La The Walt Disney Company, terminato l’evento, ha annunciato che il film, premiato al Sundance Film Festival, arriverà il 27 febbraio 2025 nelle sale italiane.

Jesse Eisenberg and Kieran Culkin on the set of A REAL PAIN. Photo by Agata Grzybowska, Courtesy of Searchlight Pictures, © 2024 Searchlight Pictures All Rights Reserved.

QUI POTETE VEDERE IL TRAILER!

La sinossi di A Real Pain

A Real Pain segue David (Jesse Eisenberg) e Benji (Kieran Culkin), due cugini non in sintonia tra loro, che si ritrovano per un tour in Polonia in onore della loro amata nonna. L’avventura prende una svolta quando le vecchie tensioni della strana coppia riemergono sullo sfondo della loro storia familiare.

Il cast del film

Searchlight Pictures presenta A Real Pain, scritto e diretto dal candidato all’Academy Award® Jesse Eisenberg (The Social Network, Benvenuti a Zombieland). Il film è interpretato da Eisenberg insieme al vincitore dell’Emmy® e del Golden Globe® Kieran Culkin (Succession, Scott Pilgrim vs. the World). A completare il cast, il vincitore del BAFTA e candidato all’Emmy® Will Sharpe (The White Lotus), la candidata al Golden Globe® Jennifer Grey (Dirty Dancing), Kurt Egyiawan (Beasts of No Nation), Liza Sadovy (A Small Light) e Daniel Oreskes (Il caso Thomas Crown, Only Murders in the Building). Il film è prodotto da Dave McCary (Saturday Night Live, I Saw the TV Glow), Ali Herting (Bodies Bodies Bodies, The Curse), Emma Stone (Povere Creature!, Crudelia), Eisenberg, Jennifer Semler (Theater Camp) ed Ewa Puszczyńska (La zona d’interesse, Cold War).

Dietro la macchina da presa di A Real Pain troviamo il direttore della fotografia Michał Dymek (EO), la scenografa Mela Melak (Lipstick on the Glass), la costumista Małgorzata Fudala (The Girl with the Needle), la responsabile del reparto makeup Olga Neihauer (Milosc na pierwsza strone), il montatore Robert Nassau (The Big Sick – Il matrimonio si può evitare… l’amore no) e la direttrice del casting Jessica Kelly (X, Midsommar – Il viaggio dei dannati).

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Di seguito potete vedere il trailer italiano del film interpretato da Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell e Claire Foy. Estranei, come comunicato ufficialmente dalla The Walt Disney Company, è in arrivo nel 2024 (presumibilmente al cinema, e non su Disney+, esattamente come per gli altri paesi dove la distribuzione è presente).

Il trailer di Estranei

Questa la sinossi ufficiale del film:

Una notte, nel suo condominio quasi vuoto nella Londra contemporanea, Adam (Andrew Scott) ha un incontro casuale con un misterioso vicino di casa, Harry (Paul Mescal), che spezza il ritmo della sua vita quotidiana. Mentre si sviluppa una relazione tra i due, Adam è ossessionato dai ricordi del passato e si ritrova attratto nella città di periferia in cui è cresciuto e nella casa d’infanzia in cui i suoi genitori (Claire Foy e Jamie Bell) sembrano vivere, proprio come il giorno della loro morte, 30 anni prima. 

In calce il poster localizzato di Estranei:

In passato la The Walt Disney Company Italia presentò già altri titoli del proprio listino come Le avventure di Olaf, Ron – Un amico speciale, Eternals, Amsterdam e The Menu.

Informazioni sul film

Il film è una produzione Searchlight Pictures, in associazione con Film4 e TSG Entertainment, Blueprint Pictures. Estranei è prodotto da Graham Broadbent, Pete Czernin e Sarah Harvey. Il film, scritto e diretto da Andrew Haigh e ispirato al romanzo “Estranei” di Taichi Yamada. La fotografia è di Jamie D. Ramsay, SASC, le scenografie di Sarah Finlay, i costumi di Sarah Blenkinsop, le acconciature e il trucco di Zoe Clare Brown. Il montatore è Jonathan Alberts, ACE, mentre le musiche sono di Emilie Levienaise-Farrouch.

Curiosi di vederlo?

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Al cinema da giovedì 27 ottobre, è stato presentato ad Alice nella Città alla presenza del regista Josh Gordon e di Luigi Strangis, ultimo vincitore di amici che presta la voce a Lyle nella versione italiana.

Il film è l’adattamento di un noto libro di bambini che ha tra i temi portanti quello della famiglia e di come si possa trovare quando meno uno se lo aspetta. “Quando abbiamo adattato il libro ci siamo resi conto come uno dei temi portanti è il potere dell’amore. Come possa liberare e far uscire la tua voce, a non avere paura degli altri, di come si presentano. Un tema molto importante per noi ed è molto utile mostrarlo oggi vista la situazione attuale del mondo” ha dichiarato il regista Josh Gordon.

