La priorità assoluta è per l’Hotel Marvel, la cui inaugurazione (prevista per il 15 giugno 2020) è stata posticipata proprio a causa dell’emergenza coronavirus. Non appena si avrà una stima della durata dei cantieri, verrà annunciata una nuova data di apertura. Gli operai nei cantieri sono stati messi in sicurezza secondo le disposizioni del Ministero dell’Interno francese e delle autorità della sanità: i lavoratori indosseranno mascherine e dispositivi di distanziamento fisico.

Disneyland Paris riapre il 15 luglio

Disneyland Paris, le misure di sicurezza da rispettare

Disneyland Paris, come prenotare con le nuove regole post lockdown

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“Mentre celebriamo la riapertura di Disneyland Paris, sono felicissima di accogliere i nostri Cast Member, gli Imagineer e le imprese che stanno lavorando con noi per la costruzione di nuove appassionanti esperienze che divertiranno e intratterranno i nostri visitatori negli anni a venire”, ha dichiarato la Presidente Natacha Rafalski.

“Siamo entusiasti di riprendere progressivamente a lavorare nei cantieri e di poter tornare a fare ciò che è la nostra passione: creare la magia Disney che i nostri visitatori amano tanto”, ha affermato invece David Wilson, Site portfolio Excecutive per Walt Disney Imagineering. “Ringraziamo le autorità francesi per il dialogo costruttivo che abbiamo instaurato con loro, e i nostri partner e fornitori per la loro fiducia. Grazie alla flessibilità e alla comprensione dimostrata da questi ultimi, abbiamo potuto lavorare in questi ultimi mesi su altri aspetti delle nuove attrazioni ed esperienze”.

Fonte e foto: InsidEars

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La notizia ufficiale è data dal sito di Disneyland Paris. Ecco cosa viene detto:

”Disneyland Paris riaprirà progressivamente a partire dal 15 luglio 2020, includendo il Parco Disneyland, il Parco Walt Disney Studios, il Disney’s Newport Bay Club e il Disney Village.

Questa riapertura verrà accompagnata da misure d’igiene e sicurezza rinforzate che varranno per i visitatori e per i lavoratori. La capacità dei nostri parchi a tema sarà limitata e conforme alle norme consigliate dalle autorità pubbliche competenti, e un nuovo sistema di prenotazione, disponibile da inizio luglio e sottomesso alle disponibilità permetterà di regolare l’afflusso nei Parchi a tema.

Delle nuove condizioni di prenotazione sono già disponibili per offrire ai nostri visitatori la massima flessibilità.”

La sicurezza è sempre messa al primo posto nei parchi Disneyland e se ancora non sappiamo se verrà inserito un gruppo di cast members atti al controllo del rispetto delle norme di distanziamento e di igiene, come già avvenuto a DisneyWorld, possiamo credere che Disneyland Paris farà tutto il possibile per far vivere la magia ai guests in piena sicurezza.

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Fonte: Disneylandparis.com
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È il quinto film in live action a riuscire nell’impresa dopo La Bella e la Bestia, Alice in Wonderland e il secondo e il quarto film della saga di Pirati dei Caraibi. Inoltre è il terzo film dei Walt Disney Studios ad aver superato il miliardo nel corso del 2019 (almeno finora, dato che Il Re Leone è ancora in corsa e mancano all’appello anche Frozen 2 – Il segreto di Arendelle e Star Wars – L’ascesa di Skywalker).

Aladdin ha incassato complessivamente 343 milioni di dollari nei soli USA e 656 milioni di dollari a livello internazionale. Tra i paesi dove ha ottenuto più successo ci sono il Giappone, dove sta per superare i 100 milioni di dollari; la Corea, dove è il quarto film occidentale più visto di sempre; la Cina con 53 milioni, il Regno Unito con 45 milioni e il Medio Oriente, dove è il più grande incasso di sempre.

Il resto del 2019 sembra più che roseo per la Disney: non solo Aladdin ha superato il miliardo, ma la Company ha già incassato 7.67 miliardi di dollari, superando il precedente record risalente al 2016 e da lei stessa detenuto. Sono suoi ben cinque dei sei grandi incassi del 2019 finora, con Toy Story 4 e Il Re Leone pronti ad aggiungersi presto all’elenco raggiungendo anch’essi il miliardo di dollari. E come abbiamo già ricordato, la Company ha ancora tre titoli fortissimi previsti per fine anno con i sequel di Frozen e Maleficent e l’ultimo capitolo della nuova trilogia di Star Wars.

C’è anche da sottolineare però che dopo l’acquisizione della Fox, la Disney possiede ora il 40% del mercato domestico (USA), più del doppio dei suoi competitor Warner Bros e Universal, che possiedono rispettivamente circa il 13%.

Fonti:
The Walt Disney Company 
Variety

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Innanzitutto, le prenotazioni per il momento sono disponibili soltanto al Walt Disney Studios Park, ma non al parco principale Disneyland Park. Questo perché si tratta di una sperimentazione; probabilmente se i risultati saranno positivi il metodo sarà esteso a entrambi i parchi.

Come funziona la prenotazione? I visitatori dovranno scaricare l’applicazione Lineberty, disponibile sia per iOS che per Android (un QR code sulla mappa che vi daranno all’entrata vi permetterà di accedere facilmente al download senza doverla ricercare all’interno dello store digitale). L’app vi permetterà di scegliere il personaggio che volete incontrare e l’orario del vostro meet and greet, dopodiché vi indicherà in tempo reale quanto manca al vostro turno. Infine, l’app vi avviserà o tramite una notifica o con un SMS quando toccherà a voi, fornendovi un ticket digitale che dovrete mostrare all’entrata per poter accedere al vostro meet and greet.

Questo sistema di prenotazione sarà valido a partire dal 7 giugno per i seguenti personaggi:

• Gli Incredibili presso The Art of Disney Animation
• Personaggi Disney vari presso Toon Plaza
• Capitan America presso il Production Courtyard (dal 10 giugno)

Nel frattempo, il parco testerà lo stesso metodo anche per le prenotazioni dei ristoranti, a cominciare dal Restaurant En Coulisse sempre a partire dal 7 giugno.

