VIEW Awards 2019, tutti i vincitori

VIEW Award per il Miglior cortometraggio:

Facing It, 30’ in tecnica mista claymation/live action, diretto da Sam Gainsborough, scritto con Louisa Wood per il Beaconsfield’s National Film and Television School(Gran Bretagna).

Il notevole film di Gainsborough racconta di come i rapporti con le persone ci plasmano – letteralmente come ondate di emozione che si formano e si riformano attraverso le fisionomie spesso surreali della plastilina di cui è composto il personaggio principale, Shaun. Sinossi: “Mentre aspetta i suoi genitori in un pub affollato, Shaun lotta coraggiosamente per unirsi alle persone apparentemente felici tra la folla, ma più ci prova, più viene respinto. Mentre tutto, all’interno del pub va di male in peggio, Shaun si trova di fronte i dolorosi ricordi che lo hanno reso ciò che è. I suoi sentimenti, i ricordi e i desideri lo sopraffanno e alla fine della serata è pronto a esplodere.” Elogiandone l’eccezionale tecnica di animazione utilizzata con successo per trasmettere emozioni,la Giuria all’unanimità gli ha assegnato il primo premio VIEW Award. Il regista Gainsborough riceverà il montepremi di 2000 euro.

Premio della Giuria per la Storia:

Trois Francs, Six Sous, 6’30”in animazione 3D, diretto da Clémence Ottevaere, Florence Blain, Louise Leblond, Varoon Indalkar, Morgane Ladjel, e Hugo Valdelièvre-Rattier quale corto di diploma alla SupinfocomRubikaSchool di Valenciennes, Francia (2019). I giurati hanno considerato questa storia, incentrata su un fattore durante la Seconda Guerra Mondiale, narrata in modo eccellente, elogiandone la regia.

Premio della Giuria per la direzione artistica:

Blieschow, corto animato di 10’ scritto e diretto da Cristop Sarow per la Filmakademie Baden-Württemberg (Germania), dipinto e animato soprattutto in PhotoShop. Nella storia, il ragazzo di città Tom visita la fattoria del nonno dove si trova in competizione con un cugino apparentemente più in gamba. La giuria ha trovato bellissimo il film, con una sofisticata palette cromatica e un design generale che si pone perfettamente al servizio della storia.

Vincitore dell’Italianmix per il miglior corto:

Red Hands (Mani Rosse), corto di 30’ in tecnica mista stop motion/2D ideato, animato e diretto da Francesco Filippi per Studio Mistral. Nella pellicola, prodotta da SattvaFilms, la violenza domestica è sia fisica che psicologica, I due giovani protagonisti si muovono nel periglioso mondo degli adulti utilizzando le “armi” dell’immaginazione, del sogno, e dell’affinità spirituale. Per rendere onore quest’opera attualissima, la Giuria assegna al regista una Wacom Cintiq.

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Dopo una lunga carriera nel settore delle serie televisive (I Simpson), il suo debutto sul grande schermo è avvenuto nel 1999 con Il gigante di ferro, per Warner Bros Animation. Il film fu un flop commerciale, ma con il tempo è diventato un vero e proprio cult ed è oggi considerato un gioiello dell’animazione. Qualche anno dopo, Brad Bird è entrato a far parte dei Pixar Animation Studios, di cui oggi è un membro fondamentale essendo parte dello Story Trust originario. Per Pixar ha diretto Gli Incredibili (2004), Ratatouille (2007) e Gli Incredibili 2 (2018), uno dei successi cinematografici maggiori dello scorso anno. I suoi film in live action sono Mission: Impossibile – Protocollo Fantasma e Tomorrowland – Il mondo di domani. Attualmente è al lavoro su un film a tecnica mista di genere musical per Sony Pictures.

Di seguito trovate la nostra intervista.

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Cominciamo dalle basi. Qual è la tua definizione personale di animazione?

Brad Bird: “L’animazione è qualcosa che si realizza in maniera non spontanea. È un insieme di frame pensati per essere visti in movimento. Ovvero, realizzi fotogramma dopo fotogramma pensando che dovranno essere visti uno dopo l’altro, insieme. E questo movimento non esiste prima che venga proiettato. Nei film live action una persona si muove e un’altra la riprende, dopodiché quel movimento viene proiettato sullo schermo. Ma in animazione il movimento non esisteva precedentemente, esiste solo nel momento in cui guardiamo il film. Mentre nel live action si tratta di registrare una performance che avviene in tempo reale, in animazione il processo per arrivare a quel risultato è molto differente. Non ho una definizione semplice, ma il concetto è questo. Che sia fatta con i pixel, con carta e matita o con la plastilina, l’animazione è qualcosa che si sviluppa fotogramma dopo fotogramma e che esiste nella sua forma finale soltanto nel momento in cui viene vista da qualcuno su uno schermo”.

Nel corso della tua masterclass hai parlato di come gli animatori studiano la realtà e la rendono credibile attraverso le regole dell’animazione. Ma non pensi che l’animazione stia cercando di imitare un po’ troppo il live action?

Brad Bird: “Per quanto mi riguarda, riprodurre totalmente la realtà non è qualcosa che trovo interessante. Mescolare animazione e live action è interessante, ad esempio un personaggio come Gollum nel Signore degli Anelli è fatto al computer ma condivide lo schermo con un attore in carne e ossa e entrambi devono sembrare reali. Questo è integrare l’animazione con una performance dal vivo. Quanto al creare mondi al computer che sembrino completamente fotorealistici… no, non mi interessa. Sarebbe come costruire un’arancia di argilla che somigli totalmente a un’arancia, e quando la mordi ha più o meno il gusto di un’arancia, e poi dire “ehi!, sembra quasi un’arancia, ne vuoi una?”. Beh io risponderei: “no, grazie, vorrei un’arancia vera!”. E in più, mentre quella vera costa 20 centesimi, quella finta costa 10 milioni di dollari, e non è nemmeno così buona. Penso che il progresso tecnologico sia importante, ma penso anche che sia fondamentale utilizzarlo nel modo giusto. Limitarsi a ricreare qualcosa per renderlo reale non è abbastanza”.

Quindi, qual è il più grande errore che sta commettendo chi adatta i film d’animazione in film live action?

Brad Bird: “Per me, il cuore dell’animazione è la caricatura. Solitamente questa parola è usata negativamente, ma c’è anche un modo giusto di fare caricatura. Ci sono grandi artisti in tutto il mondo, ma il migliore negli Stati Uniti è stato Al Hirschfeld. Nei suoi disegni, le persone somigliavano a se stesse più che dal vivo, perché era in grado di individuare le caratteristiche distintive di ognuno, di amplificarle, di selezionarle e stilizzarle in modo da cogliere l’essenza di una persona. E si può raggiungere questo risultato non solo con il design, ma anche con il movimento. Quando si fa l’imitazione di qualcuno, affinché sia divertente bisogna selezionare i movimenti molto accuratamente ed esagerarli, oppure a volte minimizzarli per ottenere l’effetto desiderato. Penso che l’animazione stia nel cogliere l’essenza di qualcosa e nel rendere questa essenza ancora più forte. Semplicemente riprodurre qualcosa in live action è un obiettivo noioso e non riflette la magia dell’animazione, che invece consiste nel rendere qualcosa più intenso”.

Perché non ami la definizione di “film per bambini”?

Brad Bird: “Perché è limitante, è una definizione che fa pensare che gli adulti vedano i bambini come perenni stupidi. Secondo me se si realizza qualcosa per gli adulti che abbia delle qualità giocose e allegre, i bambini saranno interessati comunque. Se stai facendo un film vuol dire che sei un adulto, ma se il tuo obiettivo è rivolgerti ai bambini vuol dire che stai escludendo te stesso dal pubblico, perché non sei un bambino. Ogni film che io faccio è un film che vorrei vedere al cinema, e penso che il mio pubblico lo comprenda. Non voglio banalizzare nulla, e anche quando immagino un momento che possa piacere ai bambini, so che deve piacere allo stesso modo anche agli adulti. I miei film preferiti quando ero piccolo erano quelli che mi trattavano alla pari. Mi piaceva Bugs Bunny. Oggi molti direbbero che Bugs Bunny è per bambini, ma all’epoca non lo era affatto. Era per il pubblico che voleva vedere film per adulti, con Bogart o con Bettie Davis, e prima di questi film c’era un corto di Bugs Bunny come piccolo antipasto per farli ridere e divertire. Questi corti sono diventati “roba per bambini” quando è nata la televisione, e le televisioni hanno preso queste opere e le hanno trasmesse negli orari in cui i bambini guardavano, così tutti hanno iniziato a pensare che fossero cartoni solo per bambini. Ma se lo fossero, oggi non sarebbero sopravvissuti alla prova del tempo. I cartoni che erano davvero per bambini sono quelli che oggi non ricorda più nessuno, perché non hanno avuto alcun impatto culturale. Invece tutti ridono con un film di Bugs Bunny come ridevano 20 anni fa e come rideranno tra 20 anni. Questo è ciò che a me interessa realizzare”.