Un film che ha visto la presenza del cantante Shawn Mendes con il quale i registi hanno lavorato a stretto contatto per diversi mesi in studio di registrazione: “ Lo abbiamo ripreso mentre si esibiva e abbiamo ripreso le sue espressioni faciali, la sua recitazione. Tutti elementi che poi gli animatori hanno usato per ricreare il personaggio di Lyle. Abbiamo riportato nel personaggio l’esprimersi attraverso le canzoni”.

Al suo fianco in Il talento di Mr Crocodile troviamo l’attore premio Oscar Javier Bardem che ha sposato subito il progetto. Gordon ha rivelato come l’attore spagnolo sia stato subito entusiasta di partecipare al film: “ha amato la sceneggiatura quando l’ha letta e ci ha fatto subito capire che era interessato ad interpretare Lyle. Per noi è stato entusiasmante. Abbiamo avuto quattro incontri separati per parlare del film e quello che lo attirava in particolare era che, sebbene lui sia noto per ruoli seri, desiderava mostrare al pubblico la sua parte tenere, divertente e affascinante di se stesse. Anche il fatto che sapesse ballare e cantare. Era anche affascinato a come si recita davanti a qualcuno che non c’è”.

Inoltre ha rivelato come si siano ispirati all’epoca d’oro dei musical di Hollywood, a La principessa e il ranocchio, E.T., Il gigante di ferro e “un cartone molto più vecchio che forse non si conosce che è L’uomo e la rana. Dove l’uomo prova a far cantare la rana che però si zittisce e lui va in rovina”.  Proprio le canzoni e le musiche sono uno degli aspetti iconici del film. Composte da Matthew Margeson (musica) e Benj Pasek & Justin Paul (testi), hanno saputo dare vita a canzoni capaci di “trasmettere passione. Inoltre ti risuonavano sempre in testa”.

Un film di non facile realizzazioneIl talento di Mr. Crocodile, soprattutto perché dare vita ad un coccodrillo che “deve sembrare cattivo a prima vista, è un coccodrillo, allo stesso tempo dovevamo dargli un’anima, essere amabile. Ci siamo concentrati sugli occhi per trasmettere la sua personalità”.

Voce italiana del coccodrillo canterino è Luigi Stragis, il quale si è detto onorato di aver avuto la possibilità di lavorare con musicisti e compositori internazionali: “è stato un onore e non ci credevo. Mi ha stupito non solo il testo ma come le canzoni fossero classiche e contemporanee allo stesso tempo”. Un lavoro quello fatto su Lyle che da un certo punto di vista è risultato facile perché: “prima di iniziare a registrare ho studiato le scene per capire bene il contesto e guardare bene i movimenti e le espressioni per poi interpretare al meglio il tutto. Che poi è quello che si fa quando si canta una canzone. Fortunatamente era qualcosa di automatico, è stato semplice perché già vedevo cosa pensavo. In generale il lavoro è stato guardare e poi fare mio il tutto cercando di non snaturare il personaggio. Lyle è sempre sorridente, tranquillo e si fa prendere dalle cose giuste. È un po’ come me”. Inoltre in molte scene si è particolarmente immedesimato: “era come se stessi rivivendo quello che avevo vissuto. Sostanzialmente stavo facendo me stesso”.

Il talento di Mr. Crocodile è film che il giovane cantante sente suo: “la famiglia è un tema fondamentale che ho sentito tanto, sono molto legato alla mia famiglia. È stato bello rivederlo nel film. Uno dei temi è anche quello di non fermarsi mai all’apparenza e di continuare a sognare nonostante tutto. Un messaggio che spero arrivi ai più giovani.”

Infine tra i messaggi che i registi si auspichino arrivi a tutti sono l’importanza di credere in se stessi e il sostegno reciproco: “per trovare la propria voce è necessario che tu creda in te stesso. Per noi questo film parla del potere dell’amore e della sua capacità di liberare le tue potenzialità. Inizialmente Lyle è sfruttato e per questo non riesce più a cantare perché sente che Hector ha bisogno di qualcosa da lui. Quando conosce Josh vede come riceva amore incondizionato e gli consente di liberarsi e trovare la propria voce”. Parole di Josh Gordon a cui Stragis ha aggiunto che : “la condivisione ed il sostegno sono fondamentali. Con il sostegno riesci anche a saper sostenere il prossimo“.

Il talento di Mr Crocodile vi aspetta al cinema dal 27 ottobre con Sony Pictures Entertainment.

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Domenica 23 ottobre, gli accreditati della Festa potranno assistere ai primi due episodi della serie, mentre il pubblico avrà la possibilità di vederli in anteprima il giorno successivo. Lunedì 24, infatti, il cast di Boris 4 introdurrà la proiezione sia presso la Sala Sinopoli dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone che all’Auditorium Conciliazione.

QUI altre novità sulla Festa del Cinema  di Roma.

