Maggio 2016.

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Probabilmente né l’una né l’altra. Alice Attraverso Lo Specchio è un ibrido fra ciò che l’iconico regista aveva lanciato anni fa, cambiando il modo di vedere il mondo oltre il buco del proprio giardino, e la visione sfavillante, sgargiante ed euforica di James Bobin, il regista della pellicola che ha sostituito Tim Burton. Questo forte cambio di timone destabilizza l’universo meraviglioso che già conoscevamo e le direzioni del regista, conosciuto di recente per Muppets Most Wanted, non riescono ad accompagnare lo spettatore in questo mondo che ci appare quasi nuovo, a farci capire le nuove dinamiche che lo governano e le differenze createsi da quando Alice l’ha lasciato per l’ultima volta. Tuttavia, la struttura del film, stavolta sembra omaggiare il Classico Disney del 1951, se non per alcune parentesi… temporali, che alla fine rendono vano questo parallelismo che si voleva creare.

Solitamente i secondi capitoli sono noti e creati apposta per ampliare un mondo già visto e consolidato, oltre che per  far conoscere nuove sfaccettature dei personaggi già incontrati. Alice Attraverso Lo Specchio riesce a  mettere in crisi ciò che si conosceva, inizia le proprie vicende come avvenuto con il film del 2010 e le chiude senza lasciare la possibilità di un terzo capitolo, fallendo così anche l’idea di creare un universo fantastico distinto dai libri ma con forti personaggi. I comprimari come la Regina Bianca, la Regina Rossa, Pinco Panco e Panco Pinco, Lo Stregatto o il Leprotto sono sempre gli stessi grazie all’impatto visivo che vantano, dato che le loro interazioni sono ridotte al minimo. Il Cappellaio, nonostante mostri il meglio di Johnny Depp fra tenerezza e dispiacere, e la Alice, maturata e interpretata da Mia Wasiwoska, sembrano tuttavia essere un ricordo salutato con l’omonimo brano di Avril Lavigne che chiudeva il primo capitolo. Questo non per una regia poco incisiva ma almeno fluida, bensì per una sceneggiatura che fa acqua da tutte le parti firmata da Linda Woolverton (forte del successo, se così lo si può definire, di Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata). Il senso di azioni e personaggi pare talvolta incomprensibile, non motivato a sufficienza o per nulla. L’unica gradevole novità introdotta risulterà essere il Tempo interpretato magistralmente da Sacha Baron Cohen. I temi che porta con sé questo nuovo personaggio sono ben sviluppati durante le vicende che Alice vivrà e conclusi in quello che sembrava un primo finale (e che purtroppo si rivela non essere). Impossibile, poi, non citare la bellissima apparizione di Andrew Scott, purtroppo troppo fugace, come la stessa durata del film.

Era evidente come ci fosse il tentativo di creare un universo narrativo fantastico, come avvenuto per Pirati dei Caraibi o altri franchise, ma la sfida è stata persa in partenza. Almeno in termini di critica, sarà l’incasso a parlare.

Impeccabile, senza dubbio, il comparto tecnico e un Danny Elfman riconoscibile nelle melodie del primo film, giustamente riutilizzate, e meno nelle nuove introdotte.

Dunque, sulle note di Just Like Fire di P!nk, non possiamo sperare che questo tentativo bruci e sfumi come un lontano ricordo, come un fuoco, ridando Alice e il suo meraviglioso mondo a Lewis Carroll e salutando con un triste addio questo Sottomondo travagliato e esasperato.

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Buona visione!

Acquisterete il volume?

NOI ABBIAMO RECENSITO IN ANTEPRIMA IL FILM PER VOI!

Ecco la sinossi ufficiale del film: “La moderna metropoli mammifera di Zootopia è una città come nessun’altra. Composta da quartieri-habitat, gli uni vicini agli altri, come l’intricata Piazza Sahara e la frigida TundraTown, questa è una sorta di centro di fusione nel quale più animali, provenienti dagli ambienti più disparati e diversi, vivono insieme ed in armonia,  un luogo dove non importa ciò che sei, dal grande elefante al più piccolo topo-ragno, si può essere qualsiasi cosa. Ma quando arriva l’ottimista Ufficiale Judy Hopps, questa dovrà scoprire che essere il primo coniglio in una stazione di polizia composta da ben più grandi animali non sarà così facile. Determinata a dimostrare a sè stessa di potercela fare, non si tirerà indietro quando le si presenterà l’occasione di risolvere un caso, anche se questo vorrà dire allearsi con Nick Wilde, una volpe dalla parlantina veloce, re della truffa, per risolvere il mistero”.

Questa nuova comedy-adventure sarà diretta da Byron Howard (Rapunzel – L’Intreccio della Torre, Bolt) e Rich Moore (Ralph – Spaccatutto) e co-diretta da Jared Bush. Il tutto verrà sviluppato in CGI.

Il film, in Italia, è uscito il 18 Febbraio. Dall’8 Giugno potrete trovarlo in Home-Video.

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