Il live action de La Bella e la Bestia compie oggi 4 anni. Il film del 2017 basato sul lungometraggio animato del 1991 diretto da Gary Trousdale e Kirk Wise è stato uno dei remake più popolari e discussi degli ultimi anni. Sicuramente la sua controparte animata è uno dei film Disney più famosi e amati in assoluto che, oltre ad essere un brillante musical, ha utilizzato tecniche d’animazione all’avanguardia.

Esistono molte analisi, indagini e letture riguardanti ogni singolo personaggio o, addirittura, ogni singolo dettaglio di questo celebre musical. Gaston, ad esempio, è un personaggio carismatico, amato dal popolo, che riesce a muovere le masse. Sono proprio queste caratteristiche che lo rendono un uomo molto pericoloso. Ma cosa dicono di lui le armi che utilizza? E perché nel remake in live action Gaston non usa l’arco e le frecce o il pugnale del film d’animazione per uccidere la Bestia?

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Le armi di Gaston nel film d’animazione

La scelta della sceneggiatrice Linda Woolverton di dare in mano a Gaston un arco e delle frecce non sembra essere casuale. In molte culture, soprattutto nella cultura greca antica, l’arco e le frecce erano letteralmente definiti le armi dei vigliacchi. Basti pensare alla figura di Paride nell’Iliade Omerica. Il figlio minore di Priamo uccide Achille non in un duello ad armi pari ma utilizzando arco e frecce. Paride colpisce senza volere Achille proprio nel suo punto debole, il tallone, e uccide l’eroe greco vigliaccamente, senza arrivare al corpo a corpo.

Per secoli il duello, ovvero la lotta corpo a corpo, infatti, sono stati simbolo di coraggio e virtù dell’eroe. Archi e frecce erano armi d’assalto, utilizzate da lontano, per espugnare città, ad esempio, ma non per combattere in un duello.

È interessante, perciò, che per le armi di Gaston siano stati scelti proprio questi strumenti. Gaston entra nel castello con l’arco e le frecce, si avvicina alla Bestia con queste armi per ucciderla ed il primo colpo che sferra è proprio quello di una freccia. Solo successivamente passa a una mazza di fortuna creata con una parte del castello.

Nel lungometraggio d’animazione, tuttavia, Gaston uccide la Bestia con un coltello, arma da taglio tecnicamente più simile alle armi dei duelli. Eppure, anche in quel momento sferra il colpo per mera codardia attraverso un’altra arma “subdola”, ovvero con un pugnale. Gaston non solo colpisce la Bestia alle spalle, ma lo fa con un’arma normalmente facile da nascondere, il che denota, quindi, ulteriore vigliaccheria.

Il cambio d’armi del live action

Abbiamo detto che archi e frecce per molti secoli furono visti, da un punto di vista dei duelli, come le armi dei vigliacchi. Perché nel live action, allora, Gaston non impugna più questi strumenti?

La risposta è molto semplice, vi è stato, nel tempo, un forte cambio di rotta per quanto riguarda la percezione di determinate armi. Banalmente, oggi il tiro con l’arco è visto in modo molto più positivo. Basti pensare a personaggi (disneyani e non) come Robin Hood, Merida o Katniss Everdeen. Tutti loro combattono con archi e frecce ma mai li descriveremmo come codardi o vigliacchi.

Nel live action, perciò è stato utilizzato un escamotage piuttosto interessante. Tra le armi di Gaston, infatti, non vi è nessuna di quelle già incontrate nel cartone animato. Lo si vede solo per breve tempo con una balestra, che diventa inutile nel momento in cui Belle distrugge tutte le sue frecce. Il piano B del personaggio, una volta che la sua balestra è diventata inutilizzabile è quello di ricorrere a una pistola.

Le armi da fuoco sono molto più antiche di ciò che si pensa. Tuttavia, presero veramente piede in ambito bellico solo alla scoperta della polvere da sparo. Nel Settecento le pistole erano ormai già utilizzate ovunque, anche e soprattutto nei duelli per onore. Quante volte abbiamo visto in film o sceneggiati un duello all’alba tra due gentiluomini per riscattare un disonore avvenuto?

È interessante, perciò, che Gaston abbia in mano proprio una pistola (che ricordiamo, allora poteva caricare un solo colpo alla volta), perché si ricollega nuovamente a battaglie e duelli che avvenivano a distanza. Le armi da fuoco sono sempre state utilizzate come armi da usare da lontano e hanno rimpiazzato, nel tempo, proprio archi e frecce. Nel diciottesimo secolo, durante il corpo a corpo in battaglia, ancora si utilizzavano le spade. L’unica eccezione erano proprio i duelli per disonore che spesso avvenivano tra gentiluomini.

Un esempio lampante Disneyano di quanto le armi da fuoco in un combattimento a due nel diciottesimo secolo fossero reputate fuori luogo è all’interno del primo film dei Pirati dei Caraibi. Come dimenticare la scena nella quale Will Turner e Capitan Jack combattono all’interno della bottega del fabbro? Quando Jack prende la sua pistola puntandola contro Will, quest’ultimo reagisce dicendo “Giochi sporco”. Poiché, appunto, a meno che non si trattasse di un duello per gentiluomini per questioni d’onore, le armi da fuoco venivano raramente utilizzate in combattimenti ravvicinati.