La sinossi di Boris 4

Dopo tre stagioni e un film, scritte e dirette da Mattia Torre, Giacomo Ciarrapico e Luca Vendruscolo, Boris 4 torna sugli schermi per raccontare, ancora una volta, con un linguaggio satirico e fuori dagli schemi, il dietro le quinte del mondo del cinema e della televisione italiani. Sono passati più di dieci anni e tutto è cambiato. La morente tv generalista – con i suoi medici buoni e le paternali contro la droga – è ancora più morente e perfino René e i suoi amici ora lavorano per una Piattaforma globale. La serie che René deve girare stavolta è Vita di Gesù, da un’idea di Stanis La Rochelle. Che non solo vestirà i panni del protagonista, notoriamente morto a 33 anni quando lui ne ha 50, ma anche quelli di produttore, con la sua SNIP (So Not Italian Production). Stanis l’ha fondata con Corinna, che da qualche anno è anche sua moglie. La scrittura di Vita di Gesù è stata affidata ai soliti tre sceneggiatori. Coproduttore e organizzatore è Lopez, che, in pensione dalla Rete, si è reinventato produttore con la sua QQQ (Qualità, Qualità, Qualità). L’occasione da non lasciarsi sfuggire è che la Piattaforma europea più importante sta seriamente prendendo in considerazione il progetto ma, prima del via libera definitivo, serve l’approvazione delle sceneggiature (il “lock”) da parte dell’Algoritmo. Tutto sembra procedere bene ma cosa comporterà lavorare sotto questo nuovo padrone? René saprà approfittare della nuova occasione per girare una serie finalmente di qualità, ma soprattutto i nostri sapranno adattarsi al mondo che è cambiato così rapidamente?

Il numerosissimo cast

Nel cast di Boris 4, accanto ad alcune new entry, tornano tutti i gli amati interpreti delle passate stagioni: in ordine alfabetico, Luca Amorosino, Giulia Anchisi, Valerio Aprea, Massimiliano Bruno, Ninni Bruschetta, Raffaele Buranelli, Aurora Calabresi, Paolo Calabresi, Astrid Casali, Antonio Catania, Eugenia Costantini, Carolina Crescentini, Cecilia Dazzi, Massimo De Lorenzo, Giordano De Plano, Alberto Di Stasio, Caterina Guzzanti, Corrado Guzzanti, Angelica Leo, Andrea Lintozzi, Emma Lo Bianco, Jerri Mastrodomenico, Francesco Pannofino, Lucio Patanè, Cristina Pellegrino, Maurizio Pepe, Edoardo Pesce, Giuseppe Piromalli, Alessio Praticò, Karin Proia, Andrea Purgatori, Carlo De Ruggieri, Andrea Sartoretti, Pietro Sermonti, Alessandro Tiberi, Giorgio Tirabassi e Nina Torresi.

Quanto aspettate Boris 4?

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Per l’occasione è stata diffusa la prima clip del film, dedicata all’incontro tra Hector P. Valenti e il piccolo Lyle.

Di seguito, invece, la magia della musica è nel nuovo poster de Il talento di Mr. Crocodile ad Alice nella città che ci mostra i tre protagonisti, Hector P. Valenti, Lyle ed il giovane Josh, nelle strade di New York, in quella che sembra una posa che fa l’occhiolino alla celebre copertina dei The Beatles.

QUI, QUI e QUI potete leggere le news precedenti sul film.

Il talento di Mr Crocodile ad Alice nella città

Luigi Strangis, la voce che interpreta anche le canzoni italiane del protagonista, il coccodrillo Lyle, saluterà il pubblico e i fan sul red carpet della manifestazione in programma a Roma dal 13 al 23 ottobre. Il talentuoso cantante e polistrumentista, dopo aver vinto l’ultima edizione di Amici, ha esordito con l’album dal titolo “Strangis” che ha conquistato il vertice della classifica italiana.

Informazioni sul film

Tratto dalla serie di libri best-seller di Bernard Waber, Il talento di Mr Crocodile è un live-action per tutta la famiglia che racconta la storia del coccodrillo Lyle e le sue avventure insieme alla famiglia Primm.

Diretto e prodotto da Will Speck e Josh Gordon, scritto da Will Davies, Il Talento di Mr. Crocodile vede nel cast Javier Bardem, Constance Wu, Winslow Fegley, Scoot McNairy, Brett Gelman.

Il film contiene canzoni originali interpretate da Shawn Mendes e scritte dagli autori di The Greatest Showman, Benj Pasek e Justin Paul.

Il Talento di Mr. Crocodile, dal 27 ottobre, solo al cinema, è prodotto da Sony Pictures e distribuito da Warner Bros. Entertainment Italia: Quando la famiglia Primm (Constance Wu, Scoot McNairy, Winslow Fegley) si trasferisce a New York, il giovane figlio Josh fatica ad adattarsi alla nuova scuola e ai nuovi amici. Tutto cambia quando scopre Lyle, un coccodrillo canterino che ama i bagni, il caviale, la grande musica e che vive nella soffitta della sua nuova casa. I due diventano subito amici, ma quando l’esistenza di Lyle viene minacciata dal malvagio vicino Mr. Grumps (Brett Gelman), i Primm devono unirsi al carismatico proprietario di Lyle, Hector P. Valenti (Javier Bardem), per dimostrare al mondo che si può trovare una famiglia anche nelle situazioni più inaspettate e che non c’è niente di male in un grande coccodrillo canterino con una personalità ancora più grande.