Speri ancora di realizzare 1906, il film sul terremoto di San Francisco?

Brad Bird: “Sì. Ma non posso dire molto al momento. C’è una sorta di guerra tra lo streaming e le sale in cui queste ultime stanno praticamente morendo e la TV sta diventando sempre più cinematografica. Il cinema per me è un grande schermo, sconosciuti seduti insieme al buio e un’esperienza condivisa. Penso che ci siano diversi modi sperimentali e creativi per mostrare queste opere, per esempio ho visto un episodio di Breaking Bad al cinema e il pubblico lo ha amato. Ci sarà qualcuno che rivoluzionerà l’esperienza cinematografica e creerà nuove opportunità per il pubblico che vadano oltre il salotto di casa loro. Ovviamente i salotti sono fantastici, ed è bello avere a disposizione tantissimi film 24 ore su 24 in tutti i formati possibile. Ma quando esce un film al cinema, e devi riservare i biglietti, sederti in sala, e poi il film inizia e non si ferma, non faranno una pausa se devi andare al bagno, quindi dovrai bisbigliare al vicino “che mi sono perso?”… ecco, questo è speciale e deve essere preservato per il futuro”.

In quanto regista di film che vengono visti anche dai giovani, pensi di avere una responsabilità nell’educarli al gusto per la sala cinematografica?

Brad Bird: “L’unico modo per educarli è fare film che siano belli da vedere sul grande schermo e esortarli a uscire di casa per vederli. È un discorso molto complicato perché ci sono una marea di ragioni per cui il cinema sta diventando meno interessante per il pubblico, e tutte le ragioni sono in fondo piccole, ma messe insieme stanno facendo del male al cinema. Prima di tutto abbiamo sacrificato i cinema che avevano un’identità propria, un’architettura riconoscibile. Poi abbiamo tolto il sipario che nascondeva lo schermo. Adesso sullo schermo ci sono addirittura le pubblicità e sembra di star guardando la televisione. Per me questi sono insulti al cinema. Le sale cinematografiche non sono più speciali. E i tipi di film che vengono realizzati sono sempre meno interessanti, sono film che vanno sul sicuro. Penso che serva una svolta, penso che i multiplex piano piano scompariranno, ma quelli che resteranno saranno quelli davvero speciali e speriamo che siano protagonisti di una rinascita. Insomma, ci sono moltissime ragioni. Alcuni incolpano gli studi, altri i registi, alcuni le sale, e così via. È un problema difficile e complicato”.

Pictures courtesy of VIEW Conference 2019

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Brad Bird ‘s career started out as an animator in the early 80s on films such as Fox and the Hound, The Plague Dogs, and The Black Cauldron. Afterwards, he moved to television by collaborating with Steven Spielberg on episodes of Amazing Stories, followed by The Simpsons. He is the director of such animated classics as The Iron Giant, The Incredibles, its’ sequel, and Ratatouille. He also worked on live-action projects, such as Mission Impossible: Ghost Protocol, and Tomorrowland. He is currently working on a musical film, which will be an animation/live-action hybrid.

Below you can read our interview with him.

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Let’s start with some basics. What’s your personal definition of animation?

Brad Bird: “Something that was done in a way that’s not spontaneous. It’s a frame by frame by frame assembly meant to be seen as motion. In other words, you do it one frame at a time in order to be seen as a group. It’s not a motion that existed before it’s projected. Whereas in a live-action movie, somebody is moving, and it’s being recorded, and then you replay that motion, in animation that motion never exists, except when it’s projected, it never existed in any other way. For example, somebody is doing a stop-motion with a puppet, they’re moving the puppet, they stand back and let a frame come in, rinse and repeat. Getting there is very different than the end process, wherein most films, you’re recording an existing performance done in real time. I don’t have a simple, one-line description of it, but that’s what it is. Whether you do it with pixels, drawing, or clay, it’s about doing it one frame at a time, and the only time it exists in its current form is the first time that it’s projected.”

In your masterclass, you were talking about animators studying reality, and making it believable through animation rules. Do you think animation is trying to become like live-action too much?

Brad Bird: “It depends what film you’re talking about. I don’t think reproducing live action totally is an interesting goal for me. If you’re using it to mix with a live action film, like how Gollum from Lord of the Rings, an animated character, is sharing a screen with a live-action character, and both are meant to be real, I think that’s interesting. You are getting animation and you’re trying to integrate it into living performances. If you’re trying to create a completely animated world that looks completely photo-realistic, that’s not something that I find interesting. It’s like if you made an orange completely out of clay, and it’s very orange-like, you bite into it, and it kinda tastes like an orange, has the juice like an orange, and you go “hey, this is almost like a real orange, and it’s made completely out of clay, you want that?” and I go “no, I’d like to have an orange!”. And whereas the real orange is 25 cents, the fake orange is 10 million dollars, and it’s not even as good of an orange. I think that progress in technology is always a good thing, but I think you have to be careful how to use it. Just recreating something to try to make it more real alone is not enough.”

Touching a bit more about animation and live-action, as we see trends of animation being transformed to live-action, but something still feels off about them. What’s one of the biggest mistakes that filmmakers make when they want to transfer animation to live-action?

Brad Bird: “To me, the core of animation is caricature. Usually that’s a word used negatively about something, but there’s a good way to do caricature. There are many great caricaturists around the world, but in the US the best so far was Al Hirschfeld. In his drawings, somebody looked more like them than in real life, because he found out what was so distinctive about somebody’s looks, amped it up, reduced the things that didn’t add to the look, and very selectively stylized and minimized it so that it seemed to be the essence of the person. You can do that not only with design, but also with movement. When somebody does an impression of someone you know, and they’re ruthlessly funny, they’re picking out things very selectively, and turning the volume up on them, sometimes turning the volume down, because if somebody’s quiet, and you make them really quiet, you’re exaggerating it. I think animation is about capturing the essence of something and making it moreso. Just reproducing something to live-action is kind of a boring goal, and it’s not reflecting the magic of animation, which is making something feel more intense, the raw feeling of what something is.”

Why don’t you like the definition of “movies for kids?”

Brad Bird: “Because it limits it in the same way that some adults treat kids like they’re stupid. I found that if you make something for older people that has a playful quality and joy to it, kids will gravitate to it, anyway. So when you aim something at kids, you’re not aiming it to yourself, because you’re not a kid. If you’re making films, you’re obviously an adult. And if I’m making a film for somebody who’s not me, or is an audience that doesn’t include me, there’s something patronising about that. Every film I make is a film that I want to see, and I think people sense that. I’m not talking down to them, and even when I make a moment that kids like, it works for adults, too. My favorite films as a kid were films that didn’t talk down to me. Even as a kid I felt on the ones that did, I said “who wants to see this crap?”. The stuff I responded to was Bugs Bunny. Now some people mistakenly think that Bugs Bunny was made for kids, but it actually wasn’t. It was made for people who wanted to see the Bogart movie or the Bettie Davis movie or an adult film. Bugs Bunny was like a little piece of candy before the adult film, one that’s gonna make you laugh, it’s gonna be quick and funny, and it was aimed at adults. It became a kids thing when television started, and they wanted things that kids would watch. So they grabbed those cartoons, because they were available, and then they aired them when kids were out of school. So people started thinking that cartoons were made only for kids, but if they really were, they wouldn’t have survived the way they have. The kiddie ones are the ones that nobody watches anymore, they have no cultural impact at all now. Put on a Bugs Bunny film, though, and everybody, old and young, 20 years ago and 20 years from now laughs at it. That’s much more what I’m interested in doing.”

Do you still hope to make 1906, the film about the San Francisco earthquakes?