Scopri anche il Magic Pass, la card magnetica che sostituisce i biglietti d’ingresso ai parchi

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Qui sotto vi segnaliamo i panel più importanti che cercheremo di seguire su Impero Disney tramite aggiornamenti su Facebook (pagina e Gruppo Nazionale), su Twitter e qui sul blog.

Vi ricordiamo inoltre che Anaheim è 9 ore indietro rispetto all’Italia, quindi occorre aggiungere 9 ore all’orario che trovate nel programma completo sul sito ufficiale (qui sotto abbiamo fatto il calcolo per voi).

(In rosso i panel che seguiremo sicuramente in diretta)

Venerdì 14 luglio

L’eredità dei prodotti della Walt Disney Company e il futuro che ci attende
Dalle 19.00 alle 20.00

Dallo schermo alla pagina: Gravity Falls e Star VS Forces of Evil
Dalle 19.30 alle 20.30

Pixar e Walt Disney Animation Studios: Tutti i film in arrivo
Presentazione di tutte le novità dell’animazione per i prossimi anni, presentate da John Lasseter.
Dalle 23.30 alle 1.30

Pirati dei Caraibi, 50 anni di avventure nei parchi Disney
Celebrazione del 50esimo anniversario di Pirati dei Caraibi
Dalle 00.30 alle 1.30

Presentazione Marvel Animation
Dalle 3.00 alle 4.00

Sabato 15 luglio

Il potere delle principesse Disney
Dalle 19.30 alle 20.30

I film live action dei Walt Disney Studios 
Uno sguardo ai futuri film live action di Disney Pictures.
Dalle 19.30 alle 21.30

Creando i mondi dell’universo Pixar
Dalle 21.15 alle 22.15

Level up! I videogiochi della Walt Disney Company
Dalle 22.00 alle 23.00

Presentazione di Olaf’s Frozen Adventure
Panel dedicato al cortometraggio di Frozen al cinema con il film Pixar Coco
Dalle 23.30 alle 00.30

Walt Disney Parks and Resorts
Presentazione di tutti i progetti futuri legati al mondo dei parchi
Dalle 00.00 alle 1.30

Presentazione Once Upon A Time
Dalle 00.15 alle 1.15

Presentazione DuckTales reboot
Dalle 1.15 alle 2.15

Domenica 16 luglio 

Celebrazione di un classico animato: Il Re Leone
Dalle 19.00 alle 20.00

Panel sulla serie animata di Rapunzel
Dalle 19.30 alle 20.30

Walt Disney Signature Collection: Bambi
Presentazione della nuova edizione home video del classico Disney Bambi per il 75esimo anniversario del film
Dalle 20.30 alle 21.30

Zero to Hero: il making of di Hercules
Dalle 21.30 alle 22.30

Biancaneve e i sette nani: proiezione per gli 80 anni del film
Dalle 00.15 alle 1.45

Oswald il coniglio fortunato: alla ricerca dei cartoon perduti
Dalle 3.00 alle 4.00

Cliccate qui per il programma completo 

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Decorati con il logo dello studio, sono disponibili tanti prodotti da collezione che vi elenchiamo qui sotto con i relativi link per l’acquisto:

• Tazza 
• Set di tazze
• Agenda bianca
• Agenda nera
• Borsa riutilizzabile
• Note adesive
• Penne
• Borraccia

Non ci è arrivata ancora segnalazione della loro presenza anche nei negozi fisici, ma vi terremo informati.

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These are Kerm’s 2016 favourites (and more…)!

Film d’animazione

Dopo due anni di pausa, ecco che Walt Disney Animation Studios e Pixar tornano a scontrarsi pacificamente al box office (uno “scontro” che se vogliamo vede soltanto un vincitore: una Company che raggiunge un grande record in termini di incassi). Sono due i nuovi Classici, diretti tra l’altro da due coppie di grandissimi artisti disneyani, la prima inedita, l’altra ben navigata: parliamo di Rich Moore e Byron Howard per Zootropolis e di John Musker e Ron Clements per Oceania.
I registi dei due film in CGI più belli degli ultimi anni uniscono le forze per una nuova storia originale, riprendendo un tratto caratteristico della tradizione: gli animali antropomorfi. Nasce così Zootopia, arrivato qui come Zootropolis, un film davvero bello, molto politico e concepito probabilmente anche in relazione agli eventi che stanno segnando la contemporaneità. Un messaggio forte di dialogo e condivisione con chi è diverso, anche se agli antipodi, e un invito a dare sempre il meglio di sé. Senza dubbio il miglior lungometraggio dell’annata. Visivamente memorabile la sequenza di apertura sulle note dell’unica canzone del film, Try Everything cantata da Shakira, durante la quale ci viene mostrata la fantastica città di Zootropolis, che speriamo di poter visitare ancora più a fondo in futuro (magari non coinvolgendo per forza i bellissimi personaggi già visti nella pellicola di quest’anno).