Vedrete Il talento di Mr Crocodile ad Alice nella città?

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Protagonista della vicenda è Suzu, studentessa liceale diciassettenne che vive in campagna con il padre. La ragazza si è chiusa in sé stessa sin da quando in tenera età ha perso sua madre, non riuscendo più a dedicarsi alle sue passioni. La sua vita cambia quando decide di iscriversi a U, mondo virtuale che ha 5 miliardi di utenti. Qui la timida ragazza si trasforma nell’avatar Belle e ben presto attira l’attenzione di tutti grazie alla sua voce e alla sua musica. In questo nuovo mondo incontrerà anche un misterioso Drago con cui inizierà il viaggio alla ricerca della loro vera natura.

Dopo essere stati catapultati direttamente in U e averci presentato la star del mondo virtuale, ovvero la cantante Belle, Mamoru Hosoda ci porta a fare la conoscenza di Suzu, la ragazza che si cela dietro l’amata avatar. Suzu, a differenza della sua controparte virtuale, è timida e riservata, tutt’altro che popolare e appariscente. Due facce di una stessa medaglia in quanto Belle non è altro che la rappresentazione in codice binario della bellezza interiore della ragazza e del suo talento musicale. Suzu è il classico personaggio che non riesce a relazionarsi con le persone che le stanno intorno in maniera naturale ed è incapace di dare sfogo a tutta la sua creatività a causa della sua grande timidezza, che però svanisce in un mondo in cui nessuno sa chi è.

Attraverso un nuovo mondo, e quindi iniziando una nuova vita, la ragazza riesce a ritrovare la sua voce e farla sentire a tutti, incurante di cosa gli altri utenti pensino di lei. Grazie all’anonimato e a una nuova fiducia, data anche dal bell’aspetto del suo avatar Belle, Suzu inizierà un lungo e un non facile percorso di guarigione da un trauma infantile che le farà anche fare pace col suo passato. L’incontro con il “villain” di U e la sua conoscenza le farà capire i motivi del gesto di sua madre. Una rivelazione catartica che la porterà a maturare ed essere più forte e indipendente, trovando anche quel coraggio necessario ad affrontare gli ostacoli che la vita ci pone davanti.

La storia raccontata in Belle ci mostra quindi il passato della protagonista, il motivo che l’ha spinta ad iscriversi a U e come Belle sia diventata in poco tempo la cantante virtuale più amata al mondo. Una storia delicata, appassionata ed appassionante che ci mostra l’incontro della bella e della bestia del mondo virtuale, ricordandoci che la bestia che è in noi è solo una sfaccettatura dell’essere umano e quindi non ha senso negarla.

Il regista ci racconta quindi l’evolversi di un rapporto che nasce in maniera burrascosa e che lentamente e  inesorabilmente farà avvicinare i due, che si scopriranno più simili di quanto credano. Un legame sicuramente inaspettato e non facile da mantenere, soprattutto perché Drago tiene Belle a distanza, ritenendosi non meritevole della sua gentilezza. Si tratta di un chiaro omaggio al Classico Disney La Bella e la Bestia – anche a livello visivo, con tanto di scena di ballo – e che, come nel film del 1991, fa della Bestia un essere incompreso e odiato perché diverso.

Sarà proprio Belle a vedere in lui bellezza e fragilità e quindi a essere la prima a trattarlo come un essere umano e non come un mostro. Il rapporto tra i due ricorda anche il più classico cliché (non necessariamente una storia d’amore, come in questo caso) tra la ragazza dolce e romantica e il teppista di turno. Un teppista che nasconde la sua solitudine e il suo sentirsi fuori posto dietro aggressività e un avatar mostruoso, che rispecchia cosa la gente pensi di lui.

Quella raccontata in Belle è dunque una favola moderna, che riesce a essere fuori dal tempo, ma allo stesso modo molto attuale ed ancorata alla realtà, in particolare quella dei social network. Se Belle e il Drago risultano essere in qualche modo personaggi eterei e atemporali, il mondo virtuale di U che li circonda è “tangibile” e “reale” e cala i due in una realtà specchio di quella reale e sicuramente più vera, poiché ogni avatar non è altro che la rappresentazione dell’alter ego di ogni utente.

Realtà virtuale si unisce al mondo reale: due facce di una stessa medaglia che si influenzano direttamente e tramite i quali l’utente può riuscire a realizzare sé stesso. Belle è un cammino verso la consapevolezza di sé, un viaggio di crescita doloroso ma necessario che porterà Suzu a fare i primi passi nell’età adulta. In questo senso, il titolo offre una doppia chiave di lettura, richiamando da un lato la favola de La Bella e la Bestia e dall’altro la ricerca della propria bellezza interiore. Una storia di coraggio capace di emozionare sin dai primi minuti. Assolutamente da vedere.