Gaston nel live action ha un vero e proprio upgrade all’arma da fuoco proprio per conferirgli nuovamente la connotazione della codardia. Poiché ormai arco e frecce sono collegate più a un personaggio coraggioso che vigliacco, nel film del 2017 Gaston brandisce un’arma che colpisce la Bestia da lontano. Anche il colpo fatale, che nel lungometraggio animato avviene tramite una pugnalata alle spalle, nel remake è uno sparo da lontano, sempre mentre la Bestia è voltata di spalle.

Gaston è un personaggio vigliacco che si nasconde dietro una facciata di spavalderia e finta sicurezza di sé. Sia nel film del 1991 sia nel remake del 2017, infatti, le sue armi rendono particolarmente chiaro questo lato del suo carattere.

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È risaputo che le fiabe Disney sono dei rimaneggiamenti di storie antiche e che del prodotto originale rimanga ben poco. Alcuni film d’animazione della casa del topo sono più simili alle fiabe tradizionali di altri, ma raramente la Walt Disney Company ha mantenuto le trame originali. Potremmo dire, in effetti, che la casa del topo abbia dato a queste fiabe un Disney-twist, e abbia creato una vera e propria visione disneyana delle storie. La tradizione cinematografica delle fiabe è perciò diventata tanto famosa che, oggi, ricordiamo molto più chiaramente le versioni Disney delle fiabe tipiche del folklore, che non quelle originali.

Ma da dove vengono le fiabe che la Disney ha reso tanto celebri in epoca contemporanea? Quando furono scritte? E soprattutto, quali differenze ci sono e perché sono stati scelti certi escamotage per differenziare il prodotto animato da quello scritto?

Così come fecero i creatori della serie tv C’era una Volta, dobbiamo anche noi cominciare dal principio, dal lungometraggio epocale che cambiò il volto dell’animazione. Scopriamo insieme le origini della fiaba di Biancaneve e i Sette Nani.

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Le origini di Biancaneve e i sette nani

(Schneewittchen und die sieben Zwerge, Carl Offterdinger)

Il lungometraggio del 1937, che valse un Oscar onorario a Walt Disney, cambiò letteralmente il futuro del cinema e dell’animazione. Per la prima volta, infatti, approdò nelle sale un prodotto animato a colori, più lungo dei tipici cortometraggi, con suoni e canzoni.

Il rimaneggiamento di questa storia, tuttavia, è stato enorme, a partire dal titolo. La fiaba sulla quale è basato il film è in particolare quella dei fratelli Grimm pubblicata nel 1812 nella raccolta di storie Fiabe di bambini e del focolare. La storia di Jacob e Wilhelm Grimm, infatti, si intitolava semplicemente Biancaneve (in tedesco Schneewittchen). I Grimm, tra l’altro, scrissero un’altra storia con una protagonista omonima: Biancaneve e Rosarossa (sulla quale la Disney sta producendo un live action). La protagonista di questa seconda fiaba, tuttavia, non ha nulla a che fare con la Biancaneve classica che conosciamo, tant’è che in tedesco il nome è scritto anche in modo differente (Schneeweißchen).

Tornando perciò alla Biancaneve disneyana, le differenze con la Biancaneve dei Grimm, vi sorprenderà saperlo, sono parecchie, a partire dall’introduzione della fiaba. La storia dei fratelli Grimm, infatti, comincia con la madre di Biancaneve incinta della figlia che, una volta puntasi un dito, vede cadere una goccia del suo sangue sulla neve fresca. Per questo motivo decide di chiamare sua figlia Biancaneve.

Successivamente a questo avvenimento, perciò, quando la bambina nasce ha la pelle bianca come la neve, i capelli neri come l’ebano (la finestra alla quale la madre era affacciata era fatta d’ebano) e le guance rosse come il sangue.

La storia prosegue in effetti in modo molto rassomigliante con la versione disneyana. La matrigna tuttavia, non si traveste con la magia per ingannare Biancaneve, ma semplicemente si camuffa in modo da non essere riconosciuta.

I molteplici avvelenamenti di Biancaneve

Perché parliamo di molteplici avvelenamenti? Nella versione dei fratelli Grimm la regina avvelena Biancaneve per ben tre volte prima di riuscire a farla crollare in un “sonno di morte”.

La prima volta, in effetti, non la avvelena propriamente. Le vende infatti un corsetto che le stringe addosso talmente tanto da farle mancare il respiro e, di conseguenza, da farla svenire. La seconda volta, invece, le fa appuntare sui capelli un pettine avvelenato che la fa immediatamente crollare a terra addormentata. In entrambi i casi, tuttavia, i sette nani capiscono cosa abbia Biancaneve e le rimuovono il corsetto e, successivamente, il pettine.

È solo al terzo tentativo che, nella fiaba dei Grimm, la malvagia regina opta per l’utilizzo della mela avvelenata. A quel punto Biancaneve ne mangia un morso e cade a terra in un sonno profondo simile alla morte. Essendo il pezzo di mela ancora tra le sue labbra, i nani non capiscono cosa abbia la giovane, per questo la terza volta non riescono a svegliarla.

Eroine contro le regole del patriarcato

(Snow White (16th Century) AnUnusualPrince su DeviantART)

Prima di parlare del risveglio della giovane, bisogna citare le parole di un celebre studioso di fiabe, Bruno Bettelheim.