Dopo aver reso grande quel periodo denominato “Rinascimento Disney”, e aver inaugurato l’era “Disney Revival” con La Principessa e il Ranocchio, non poteva certo mancare una nuova opera targata Musker & Clements. Perfettamente inserito in quella “zona grigia” tra innovazione e tradizione, il duo fa il suo debutto nel mondo dell’animazione interamente a computer con Oceania. Ritroviamo in questo lungometraggio, destinato a totalizzare grandi cifre al box office: una trama lineare e scorrevole che ricorda molto, in materia di struttura, alcuni dei loro primi lavori come La Sirenetta e Aladdin; la forma del musical, già riportata in auge da Rapunzel – L’Intreccio della Torre (co-diretto da Nathan Greno e da quel Byron Howard del quale parlavamo poco fa) e poi dall’ormai famoso Frozen – Il Regno di Ghiaccio; la contaminazione di generi e culture, come sperimentata in parte in Hercules, dove tra l’altro i due avevano avuto già a che fare con la mitologia e le divinità. Dalla tradizione però torna anche a farci visita (e con piacere vediamo che la cosa inizia a diventare più frequente) l’animazione tradizionale, quella di primissima qualità firmata nientepopodimeno che da due leggende del disegno animato Disney come Eric Goldberg e Mark Henn. In queste scene avviene qualcosa di straordinario e che fino ad ora sembrava irrealizzabile, non da un punto di vista tecnico quanto di intenzioni: se negli anni 80-90 erano personaggi animati in 2D a muoversi su fondi e ambienti ricreati in computergrafica, in Oceania possiamo vedere esattamente l’opposto. Il risultato? Sequenze pazzesche che rendono giustizia alla cultura polinesiana e a noi sostenitori di una convivenza tra animazione tradizionale e CGI nel panorama cinematografico. Forse un prodotto meno maturo delle ultime pellicole del duo (soprattutto rispetto a Il Pianeta del Tesoro, che viene in qualche modo “citato” grazie al tema della navigazione), ma non per questo meno godibile. Menzione speciale alle canzoni (adattamento in italiano a parte), alcune dal sapore più esotico firmate da Opetaia Foa’ì, e altre ad opera del compositore hip-hop/R&B Lin-Manuel Miranda che introduce il genere rap in un film Disney dopo averlo portato a Broadway con Hamilton: An American Musical.

Gli studi di Luxo portano nelle sale il primo dei sequel che caratterizzeranno interamente i prossimi anni (fatta eccezione per Coco): Alla Ricerca di Dory. Un film ben riuscito che riprende molte tematiche già affrontate nel suo predecessore (prima fra tutte quella della disabilità, stavolta anche di natura neurologica e non soltanto fisica). La domanda che viene da porci è però: quanto ne sentivamo il bisogno? La risposta è “poco o per niente”. È una nuova storia che colma sì qualche dubbio lasciato in precedenza, ma su cui probabilmente gli spettatori non avevano esigenza di soffermarsi. Probabilmente approfondire il destino dei pesci dell’acquario da quel fatidico “E adesso?”, sarebbe stato più strettamente collegato alla pellicola originale da un lato, forse più scontato dall’altro. La scena del camion è quella su cui nutro le maggiori perplessità, non per i toni decisamente sopra le righe, ma perché sembra che il mondo sottomarino costruito da Andrew Stanton interferisca in modo troppo incisivo con il nostro.

Cortometraggi d’animazione

Anche qui è battaglia tra i due studi: la Pixar schiera il suo Piper, la Disney Testa e Cuore. Due corti adorabili e di grande valore artistico che rappresentano due modi altrettanto corretti per fare animazione. Piper, la storia di questo uccellino pronto a fare un grande passo nel suo processo di crescita, con tutte le difficoltà del caso. Muto, accompagnato da un elegante e deciso clavicembalo protagonista della traccia composta da Adrian Belew, è una delicata perla di emozioni. Seppur meno intenso di Parzialmente Nuvoloso o de La Luna, sa regalare molto più calore di alcuni lungometraggi d’animazione visti di recente. Un impressionante fotorealismo (da paura l’animazione della sabbia) anche nel design dei personaggi, che non compromette la possibilità di comunicare e agire in modo tipicamente cartoonesco. Davvero eccellente.

Ma se da una parte l’animazione riproduce in modo molto fedele la realtà, i WDAS ci propongono Testa e Cuore, un divertentissimo corto che trae la sua ispirazione dall’ormai noto cortometraggio del 1943 Reason and Emotion, come il meraviglioso film Pixar dell’anno scorso intitolato Inside Out. Tanti inserti in 2D, design stilizzato e irresistibile, divertente, emozionante, con una morale che nel mondo di oggi va tenuta sempre più presente, colonna sonora gradevolissima… insomma, la Disney che ci piace!

Film in live action

Il GGG è uscito da poco e non ho avuto ancora il piacere di vederlo. Da Alice Attraverso lo Specchio mi aspettavo sinceramente molto di più (salvo un Sacha Baron Cohen surreale, anche se comunque un tantino sottotono rispetto ai suoi standard) sia per il soggetto, sia per la regia di James Bobin che qualche anno fa aveva sfornato un film sui Muppet davvero stupendo. Il Libro della Giungla di Jon Favreau e Il Drago Invisibile di David Lowery si inseriscono anch’essi in questa sfilza di remake in live action programmati dalla Company per questi anni. L’uso quasi totale della CGI per quanto riguarda il remake del Classico del 1967 dovrebbe farci riflettere sul concetto stesso di “live action”, a maggior ragione considerando che lo stesso Favreau continuerà a prendere parte a progetti del genere, dirigendo il sequel della pellicola di quest’anno e il remake de Il Re Leone, dove ricordiamo che non c’è alcun personaggio umano che possa essere interpretato da attori in carne ed ossa. Malgrado tutto risulta un film godibile, abbastanza distante dal cartone animato soprattutto in fatto di atmosfere, ma con qualche richiamo forte come la presenza di “The Bare Necessities” e di “I Wanna be Like You” (cantata peraltro da Giancarlo Magalli, il nostro Filottete. Azzardo a dire che tanti di noi vorrebbero più personaggi doppiati da Magalli, sia per la simpatia, sia per il talento: il suo Re Luigi è fantastico). Con Il Drago Invisibile la Disney affronta in misura nettamente inferiore il confronto con il lungometraggio di riferimento, Elliot il Drago invisibile del 1977, pressoché sconosciuto alle nuove generazioni. Il film è carino, nulla di memorabile, ma piacevole. A mio parere però la Disney commette un unico errore: nella loro presentazione iniziale (ovvero un bimbo che cresce da solo in una giungla/foresta diventando amico di creature non umane), i due film appaiono troppo simili rendendo inevitabile un confronto e una sensazione di “già visto” che penalizzano la pellicola di Lowery. C’è però da sottolineare che Mowgli e Pete sono personaggi profondamente diversi, e non possiamo liquidare il secondo definendolo un “Mowgli ripulito” come alcuni commentatori hanno fatto. Anche i loro amici animati svolgono funzioni totalmente differenti (Bageera, Baloo e il branco dei lupi sono dei veri e propri mentori; Shere Khan, Kaa, e King Louie sono antagonisti a tutti gli effetti; Elliot è più un animaletto domestico) così come la presenza e il ruolo degli umani. Ma non sarebbe stato più appagante poter vedere anche qualcosa di totalmente originale sulla scia di Tomorrowland – Il Mondo di Domani?

