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Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa, la recensione: potere alla fantasia

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa è il nuovo film animato del regista francese Michel Ocelot (Kirikù e la strega Karabà, Azur e Asmar) ed in attesa di poterlo vedere al cinema è stato presentato in anteprima ad Alice nella Città. Tre storie ambientate in Paesi lontani accumunate non solo dalla narratrice che le espone ma dai temi universali che vi si ritrovano all’interno. Le tre storie sono ambientate nell’antico Egitto, nell’Alvernia del Medioevo e nell’oriente del VXIII Secolo. Nella prima storia un principe decide di unire conquistare l’Egitto per poter così sposare la sua amata, nella seconda il figlio rinnegato di un nobile ruba ai ricchi per aiutare i poveri e nella terza un principe fuggito dal suo regno conquistato da stranieri diventa un provetto pasticcere e conquista l’amore di una bella principessa.

Tre storie differenti, ognuna con il suo stile ma che hanno in comuni temi come l’amore – capace di far compiere imprese credute impossibili -, la guerra che da sempre contraddistingue la storia dell’uomo e l’incomunicabilità tra le generazioni. In tutte le storie infatti troviamo genitori inflessibili incapaci di ascoltare i propri figli e i loro desideri, siano essi di libertà o giustizia. Un film in cui a farla da padrone è la fantasia, non a caso la narratrice invita il pubblico – sia animato che lo spettatore – a darle suggerimenti per le storie che racconterà. Suggerimenti istintivi e quindi confusionari, come spesso sono le leggende e le fiabe che nel tempo subiscono modifiche.

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa a livello stilistico presenta la consueta animazione 2D tipica del regista francese, ma qui è totalmente al servizio della narrazione. Infatti le tre storie hanno stili che richiamano l’arte dell’epoca in cui si svolgono. Per la storia ambientata in Egitto abbiamo disegni che ricordano le pitture tipiche del tempo con i personaggi raffigurati di profilo. Per la seconda storia Michel Ocelot ricorre alle ombre, tecnica tipica del Medioevo e per la terza abbiamo disegni più tondeggianti e ricchi di particolari.

Tre storie sicuramente intriganti e suggestive, ma che non riescono mai veramente a catturare l’attenzione dello spettatore a causa della loro ridondanza. Purtroppo tutte e tre le storie sono caratterizzate da scene che si ripetono come una cantilena. Dopo ogni incipit interessante ci ritroviamo i protagonisti che svolgono praticamente (quasi) sempre le stesse le stesse azioni e dicono sempre le stesse cose, con piccole variazioni. Un andamento narrativo quindi che alla lunga risulta ridondante e tutt’altro che coinvolgente.

Le storie quindi risultano alquanto prevedibili, anche a causa della linearità dello svolgimento e della totale mancanza di colpi di scena degni di nota. Dopo pochi minuti si intuisce subito cosa succederà. A ciò va aggiunto il fatto che i disegni e l’animazione del regista potrebbero far storcere il naso a chi è abituato a disegni più dettagliati e ad un animazione più fluida. Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa piacerà agli estimatori di Michel Ocelot, chi non conosce il suo cinema farà fatica.

21 Ottobre 2022 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Pictures Studios

The Menu, la recensione: esperienza culinaria unica

written by Emanuele Bianchi

Un grande chef, un ristorante particolare, un men unico e commensali pronti a vivere un’esperienza irripetibile. Questi gli elementi alla base della dark comedy The Menu, nuovo film di Mark Mylod (The Big White, Il Trono di Spade, Succession). Protagonisti Ralph Finnes, Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, John Leguizamo, Hong Chau, Janet McTeer, Judith Light, Reed Birney, Rob Yang, Aimee Carrero, Paul Adelstein, Arturo Castro, Mark St. Cyr, Rebecca Koon e Peter Grosz.

La storia vede la giovane coppia formata da Margot e Tyler dirigersi a bordo di una barca su un isola dove si trova l’esclusivo ristorante Hawthorne. Insieme a loro altri facoltosi commensali, tra cui la nota critica gastronomica Lillian Bloom. Gli invitati sono pronti a vivere un’esperienza culinaria unica grazie al grande Chef Slowik, pronto a fargli vivere una serata che non dimenticheranno.

Dalla trama ci si potrebbe aspettare uno dei tanti film ambientati in un ristorante che vede i commensali gustare un’ottima cena, magari con la rivelazione di qualche oscuro segreto. The Menu è molto di più. È una horror comedy capace di spiazzare e sorprendere. Dopo un inizio standard, dove i facoltosi fortunati conoscono prima un minimo l’isola e poi iniziano la cena, la storia prende una piega totalmente diversa.

Proprio a metà cena capiamo come quella al ristorante Hawthorne sia più di una cena e sicuramente più di un’esperienza. È una vera e propria lezione di vita. È una critica feroce alla società, divisa in chi mangia e chi fa mangiare. L’arte culinaria, Chef e commensali sono solo elementi di un puzzle la cui funzione è essere meri mezzi per spiegare come gira il mondo. Un mondo crudele in cui i pochi privilegiati decidono tutto, compresa la fama altrui, e la cui ingordigia non conosce limiti. Distratti, superficiali e disonesti sono perennemente scontenti e per questo sempre alla ricerca di emozioni.