In molti hanno espresso il loro disappunto nel guardare o leggere le fiabe più antiche e i film Disney più datati e nel notare che le eroine protagoniste non fossero proattive. Secondo il pubblico contemporaneo Biancaneve e altre con lei non rientrano nel gruppo di eroine femministe, forti e coraggiose più tipiche degli ultimi anni.

Ebbene, Bruno Bettelheim spiega perfettamente nel suo libro Il mondo incantato. Uso, importanza e significati psicoanalitici delle fiabe, che le eroine addormentate fossero in realtà già nelle fiabe antiche molto proattive.

È chiaro che le protagoniste femmine venissero spesso relegate a un ruolo più passivo nelle loro fiabe. Se i protagonisti maschili compivano le loro avventure, capitava spesso che le ragazze invece… dormissero. Eppure, Bettelheim ha sottolineato che queste eroine non si addormentavano passivamente, ma anzi, che si inducevano appositamente  questi sonni profondi contravvenendo alle regole. Perché? Proprio per non dover sorbire una trama dettata dagli uomini. D’altronde cosa fanno Biancaneve e la Bella Addormentata nel Bosco se non contravvenire alle regole? Ad entrambe viene vietato qualcosa, sia esso il toccare un fuso o l’accogliere sconosciuti in casa. Entrambe invece fanno esattamente ciò che è stato loro vietato.

In un’epoca in cui le donne ancora erano viste come mera proprietà maschile (prima del padre e poi del consorte), le eroine come Biancaneve e Rosaspina scrivevano il loro destino in modo delicato ma decisamente non convenzionale: non ascoltavano i pareri maschili.

Le origini di Biancaneve: svegliata… bruscamente

(Schneewittchen, by Alexander Zick)

Tornando alla storia dei Grimm, come nella versione Disneyana, Biancaneve viene posizionata in una bara di cristallo, così che la sua bellezza possa essere contemplata anche oltre la morte. Il sonno profondo delle fiabe, infatti, non vede deterioramento dei corpi. I corpi dei personaggi addormentati sono come cristallizzati nel tempo e rimangono nella stessa forma di quando erano vivi. Questo nella versione disneyana non viene spiegato, ma viene perfettamente mostrato. Biancaneve continua ad essere perfetta nella morte, pur rimanendo diverso tempo nella bara.

Ma come si sveglia nella fiaba originale la bella Biancaneve? L’escamotage cinematografico diventato tanto famoso negli ultimi anni del bacio del vero amore… non avviene. Nella storia dei fratelli Grimm Biancaneve si risveglia per un errore.

Come nella versione Disneyana, il principe la trova nel bosco e si innamora della bella ragazza che vede (nella storia dei Grimm non c’è un incontro precedente a quello finale). Poiché però la ragazza sembra morta, il principe chiede ai nani di poter portare la giovane nella bara nel suo castello, in modo da poterla contemplare ogni giorno e da poterla proteggere.

Biancaneve si sveglia mentre gli uomini del principe spostano la bara. Uno di loro, infatti, inciampa e fa quasi cadere il contenitore nel quale la giovane era riposta. A causa dello scossone, perciò, il pezzo di mela tra le labbra di Biancaneve fuoriesce dalla sua bocca e la fanciulla si sveglia.

Ovviamente Walt Disney optò per una trama più romantica e complessa, aggiungendo un primo incontro all’inizio della storia tra i due e l’eventuale bacio del vero amore alla fine.

 E in effetti, il bacio del vero amore non era affatto comune nelle fiabe antiche, tant’è che si potrebbe attribuire la sua fama a Walt Disney stesso, che spesso lo utilizzò nei suoi prodotti.

Morale sulle origini di Biancaneve

Le fiabe sono datate. Bisogna riconoscerlo. Erano storie da tradizione orale che vennero tramandate nei secoli finché qualcuno non le scrisse. Alcune hanno origini da avvenimenti reali (ad esempio, si pensa che siano esistite davvero alcune fanciulle nobili perseguitate dalle matrigne nella storia). Biancaneve e i Sette Nani della Disney è anch’esso un film che risente in parte della sua età. Se il lungometraggio fosse uscito nelle sale oggi (a 83 anni dal suo rilascio) sicuramente non sarebbe stato amato come allora. Come succede spesso, i film di altri tempi vanno contestualizzati. La Disney stessa di recente ha iniziato a inserire disclaimers per scene razziste e culturalmente datate su alcuni prodotti su Disney+.

Ciò che possiamo fare davanti a prodotti simili è ammirare la cura del dettaglio, la poesia di un film di quasi 85 anni fa creato completamente a mano. Ammirare i significati semplici e forse ingenui di certe fiabe che servivano nella cultura popolare a insegnare qualcosa alle nuove generazioni. Ma soprattutto, possiamo trovare piccole ribellioni anche nei gesti più semplici di quelle eroine che, all’epoca, nel loro piccolo risultavano guerriere fuori dal comune e cominciavano battaglie che finalmente sono molto rilevanti e contemporanee.

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Quest’introduzione provocatoria non vuole togliere meriti ai suddetti video o articoli. In effetti, dietro le fiabe dei film d’animazione Disney ci sono storie diverse da quelle che conosciamo, ma ciò che questi articoli o video dicono non corrisponde sempre alla verità. A volte le loro “spiegazioni” sono completamente inventate e mettono in giro delle vere e proprie fake news, fortunatamente innocue. Altre volte, invece, questi articoli o video hanno un fondo di verità, ma non spiegano esattamente come stanno le cose.