Come già annunciato l’anno scorso, i Marvel Studios si sono stabilizzati su due uscite l’anno. Ma non contenti, Kevin Feige e company nel 2017 passeranno addirittura ad uno standard di 3 pellicole all’anno (nella fattispecie gli attesissimi Guardiani della Galassia Vol. 2, Thor: Ragnarok, e Spider Man: Homecoming co-prodotto con la Sony). Due titoloni quelli del 2016, Captain America: Civil War e Doctor Strange.
I Russo tornano a raccontare le avventure di Steve Rogers, ma in un quadro decisamente diverso rispetto a prima. La trama riprende esattamente da dove Avengers: Age of Ultron ci aveva lasciati, rendendo i due lungometraggi inscindibili. Esattamente come il film di Joss Whedon, Civil War mette in scena una grande quantità di personaggi, testando la capacità del team di sceneggiatori composto da Christopher Markus e Stephen McFeely e dei registi stessi di gestire la coralità in vista dell’attesissimo terzo film sugli Avengers che come sappiamo chiamerà in causa Thanos armato di Guanto dell’Infinito e vedrà Vendicatori e Guardiani della Galassia (e forse altri personaggi) unire le forze per sconfiggerlo (ricordiamo che la prima parte si chiamerà Avengers: Infinity War. La seconda non ha ancora un titolo e arriverà a distanza di un annetto). Si tratta comunque di un ottimo thriller politico, con bellissime sequenze d’azione e nel quale ogni personaggio riesce ad essere gestito al meglio, a prescindere dallo screentime. Invece, passando al film di Scott Derrickson, si attendeva da tanto un lungometraggio incentrato su Stephen Strange. L’attesa ha dato i suoi frutti: il film riesce a mettere a fuoco in modo eccellente il personaggio interpretato da Benedict Cumberbatch e, in qualche modo, pone le basi per un universo (anzi, un multiverso) Marvel diverso, che probabilmente vedremo dopo la grande battaglia contro il Titano Pazzo. Visual effects bellissimi e mai come in questo caso utilissimi alla narrazione. Unica pecca: Kaecilius. La Marvel deve ancora sfornare un antagonista davvero temibile e carismatico (a parte Loki).

In queste ultime settimane abbiamo potuto assistere anche all’ultima fatica targata LucasFilm: Rogue One – A Star Wars Story, il primo spin off della saga creata negli anni settanta da George Lucas. L’idea è più che buona, rappresenta un ottimo compromesso per continuare e usare un determinato marchio ma raccontare storie originali e non scontate (un po’ quello che auspicavo per Zootropolis all’inizio e che suggerirei di accarezzare anche per Toy Story) che coinvolgono altri personaggi e ambienti di quello stesso mondo. L’impianto narrativo è lineare e ci sono degli spunti molto interessanti (i ribelli devono comportarsi anche “male”, gli estremisti…) e la spiegazione del perché una stazione spaziale così all’avanguardia come la Morte Nera avesse un punto debole così “vistoso” e banale, è perfetta. Ma il modo di raccontare le vicende è abbastanza confuso, per non parlare dei protagonisti: Jyn è completamente fuori dalla storia, gli eventi le scivolano addosso, non si riesce a creare un legame con lei, idem Cassian; ben riuscito invece il comprimario Chirrut e non dispiace neanche la sua controparte Baze; Saw Guerrera avrebbe meritato più spazio, si vede davvero poco e non soddisfa. Un vero peccato poiché date quelle premesse e alla luce dell’ultimo atto del film, poteva essere il miglior film targato Star Wars mai realizzato.

Serie Tv

Super dominio Marvel in fatto di serie televisive: il 2016 ne ha viste uscire addirittura 4, più una miniserie web! Cominciamo in ordine di anzianità. Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. conclude la sua terza stagione nella prima parte dell’anno in modo abbastanza convincente: ci si aspettava di più dai Secret Warriors invero, ma la minaccia rappresentata da Hive è molto interessante. Personaggio migliore assolutamente il Gideon Malick di Powers Boothe, che avevamo visto già interagire al cinema con Nick Fury in The Avengers. L’apertura della quarta stagione, dai toni più dark (tanto da valerle uno spostamento di orario) introduce Ghost Rider in modo efficace e originale oltre ai famigerati LMD, dei quali si parlava fin dalla prima stagione dello show. In questo arco ritroviamo il divertentissimo Dr. Radcliffe interpretato da John Hannah e l’energica inumana Elena “Yo-yo/Slingshot” Rodriguez con le fattezze di Natalia Cordova-Buckley. In particolare quest’ultima è un personaggio riuscito perfettamente, tanto da dedicarle anche la mini-webserie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. – Slingshot, brevissima ma molto accattivante. Molto interessante anche Jeffrey Mace, il nuovo direttore dello S.H.I.E.L.D., interpretato da Jason O’Mara e per il quale si aspettano nuovi sviluppi al rientro.