Brad Bird: “Yes. It’s hard to discuss it right now without giving something away. There is a “war” going right now between streaming and movies as movies seem to be dying away, and TV is starting to become more movie-like (Note: last we heard of the project, it was said that it might end up being a series on streaming, with a live-action theatrical movie connected to it). I hope it doesn’t disappear, though, because the experience of being alone with a big audience of strangers in the dark, and not being able to pause, skip, or anything like that, that’s not the ultimate feeling of cinema. Cinema is a big screen, and strangers in the dark, sharing the experience together. I think that there can be much more experimentation with how these things are shown, and there are going to be different, more creative ways. I saw an episode of Breaking Bad in a big theatre with a crowd of 1000 people, and the audience loved it. As much as I enjoyed watching the show on TV, seeing it on a big screen with a bunch of strangers was a blast. There’s gotta be somebody who’s creative about the theatrical experience and creating situations where strangers can gather and watch something together on a much bigger scale than sitting in the living room. Living rooms are wonderful, and anything you do in film is going to exist in 24-hour availability in any size screen you want forever. But there is a short period of time that is golden, rare and special, that storytellers can control with how stories are told, and that is when a movie first opens. You have to go to the theatre, make an appointment, once you sit down, you’re in, no stopping, they won’t stop the movie when you have to go to the bathroom. The feeling of that and watching the film in a dark room alone with strangers in a gigantic screen, is something rare and special, and needs to be preserved for the future.”

Do you think, as a director, you have the responsibility to educate this new generation to watch these movies at the theatre?

Brad Bird: “The only way I can educate people to do that is to make things that are great in the movie theatre, and then exhort people to try to see it that way. It’s a complicated discussion, because there are millions of reasons for movies losing their value and interest from people, and all of them are small reasons. It’s like paper cuts. One small cut will hurt, but it will heal and you will be fine, but if you get ten thousand paper cuts, you’re going to bleed out and die, and that’s kinda what’s happening with movies. First, we got rid of movie theaters that had an identity and had different architecture, one looked like an Egyptian temple, the other a western town. Then we got rid of curtains that hide the film and reveal it. Now we just have the screen sitting there projecting ads on it, which is like taking a leak on the screen, makes it like you’re watching television again. To me, that’s an insult to the screen. The places aren’t special anymore, the auditoriums are getting smaller, makes it more like you’re in your living room. Then the kinds of movies we are making seem to be less interesting and smaller and the same, already proven kind of films. I think it needs to shake out, and I think multiplexes will start to fade away, but the ones that remain will hopefully be bigger and more special, and hopefully we are moving towards a more enlightened place. The reasons for movies popularity going down are myriad. Some blame the studios, some blame the filmmakers, some blame the theaters, and it goes on and on. But I think this is a difficult and complicated problem.”

Interview by Mihály Kobela

Pictures courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019, Brad Bird on the art of animation and the future of cinema appeared first on Imperoland.

Nato e sempre rimasto a Los Angeles, California, Peter Ramsey ha iniziato la sua carriera come storyboard artist in numerosi film live action tra cui titoli come Minority Report, Cast Away, Independence Day, Men in Black, Il Grinch, Essere John Malkovich, Fight Club e L’incredibile Hulk. Per DreamWorks Animation ha diretto il suo primo lungometraggio, Le 5 leggende (2012). Il successo è esploso poi nel 2018 grazie a Spider-Man: Un nuovo universo, pellicola che Ramsey ha co-diretto con Bob Persichetti e Rodney Rothman per Sony Pictures Animation. Per questo film è diventato il primo regista afroamericano a vincere il Premio Oscar al Miglior film d’animazione.

Di seguito trovate la nostra intervista realizzata a VIEW Conference 2019 a seguito del suo keynote.

Click here for the English version of this interview

Spider-Man: Un nuovo universo e Le 5 leggende hanno una storia in comune, quella dell’eroe che nel ricercare chi è veramente finisce per salvare il mondo e ispirare gli altri ad essere forti e coraggiosi. Hai una connessione particolare con questo tipo di storie?

Peter Ramsey: “Penso che tutti la abbiano. Ho pensato spesso alle somiglianze tra questi due film. Credo che si tratti semplicemente della tipica storia di un giovane che scopre chi è veramente e che ci sono altri come lui con i quali può stringere dei legami. Una sorta di passaggio dall’adolescenza all’età adulta. Ci sono innumerevoli versioni di questa storia, si tratta solo di arricchirla: nel caso di Spider-Verse, l’aspetto del multiverso la rende nuova e originale”.

Le musiche di Spider-Man: Un nuovo universo sono attentamente curate per affiancarsi alle immagini e al ritmo. Come avete lavorato per la colonna sonora? 

Peter Ramsey: “Avevamo un grandissimo supervisore musicale: Kier Lehman è stato bravissimo ad aiutarci nel trovare brani vecchi, ma anche artisti nuovi che potessero integrarsi con il mondo di Miles. Abbiamo sempre cercato di ragionare dal punto di vista di Miles, ad ogni nuova canzone ci chiedevamo: se Miles la ascoltasse, gli piacerebbe? Questo è l’approccio con cui abbiamo curato l’aspetto musicale. Inoltre abbiamo chiesto al compositore Daniel Pemberton di utilizzare anche l’hip hop e lo scratch per dare alla colonna sonora questo tipo di feeling. Penso che questo abbia aiutato ad amalgamare le canzoni pop che abbiamo utilizzato: non sembrano semplicemente inserite nel film, ma sembrano far parte di una colonna sonora unitaria”.

Qual è stata la sfida più grande nel realizzare il film?

Peter Ramsey: “Credo che la sfida più grande per tutti noi sia stata mantenere il focus sull’arco emozionale di Miles. Sul fatto che è un ragazzino che sta crescendo, non sa bene cosa fare della sua vita, è indeciso tra la famiglia e l’affetto che nutre per lo zio, e su come tutto ciò dovesse inserirsi nella storia di lui che diventa un supereroe e ha a che fare con personaggi da altri universi. Con tutto quello che succede nella trama, è stata una sfida mantenere sempre il punto di vista di Miles e non lasciare che si perdesse nelle grandi scene d’azione. Abbiamo dovuto guardare a ogni elemento del film e decidere quanto valesse nell’economia della storia”.

Molte persone fanno fatica a definire lo stile di animazione che avete scelto per il film. Tu come lo descriveresti?

Peter Ramsey: “Direi che abbiamo scelto uno stile più grafico che risalta molto. Ricorda le tavole dei fumetti, con immagini nette e dinamiche. È animato in CGI ma con un numero di frame minore, perciò sembra differente da tutti gli altri film in computer grafica. Ma secondo me questo lo rende più unico, esattamente come un fumetto. È decisamente diverso, ma lo abbiamo voluto intenzionalmente così”.

Spider-Verse ha avuto una crew molto multiculturale e questo si rispecchia nel tema del film, ovvero che tutti possono indossare la maschera, tutti sono supereroi. In che modo la crew e l’ambiente in cui avete lavorato ha influenzato il film e viceversa?

Peter Ramsey: “Qualsiasi film tu sia realizzando, in qualche modo, finisce per rispecchiare la tua vita. Con questo film si vedono immediatamente i risultati di tutte quelle persone che, venendo da percorsi di vita completamente diversi, si sono radunate per creare qualcosa di speciale. A un certo punto abbiamo avuto circa 800 persone al lavoro in dipartimenti diversi, e tutte loro erano emozionate all’idea di fare qualcosa di unico e di nuovo. Quando il clima lavorativo è così, tutti iniziano ad assorbire questo tipo di energia positiva, e penso che sia esattamente ciò che è successo con Spider-Man: Un nuovo universo. Tutti volevano venire a lavorare con noi. Coloro che si occupavano degli effetti speciali a Sony ImageWorks ci chiedevano sempre più lavoro. Tutti avevano colto esattamente lo spirito del film, e questa è solamente la prova di cosa succede quando si permette agli altri di essere creativi, di mettere loro stessi nel loro lavoro e si dà loro la possibilità di essere artisti e non semplici ingranaggi di una macchina”.

Sei il primo regista afroamericano ad aver vinto l’Oscar per il Miglior Film d’Animazione, e sei anche il primo ad essere invitato a View Conference. Che cosa ne pensi?