Ripassiamo un momento la versione Disneyana di questa fiaba

Facciamo un passo indietro e prendiamo un esempio lampante. Proseguiamo, anzi, con un’altra domanda: chi ha mai sentito dire in un articolo o in un video: “Nelle origini della bella addormentata nel bosco la principessa viene abusata”?

Mi è capitato di recente di avere la bacheca piena di questo genere di frasi, soprattutto su questa sfortunata eroina. Siccome, però, fare ricerca al riguardo è una delle cose che più mi diverte, ho deciso di spiegare come sia andata davvero la storia della povera principessa addormentata.

Noi Disneyani siamo cresciuti col film del 1959 La Bella addormentata nel Bosco, lungometraggio strabiliante con un’animazione splendida. A completare il tutto, le musiche di Pyotr Ilyich Tchaikovsky – compositore ottocentesco di musiche e balletti come Il lago dei Cigni e Lo Schiaccianoci. Di recente la casa madre ha, inoltre, creato due versioni live action Maleficent e Maleficent – signora del male, concentrate sulla figura della villain Malefica. La storia dell’originale film d’animazione la conosciamo tutti e anche se il live action ha degli escamotage diversi, è comunque basato sulla versione Disneyana della fiaba. Ma a sua volta, quindi, da dove deriva la versione della Walt Disney Company?

Su quali fiabe ha le sue origini La Bella Addormentata nel Bosco della Disney?

(1867, La Belle Au Bois Dormant, Gustave Doré)

La storia della principessa Aurora, creata da Walt Disney e dal suo team, è basata sia sul balletto di Tchaikovsky, sia su due diverse fiabe. Il film d’animazione è infatti basato sulla storia di Charles Perrault La Belle au Bois Dormant, letteralmente La bella nel bosco dormiente. La controversia riguardo al titolo francese è tutt’ora accesa. Dormant senza E finale sarebbe un aggettivo maschile, riferito, perciò, al bosco e non alla fanciulla. Nelle traduzioni e versioni successive, tuttavia, è la fanciulla a essere definita addormentata e non il bosco attorno a lei. Nel 1697, comunque, Perrault pubblicò questa fiaba nella raccolta I racconti di Mamma l’Oca. Lo stesso Tchaikovsky basò il suo omonimo balletto su questa versione. La seconda fiaba sulla quale è basato il film Disney è quella dei fratelli Grimm, i quali adattarono e semplificarono la fiaba francese di Perrault nella loro raccolta del 1812 Fiabe dal focolare.

Perrault, I Grimm e la Disney, poche differenze, tante similitudini.

La storia Disneyana è molto somigliante alla fiaba dei fratelli Grimm – e a quella di Perrault. La versione francese è un po’ più lunga di quella tedesca e comprende altre vicende dopo il risveglio della principessa. Tutte queste versioni, con le loro piccole differenze, condividono il fatto che una fata non invitata alla festa per la nascita della principessa, si adiri con i reali e scagli una maledizione sulla piccola. Le storie condividono anche il fatto che la sorte della principessa venga momentaneamente salvata da un’altra fata. Questa creatura buona, utilizza il suo dono alla reale per fare in modo che la piccola si addormenti e non muoia, una volta puntasi col fuso di un arcolaio. Inoltre, tutte queste storie prevedono che la principessa si punga, cada addormentata e si risvegli in seguito al bacio di un principe.

(XIX secolo, The Sleeping Beauty, Edward Coley Burne-Jones)

Sia Perrault che i Grimm, tuttavia, fecero dormire la loro principessa nel castello circondato dal bosco di rovi per ben 100 anni. Per questo motivo la fata buona della storia fa addormentare anche tutto il resto del castello – cosicché la principessa non si svegli da sola un secolo più tardi.

Un paio di invenzioni totalmente Disneyane

La Disney, tuttavia, non copiò totalmente queste due fiabe per la trama del suo lungometraggio. Come è successo, infatti, in quai tutti i suoi film d’animazione, la fiaba è stata adattata e cambiata in modo da renderla più magicamente Disney.

Invenzione totalmente Disneyana fu, ad esempio, il combattimento tra il principe Filippo e Malefica tramutata in drago. In realtà l’intero arco della storia incentrato sul principe non esiste nella fiaba originale di Perrault né in quella dei Grimm. Il principe di entrambe le fiabe di questi autori compare 100 anni dopo che la principessa si è addormentata, quindi sarebbe stato impossibile per lui essere al battesimo della protagonista, come accade nella versione Disneyana.

Altro elemento creato dalla Disney, è il nome della protagonista. Così come La Sirenetta di Andersen non aveva un nome e Ariel fu perciò battezzata dalla casa del topo, anche la Bella Addormentata nel Bosco nella fiaba di Perrault non ha un nome proprio. I Grimm, invece, chiamarono la loro protagonista proprio Rosaspina (Briar Rose), nome riutilizzato dalle fatine Disneyane che chiamano così la giovane prima di confessarle la sua vera identità. Fatto interessante della fiaba di Perrault, però, è la presenza del nome Aurora. Questo nome non appartiene alla protagonista, ma a sua figlia. Nella fiaba francese, infatti, dopo il matrimonio, la principessa e il principe hanno due figli, che chiamano Aurore e Jour (Aurora e Giorno).