Quest’anno è tornata a farci visita anche l’agente Peggy Carter con la seconda stagione di Marvel’s Agent Carter. Purtroppo per il momento sono stati gli ultimi episodi che abbiamo potuto vedere con protagonista Hayley Atwell nei panni dell’unica donna tra gli operativi dell’SSR, in quanto la serie non è stata rinnovata. C’è da dire che queste ultime 13 puntate sono state di un livello nettamente inferiore rispetto alle 9 del 2015. La trama era piuttosto banale e poco accattivante e i continui giochi sulla vita sentimentale della protagonista combattuta tra il suo collega Daniel Sousa (Enver Gjokaj) e il Dr. Wilkes (Reggie Austin) alla lunga stancano. Sempre impeccabile Jarvis, interpretato da James D’Arcy e ottima la chimica con la Atwell. È bello che in Agents of S.H.I.E.L.D. abbiano fatto menzione (e anche qualcosa in più) degli eventi raccontati in questa serie e speriamo, fiduciosi visto il finale aperto, di rivedere l’agente Carter e gli altri in nuove avventure… magari su Netflix.

E proprio Netflix sforna altre due serie: la seconda stagione di Marvel’s Daredevil e il terzo serial del filone che sfocerà nel 2017 in The Defenders, ovvero Marvel’s Luke Cage. La realizzazione tecnica è sempre da togliere il fiato e sicuramente si prestano entrambe perfettamente al binge watching come se fossero lunghissimi film di 13 ore. Le trame stavolta risultano un po’ meno convincenti: il diavolo di Hell’s Kitchen parte benissimo con l’introduzione del personaggio di The Punisher interpretato da Jon Bernthal (talmente ben riuscito da meritare una nuova serie in solitaria). La trama però mette troppa carne al fuoco con l’introduzione di Elektra e de La Mano: una digressione mistica che non si comprende appieno e che convive in modo confusionario con l’arco del Punitore. Bellissimo il ritorno di Vincent D’Onofrio, sempre magistrale nella sua interpretazione. Luke Cage l’abbiamo conosciuto già in Marvel’s Jessica Jones, e non mi aveva dato l’impressione di un personaggio molto carismatico. Riesce però a sostenere il peso dei tredici episodi, aiutato in modo considerevole dalla già nota infermiera Claire Temple (Rosario Dawson) e dalla detective Misty Knight (Simone Missick). La trama diventa avvincente verso la seconda metà, lo spaccato su Harlem è significativo. Purtroppo non convince fino in fondo: risulta lenta e il decollo avviene di sicuro in ritardo.

Infine ci sono stati gli ultimi episodi di un’altra serie non rinnovata: se vi avevo parlato de “I Muppet” in maniera entusiasta già alla fine del 2015, il reboot creativo che era stato annunciato ha dato i suoi frutti. Sono da sempre contrario al fan service, ma quanto fatto con la banda di pupazzi creata da Jim Henson, è più un “richiamo all’ordine”: finalmente ritroviamo quelle caratteristiche che hanno reso grande il Muppet Show, quel cuore che avevamo visto battere a intermittenza torna in modo consistente a farsi sentire smussando un po’ quel cinismo mostrato all’inizio. Torna la musica, tornano alcuni sketch, con le dovute rivistazioni, cult… insomma, tornano i Muppet che il pubblico ama. È un peccato non aver continuato con la produzione di nuovi episodi su questa scia.

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Due attrazioni attualmente in servizio nell’area di Tomorrowland, assieme ad alcuni store e punti ristoro nelle vicinanze, chiuderanno i battenti: si tratta di “Grand Circuit Raceway”, null’altro che l’equivalente giapponese dell’europea “Autopia”, e di “Star Jets”, giostra meccanica simile a “Dumbo the Flying Elephant” e “Orbitron”. Ciò permetterà di ampliare la confinante Fantasyland creando un’intera nuova zona a tema La Bella e la Bestia.

Ripercorrendo quanto fatto negli ultimi anni con la creazione della New Fantasyland all’interno del Magic Kingdom di Orlando, verranno interamente ricostruiti alcuni luoghi centrali della storia, permettendo ai visitatori di entrare letteralmente nel lungometraggio. Nello specifico sarà possibile visitare il Villaggio dove abita Belle e l’imponente Castello della Bestia. Sembra che quest’ultimo però sarà molto diverso dalla sua controparte americana: non sarà un enorme ristorante come il “Be Our Guest Restaurant”, bensì ospiterà un’inedita dark ride dedicata alla pellicola del 1991. I visitatori saliranno a bordo di alcuni piatti da portata che danzeranno sulle note delle famose musiche del film, mentre seguiranno le sorti di Belle e della Bestia, fino alla rottura del fatidico incantesimo.
Sembra che l’attrazione sarà incentrata quindi principalmente su una sorta di “viaggio musicale” all’interno della storia, richiamando di fatto la formula già usata per la californiana “The Little Mermaid: Ariel’s Undersea Adventure” (o “Under the Sea: Journey of the Little Mermaid”, nome usato per la sua corrispondente in Florida) incentrata su La Sirenetta, e che pare caratterizzerà anche la nuova attrazione a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio nel parco Epcot del Walt Disney World Resort di Orlando.
Un ristorante sarà comunque presente all’interno del Villaggio (la locanda di Gaston forse?), assieme ad un negozio. L’apertura di questa nuova area è prevista per la Primavera del 2020.

Ma i piani per Fantasyland  non sono finiti. Proprio a ridosso della Beauty and the Beast Area, verrà infatti aperto teatro più capiente (parliamo di circa 1.500 posti) del Tokyo Disneyland. Il nome della struttura è ancora da definire ma, da quanto emerge nel comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd., sarebbe già prevista la produzione di un live show con alcuni “Disney Friends”, da mettere in scena in questo spazio incantato. Anche per questo progetto l’apertura è prevista per la Primavera 2020.