Peter Ramsey: “Ci sono molti artisti afroamericani nell’industria dell’animazione, e molti di loro sono in ruoli dietro le quinte, diciamo, in posizioni che purtroppo non ricevono attenzione. Un mio caro amico è tra i supervisori degli effetti visivi di Frozen 2. Un altro, Bruce Smith, è regista e sceneggiatore. È vero però che storicamente ci sono stati meno artisti neri, ma questo ha a che fare con l’istruzione, perché molti afroamericani non avevano accesso a un livello di istruzione alto negli Stati Uniti fino a poco tempo fa, nemmeno nel campo dell’arte. Quando ero piccolo, io abitavo vicino a Hollywood, ma non ho mai nemmeno pensato di poter lavorare nell’industria del cinema, perché non vedevo tante persone nere nei ruoli che io sognavo di ricoprire. E anche questa è una barriera che ancora oggi dobbiamo abbattere. Per questo, ogni volta che ne ho la possibilità, mi piace parlare con i giovani e incoraggiarli a sognare. Ci vorrà ancora un po’ per ottenere il giusto riconoscimento, ma fortunatamente sempre più persone stanno avendo l’opportunità di fare il loro lavoro dei sogni”.

Pensi che le reazioni positive attorno a Spider-Man: Un nuovo universo daranno ad altri studi e altri registi la possibilità di sperimentare e creare qualcosa di nuovo e differente?

Peter Ramsey: “Non so se ci sono piani di questo tipo negli altri studi, ma per quanto riguarda il mondo dell’animazione posso dire che c’è decisamente interesse a questo approccio e tanti registi sarebbero interessati a provare. Molti sono venuti da me ringraziandomi per aver fatto questo film. Gli artisti ora si sentono più liberi di osare e rischiare con qualcosa di nuovo. Anche presso Sony ci sono numerosi progetti con registi diversi, e tutti sembrano intenzionati a provare con uno stile differente che sia artisticamente rivoluzionario”.

Leggi fumetti? Qual è la tua versione preferita di Spider-Man?

Peter Ramsey: “Sono sempre stato un lettore di fumetti. Sono un grande fan della Marvel, le loro storie mi hanno portato ad amare il fumetto. Leggo anche DC e ho letto delle storie europee tramite il magazine Heavy Metal. Per quanto riguarda Spider-Man, ovviamente adoro Miles. Era impossibile non affezionarmi a lui dato che ho lavorato al suo film. Molte persone che hanno lavorato con noi si rispecchiavano in Miles, e anche io, sicuramente. Mi è sempre piaciuto anche il Peter Parker originale. I primi fumetti che ho comprato con i miei soldi erano sempre quelli di Spider-Man. Mi colpiva come nelle sue storie Peter fosse arrabbiato, ritenesse i poteri di Spider-Man quasi una maledizione, ma allo stesso tempo sentisse la responsabilità di dover essere un supereroe. Questa complessità del personaggio da ragazzino mi affascinava”.

Infine, cosa puoi anticiparci sul tuo futuro?

Peter Ramsey: “Sto lavorando a nuovi progetti. Sarò produttore esecutivo per un film d’animazione per Netflix. E in qualche modo penso che sarò coinvolto anche nel sequel di Spider-Verse. Ancora è troppo presto per dirlo, perché hanno appena iniziato a lavorarci, ma vorrei ritornare nel mondo di Miles e continuare a raccontare la sua storia”.

Intervista di Mihály Kobela

Pictures courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019, Peter Ramsey: “Spider-Verse ha dato agli artisti la possibilità di osare” appeared first on Imperoland.

Ramsey is an illustrator, writer and director. Aside from Spider-Verse, he also directed the DreamWorks feature Rise of the Guardians. He also worked as a storyboard artist on many live-action projects, such as Men in Black, Godzilla (1998), A.I., Minority Report and Wrinkle in Time.

We had a chance to talk with him in-between presentations. Below you can find our interview.

Clicca qui per la versione italiana di questa intervista

Into the Spider-Verse and Rise of the Guardians seem to have a similar type of story. You have the hero, who is unknown in the beginning, has no identity, then goes on this adventure and emotional journey where he finds that identity, all while saving the world, and encouraging other people to be strong, be brave. Do you have a personal attachment to these types of stories?

Peter Ramsey: “I think probably everyone has a personal attachment to those kinds of stories. I thought about this a lot, as well, about these similarities between the two. I think it’s just a basic story of a young person discovering who they are and realizing that there’s other people like them that they can have a community with. It’s sort of a basic, rite of passage story. There are obviously lots of versions of that same story and I think, in the case of Spider-Verse, the idea of the Multiverse makes it sort of fresher and more unusual, but it really is like a basic old story.”

In animated movies, next to the score, there’s usually one or two pop songs, and a lot of times, these songs feel out of place, doesn’t fit the scene, and/or the nature of the score. This was the complete opposite in Spider-Verse, the music and the songs matched perfectly and were in flow. How did you and your team managed to do that? Did you have to take some extra care to it?

Peter Ramsey: “Yeah, there was a lot of good care put into it. Our movie had really good music supervisors for one thing. Kier Lehman was really great in helping us find new or old stuff, when we needed, but also try to find new artists who fit Miles’ world. The key was always trying to look at Miles’ point of view, and making sure that, if Miles heard this song in the movie, would he like it? Would it feel like something that he would want to listen to? That kind of thinking formed a backbone with how we approach the music. Also, Daniel Pemberton, who did the score, we asked him if he could incorporate some feel of contemporary hip hop and scratching and beats into his dramatic score, so we could have a score that would have some of that feeling, too. I think that helped the music sit in a little bit better, too, that it doesn’t feel like throwing random tracks in, but something that belongs to it altogether.”

What was the biggest challenge when working on this project?

Peter Ramsey: “I think the biggest challenge that all of us felt was how to keep the focus on Miles’ emotional story. As a young man growing up, him having the dilemma of which way he wants to go in life, his conflict between his family and his uncle, and that’s balanced against him becoming a superhero and all these universes and all these crazy characters. With all these other stuff happening, it was a real challenge to keep finding ways to bring it back and tell it to Miles’ point of view, so you always felt like you were in the movie with him, and that he didn’t get lost in the larger action. That was the biggest challenge, because that meant that you had to look at the other elements of the movie and decide how much or how little each meant.”

For a lot of people, it seems it’s hard to grasp exactly what the animation style of Spider-Verse is. How can you describe it to the general audience?

Peter Ramsey: “I’d say we chose a style that had a more graphic and punchier feel. It doesn’t feel soft and smooth and flowy. It feels like you’re going through comic book panels, hitting strong poses and making dynamic images. Because of the way it’s animated, which is in CG animation, but we’re animating at a lower framerate, so it’s a very different look and feel. But I think it makes the film feel a little more unique, little more graphic, little punchier like a comic book, but it is different. For some people, it doesn’t feel like watching the usual animated film, it’s definitely a different style, but intentionally for a different effect.”

Spider-Verse had the biggest, most diverse crew working on it, and this goes along with the theme of the movie, as in everyone can wear the mask, everyone is a hero. How did this environment inspire the movie and its’ story, and vice versa?

Peter Ramsey: “There’s a saying that goes “whatever movie you are working on, somehow, it ends up reflecting your life.” With our movie, you can easily see all these people, who came together from different walks of life, to try to make something special. At most we had about 800 people working for the movie across all departments, and the most exciting part for all these people was the chance to do something unique and special. When you’re around with people who are all very excited, it transcends, and everyone starts picking up that energy. I think this definitely happened with our movie. Everyone wanted to animate on Spider-Verse so bad. The effects people at Sony ImageWorks, were begging for more and more every time we asked them for something. Everybody got into the spirit of it, and this just shows you what happens when you can let people be creative, to access their creativity in their work, and give them the chance to be an artist, instead of a part of a machine.”

You are the first African American director to have won an Oscar for an Animated Feature. You are also really the first of them to appear at View Conference, as well. What’s your opinion on this?

Peter Ramsey: “There have actually been quite an amount of African American animators working in the industry in recent years, and there are lots of them behind the scenes in positions that don’t get too much attention. I have a very good friend for example, who is the head of the effects animation department in Frozen 2. Another, Bruce Smith, who did some directing and writing. Historically, however, there has been very few, and that mainly had to do with education, as many African American people didn’t have much access to that level of art education in the United States, and the ones they did were very expensive. When I was growing up, I was 10 miles away from Hollywood, but I never knew that I could ever work in the industry, because I hadn’t seen many people doing the jobs that I wanted to do, and that was another big barrier that’s still prevalent, so whenever I have the chance, I always talk with young people to encourage them. It’s taking a little more time, unfortunately, for us to get reputation, but there are a lot of people now who are getting more opportunities. “

Seeing all this positive reaction to Spider-Verse, both in terms of it being an animated movie and it being a comic book/superhero movie, do you think this will give the chance for studios and filmmakers to branch out and similarly create new, more unique and different animated/comic book movies?