Perrault, i Grimm, Tchaikovsky… nessuno di loro descrive situazioni violente.

(XIX secolo, Sleeping Beauty, Alexander Zick)

Similitudini e differenze a parte, né nel balletto del compositore russo né nelle fiabe di Perrault o dei Grimm è presente alcun abuso. Quindi gli articoli e i video che dicono il contrario sbagliano? Le origini della bella addormentata nel bosco non comprendono abusi sessuali come dicono i video e gli articoli online? Non esattamente.

Effettivamente, Charles Perrault non fu il primo a scrivere di questa particolare storia. In un certo senso, la adattò in modo da renderla più fruibile a un pubblico più ampio. Si può dire che Perrault rese la storia della principessa addormentata una fiaba con una morale. Non si poteva però ancora parlare di una fiaba per l’infanzia. Infatti, l’età dell’infanzia è stata definita e dichiarata solo negli ultimi secoli. Precedentemente, purtroppo, la percentuale di bambini che sopravvivevano all’età infantile era estremamente bassa e avere una letteratura esclusivamente per loro era ancora impensabile.

Esistono, tuttavia, delle versioni più antiche e cruente simili a queste fiabe

Ma tornando a noi, Perrault abbiamo detto che cambiò la fiaba in modo da semplificarla e renderla più fruibile. In effetti, basò la sua storia su un racconto italiano. Il racconto dell’autore Gianbattista Basile è presente nel Pentamerone – o Lo Cunto de li Cunti, opera creata una quarantina d’anni prima della raccolta di fiabe francese. A sua volta, però, la storia ne Lo cunto de li cunti, che si chiama Sole, Luna e Talia, era basata su un romanzo cavalleresco: Perceforest scritto nel 1300. Effettivamente, in entrambe queste storie si parla di rapporti sessuali non consenzienti che due personaggi nei due diversi racconti hanno con la principessa addormentata.

Sia Talia, la protagonista del racconto di Basile, che Zellandine, protagonista del racconto cavalleresco Perceforest, si addormentano di un sonno magico. Talia, in particolare, condivide con la fiaba francese del seicento il fatto di pungersi un dito con una lisca di lino usando un fuso.

Entrambe le protagoniste vengono successivamente collocate in un luogo nel quale riposare durante il loro sonno magico. Durante il loro sonno, Zellandine viene abusata da Troylus, il suo promesso sposo, Talia, invece, viene abusata da un re che la trova involontariamente sola nel suo luogo di riposo durante una battuta di caccia. Entrambe le fanciulle vengono ingravidate e danno alla luce i loro figli (gemelli) durante il sonno. Sia Talia che Zellandine si sveglieranno grazie a uno dei loro figli che toglierà la scheggia avvelenata dal dito punto precedentemente – scheggia che in primo luogo le aveva fatte addormentare.

Quindi, per concludere su queste complicate origini

(Briar Rose and Prince Phillip (14th century), AnUnusualPrince su DeviantART)

Qual è il vero fine di questo discorso? Sebbene le origini della fiaba della bella addormentata nel bosco abbiano radici in questi cruenti e, a tratti, riprovevoli racconti, Charles Perrault e i fratelli Grimm riscrissero completamente l’intera trama. Questi autori, inoltre, crearono il mondo fatato al quale Tchaikovsky e lo stesso Walt Disney si sono poi ispirati. Aggiunsero le fate, la magia, i rovi intorno al castello e il sonno magico secolare.

È perciò giusto dire che nelle origini della bella addormentata nel bosco della Disney, la giovane venisse abusata e violentata? Non esattamente. Le storie Perceforest e Sole, Luna e Talia posseggono alcune caratteristiche che sono state mantenute nelle fiabe di Perrault e dei Grimm, ma non sono la versione della fiaba che tutti conosciamo e sulla quale la Disney si è basata. Proprio perché i temi affrontati e i dettagli descritti in quei cruenti racconti furono reputati troppo forti e ingiuste anche alla fine del ‘600, Perrault volle cambiare quasi totalmente i tristi avvenimenti intorno alla sua protagonista.

Le origini della bella addormentata nel bosco sono solo lontanamente collegate agli antichi racconti delle ragazze abusate durante il sonno. Potremmo dire che la versione Disneyana della storia ha origini in Perceforest e Sole, luna e Talia quanto La Bella e la Bestia ha origini nella storia di Apuleio Amore e Psiche. Alla lontana questi racconti hanno elementi in comune, ma le storie contemporanee ormai a noi tanto familiari non hanno che pochissimi degli elementi di quelle antiche trame. Perciò i racconti animati Disneyani più recenti di queste storie sono basati e hanno origine nelle versioni decisamente meno cruente e molto più fiabesche di questi antichi racconti.

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Tra le produzioni spagnole, un biopic sullo stilista Balenciaga

La prima delle produzioni spagnole annunciata durante il Disney+ Day vede come primo prodotto originale la serie Balenciaga (ancora con titolo provvisorio). La serie drama originale che arriva dalla Spagna racconta la storia di un uomo che sfida il suo status sociale in quanto figlio di una sarta e di un pescatore. Usando il suo talento naturale, Balenciaga diventerà uno dei più importanti stilisti di moda di tutti i tempi. Creata da Lourdes Iglesias, da Jon Garaño e da Aitor Arregi (The Endless Trench), la serie è una storia sulla ricerca della propria identità. Il pubblico assisterà alla vita di questo maestro della moda.