Della piccola riduzione di Tomorrowland gioverà anche la vicina area di Toontown, la città dove abitano i personaggi dei cartoni animati, specialmente quelli legati a Topolino e alla banda Disney (e in parte anche a Roger Rabbit, dal cui film prende il nome l’area). Con una struttura simile al “Meet Mickey Mouse” di Parigi, aprirà i battenti un punto meet and greet con la stilosa Minni. Stilosa, sì, poiché i visitatori verranno accolti nel suo atelier di moda: in un piccolo set per shooting fotografici sarà possibile potranno scattare una foto in compagnia della stessa Minni e trascorrere qualche indimenticabile minuto in sua compagnia. La fila d’attesa sarà progettata come un tour attraverso il laboratorio e sarà arricchita da elementi interattivi che intratterranno gli ospiti. Anche in questo caso l’apertura è stata prevista per la Primavera del 2020.

Sembrerebbe quindi che l’unica area a fare le spese di questi aggiornamenti sarà come già detto Tomorrowland, le cui due attrazioni prossime al pensionamento chiuderanno i battenti nel corso del 2017 (“Grand Circuit Raceway”  verso Gennaio, “Star Jets” nell’autunno-inverno). Ma dallo spazio che verrà sgomberato, è stato previsto di ricavare qualcosa di nuovo anche per “il mondo di domani”. Parliamo di un’attrazione ispirata al 54esimo Classico Disney Big Hero 6, dal nome ancora da definire. Si tratterà di qualcosa simile alla “Mater’s Junkyard Jamboree” del Disney California Adventure Park: Baymax inviterà i visitatori a unirsi a lui in questo “vortice musicale” a bordo di alcune vetture che gireranno in tondo e su loro stesse rapidamente. Accanto a questa nuova whip ride sarà inoltre aperto uno store ispirato allo Spazio e dove, per la prima volta nei parchi giapponesi, sarà possibile comprare popcorn aromatizzati in vario modo. Come le altre, anche per queste novità relative a Tomorrowland occorrerà aspettare la Primavera del 2020.

Ma il Tokyo Disney Resort consta di ben due parchi: uno è il Tokyo Disneyland di cui ci siamo occupati finora, l’altro è il particolarissimo ed estremamente all’avanguardia Tokyo DisneySea. Negli ultimi tempi sono circolate diverse voci circa alcune modifiche e ampliamenti che avrebbero dovuto interessare il parco (si era parlato di un porto a tema Frozen – Il Regno di Ghiaccio, ad esempio).  Ad oggi abbiamo effettivamente una conferma di ampliamento, ma che non era stata contemplata da alcun rumor: il Mediterranean Harbor sarà leggermente ampliato a ridosso del ponte che lo mette in comunicazione con la Mysterius Island, per ospitare la celebre attrazione “Soarin'”. Nella sua versione originale questa attrazione è un simulatore di volo che dà ai visitatori l’illusione di sorvolare alcune località californiane. Anche a fronte dell’apertura dell’inedita variante “Soarin’ Over The Horizon” nel nuovo parco di Shanghai, che comprenderà scene ambientate in tutti i continenti, è stato annunciato che le attrazioni attualmente presenti nei parchi americani subiranno una ritematizzazione diventando così “Soarin’ Around The World”. È probabile che sarà proprio quest’ultima versione ad arrivare anche a Tokyo, non senza alcune peculiarità: il concept infatti ci mostra una vettura ispirata alle macchine volanti rinascimentali progettate da Leonardo Da Vinci. L’apertura è prevista per il 2019.

Strana è l’assenza dal comunicato ufficiale della Oriental Land Co., Ltd. di riferimenti alle novità annunciate durante l’ultimo D23 riguardanti la costruzione di piccole aree e di attrazioni ispirate ai lungometraggi Alice nel Paese delle Meraviglie e Frozen – Il Regno di Ghiaccio. Tuttavia non vi è ancora alcuna notizia riguardante una loro eventuale cancellazione, anzi, la Company ha sottolineato che sono ancora tanti i piani in progettazione per gli anni che seguiranno il 2020, soprattutto per quanto riguarda il Tokyo DisneySea. Non ci resta che aspettare ulteriori delucidazioni in merito.

Fonte: DisneyAndMore.

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I tre protagonisti del podcast vantano curricula di tutto rispetto all’interno del panorama dell’animazione.
Tom Bancroft, arrivato allo studio Disney durante la produzione di La Bella e la Bestia, è la matita che ha creato uno tra i personaggi più amati di sempre: il drago Mushu nel film Mulan.
Suo fratello Tony ha contribuito a dare vita a numerose spalle comiche Disney, tra cui Iago, Tockins, Kronk e Pumbaa. È inoltre co-regista di Mulan.
Nik Ranieri, infine, è tra i tre speaker quello che è rimasto più a lungo alla Disney. Difatti, l’artista si è visto costretto a lasciare lo studio appena due anni fa, quando la dirigenza ha operato un ridimensionamento del personale allontanando in particolare gli ultimi animatori 2D rimasti. Tra i lavori di Ranieri troviamo Roger Rabbit, Lumière, Ade, Kuzco, Lewis e Charlotte La Bouff.

Abbiamo trascritto e tradotto alcune delle riflessioni più interessanti emerse dal dibattito dei tre artisti, suddividendole per tematiche. A fine articolo è inoltre presente il link per ascoltare l’intera registrazione, in lingua inglese.

Per chi volesse approfondire ulteriormente con altri nostri spunti di riflessione sulla questione animazione tradizionale, consigliamo questo articolo di opinione e la nostra intervista a James Lopez, regista del film in 2D Hullabaloo.

Sulle cause della “morte del 2D”

Nick Ranieri: “I dirigenti Disney non avevano paura della CGI, erano più preoccupati per i loro film in produzione. Ad esempio, Tarzan… avevano delle linee guida appese ai muri con scritto tipo “come fare un film di successo”, “far cantare il protagonista”… Erano irritati dal fatto che questi film non riuscivano a ripetere il risultato del Re Leone. Erano fissati con quello. E poi quando sono usciti Shrek e Monsters & Co., in quel momento hanno pensato: “ehi, fermi tutti!”. Ma all’inizio sembrava che Pixar e Disney potessero convivere in armonia ognuno facendo il proprio lavoro.”