Peter Ramsey: “I don’t know if there are plans for that at Marvel or other studios, but in the animation industry, there’s a lot of excitement to that approach, and a lot of people would be really into that, whether it looked or felt like Spider-Verse or not. A lot of people approached me, thanking me for making this, opening up what we can do, people feel freer to branch out and be riskier with something different. A lot of people feel Spider-Verse gave them that chance finally. At Sony, there are a lot of projects with different filmmakers, and they really seem to be committed to being different and artistically ground breaking.”

Do you also read comics? Do you have a favorite version of Spider-Man, and if so, who is it?

Peter Ramsey: “I used to be a big comics reader, and I still do now. I have always been a huge fan of Marvel, their stories are what got me into comic books. I also read DC, and in the States, we got to read many European comics that were also more artistic and underground through a magazine called Heavy Metal. I have a very soft spot for Miles, of course. You get really attached to whoever character you’re working on for a movie, and he has a lot of personal stuff bound up in there. A lot of people who worked on the movie feels a lot like Miles, I definitely do. I always loved original Peter Parker, as well. The first comic books I bought with my own money always had Spider-Man in it. It shocked me how in the story, he had the dilemma of being angry, because he felt he is cursed by being Spider-Man, he doesn’t like it, but he still has to do his job, and that extra layer of complexity of them as a kid got me hooked.”

Do you have any future projects that you are working on?

Peter Ramsey: “I do. I’m Executive Producer on an animated feature in Netflix. I think I will be involved in the Spider-Verse sequel in some way. It’s very early to say on that, they just started talking about it, but I would love to return to the world of Miles and help continue tell that story.”

Interview by Mihály Kobela

Pictures courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019: interview with Peter Ramsey, director of Spider-Man: Into the Spider-Verse appeared first on Imperoland.

Dimian has been in the VFX industry for 27 years. His first work at Sony ImageWorks was on Hollow Man, creating transformation effects on the characters, and has since worked on many Sony Animation projects, such as Cloudy with a Chance of Meatballs, Hotel Transylvania and most recently, Spider-Verse.

We had the chance to meet and talk with him at VIEW Conference. Below is our interview.

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What were your many inspirations when starting to work on Into the Spider-Verse?

Danny Dimian: “It started with the idea that we wanted to do something different, something that people had never seen before. We were all excited about the idea that this will be a comic book movie, so we started with the actual comic books. The ones that looked more interesting and felt that had the most life in them were actually the really old comic books, the ones that were printed kind of weirdly, before you had the technology that allowed you to have smooth, perfect images. They had lots of half-tone errors, and other misprints, and all that. Not to mention that these drawings were drawn on paper, not digitally on a computer. The other inspiration was, because we had to make them move, there wasn’t a lot of examples of comic books moving. Anime was something that obviously inspired us, we looked at the way they handle movements and effects. There was an art that was appropriate in a lot of anime movies. Even pop art, the classic J.W. Turner paintings, anything in the fine art world that looked interesting to us, so we had lots of examples of that. All this inspiration turned out to be great, because the final answer was a little bit of everything.”

Since you mentioned the imperfections of comic books and how it inspired the movie; it’s very interesting because usually, when you are working with CGI, everything has to be perfect with no mistakes. How did you achieve this imperfect look?

Danny Dimian: “Some of it was embracing the things that went wrong in our early tests. Anything that looked interesting but wasn’t what we expected, we would put those aside and we would go “let’s remember this, maybe we can use this somewhere.” Another thing was to use hand drawn elements. In the effects, the majority of the hero pieces were actually hand drawn in 2D, then we used them with 3D in conjunction with simulation. The simulation can do timing, scale, and a lot of things, but the cycles themselves were hand-drawn. There were also all the tools that we wrote to draw on the screen. Our character designer was able to draw all the expressions on our models right on the flat screen, so not on Maya, not in 3D, but flat, to the views that he sees. Those were automatically converted into geometry, so that the rigging crew can rig them, and the animators can animate them. But they all started the way that our character designer decided how he would draw it, the origins of every piece of line work was from him. And they’re not attached to the surface, so with that, you get this imperfection that they’re not connected. The computer is still controlling it, but because it’s not connected, you’re not getting computer perfection. With every step on the way, we were looking for places that we could “break” something. Literally break it in the sense of traditionally, it’s not the way you do it.”

It’s really great how the film takes the best from CGI and hand drawn animation.

Danny Dimian: “Yeah. When we started, we only knew two things. We didn’t want this to be a cartoon. To us, cartoon is a sensibility that is not right for this. It has too much squash and stretch to 2D, and we didn’t want that. At the same time, we didn’t want anything that made people compare it to anything realistic. In the middle of those two, there was this big dark area. That’s another thing I like to tell people who are working on new things, that it’s okay to not know, to get deep into a project, and still not have it all come together. We didn’t really know how the pieces would fit until very late. We just knew we had all these pieces that we liked.”

You’ve been working with Sony for quite a long time…

Danny Dimian: “Yeah, I’ve been doing this job for about 27 years, and I’ve been with Sony for 20 years, starting with Hollow Man.”

…and you worked on Cloudy and Hotel Transylvania…

Danny Dimian: “Yeah, and before that, Surf’s Up and Monster House.”

And these are all very stylized compared to the standards that you see from a Disney or Pixar film, and then there’s Spider-Verse, which is totally stylized. Can you talk about the evolutionary process?

Danny Dimian: “One of the things that helped us on Spider-Verse was the fact that we had executive producers and directors and us, and we all wanted the same thing. Moreover, we had the protection from the Executive Producers to let us do it, and that’s not common. Another thing that helped is having too many Spider-Man movies. Before our film, there was already eight of them. When we did ours, we had to ask, “What do we do to tell people to see yet another one?” That’s where it started. Also, at ImageWorks, we don’t really have a style, and we didn’t have a big hit before. We’re not Pixar that had hit after hit, and each film having a house style, to the point where it’s not really a good idea to do something different. Success is not always a good thing. I mean we did well, but we never had the hit that stuck or constrained by. The fact that we do films not just for Sony Animation, but for other studios, as well, we get to do all these different looks. That leads to a methodology, a pipeline, where you’re always doing something new, and you’re used to that. We had done different things, like Hotel Transylvania, where Genndy Tartakovsky has a style that uses a lot of squash and stretch, but also he wants them shaped in certain ways to the camera, so we had all these tools where it takes the geometry and brakes it to do all kinds of things to the camera. We used all these things in Spider-Verse, as well, to make things look more like the way you might draw it, and not how the geometry would do.”

In the movie, there are six Spider people, each with their own different and unique style. Was there any challenge in balancing out these clashing looks?

Danny Dimian: “The short answer is, yes there was, but not as much, because we had fewer shots. If there were more shots, then it would’ve become more of a challenge to make sure those looks are efficient enough. We had 2700 shots in this movie, because of all the multi-panels and such. Animation now has lots more shots, than it used to. A 2D animated movie usually was 85 minutes and has 1200 shots. The thing that made it not much of a problem was two things. We have a very flexible way of exploring looks just because we didn’t know where things would go, and we had already tried so many things. The other was that you can muscle through many looks if it doesn’t require too many shots.”

For a lot of people, it seems it’s hard to grasp exactly what the animation style of Spider-Verse is. How can you describe it to the general audience?

Danny Dimian: “The animation is definitely a mix of all kinds of ideas. The best way I would describe it is the way I describe the look of the film, and that it’s a collage. It borrows from everything to try to find a new language to fit for this new content. It’s not appropriate for everything, though. We have a couple of other projects at Sony now that are going to look different from what you’ve seen, and it’s meant to look more inspired by physical drawings and paintings, but they don’t look like Spider-Verse at all. For us, that movie’s style is not appropriate for anything except what it was meant for, a comic book. The ideas, however, is what will and should be expanded and put into movies. The idea that people should look at their story and decide what is the best way to tell that story.”

It’s so rare that something like this happens for an animated movie.

Danny Dimian: “This is one of the times that happened to me, as well. Cloudy was something similar, and so was Hollow Man, in a different way. That was fun, because it was a technical challenge. Beforehand, there was no way of doing transformations of bodies, so we had to write the tools ourselves. I talk to people about this experience and what it was like to doing something without any sort of user interface, just people writing code, and writing a script to explain how you visualize things.”

Can you talk about any of your future projects?