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Dopo aver rinunciato alla regia de Il castello errante di Howl a causa di divergenze creative, Mamoru Hosoda diresse il film di One Piece L’isola segreta del barone Omatsuri e successivamente venne assunto in Madhouse dove realizzò nel 2006 La ragazza che saltava nel tempo, con il quale vinse il premio come miglior film d’animazione ai Japan Academy Awards.

Tre anni più tardi fu la volta di Summer Wars, altro grande successo, e nel 2012 di Wolf Children, considerato da molti il suo lavoro migliore e primo film prodotto dalla Studio Chizu, fondato dallo stesso Hosoda insieme a Yuichiro Saito. Il film successivo fu The Boy and the Beast, maggior successo al box office del regista, mentre nel 2018 arrivò Mirai, candidato ai Golden Globe e ai premi Oscar come miglior film d’animazione.

Per festeggiare i 10 anni dello Studio Chizu, Mamoru Hosoda è tornato alla regia con Belle, che ha presentato in anteprima italiana ad Alice nella Città, in attesa di poterlo vedere al cinema il prossimo anno. Proprio in occasione della kermesse cinematografica lo abbiamo incontrato. Ecco cosa ci ha raccontato sul film e sul suo cinema in generale.

Vorrei partire dal titolo, che ha varie letture e una di queste è la bellezza interiore. La protagonista Suzu fa un lungo viaggio interiore per trovare sé stessa, anche Lei ha affrontato un percorso simile?

Mamoru Hosoda: Come hai sottolineato, Belle ha due chiavi di lettura: il primo significato ovviamente si rifà a La Bella e la Bestia e il secondo alla bellezza interiore e a cosa intendiamo per “bellezza”. La favola originale è stata scritta in un periodo in cui il canone di bellezza era imposto dall’uomo essendo una società maschilista, ma come stanno le cose oggi? Nel film, soprattutto nella seconda parte, Suzu affronta un percorso e impara ad avere più sicurezza in sé; questo fa sì che diventi più forte mentalmente. Ha qualcosa da proteggere e questo fortifica il suo spirito. E oggi forse è questo il nuovo canone di bellezza a cui aspiriamo.

Come già annuncia il titolo, l’ispirazione principale di Belle è la favola europea de La Bella e la Bestia, ma nel film possiamo ritrovare anche la favola giapponese del poeta che si trasforma in tigre di Atsushi Nakajima. In che modo queste due storie così diverse si intersecano e danno vita a una storia nuova?

Mamoru Hosoda: In Occidente avete familiarità con la storia de La Bella e la Bestia, ma sì, il film è ispirato anche alla storia Sangetsuki di Atsushi Nakajima, scritta nel periodo Meiji, dove un uomo non riesce a diventare un poeta e diventa invece una tigre. Qui non c’è la contrapposizione della Bestia con la Bella. In questa storia anche la Bestia è una sfaccettatura dell’essere umano: era importante che il personaggio non fosse presentato come qualcosa che deve essere negato, ma come una parte di noi stessi.

La scelta di raccontare luci e ombre dei social media è nata anche pensando a sua figlia, alla preoccupazione per il suo futuro e a cosa la aspetta una volta cresciuta. È vero che c’è anche questo lato personale nella sua voglia di scrivere questo film?

Mamoru Hosoda: Complimenti perché sono informazioni riservate! (ride). Credo che vivere il passaggio all’adolescenza in un mondo con i social media sia molto difficile, anche perché si ha la sensazione di essere costretti a partecipare, riprendersi, iscriversi a questi spazi virtuali perché trendy, altrimenti vieni messo da parte. Mettono ancora più in risalto le differenze sociali tra i ragazzi, si parla di caste nelle scuole. Si vede come chi non partecipa alle chat di gruppo viene emarginato. Avendo una figlia di 5 anni, mi chiedo se una volta cresciuta sarà in grado di sopravvivere all’interno di questo mondo. È per questo che voglio dare un messaggio di supporto e speranza ai ragazzi che vivono con questi complessi.

Infatti lei non è sui social network, solo su Twitter. Esatto?

Mamoru Hosoda: Ci sono diversi motivi per cui non sono sui social… Da una parte ho subìto anche io atteggiamenti poco simpatici nei miei confronti. Inoltre credo che un artista debba esprimere la propria creatività in altri modi, non a piccole dosi sui social network. Credo si debba accumulare la voglia di creare, per poi esplodere ed esprimersi attraverso le proprie opere.

Quest’anno ricade il 50° anniversario di Lupin III e uno dei film che l’ha maggiormente ispirata è Il castello di Cagliostro di Miyazaki. Se le offrissero di dirigere un film sul personaggio, lo farebbe? C’è un personaggio della sua infanzia di cui le piacerebbe dirigere un film?

Mamoru Hosoda: Ci sono tante persone che hanno rievocato Lupin III, ma io sono soddisfatto solamente a rivedere le opere di quando ero piccolo. Per cui no, non ci ho mai pensato.

Nei suoi film è spesso presente un altro mondo, i personaggi si ritrovano in un’altra dimensione, che in qualche modo li aiuta a ritrovare loro stessi. Ci sono stati nel corso della sua vita film che hanno avuto su di lei lo stesso effetto?