Tony Bancroft: “È stato un insieme di cause, è stata la tempesta perfetta a causare la morte del 2D. Quando Il Re Leone è uscito, ha infranto tutti i record e poi i film successivi sono andati meno bene. Dopo il Re Leone, i dirigenti dell’azienda sono entrati direttamente nella produzione dei film, ed erano convinti di non poter fare nulla di rischioso ma di dover puntare su quella formula già conosciuta. Questo ha fatto sì che i nostri film peggiorassero sempre di più, perché non erano più originali. Era molto difficile sviluppare un film in autonomia. Per esempio, io ho diretto Mulan e non volevo che ci fossero canzoni, ma mi imposero di renderlo un musical perché “noi facciamo i musical”.”

Tom Bancroft: “Se c’è un film che ha ucciso il 2D, è stato Shrek. Shrek ha ucciso il 2D alla DreamWorks, ma visto che la Disney e la DreamWorks sono sempre state in competizione tra di loro, la cosa ha influenzato anche la Disney. Quando i dirigenti hanno visto che Shrek stava incassando così tanto, si sono convinti di essere rimasti indietro e che era il momento di passare alla nuova tecnica.”

Sulla situazione attuale  in Disney

Nik Ranieri: “Ogni volta che facevamo dei meeting chiedevo sempre: “E il 2D?”. John Lasseter e Ed Catmull si guardavano e continuavano a ripetere: “Ci serve una buona storia, ci serve la storia giusta”. Una volta gli ho risposto: “ragazzi, a voi non serve una buona storia, vi serve una storia mediocre che durante la lavorazione diventi talmente bella che non ve la sentirete più di tornare indietro e farla in 3D.”

Tom Bancroft: “Diventò un po’ la loro scusa per non ammettere che il 2D era morto. Nella maggior parte dei progetti, non dicevano fin da subito quale tecnica sarebbe stata usata. A volte passavano sei mesi di produzione e poi casualmente dicevano “ah, comunque dovete farlo in CGI.”. Si giustificavano dicendo, ad esempio, che c’era una scena d’azione difficile e quindi bisognava farlo in CGI.”

Nik Ranieri: “Per quanto vogliamo pensare che alla Disney importi dell’arte, è comunque un’azienda. Hanno visto i risultati dei film in CGI e hanno voluto fare anche loro la stessa cosa. Penso che la percezione che ha il pubblico è che l’animazione si sia evoluta dal 2D alla CGI, che il nuovo è meglio del vecchio, e che adesso non ci accontenteremo di niente di meno, perché questa tecnica è nuova ed è cool. E quindi ogni studio, anche se progetta di fare film in 2D, si assicura che siano film che possano fallire. Come è accaduto per Winnie the Pooh nel 2011.”

Sul futuro del 2D a Hollywood

Nik Ranieri: “Ci vorrà un visionario, una persona di cui Hollywood si fida, come Glen Keane o Brad Bird. Se avessimo il progetto giusto, la gente lo accetterebbe. Non penso che si possa tornare allo stesso identico vecchio stile, ma si può guardare oltre e provare a creare qualcosa di nuovo e diverso. Non credo che la Disney sia interessata ad aprire la strada. Penso che se qualcuno creasse un film in 2D molto popolare, la Disney farebbe una di queste due cose: copiarlo oppure comprarlo. Ma essere i primi a riprovarci… non credo.”

Tom Bancroft: “Siamo onesti: non penso che il 2D sia il loro stile, ora. Non hanno più nemmeno l’attrezzatura o le persone che sanno come farlo.”

Nik Ranieri: “Beh, ci sono ancora degli animatori. Stanno ancora facendo finta di avere un reparto 2D.”

Tony Bancroft: “Ma sono tipo… cinque persone, no?”

Nik Ranieri: “Sì, esatto.”

Tony Bancroft: “E cosa fanno? Test a matita per personaggi che alla fine saranno in CGI.”

Nick Ranieri: “Oppure video promozionali, pubblicità. Mi ricordo di un video su YouTube dove c’era Dale Baer che disegnava il cagnolino Winston del cortometraggio Premio Oscar Feast e il regista parlava della difficoltà di trasferire quel tratto in CGI. Tutto quello che riuscivo a pensare era: “ma ce l’hai già lì su carta!”.

Tony Bancroft: “Ci sono un sacco di film Disney che sarebbero stati bellissimi in 2D. Di recente ho visto il trailer di Zootopia e… in 2D sarebbe stato stupendo! I disegni sono fantastici, e loro cercano di ricatturare quell’effetto creandolo con la CGI, impiegandoci un sacco di tempo e fatica senza rendersi conto che… è già là, sulla carta.”

Nick Ranieri: “È vero, ma devi pensare come pensa uno studio: dobbiamo rifarlo in CGI, così venderà di più. Gli studi ti dicono: ti daremo i soldi per questo progetto, se accetti di farlo in CGI.”

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Nello specifico, questa settimana ho avuto l’occasione di passare una giornata (sì, una sola, purtroppo!) a Disneyland Paris, e ne ho approfittato per scattare tantissime foto da mostrare a voi lettori e follower di Impero Disney. Un piccolo reportage fotografico, con l’intenzione di fare gola a chi non è andato mai (per me era la seconda volta), ma anche di invogliare chi ha già vissuto l’esperienza a condividere i propri ricordi con noi.

Come forse sapete, Disneyland Paris è un complesso di due parchi a tema (Disneyland e i Walt Disney Studios) e svariati hotel, centri di divertimento, negozi e centri commerciali. Io ho visitato solo i due parchi, cominciando dal Disneyland Park. Costruito su modello di quello originale di Los Angeles (inaugurato negli anni ’50 da Walt stesso), Disneyland è diviso in cinque aree tematiche: Main Street, Fantasyland, Frontierland, Adventureland e Discoveryland. In foto l’entrata con il Disneyland Hotel e il caratteristico orologio con Topolino.