Danny Dimian: “As soon as it’s announced and the first trailer comes out, then I can. I can tell you that there’s more stuff coming, and people feel good about things being different. There’s a willingness to try different things, and I’m excited about this, as well. There are little cracks in the wall of CG being just for kids’ movies. If you’d ask me five years ago where I thought animation would go, I would probably be sad with the thought that I might die without ever making an adult animated movie, but it’s less likely that will happen now. Who knows, it’s still a little hard, because it takes a lot of time, effort, and money. But I think people are starting to come around to the fact that it can be just a technique, not a genre to make anything animated. But we will see something out of Europe first before seeing something in the US.”

Interview by Mihály Kobela

Pictures courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019: interview with Danny Dimian, VFX supervisor for Spider-Man: Into the Spider-Verse appeared first on Imperoland.

Prima di lavorare a Spider-Man: Un nuovo universo, Danny Dimian ha contribuito anche a film come Angry Birds – Il film, Piovono Polpette, Hotel Transylvania, Surf’s Up, Monster House, Polar Express e Stuart Little 2.

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Partiamo dalle basi. Quali sono state le vostre molteplici ispirazioni nell’approcciarvi a un film come Spider-Man: Un nuovo universo?

Danny Dimian: “È iniziato tutto con l’idea di realizzare qualcosa di diverso, qualcosa che nessuno avesse mai visto prima. Ovviamente la prima fonte, essendo un film tratto da fumetti, sono stati i fumetti. Quelli che ci sono sembrati più interessanti e più dinamici sono quelli di una volta, che erano stampati anche un po’ male, molto prima che esistesse la tecnologia per ottenere immagini perfette. Avevano un sacco di errori di colorazione e altri problemi di stampa, in più quei disegni erano realizzati con carta e matita, non c’era il computer. Per quanto riguarda l’animazione… beh, i fumetti non si muovono, ma gli anime giapponesi sono una sorta di fumetti in movimento e sono stati una grande ispirazione per noi. Potrei citare moltissimi altri esempi, la pop art, l’arte classica di Turner… la risposta finale è che nel film sono confluite tantissime diverse ispirazioni, letteralmente un po’ di tutto”.

Hai menzionato le imperfezioni dei fumetti; questo è un aspetto molto interessante perché solitamente quando si lavora in CGI si tende a voler far apparire tutto perfetto e realistico.

Danny Dimian: “Paradossalmente, ciò che ci ha aiutato a ottenere questo look sono i tantissimi errori che facevamo nei primi test per l’animazione. Tutto ciò che non ci riusciva, ma che sembrava interessante veniva messo da parte con l’intenzione di trovare il modo di incorporarlo nel film in qualche modo. Un altro fattore determinate per quanto riguarda l’effetto “imperfetto” è sicuramente l’uso dell’animazione a mano. La maggior parte degli effetti visivi sui personaggi sono in realtà realizzati in 2D. Il character designer ha potuto disegnare le espressioni direttamente sui modelli 3D sullo schermo, non in Maya, non in 3D, proprio a mano. Poi i disegni venivano automaticamente convertiti in elementi geometrici 3D per poter passare al rigging e infine all’animazione. E non sono nemmeno collegati alla superficie dei modelli, ecco da cosa deriva questo senso di imperfezione. Il computer continua a controllarli, ma siccome nulla è collegato è impossibile ottenere il classico look perfetto della computer grafica. In ogni momento ci siamo guardati intorno per capire che cosa potevamo “spezzare”, e con “spezzare” intendo che abbiamo praticato un taglio netto con il modo in cui tradizionalmente si realizzano questi film”.

E il risultato è incredibile. Insomma, il film prende davvero il meglio dalla CGI e dall’animazione a mano.

Danny Dimian: “Esatto. Quando abbiamo iniziato a lavorarci sapevamo solo due cose. La prima: non volevamo che fosse un cartone animato. Il 2D ha molto squash and stretch, ha un feeling che non sembrava adatto alla storia che volevamo raccontare. Ma allo stesso tempo non volevamo fare nulla di troppo realistico. A metà tra queste due opzioni c’era una grossa incognita oscura. È qualcosa che mi piace ripetere quando iniziamo un nuovo progetto: non sapere dove si sta andando può essere un bene. A volte è ok imbarcarsi in un progetto e non avere ancora ben chiara la meta. Noi non sapevamo affatto se tutti i pezzi sarebbero andati al loro posto praticamente fino all’ultimo momento. Sapevamo soltanto che che i singoli pezzi che avevamo ci piacevano molto”.

Lavori per Sony Imageworks da tantissimo tempo, e hai realizzato film come Piovono Polpette o Hotel Transylvania. Già questi due titoli sono molto stilizzati in termini di visual se paragonati ai film Disney o Pixar. Poi è arrivato Spider-Verse, che è una stilizzazione estrema. Com’è stato per te questo percorso?

Danny Dimian: “Faccio questo lavoro da 27 anni, e da ben 20 sono in Sony. Posso dire che ciò che ci ha aiutato per quanto riguarda Spider-Verse è stato avere produttori esecutivi, registi e artisti tutti allineati, tutti volevamo raggiungere lo stesso obiettivo. Dirò di più: i nostri produttori esecutivi ci hanno protetto, ci hanno permesso di fare ciò che volevamo, e questo non è affatto comune. Un’altra cosa che ha aiutato è il fatto che prima del nostro c’erano stati già ben otto film di Spider-Man, e questo ci ha portato a trovare un modo per far sì che le persone fossero interessate a vederne un altro ancora. E poi, a ImageWorks non abbiamo un house style, e bisogna anche dire che non abbiamo mai avuto grandissimi successi. I nostri film hanno incassato discretamente, ma non siamo la Pixar che film dopo film ha sempre avuto incredibili consensi e ora si trova ingabbiata in uno stile da cui non può più uscire per paura di perdere riconoscibilità. Il successo non è sempre una cosa buona. Inoltre, per il fatto che noi facciamo film non soltanto per Sony Animation, ma per un sacco di altre case esterne, abbiamo una metodologia che ci permette di creare sempre qualcosa di nuovo e ci rende molto flessibili”.

Nel film ci sono sei supereroi, ognuno caratterizzato da uno stile diverso e unico. Ci sono state difficoltà nel trovare l’equilibrio tra questi stili così opposti tra loro?

Danny Dimian: “Sì, ma non quanto ci aspettavamo, perché nel film abbiamo meno shot. Se ce ne fossero stati di più, allora sì che sarebbe stata una grande sfida far coesistere questi look così differenti. Abbiamo 2700 shot nel film. L’animazione oggi ne ha molti di più di quanti ne aveva una volta… i film in 2D di solito duravano in media 85 minuti e ne avevano circa 1200. Diciamo che non è stato impossibile destreggiarci tra look radicalmente differenti, anche grazie alle numerose prove che abbiamo fatto inizialmente”.

Molti spettatori sembrano fare difficoltà nel riconoscere che tipo di animazione sia quella di Spider-Man: Un nuovo universo. Alcuni dicono 3D, altri 2D… tu come la descriveresti?

Danny Dimian: “Un mix di tante idee diverse. Il miglior modo per descriverla è: un collage. Prende spunto da tutto e prova a mettere insieme un nuovo linguaggio che si adatti alla storia che vogliamo raccontare. E attenzione, perché non è replicabile per tutti i tipi di storie. Abbiamo altri progetti in lavorazione adesso che saranno ancora diversi da ciò che avete visto finora, saranno ispirati ai dipinti e ai disegni a mano, e non somiglieranno proprio per niente a Spider-Verse. Per come la vediamo noi, lo stile di questo film non è adattabile a nient’altro eccetto l’obiettivo per cui è stato creato, ovvero realizzare un film su un fumetto. Sono le idee che devono guidarci, il punto è che gli artisti dovrebbero pensare alla loro storia e capire qual è il modo migliore per raccontarla”.

Sì, ma questo accade assai raramente nel cinema d’animazione.

Danny Dimian: “In effetti, questa è una delle poche volte in cui è accaduto anche per me. Piovono Polpette è stato qualcosa di simile, e anche L’uomo senza ombra, in modalità diverse. Quel film è stato interessante, perché è stata tutta una sfida con la tecnologia. Non c’era modo di trasformare i corpi con la computer grafica prima di allora, perciò abbiamo dovuto scriverci tutti i programmi da soli”.

Hai citato nuovi progetti in arrivo da parte di Sony Animation, cosa puoi anticiparci?