Tanta avventura con la serie Nautilus

Questa nuova serie Disney live-action d’avventura, che vi avevamo già anticipato qui, sarà ispirata al romanzo di Jules Verne “Ventimila leghe sotto i mari”.  La grande novità è che Nautilus ha trovato la sua stella e il suo regista principale. Shazad Latif (Star Trek: Discovery, The Pursuit of Love) interpreterà il ruolo iconico del Capitano Nemo. L’attore sarà infatti l’enigmatico personaggio del principe indiano che ruba un fantastico sottomarino e salpa alla ricerca di avventure. Michael Matthews (Love and Monsters, Five Fingers From Marseilles), invece, dirigerà questa inedita storia di formazione.

Wedding Season: dramma, matrimoni e thriller

Un’altra novità che arriva dalla Spagna riguarda invece la commedia romantica thriller Wedding Season. Gavin Drea (Valhalla, Valerian e la città dei mille pianeti) è stato annunciato come protagonista accanto a Rosa Salazar (Insurgent, Maze Runner: La fuga, Maze Runner: La rivelazione). Nei ruoli degli amanti tira e molla Stefan e Katie, il pubblico conoscerà i due personaggi durante il giorno del matrimonio della ragazza, che si ritroverà circondata dai cadaveri del suo nuovo marito e di ogni membro della sua famiglia.

Continuate a seguirci per tutte le novità del giorno riguardanti Disney+!

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Canzoni di Aladdin: Le Notti d’Oriente

Le notti d’oriente è sicuramente una delle canzoni di Aladdin che sono state cambiate di più nel live action. Anche il testo originale in inglese ha visto alcune modifiche. Oltre a cantare due strofe completamente nuove e a ripetere il ritornello, il Genio di Will Smith in italiano dice parole molto differenti da quelle del Genio di Robin Williams. I cambiamenti in italiano, in questo caso, non sono avvenuti per motivi strettamente legati al doppiaggio, ma più per ragioni di rispetto verso la cultura araba. Le parole del testo del 1992 potevano essere lette in modo negativo, perciò gli adattatori hanno optato per cambiare il testo e riadattarlo in gran parte.

La canzone di Aladdin: La mia vera storia

Se Le notti d’oriente ha mantenuto parte del testo adattato nel 1992, per questioni di labiale nel doppiaggio, la canzone di Aladdin La mia vera storia è stata totalmente cambiata. In sé, il sound stesso è stato cambiato. Nel film del 2019 il brano presenta infatti una componente più parlata e, di conseguenza, anche il testo ha richiesto un adattamento piuttosto diverso.

Arriva in scena il Genio: Un amico come me

Un amico come me è una delle sequenze più importanti e divertenti del film Aladdin. Con questa canzone il Genio si presenta al pubblico e spiega quali sono le sue capacità. La canzone originale del 1992 era stata creata anche e soprattutto basandosi sulle doti recitative di Robin Williams, che era solito adattare e giocare molto con la sua stessa voce. Nel film d’animazione, infatti, improvvisò gran parte del materiale che venne poi animato. Will Smith non avrebbe potuto ripetere ciò che era stato fatto da Williams negli anni ’90, tanto che si era detto essere molto intimorito quando aveva accettato il ruolo. Per questo motivo ha deciso insieme alla produzione di interpretare la canzone in modo diverso dandole sonorità più rap, la sua specialità. Anche in italiano, perciò, sia per adattare alcune nuove parti sia per seguire il labiale del nuovo Genio, la canzone è cambiata molto. Il risultato è comunque orecchiabile e divertente nella sua interezza.

Trasformazione! Il principe Alì

Così come per La mia storia, anche Il principe Alì è una sequenza importante per presentare, in questo caso, la nuova versione del personaggio di Aladdin. A differenza di Un amico come me, le parole di questa canzone nell’originale inglese non sono cambiate troppo. In italiano, tuttavia, sempre a causa del labiale e della cadenza più ritmata della canzone, alcune frasi sono state cambiate o invertite. La sequenza è, tuttavia, talmente colorata e divertente che le differenze nel testo italiano non risultano forzate.

Canzoni di Aladdin: Il mondo è mio

Il mondo è mio, canzone scritta da Alan Menken e Tim Rice che vinse l’Oscar nel 1993, è il brano che ha subito meno cambiamenti nel nuovo adattamento del 2019. Anche in questo caso, le modifiche presenti sono avvenute a causa dell’adattamento al labiale degli attori, molto diverso rispetto a quello dei personaggi nel lungometraggio animato. Le riprese, infatti, sono leggermente differenti e Mena Massoud (Aladdin) e Naomi Scott (Jasmine) sono in primo piano per molto più tempo rispetto alle loro controparti animate.

Vi sono piaciuti i nuovi adattamenti delle canzoni di Aladdin? Quali sono stati i cambiamenti che più vi sono piaciuti e quali quelli che avete trovato meno orecchiabili?