Emozioni che sono il vero cibo della serata, quelle che mancano alle persone ricche, incapaci di godersi anche una semplice cena. E proprio emozioni servirà loro Slowik. I suoi piatti ricercati e particolari sono solo uno specchietto per le allodole. Il vero cibo sono la paura, il dubbio, la frustrazione, l’umiliazione e una serie infinita di stati d’animo. Perché la cucina infondo è la perfetta allegoria della vita. È vita e morte, è gioia e disperazione, è successo e fallimento, è folgorante ascesa e rovinosa caduta. È mercificazione di un’arte divenuta ormai consumo, dove anche gli incompetenti mettono bocca burlandosi degli artisti. Tutto questo contemporaneamente.

Come la vita anche la cucina è imprevedibile, non mancheranno quindi momenti inconvenienti. O meglio personaggi che stonano con l’ambiente, che ha nella Margot di Anya Taylor-Joy la sua rappresentante. Ragazza fuori luogo, è la deviazione inaspettata del progetto studiato nei minimi particolari. È la pioggia improvvisa in una giornata afosa. È lei a mettere alla berlina il suo esaltato accompagnatore e soprattutto lo Chef. È e a fargli capire come il tutto sia ridicolo e senza senso. Classico cavallo impazzito che scombussola l’ordina prestabilito, sarà proprio questa sua libertà a far riscoprire a Slowik la gioia del suo mestiere.

Grazie ad una sceneggiatura senza troppi fronzoli e con colpi di scena ben architettati, The Menu riesce pienamente nel suo intento. Tra horror, thriller e commedia (non mancheranno momenti esilaranti), Mylod ci porta in un ambiente freddo, asettico e inospitale – proprio come la cucina dello Chef – dove la passione per l’arte (culinaria) ha da tempo lasciato posto all’ossessione. Perché ormai ciò che conta non sono i sentimenti provocati ma la perfezione, dimenticandosi di come anche una cosa semplice, come un cheesburger o un piccolo film, possa provocare grandi emozioni.

A supportare il tutto un ottimo cast guidati da un algido e freddo Ralph Finnes e da un’energica Anya Taylor-Joy. L’attore inglese riesce a restituirci uno Chef tutto d’un pezzo, un artista della cucina che guida i suoi sottoposti con autorità militaresca, un uomo ormai senza sentimenti,. A fargli da contraltare una ribelle Taylor-Joy, che infonde alla sua Margot grinta e coraggio, l’unica capace di scuotere il cuore e l’anima di un artista ormai perso. Al loro fianco un cast corale che si è calato perfettamente nei personaggi, in particolare Nicholas Hoult, simbolo e parodia degli appassionati e presunti esperti di cucina.

In conclusione The Menu è un film che nonostante non sempre riesca ad amalgamare al meglio humor e thriller e che lasci con una sensazione di incompiuto, di vorrei ma non posso, riesce comunque a stupire e a tenere alta la tensione. Sicuramente da vedere.

Al cinema dal 17 novembre con Searchlight Pictures.

20 Ottobre 2022 0 comment

Film Film Recensioni Warner Bros. Pictures Animation

Black Adam, la recensione: il potere della rabbia

written by Emanuele Bianchi

Da una grande rabbia derivano grandi poteri e una terribile vendetta. Non c’è altro modo per definire Black Adam, personaggio protagonista del nuovo cinecomic targato Warner e DC. Il meta umano interpretato da Dwayne Johnson è infatti un concentrato di rancore. La rabbia di Teth Adam, questo il suo vero nome, si perde nel mito. Nel 2006 A.C. la pacifica nazione di Kahndaq viene invasa e conquistata da un malvagio e crudele re, il cui scopo è estrarre il minerale Eternium. Grazie al portentoso minerale il tiranno intende forgiare la corona di Sabbac, capace di donare al suo possessore i poteri del regno demoniaco.

Il re però non aveva fatto i conti con il coraggio del popolo di Kahndaq, in particolare con un impavido giovane che decise di sfidare gli oppressori. Grazie al suo coraggio il ragazzo viene scelto per diventare il Campione del suo popolo. Grazie agli enormi poteri conferitogli da esseri superiori, Teth Adam riesce a sconfiggere il tiranno a costo di un grande sacrificio. Cinquemila anni dopo Kahndaq è ancora governata da una forza straniera, questa volta dall’esercito mercenario Intergang. Loro scopo è ancora una volta estrarre l’Eternium e cercare anche di impossessarsi della leggendaria corona di Sabbaq. Sulle tracce della corona c’è anche Adrianna (Sarah Shahi), che tenta con tutte le sue forze di ribellarsi agli oppressori, e proprio per sfuggirgli decide di risvegliare Teth Adam dal suo sonno. L’eroe di Kahndaq però non è quello che raccontano le leggende. Incontrollabile e furioso non esita ad usare metodi alquanto violenti. Non potendo lasciare un essere così potente a piede libero scenderanno in campo per contrastarlo Hawkman (Aldis Hodge), Doctor Fate (Pierce Brosnan), Atom Smasher (Noah Centineo) e Cyclone (Quintessa Swindell), ovvero la Justice Society of America.