Danny Dimian: “Molto poco, perché se rivelassi qualcosa probabilmente passerei dei guai. Dovrete aspettare l’arrivo del primo trailer. Quello che posso dirvi è che ci sono molti progetti in arrivo e che l’atmosfera generale è decisamente positiva verso la sperimentazione. C’è la volontà di provare cose nuove, e questo è molto elettrizzante per me. Finalmente si sta piano piano scardinando l’idea che la CGI possa essere utilizzata solo per i film per bambini. Se me lo aveste chiesto cinque anni fa, avrei probabilmente risposto tristemente che sarei morto senza mai avere l’occasione di realizzare un film d’animazione per adulti, ma adesso le probabilità che questo accada sono maggiori. Chissà, la strada non è ancora spianata, perché servono un sacco di tempo, lavoro e soprattutto soldi. Ma secondo me piano piano stiamo capendo che l’animazione non è un genere, ma una tecnica con cui si può realizzare qualsiasi cosa. Credo però che sarà l’Europa a batterci, vedremo un film rivoluzionario in Europa molto prima che negli USA”.

Foto: Courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019, Danny Dimian e le sfide di Spider-Man: Un nuovo universo appeared first on Imperoland.

Conrad Vernon is a director, writer and storyboard artist. He started out in television, working on classics such as Ren and Stimpy, Rocko’s Modern Life and Dexter’s Laboratory. He joined DreamWorks in 1996, where he directed Shrek 2, Monsters Vs. Aliens and Madagascar 3. Afterwards, he directed the adult animated film Sausage Party. Alex Schwartz has been a producer for over 25 years. She was head of many notable studios, including Touchstone Pictures, Walden Media and DreamWorks Animation, overseeing production on films such as Sister Act, Narnia, Bridge to Terabithia, Kung Fu Panda, How to Train Your Dragon, etc. She is currently producing a feature for Sony Pictures Animation.

We had a chance to talk with them at VIEW Conference. Below you can find our interview.

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With this new Addams Family movie, you have basically reintroduced the characters to an audience, most of which has already been familiar with the Barry Sonnenfield movies of the 90s, and their initial reaction to this new version was a bit mixed, due to their strong connection to the live-action films. Has this caused any challenges or concerns during the making of this film, along with the introduction to a new generation?

Conrad Vernon: “What was interesting was when we came out of the character designs, based on the classic designs of the Charles Addams comics, there were some initial shock to people, saying “oh my god, that’s not Raul Julia, that’s not Anjelica Huston!” and then there were the deep, hardcore fans saying “yes, this is based on the original comics, look at those cartoons, this is how they’re supposed to look!”. This little back and forth online was nice to see that people were debating and talking about it.”

Alex Schwartz: “But as you pointed it out, there’s also the new generation, who has nothing to base this on, and I think to them, the Addams Family appeals the same way it did for the older generation with the other adaptations, how they’re freaky and weird and seems to be doing things their own way, and they’re cool looking. People like that.”

Speaking of the character designs, I was wondering how did you actually come up with them? Obviously, they’re based on the comics, but was there any moment during production where it was radically different?

Vernon: “Not really. When starting out, I gave the direction to our character designer, Craig Kellman, to start at the comics, at Charles Addams’ designs and show me what you got. He did a lot of iterations, but it wasn’t so radically different from the original designs, because both of us agreed that the core of the designs should stay at the comics. Everything that Craig changed was just facials, proportions, very subtle stuff. And Craig managed it like a champion, he would give me 15 different designs of Morticia, and each would have very little differences.”

Schwartz: “The other thing that was really fun was the extended family characters he designed.”

Vernon: “Yeah, he took a lot of those from Charles Addams, as well, lots of background characters. There were only 2-3 characters that he did himself.”

Your previous work was Sausage Party, which was a completely different movie, way more adult. Did you have to hold yourself back with jokes and writing when you had to switch back to making an animated feature?

Schwartz: “Every time!” ((everyone laughs))

Vernon: “Obviously! I mean there was no orgy at the end of the film! ((laughs)) What I will say, though, was that I definitely felt the screws being put back on.”

Speaking of the technical factors, this movie was made on a much smaller budget, way less, than your average big animated feature. Has that also created any challenges?

Schwartz: “Oh sure! There were compromises made, but also the solutions often create what then becomes so distinctive. We’ve all come from animation, which has become capable of recreating the world down to the tiniest Addam…I mean, atom ((laughs)) but is that what you really want? Just because you can do it, doesn’t mean that you actually want to do it. I think this movie has a very fun and unique style to it that partly allowed us to make this for the amount of money it cost us.”

Vernon: “Yeah, I would say that, to me, it’s actually a relief to have a lower budget, because the technology has come far enough where you could make it look good for less money. We did Sausage Party at about half as much as The Addams Family. What’s also nice is that we don’t have to make a gigantic amount of money on it for the first weekend, and the others. That caused me a lot of pressure at DreamWorks where our opening weekend was so crucial, otherwise it would’ve sunk us. Here, we made double our budget back at Sausage Party, and we made more than half our budget back in the first weekend of Addams Family, and it really is such a relief.”

Schwartz: “I would say our challenge was more time, than money. Time we couldn’t expand beyond what it was.”

Vernon: “Yeah, absolutely. We actually found out our release date through Variety. And we were like “well, I guess we have two years!”

Schwartz: “Time to write the script!” ((everyone laughs))

How did you work with the voice actors to find the personality for the characters? How did the casting go?

Vernon: “Luckily, we all got our first choices. Since we made the Addams Family immigrants coming to America, we gave the actors the challenge to come up with accents.”

Schwartz: “They actually pitched us accents, and we went through them all. For example, Charlize Theron, who voices Morticia, had done an almost Romanian-sounding accent, and we recorded quite a lot with it, and she ended up sounding like a vampire because of it, so we had to drop the accent, and then she created a sort of mid-Atlantic, Catherine Hepburn kind of accent.”

Vernon: “Bette gave her sense of style and confidence, Oscar came in with that beautiful, romantic Spanish accent. Wednesday and Pugsley don’t have accents, because they are first generation Americans.”

Schwartz: “But Bette Midler’s accent, she was very exacting.”

Vernon: “Yeah, when she called and asked me what accent I want, I would say “how about some unknown country from Eastern Europe?” and she called me back with two or three different versions, and I would pick one of them, and went back and forth, as she read from the script, and we decided on that choice. And of course, Nick Kroll came in, and he didn’t have an accent, but a speech impediment.”

As the sequel has already been announced, can we expect you to return for that one?

Schwartz: “I will not be working on it, because I’ve moved on to something new.”

Vernon: “And I will be doing it as more of a producorial role, I won’t be directing it.”

Interview by Mihály Kobela

Pictures courtesy of VIEW Conference

The post View Conference 2019: The Addams Family, interview with Conrad Vernon and Alex Schwartz appeared first on Imperoland.

Un cartoon che reintroduce al grande pubblico gli intramontabili personaggi di Charles Addams: Gomez, Morticia, Mercoledì, Pugsley, Lurch, lo Zio Fester e tutti gli altri, per la prima volta in un’inedita versione animata. Tantissime le chicche che i due filmmaker hanno illustrato al pubblico di VIEW in un divertente talk, spaziando dal nuovo design dei personaggi alle originali trovate per la storia, fino ai simpatici easter egg che Conrad Vernon ha inserito qua e là (vi sfidiamo a trovare i riferimenti a Frankenstein, Shining, Il mistero di Sleepy Hollow e L’invasione degli ultracorpi, tra i tanti).

Prima del loro talk a VIEW Conference, abbiamo incontrato Vernon e Schwartz per alcune domande esclusive sulla nuova versione de La famiglia Addams.

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Riportare al cinema La famiglia Addams significa presentare i personaggi a una nuova generazione di bambini che non li conosce, ma anche scontrarsi con i fan di sempre che sono affezionati alle versioni passate, in particolare ai film live action degli anni ’90. Come vi siete approcciati a questa problematica?

Conrad Vernon: “Abbiamo cercato tutti i modi possibili per differenziarci da quanto fatto prima, per esempio abbiamo raccontato come si sono incontrati Gomez e Morticia, come il maggiordomo Lurch si è unito alla famiglia, come gli Addams hanno trovato la loro casa… Non volevamo ripetere cose già fatte. Per quanto riguarda invece il character design, da una parte ci sono state persone scioccate perché abituate agli attori dei film live action, ma dall’altra c’erano i fan del fumetto che hanno reagito tipo: “finalmente! sono basati sui fumetti originali, è proprio così che dovrebbero essere!”. È stato interessante vedere le diverse reazioni del pubblico online”.

Alex Schwartz: “E poi ci sono i bambini delle nuove generazioni che non conoscono La famiglia Addams. Su di loro questi personaggi hanno lo stesso appeal che avevano sulle generazioni precedenti, li adorano perché sono strambi e un po’ pazzi e amano fare le cose a modo loro. Insomma, sono un evergreen, alle persone piacciono”.