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Ora Menken ha confermato durante un’intervista via Zoom che i due attori torneranno effettivamente a ricoprire i loro ruoli originali nel sequel del film del 2007. Interpreteranno rispettivamente Nancy e il principe Edward, al fianco dei già confermati Amy Adams e Patrick Dempsey.

Menken ha annunciato inoltre che le riprese di Disenchanted sono attualmente in corso e che per quanto riguarda la colonna sonora ha già terminato di scrivere le canzoni e sta dunque lavorando alle musiche.

Tutto quello che sappiamo finora sul film

Le informazioni disponibili finora sulla trama sono davvero poche (e molte sono risalenti al progetto già cominciato nel 2016). Disenchanted, il sequel di Come d’Incanto, dovrebbe essere ambientato 10 anni dopo le vicende del primo film. Giselle (Amy Adams) ha avuto il suo per sempre felici e contenti ma a distanza di molti anni si ritrova ad avere dei dubbi sulla sua relazione con Robert (Patrick Dempsey). Inavvertitamente causa così degli eventi catastrofici che mandano sottosopra sia il regno di Andalasia che il mondo reale.

A dirigere la pellicola non tornerà il regista del primo film Kevin Lima. Il progetto è stato affidato a Adam Shankman (Hairspray), che dirigerà anche Hocus Pocus 2.

Il sequel di Come d’Incanto non arriverà tuttavia al cinema: sarà infatti distribuito esclusivamente in streaming su Disney+.

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Spookyzone è un fumetto pensato per i giovani lettori dai 6 anni in su. Il costo del magazine e del Memo Game in allegato al primo numero è di 4,90 euro.

Spookyzone – Il College dei Mostri: la trama

La storia del primo numero di Spookyzone si intitola Il College dei Mostri (di Alessandro Gatti e Stefano Ambrosio).

Qui, Quo e Qua diventano studenti ambasciatori della scuola di Paperopoli e vengono coinvolti in uno speciale programma che li porterà “in missione” in giro per il mondo. Viaggeranno di Paese in Paese, incontrando altri studenti e altre culture. Tuttavia, ciò che li attende è tutt’altro che un tranquillo tour scolastico! I tre combinaguai si trasformeranno in veri e propri detective del brivido per risolvere i misteri di una scuola londinese. Il Gooseberry College è infatti la prima tappa del loro viaggio. Spookyzone – Il College dei mostri è un’avventura spaventosa ricca di colpi di scena. Riusciranno i tre paperotti a salvare la situazione prima che sia troppo tardi?

Oltre a Qui, Quo e Qua, nella squadra del mistero ci sono anche altri personaggi. In particolare due ambasciatori scolastici di nome Elinah e Tomiko che provengono rispettivamente dal Kenya e dal Giappone. Tutti insieme i protagonisti sono pronti ad affrontare qualsiasi pericolo… o quasi!

L’appuntamento è in edicola e su Panini.it ogni due mesi.

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Siete pronti a immergervi nuovamente nelle strade di New York e nell’Ante-Mondo?

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La trama

Nel nuovo film Pixar Soul, Joe Gardner, un insegnante di musica di scuola media, ha l’occasione unica di suonare nel migliore locale jazz della città. Ma un piccolo passo falso lo porterà dalle strade della città di New York all’Ante-Mondo, un luogo fantastico dove le nuove anime sviluppano personalità, interessi e manie prima di andare sulla Terra. Determinato a ritornare alla propria vita, Joe si allea con 22, un’anima precoce che non ha mai capito il fascino dell’esperienza umana. Mentre Joe cerca disperatamente di mostrare a 22 cosa renda la vita così speciale, troverà le risposte alle domande più importanti sull’esistenza.

Soul è diretto dal premio Oscar Pete Docter (Inside Out, Up) e co-diretto da Kemp Powers (Quella notte a Miami…). Alla produzione vi è la candidata all’Accademy Award Dana Murray (Lou, corto d’animazione Pixar). Dal 31 marzo 2021 sarà disponibile Soul in DVD, Blu Ray e sulle piattaforme digitali.

Soul in DVD, Blu-Ray e Steelbook: i pack 

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I contenuti speciali

Questi i contenuti speciali che troverete nelle edizioni di Soul in Blu-Ray

Blu-Ray:

• Commento audio – Versione del film con il commento audio del regista Pete Docter, il co-regista Kemp Powers e la produttrice Dana Murray.

• Non un qualsiasi Joe – Approfondimento sulla minuziosa attenzione ai dettagli che ha accompagnato il processo di creazione di Joe e della sua storia nel primo film Pixar che ha un protagonista afroamericano.

• Caramella astrale – Uno sguardo ravvicinato sulle innovazioni tecniche utilizzate per ricreare le ambientazioni e i personaggi del mondo di Soul.

Disco Bonus (incluso nell’edizione Blu-Ray Steelbook^®):

• Scene eliminate:
  • Introduzione – Il co-sceneggiatore Mike Jones e la Story Supervisor Kristen Lester introducono le scene eliminate agli spettatori.
  • Orientamento mentori – Joe si intrufola nell’Io-Seminario del programma di orientamento per cercare di trovare un modo per tornare sulla Terra.
  • Circolo nascosto – Joe segue 22 nel suo “nascondiglio segreto” dopo che l’anima accetta con riluttanza di aiutarlo a tornare sulla Terra.
  • Compiti a casa – Intrappolata dentro il corpo di Joe, 22 prova maldestramente ad aiutare la vicina del piano di sotto.
  • Vivere il sogno – Joe fa una chiacchierata a quattr’occhi con 22 riguardo la sua paura di andare sulla Terra, per poi tentare di tornare a casa tramite un portale dei sogni.
  • Servizio fotografico – Joe, intrappolato nel corpo di un gatto, e 22, nel corpo di Joe, prendono la metropolitana per raggiungere il locale jazz per un servizio fotografico.