Mamoru Hosoda: Il mondo di U è una realtà virtuale in cui non solo l’utente si realizza attraverso la rappresentazione dell’alter ego, ma viceversa proprio attraverso quell’alter ego cambia anche la realtà. Vedere un film dà l’opportunità di entrare in un altro mondo e una volta tornati alla nostra realtà riusciamo ad arricchire la quotidianità, e questo è un tesoro. Io sono cinefilo e molte sono le opere che mi hanno ispirato, ma se devo proprio individuarne una cito il regista spagnolo Víctor Erice e il suo film Lo spirito dell’alveare (El espíritu de la colmena).

Anche la famiglia è un tema ricorrente nel suo cinema. Abbiamo la maternità in Wolf Children, la paternità in The Boy and the Beast e la fratellanza in Mirai. Cosa trova di particolarmente interessante in questa tematica?

Mamoru Hosoda: La mia infanzia non è stata piena di bei ricordi con i miei genitori e parenti, anzi è stata abbastanza povera da questo punto di vista. Inoltre essendo figlio unico sono stato vittima di scherno per questo, dato che ai miei tempi in Giappone era insolito non avere fratelli o sorelle. È quasi una legge del contrappasso: proprio perché non ho avuto una famiglia come fulcro importante, ora da adulto ne sento forse la mancanza. Forse attraverso questi film ringrazio i miei genitori, che purtroppo non ci sono più. Lì per lì non sentivo la mancanza di una famiglia, perché quella era la mia normalità, però diventando adulto ho iniziato a guardare il passato con occhi diversi.

Qual è secondo lei il legame che c’è oggi tra il cinema animato e quello live action?

Mamoru Hosoda: Si può dire che fino agli anni ’70/’80 i generi erano molto marcati. Credo che l’animazione sia solamente una modalità di espressione e non più un genere, è un mezzo perché l’obiettivo è creare un’opera cinematografica. I confini sono diventati più grigi. Quando mi confronto con colleghi come Kore’eda o Yamauchi non sentiamo la differenza tra regista live action e di animazione, per noi adesso è più importante cosa vogliamo esprimere e rappresentare.

In Occidente stiamo vivendo un momento di esplosione dell’animazione giapponese grazie alle piattaforme streaming e questo ha aumentato la richiesta da parte del pubblico di tali prodotti. Qual è la fotografia attuale dell’industria dell’anime in Giappone?

Mamoru Hosoda: Grazie all’utilizzo di tali piattaforme le persone hanno iniziato a scoprire sempre di più il lato divertente dell’animazione. E sicuramente un ruolo importante lo ha avuto la pandemia, “grazie” alla quale abbiamo avuto modo di approcciarci a prodotti con background differenti dal nostro. Detto ciò tengo a precisare che Belle è stato pensato per il grande schermo, quindi mi dispiace pensare che qualcuno potrebbe guardarlo su PC o piccoli device, è un’opera che va vista e gustata al cinema. Riguardo le piattaforme streaming, ormai gli artisti sono dei meri fornitori e credo in futuro possa diventare un problema per tutto il settore.

Negli ultimi anni le piattaforme stanno anche proponendo versioni live action di manga e anime storici, lei cosa ne pensa? 

Mamoru Hosoda: È difficile rispondere, entriamo nel campo dei gusti personali, che sono influenzati dal nostro vissuto. Posso dire che a volte le opere sono state realizzate bene, altre un po’ meno. Ripeto, sono gusti. Ad esempio io nel 1991 sono rimasto colpito dal Classico Disney La Bella e la Bestia e personalmente non ho ritenuto necessario il remake live action del 2017.

La musica è uno dei temi principali di Belle, tramite la quale Suzu torna a credere in sé stessa. Può parlarci della collaborazione con Millennium Parade e del casting call per la registrazione di una tra le più potenti scene del film?

Mamoru Hosoda: Il canto è uno dei temi principali ma non è l’unico. Belle non è la storia di una starlette che trova la sua strada con il canto: la musica è un veicolo che permette a Suzu, una ragazza timida, di trovare sé stessa e di darsi coraggio. Speriamo che anche i nostri ragazzi possano sentire qualcosa che riecheggi attraverso loro. La pandemia ci ha fatto rifugiare nella realtà virtuale, vorrei che attraverso Belle i ragazzi trovassero il modo di liberarsi. Per quanto riguarda la registrazione, riflette la coralità e la collaborazione dell’arte, che è un mezzo che ci collega.

Uno dei temi del film è il coraggio, cosa è per Lei il coraggio?

Mamoru Hosoda: Purtroppo il mondo di Internet è un mondo in cui si può vivere nel completo anonimato, tutti si nascondono e tale possibilità ha dato vita alle fake news e al cyberbullissimo. Il coraggio di Suzu sta proprio nel rinunciare al suo anonimato per proteggere qualcosa di prezioso. Credo possa capitare a chiunque nei momenti di difficoltà, può succedere di dover rinunciare a qualcosa che davamo per scontato o dietro cui ci nascondevamo, l’importante è farlo per la giusta causa.