Come avete lavorato sui fumetti originali per ottenere il character design del film? C’è mai stato un momento in cui avete pensato a un look completamente diverso e più standard?

Vernon: “No. Fin dall’inizio, ho chiesto al nostro character designer Craig Kellman di basarsi sui fumetti di Charles Addams. Ha ideato diverse versioni dei personaggi, ma nessuna era troppo diversa dai disegni originali, perché entrambi abbiamo concordato che il cuore dei personaggi dovessero restare i fumetti. Diciamo che Craig ha giocato un po’ con le espressioni, le proporzioni, ma nulla di radicale. È stato bravissimo, mi ha presentato tipo 15 diverse versioni di Morticia e ognuna aveva delle piccole differenze che la rendevano unica”.

Schwartz: “È stato molto divertente anche immaginare la famiglia allargata degli Addams”.

Vernon: “Anche quei design sono ispirati a Charles Addams, ai suoi personaggi di contorno. Soltanto 2 o 3 personaggi sono completamente costruiti da zero”.

Il tuo film precedente è stato Sausage Party – Vita segreta di una salsiccia, una pellicola animata per adulti. Quanto ti sei dovuto trattenere con le gag ora che sei tornato a lavorare a un film per famiglie?

Vernon: “Tantissimo! La differenza tra i due mi sembra palese, considerato che alla fine de La famiglia Addams non c’è una scena di sesso come quella di Sausage Party! Ho decisamente sentito una maggior responsabilità e maggior controllo su quello che stavamo scrivendo, ma non sono mancate comunque le difficoltà tecniche, che sono comuni a tutti i tipi di film”.

A proposito di difficoltà tecniche, La famiglia Addams è stato realizzato con un budget molto contenuto. Quali sfide ha comportato questo fattore?

Schwartz: “Ci sono stati compromessi da fare, ma molto spesso avere un budget ridotto permette di trovare interessanti soluzioni creative per aggirare gli ostacoli. L’animazione ormai è in grado di ricreare la realtà fino al più piccolo atomo, ma siamo sicuri che sia questo l’obiettivo? Soltanto perché tecnicamente si può fare, non deve diventare per forza la norma. Secondo me questo film ha uno stile divertente e unico, e sicuramente le restrizioni dovute al budget sono tra i motivi che ci hanno permesso di ottenerlo”.

Vernon: “Concordo, anzi direi che per me avere un budget ridotto è quasi un sollievo. La tecnologia oggi è talmente avanzata che puoi comunque ottenere un eccellente risultato, addirittura Sausage Party lo abbiamo realizzato con la metà del budget de La famiglia Addams. E poi se parti con un budget non troppo alto, non devi dipendere disperatamente dagli incassi del box office. Quando lavoravo in DreamWorks questo mi creava molta pressione, perché i risultati nel primo weekend erano cruciali, mentre adesso… nel primo weekend di programmazione abbiamo già recuperato più della metà del nostro budget!”.

Schwartz: “Aggiungerei infine che la sfida più grande per noi, più che i soldi, è stato il tempo”.

Vernon: “Sì, esatto. Praticamente abbiamo scoperto la data d’uscita del nostro film leggendo Variety. Ci siamo guardati e abbiamo detto: beh, a quanto pare abbiamo solo due anni!“.

I personaggi hanno tutti nuove voci in questo film d’animazione. Come avete scelto i doppiatori e come avete lavorato con loro per dare nuove personalità agli Addams?

Vernon: “Fortunatamente, le nostre prime scelte in termini di voci hanno accettato subito. Nel film abbiamo deciso di rendere gli Addams degli immigrati che arrivano in America, perciò abbiamo chiesto agli attori di immaginare per loro un accento straniero. Per esempio Oscar Isaac ha ovviamente puntato su un accento latino. Gli unici a non avere un accento particolare sono Mercoledì e Pugsley, perché loro sono americani di prima generazione”.

Schwartz: “Charlize Theron, la voce di Morticia, aveva proposto una sorta di accento dell’Est Europa, della Romania, e abbiamo fatto diverse sessioni di doppiaggio prima di renderci conto che Morticia suonava un po’ troppo come un vampiro. Poi siamo passati a una specie di imitazione di Katharine Hepburn, molto elegante, molto Hollywood”.

Vernon: “Io ho adorato lavorare con Bette Midler, che doppia Nonna Addams. Le ho proposto di imitare un accento che venisse da un paesino sperduto dell’Est Europa, lei mi ha chiamato con due o tre diverse versioni e poi abbiamo iniziato a leggere lo script per capire quale fosse la migliore. Altra intuizione geniale è stata quella di Nick Kroll per lo zio Fester: non un accento, ma un difetto di pronuncia che lo caratterizza moltissimo”.

Il film in America è già un successo ed è stato annunciato un sequel. Sapete già se sarete coinvolti?

Schwartz: “Personalmente no, perché sono già al lavoro su nuovi progetti”.

Vernon: “Sarò coinvolto, ma questa volta non nel ruolo di regista. Probabilmente in un ruolo di produzione”.

Foto Conrad Vernon e Alex Schwartz: Courtesy of VIEW Conference

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Proprio lei, dal palco di VIEW Conference, ha introdotto la storia e le meraviglie create da Pearl Studio per questa dolcissima avventura, che vede protagonista un piccolo yeti di nome Everest. Dopo essersi imbattuta in lui sul tetto del suo condominio a Shanghai, l’adolescente Yi percorrerà un viaggio per tutta la Cina insieme ai suoi amici Jin e Peng con l’obiettivo di far ricongiungere la magica creatura con la sua famiglia.

Per parlare di Il piccolo Yeti, Jill Culton è partita proprio dai personaggi, e in particolare dal buffo e peloso Everest. “Mi sono ispirata ai miei “piccoli yeti”, racconta, “ossia i miei cani. Sono adorabili e dolcissimi, e molti dei loro tratti sono confluiti in Everest. Soprattutto uno: il fiuto per loro è una specie di superpotere, perciò ho pensato di regalare un potere speciale anche agli yeti, ovvero controllare la natura. Ma Everest è ancora un cucciolo e quindi è un po’ impacciato: i suoi poteri sono spesso fuori controllo!”.

Per quanto riguarda invece l’eroina Yi, doppiata in originale da Chloe Bennet di Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., Jill Culton ha precisato subito: “Non volevo che fosse una principessa. Quando ero piccola non riuscivo a rispecchiarmi nelle principesse: io ero una bambina un po’ maschiaccio e non mi rivedevo in nessuna di loro. Per Il piccolo Yeti ho voluto una protagonista curiosa, indipendente, uno spirito libero che avesse tratti della personalità né spiccatamente femminili né troppo maschili. Una ragazza come tante, insomma”.

Il tema del film, ha illustrato la regista, è la disconnessione: da quando il padre di Yi è morto, la sua famiglia si è allontanata e lei stessa si è isolata dai suoi cari e dal resto del mondo. Il viaggio che compie insieme agli amici Jin e Peng, con lo yeti Everest nel ruolo di una sorta di angelo custode, le permetterà finalmente di elaborare il lutto e il vuoto lasciato dalla scomparsa del genitore, lasciandosi andare di nuovo alle emozioni. Emozioni che sono dettate anche dalla musica, in una delle scene più commoventi del film in cui Yi suona il violino lasciatole dal padre. E a tal proposito la regista ha stemperato l’emozione con un divertente video degli animatori: “Tutti gli animatori hanno dovuto prendere lezioni di violino per riuscire ad animare correttamente Yi mentre suonava. I risultati però non sono sempre stati positivi!”, ha scherzato.

In ultimo, Il piccolo Yeti è anche una grande celebrazione dei luoghi più belli della Cina. “Yi ha sempre sognato di viaggiare in lungo e in largo per la Cina insieme al padre, ma il suo sogno non è mai potuto diventare realtà. Almeno fino a quando non incontra Everest”. Il viaggio è quindi il pretesto per mostrare non solo i luoghi più affascinanti e caratteristici, ma anche quelli più nascosti, quelli che nessuno conosce. E ai motivi cinesi sono ispirate anche alcune scene tra le più magiche del film, come quella in cui Yi e gli amici volano su nuvole in forma di carpe koi.

Il piccolo Yeti è uscito al cinema lo scorso 3 ottobre per Universal Pictures, e arriverà prossimamente in home video in tutti i negozi.

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