• Piuttosto profondo per un cartone – I filmmakers affrontano grandi domande come: “Come nasce la personalità di un neonato? Qual è il significato della vita?” e altre ancora.

• In Bolla: la musica e il suono di Soul – Estratto che esplora i diversi universi sonori del film e spiega in che modo la musica accompagna e aggiunge specificità al viaggio di Joe.

• Soul, Improvvisato – Il team Pixar Systems e la squadra di Soul raccontano come hanno fatto a concludere in tempo il film durante il picco della pandemia Covid-19.

• I grandi del jazz – I giganti del mondo del Jazz coinvolti per Soul condividono la passione e la consapevolezza duramente costruita su cosa sia la musica e cosa faccia per tutti noi.

• Trailer

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Ma cos’è CineMarmocchi?

Il progetto CineMarmocchi vuole creare un cinema a misura di bambino, costruito “alla Montessori”. Gli organizzatori vogliono infatti puntare sull’importanza dell’integrazione e sull’educazione al linguaggio cinematografico. La programmazione dei film di CineMarmocchi prenderà spunto dalla multiculturalità che contraddistingue il quartiere Giambellino e proporrà per questo anche titoli inediti e in lingua originale con sottotitoli, coinvolgendo attivamente la comunità con incontri e i dibattiti insieme a ospiti, registi e autori. Insieme alla rassegna di film, saranno presenti ulteriori attività da svolgere, tra cui mostre, concerti, letture e giochi all’aria aperta.

La raccolta fondi per il CineMarmocchi è attiva dal 28 gennaio sulla piattaforma del crowdfunding civico del Comune di Milano sul sito Produzioni dal Basso. La raccolta in un primo momento servirà a realizzare una rassegna cinematografica all’aperto nei mesi estivi del 2021. A seguire, i soldi del crowdfunding serviranno all’acquisto della struttura che ospiterà la vera e propria sala cinematografica che entrerà in funzione il prossimo autunno.

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Riguardo al progetto, Anastasia Plazzotta, Ceo di Wanted Cinema, ha dichiarato:

“La situazione attuale è estremamente difficile e, nonostante ciò abbiamo deciso di imbarcarci in questa follia spinti dal nostro amore per il cinema e dalla convinzione che avremo un futuro solo se la cultura tornerà a occupare un posto privilegiato nella vita di tutti i giorni. Solo la nostra passione e l’amore per la settima arte ci ha dato la forza di proporre un progetto così ambizioso, ora che le sale sono chiuse e che non ci possiamo nemmeno incontrare. Ma è proprio perché siamo sicuri dell’importanza della condivisione per salvarci dall’isolamento culturale, che abbiamo avuto la forza di proporre questo progetto. Da soli non ce la possiamo fare. Goccia dopo goccia, l’aiuto di ciascuno ha il potere di far nascere un nuovo cinema a Milano!”

Una ricompensa per i donatori Disneyani

A seconda della donazione, ogni partecipante al crowdfunding potrà aggiudicarsi una ricompensa tra quelle a disposizione per il progetto CineMarmocchi. Diverse personalità famose hanno subito aderito e hanno proposto attività che potrete ottenere se deciderete di sostenere il progetto. Tra essi ci sono gli scrittori Roberto Saviano e Sandro Veronesi e il critico cinematografico Gianni Canova.

Una sorpresa speciale attende invece gli appassionati del cinema Disney: chi donerà almeno 35 euro potrà avere accesso a un workshop sull’animazione Disney-Pixar tenuto da Simone Soranna, redattore di Longtake, docente universitario e collaboratore di Sky Cinema. Il workshop si terrà online dal 20 al 22 aprile e per chi donerà per il CineMarmocchi sono a disposizione 10 biglietti.

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Nella nuova avventura, Zio Paperone e Paperino lasciano Paperopoli e tornano in Italia. I padroni di casa di quest’edizione sono proprio loro: Amaduck e Rosario Paperello (ovvero le paperizzazioni di Amadeus e Fiorello). A loro è anche dedicata una cover da collezione, illustrata da Alessandro Perina, sul numero 3406 di Topolino.

Amaduck e Rosario Paperello sono pronti a coronare il loro sogno, ovvero condurre il Festival di SanRomolo insieme. Riusciranno a portare a termine le cinque serate, tra imprevisti e disguidi dell’ultimo minuto, causati anche da uno sponsor d’eccezione (ovvero Zio Paperone con la sua app musicale “P.d.P. Music”)?

A sceneggiare la storia dedicata al Festival di SanRomolo è Pietro B. Zemelo, con i disegni di Alessandro Perina, Federico Franzò e Luca Usai.

Due numeri di Topolino assolutamente da non perdere, perfetti per accompagnare con storie divertenti l’evento musicale italiano più amato di sempre. L’appuntamento con il Festival di SanRomolo è in edicola e su Panini.it da mercoledì 24 febbraio.

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