Nel film Suzu ha un blocco artistico, Lei ha mai avuto tale tipo di blocco? Come lo ha superato?

Mamoru Hosoda: Suzu per particolari circostanze si è chiusa in sé stessa e sente il bisogno di esprimersi liberamente e questo si allaccia al discorso della nostra società che è piuttosto opprimente. Soprattutto a causa della pandemia abbiamo vissuto limitati da tante regole ed è per questo che abbiamo bisogno di liberarci. Internet può essere anche una forma di liberazione. Non solo quando abbiamo un blocco artistico, ma quando perdiamo la sicurezza in noi stessi dobbiamo trovare un modo di superare tali difficoltà. A titolo personale posso dire che forse i momenti di maggiore difficoltà sopraggiungono durante la perdita di un amore o dei genitori, ma il modo in cui affrontiamo le sofferenze ci permette di crescere e diventare migliori.

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Un amore, quello dei fan italiani per Johnny Depp, che l’artista ha ricambiato sia appena sceso dalla macchina, prestandosi con assoluta disponibilità a foto e autografi, sia durante l’incontro dove ha continuato inizialmente a concedersi a selfie con il pubblico presente. Come ha dichiarato lo stesso Depp in apertura: “non sarebbe stupido per un attore non amare il proprio pubblico?“. La masterclass è stata incentrata sulla carriera dell’artista e sul suo ultimo progetto Puffins, il tutto condito dall’entusiasmo del pubblico presente, che non ha lesinato i vari “I love you Johnny!“, “You are the best” e altri complimenti. Basti pensare che ogni volta che menzionava Capitan Jack Sparrow si alzavano grida di giubilo e c’è persino chi lo ha interrotto per dargli un regalo.

 

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L’incontro si è aperto con un breve video che ha ripercorso la carriera dell’attore mostrandone i ruoli più iconici, che non hanno lasciato indifferente l’ospite, il quale ha ricordato come ad Hollywood “i film sono fatti tutti seguendo una struttura standard. Io ho sempre cercato di fare film che siano frutto di creatività, che diano la possibilità di riflettere“. Motivo che lo ha portato a prendere parte al progetto Puffins, spin off del film d’animazione Arctic – Un’avventura glaciale. Per la web serie tutta italiana Johnny Depp dà voce al personaggio di Johnny Puff per cui si è trovato davanti a una sfida: inventare un vero e proprio nuovo linguaggio. “Quando Andrea e Marika mi hanno avvicinato e mi hanno parlato del progetto l’ho trovato subito interessante. Mi sono chiesto quali immagini e soprattutto suoni avrebbero potuto attirare l’attenzione del pubblico prescolare cui la serie è rivolta. La sfida è stata trovare un linguaggio a cui i più piccoli avrebbero prestato attenzione senza difficoltà. Ho fatto delle ricerche in tal senso, per capire quali fossero tali suoni“.

L’altro aspetto che ha convinto l’attore a prendere parte al progetto è stato il messaggio sociale che la serie, composta da episodi autoconclusivi, intende trasmettere. Johnny Depp ha spiegato come con Puffins abbia “la possibilità di far arrivare ai più piccoli messaggi positivi attraverso un lingua che non è necessario conoscere, poiché la verità della storia arriva soprattutto grazie alle immagini. La cosa bella e strana è stato potersi avvicinare ad un pubblico cui nessuno si avvicina, quello dei bambini“. Inoltre ha sottolineato come quando si approccia ad un personaggio, che sia Jack Sparrow o Johnny Puff, ciò che lo attira sia “rappresentare le loro diversità“. L’attore ha rivelato di sentirsi ancora un bambino e come tutti i suoi personaggi in qualche modo abbiano a che fare con il bambino che è in noi: “A volte l’infanzia non lascia un senso di sicurezza, che vai a cercare altrove. Quello che conta per me è far funzionare il cervello per non ritrovarsi in una stanza buia da cui poi è difficile uscire“.

Nonostante il cinema sia cambiato nei lunghi anni della sua carriera, Depp si è sempre approcciato al suo lavoro nello stesso identico modo. Ritiene, infatti, che rifiutare un ruolo sia quasi più importante che accettarlo: “Mi approccio ai personaggi sempre nello stesso modo, il mio modo di lavorare non è cambiato. Le scelte che ho fatto erano volute, ma sono importanti anche i rifiuti. Ho rifiutato molti ruoli perché non li ritenevo interessanti, nonostante i miei agenti mi spingessero ad accettarli. Poi è arrivato Jack Sparrow, che mi ha permesso di infiltrarmi nel campo nemico: la Disney! Nel tempo sono riuscito a impormi ad Hollywood e a prendere parte a film che continuano a vivere grazie a voi! Prima di interpretare Jack ho guardato cartoni per tre anni con mia figlia e pensavo: perché non posso essere Bugs Bunny? Volevo fortemente interpretare un cartone animato, perché quando li guardi accetti tutto quello che succede. Volevo allargare i miei confini e ci sono riuscito“.