La graziosa Main Street è ispirata a Marceline, la città natale di Walt Disney. Vi si trovano caratteristici edifici dell’America di fine ‘800/inizio ‘900, la Disney Railroad e diversi negozietti in cui fare shopping. Tra questi, mi ha colpito tantissimo il negozio dedicato a Lilly, la moglie di Walt. Guardate che splendide foto si trovano all’interno!

La Main Street termina con il meraviglioso Castello della Bella Addormentata, simbolo di Disneyland e della Disney stessa e punto di snodo per tutte le altre aree tematiche. Il castello è visitabile ed è veramente stupendo. Le pareti sono decorate con vetrate e arazzi che raccontano la storia della Bella Addormentata, mentre nelle segrete è presente la tana del drago… davvero terrificante! Ecco una piccola gallery:

La prima area che abbiamo visitato è stata Fantasyland (che per gli amanti delle fiabe è sicuramente la più bella!). Siamo stati particolarmente fortunati perché i visitatori non erano molti, perciò abbiamo potuto provare tranquillamente tutte le attrazioni senza fare infinite code. Assolutamente consigliate le attrazioni di Biancaneve, Pinocchio e Peter Pan, che ricostruiscono attraverso gli animatronics le scene dei film, il Labirinto di Alice, le tazze del Cappellaio Matto e il famosissimo It’s A Small World. Per i più piccoli ci sono la giostra Carrousel de Lancelot e Dumbo. Fantasyland è anche l’area giusta per incontrare i propri personaggi preferiti, come Topolino o le principesse.

Adventureland è tutta da esplorare. Un divertimento per grandi e piccini. Girando qua e là abbiamo anche trovato Carl e Russell di Up! Che fossero alla ricerca di avventure anche loro?
Assolutamente da non perdere, in quest’area, l’attrazione di Pirati dei Caraibi. Da mozzare il fiato! Lo sapete che è il film ad essere ispirato alla ride e non viceversa? Per i più avventurosi, invece, c’è la ride di Indiana Jones. 

Frontierland è l’area che mi è sempre piaciuta di meno (nonostante l’ambientazione vecchio West mi appassioni molto!). Attrazioni consigliate: la Phantom Manor e il Big Thunder Mountain… a meno che non siate affatto grandi fan dell’adrenalina, come la sottoscritta.

Verso l’infinito e oltre, a Discoveryland! Lo ammetto, quest’area mi è sempre piaciuta un mondo solo per la presenza dello Star Tours, l’attrazione dedicata a Star Wars. Ora che Guerre Stellari è ufficialmente Disney, non vedo l’ora di vedere quali altri giochi a tema aggiungeranno nei prossimi anni! Tra gli altri giochi consiglio assolutamente il Buzz Lightyear Laser Blast (sfidatevi con i vostri amici a chi fa più punti!) e la visita al Nautilus, il sottomarino del Capitano Nemo. Ci sarebbe anche lo Space Mountain, ma ve l’ho detto… io e l’adrenalina non andiamo proprio d’accordo.

Per quanto riguarda il cibo, io e i miei amici abbiamo pranzato allo Chalet de la Marionnette, ispirato a Pinocchio. Si trova tra Fantasyland e Adventureland. È un fast food, ma il rapporto qualità/prezzo ci è sembrato buono. Il parco, comunque, trabocca di punti ristoro di tutti i tipi: troverete sicuramente ciò che fa per voi.

Prima di lasciare il parco e dirigervi ai Walt Disney Studios, non dimenticate di assistere alla parata dei carri dei personaggi Disney. Si svolge tutti i giorni alle 17.30 nell’area antistante il Castello di Aurora. Quest’anno l’attenzione dei bimbi è tutta per le nuove arrivate Elsa e Anna… non potete immaginare che ovazione quando è apparso il loro carro! Ecco qualche foto:

Il parco Walt Disney Studios è nato sulle fondamenta dei vecchi Disney Toon Studios francesi. Per chi non lo sapesse, fino a pochi anni fa lo studio principale, cioè la Disney Feature Animation (oggi Walt Disney Animation Studios) possedeva delle filiali chiamate Disney Television, situate in diversi paesi del mondo. Una di esse era appunto la Disney Francia, che si occupava dei sequel direct-to-video dei Classici storici. Questo studio era il più importante tra tutte le filiali, tanto da diventare una sorta di vera e propria “seconda” Disney. I fratelli Brizzi e altri artisti che vi lavoravano iniziarono in seguito a sviluppare film per il grande schermo, lasciando i sequel alla Disney Australia, Canada e Giappone. Oggi nessuno di questi studi esiste più: è rimasta soltanto la base, rinominata DisneyToon Studios, a Burbank (si occupano dei film di Trilli e di Planes).

La premessa spiega come mai il parco Walt Disney Studios è dedicato al mondo del cinema e di Hollywood.

Il parco è più recente e comprende attrazioni nuove, come l’area dedicata al mondo di Toy Story, il roller coaster di Nemo e l’appena inaugurata Ratatouille: L’Aventure Totalement Toquée de Rémy. Purtroppo non ho foto da mostrarvi perché la mia permanenza in questo parco è stata totalmente assorbita dalla fila per quest’ultima attrazione (un’ora intera!). Vi consiglio di munirvi di Fastpass (quando siamo arrivati noi il servizio non era disponibile, ahimè), perché Ratatouille è veramente un’esperienza straordinaria!

Si conclude così il mio piccolo reportage. Spero di avervi interessato e di avervi trasmesso almeno un minimo della gioia e delle emozioni provate durante questa meravigliosa giornata nel mondo della magia.
Disneyland non è solo un parco divertimenti, è la realizzazione fisica e materiale del sogno, dell’ idea e dello spirito del nostro Walt. Chi conosce un minimo la sua persona, la sua storia e la sua idea di intrattenimento può facilmente comprendere come camminare sulle strade di Disneyland voglia dire camminare sulla sua eredità. Molte persone pensano che Walt abbia messo tutto sé stesso nei suoi film d’animazione. È vero solo in parte: la sua anima l’ha messa nei parchi.

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