 

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Non sono mancati momenti di divertimento durante la masterclass, infatti Johnny Depp si è più volte preso in giro da solo per il suo essere logorroico e rischiare così di risultare noioso. Sono seguiti i complimenti per la traduttrice Bruna Cammarano, ringraziata a più riprese anche con baci sulla guancia, facendola diventare la donna più invidiata d’Italia. Spazio anche per le domande del pubblico, selezionate da Alice della Città.

Alla richiesta di suggerimenti per i giovani che vorrebbero intraprendere la carriera di attore, Depp ha risposto: “Nel cinema ci sono rifiuto e umiliazione in cui ci si può perdere. Molto dipende da cosa si vuole fare di preciso ma la cosa importante è eliminare la paura. La usano per spingerti verso qualcosa che non ti appartiene, devi cercare di rimanere te stesso. Cerca di ascoltare chi ha vissuto già queste situazioni e impara da loro“. Sul personaggio che ha preferito interpretare, invece: “Non dovrei mordere la mano che mi dà da mangiare, ma quando ero giovane avevo ottenuto un contratto di sette anni con uno show Tv e per oltre due anni ho fatto di tutto per farmi cacciare. Durante quel periodo sono anche accidentalmente finito in prigione. Volevo andarmene perché l’impressione che avevo è che fossi diventato un prodotto e non lo volevo. Poi mi hanno liberato, ma per molto tempo sono arrivati solo copioni standard che ho rifiutato. Volevo fare qualcosa di creativo. Alla fine è arrivato Cry Baby (film del 1990 di John Waters, ndr) e finalmente ho capito che avevo messo il primo piede in un terreno a me congeniale. È stato con Edward mani di forbice che sono riuscito a mettere anche il secondo piede in questo terreno“.

A conclusione dell’evento, a sorpresa a Johnny Depp è stato consegnato il premio per l’attore più amato di sempre in Italia. Un riconoscimento che ha accettato con “onore, ma l’onore più grande è stato passare del tempo con voi. Grazie per tutto il supporto e l’amore che mi avete dimostrato. Spero di potervi ricambiare un giorno“.

Foto in evidenza di Alex Mezzenga.

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Il film sarà proiettato domenica 24 ottobre all’Auditorium Parco della Musica, luogo che ospita la kermesse cinematografica. A dare l’annuncio è la stessa Festa del Cinema di Roma sulla sua pagina Feacebook.

Eternals è il terzo film della Fase 4 del Marvel Cinematic Universe. Diretto dalla regista di Nomadland, porta sul grande schermo un’epica storia che abbraccia migliaia di anni e vede protagonisti un nuovo team di Super Eroi immortali, costretti a uscire dall’ombra per unirsi contro il più antico nemico dell’umanità, i Devianti.

Protagonisti del film Angelina Jolie, Kit Harington, Salma Hayek, Gemma Chan, Richard Madden, Kumail Nanjiani, Lia McHugh, Brian Tyree Henry, Lauren Ridloff, Barry Keoghan e Don Lee.

Il nuovo film Marvel Eternals arriverà al cinema il 3 novembre distribuito da The Walt Disney Company Italia.

Ricordiamo che Disney presenterà ad Alice nella Città anche Ron – Un amico fuori programma, il primo film d’animazione dello studio inglese Locksmith Animation, prodotto da 20th Century Studios e distribuito al cinema da The Walt Disney Company. In questa avventura per famiglie, un bambino che ha difficoltà a legare con i coetanei riceve un robot che dovrebbe diventare il suo migliore amico, ma il cui comportamento è reso bizzarro da divertenti malfunzionamenti. Potete vedere il trailer qui.

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Sul red carpet saranno presenti anche le voci italiane: l’autore, attore, comico, musicista, cantante, conduttore televisivo, radiofonico e fumettista Lillo che presta la propria voce a Ron; l’attore Miguel Gobbo Diaz doppiatore di Marc; i creators DinsiemE (Erick e Dominick) che danno la voce rispettivamente a B-Bot di Ava (Erick) e B-Bot Invincibile e B-Bot di Alice (Dominick).

Ron – Un Amico Fuori Programma è la storia di Barney, un impacciato studente delle medie, e di Ron, il suo nuovo dispositivo tecnologico che cammina, parla, si connette e che dovrebbe essere il suo “migliore amico pronto all’uso”. Nell’era dei social media, gli esilaranti malfunzionamenti di Ron lanciano i due in un viaggio ricco di azione in cui il ragazzo e il robot fanno i conti con la meravigliosa confusione della vera amicizia.

Ron – Un Amico Fuori Programma è diretto da Sarah Smith e dal veterano di Pixar Jean-Philippe Vine, e co-diretto da Octavio E. Rodriguez; la sceneggiatura è firmata da Peter Baynham & Smith. Il film è prodotto da Julie Lockhart, anche co-fondatrice di Locksmith, e da Lara Breay, mentre la presidente di Locksmith Elisabeth Murdoch, Smith e Baynham sono i produttori esecutivi.

Il film è realizzato da Locksmith Animation e distribuito da Disney sotto l’etichetta 20th Century Studios.

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