Diretto dallo spagnolo Jaume Collet-Serra, Black Adam è un cinecomic dove distruzione ed ironia ne sono le fondamenta. Nel film infatti abbondano scontri, combattimenti corpo a corpo ed esplosioni. Il tutto condito dal pizzico di ironia che non guasta mai e che risulta ben amalgamata all’interno della storia. Una storia delle origini che nonostante la sua semplicità e prevedibilità – si intuisce praticamente da subito cosa accadrà – in ogni caso riesce a divertire ed intrattenere. La storia scorre veloce e non ci si annoia mai. Anche perché non tutto è quel che sembra.

Black Adam

Un film delle origini quindi, dove protagonista assoluto è un antieroe che prima colpisce e poi fa domande, che guarda tutti dall’alto in basso, con sguardo sbilenco, che grugnisce e fa della facile ironia. Un personaggio guidato da una rabbia che non si è placata neanche dopo cinquemila anni e che guida ogni sua decisione. A dargli volto è un gigionesco Dwayne Johnson, che si diverte e diverte nei panni di un personaggio sopra le righe. Sfruttando appieno la sua fisicità e il suo carisma, l’attore ci restituisce un personaggio tutto d’un pezzo e convinto fin in fondo della sua idea di giustizia.

Il cinecomic Warner Bros. non è solo film delle origini ma anche crossover. Black Adam infatti introduce il gruppo della Justice Society of America. Quattro supereroi il cui compito è mantenere la pace sulla Terra. Un incontro/scontro quello tra il Campione di Kahndaq e il super gruppo che rappresenta anche lo scontro tra due ideali, tra la pura rabbia e un atteggiamento più riflessivo, anche se non sempre efficace. Perché “un pessimo piano è sempre meglio di nessun piano“. Un incontro che farà riflettere il rancoroso Adam sulla sua idea di giustizia e sul suo modo di agire.

Promossi sia gli effetti speciali che i combattimenti. I primi riescono a restituirci fulmini, uomini volanti e tecnologia futuristica verosimili. Non sempre perfetta la CGI, che in alcuni casi risulta posticcia. Ma ci si passa sopra. Per quanto riguarda i combattimenti, questi risultano ben coreografati e alquanti entusiasmanti. Nonostante la loro frenesia si riesce a goderne appieno. Discorso analogo per la musica, epica e coinvolgente.

black adam

Una vicenda gustosa e che funziona ma che non è esente da difetti. La regia dell’esperto di action movie Jaume Collet-Serra si limita a fare il minimo indispensabile. Il regista non riesce mai a portare lo spettatore completamente all’interno della storia, lasciandolo sempre sull’uscio, a distanza di sicurezza. Inoltre abusa dello slow motion. Allo stesso modo la sceneggiatura non approfondisce alcuni dei personaggi in scena – in particolare i membri della JSA – e il villain risulta alquanto scialbo.

Nonostante evidenti difetti Black Adam è un cinecomic più che riuscito, che terrà lo spettatore con gli occchi incollati sullo schermo. Un film tanto semplice quanto adrenalinico che farà la gioia dei fan del genere. Rimate in sala per la sorprendente scena extra.

Dal 20 ottobre solo al cinema.

19 Ottobre 2022 0 comment

Film Film Recensioni

Poker Face, la recensione: resa dei conti tra amici

written by Emanuele Bianchi

Domenica 16 ottobre è stato presentato in anteprima mondiale ad Alice nella Città Poker Face, secondo film da regista di Russell Crowe, che ricopre anche il ruolo di protagonista e di sceneggiatore del thriller. Al suo fianco troviamo Liam Hemsworth, RZA, Elsa Pataky, Aden Young, Steve Bastoni, Daniel MacPherson, Brooke Satchwell, Molly Grace, Paul Tasson e Jack Thompson.

La storia vede protagonista il miliardario Jake Foley (Russell Crowe), il quale decide di riunire i suoi amici di sempre per una serata di poker dopo anni di lontananza. L’uomo invita così nella sua lussuosa casa Alex (Liam Hemsworth), Billy (Matt Noble), Sam (Daniel MacPherson) e Paul (Steve Bassoni). Jake però ha in mente una serata unica, diversa da tutte le altre per i suoi amici di infanzia. Una serata che permetterà loro di vincere un’ingente somma di denaro e a Jake di conoscere quei segreti che i suoi amici non sono mai riusciti a confessare.

Dopo il prologo, in cui facciamo la conoscenza dei protagonisti da giovani e di come siano diventati inseparabili, veniamo catapultati nel presente dove troviamo Jake intento a preparare la serata di poker, dove non mancheranno puntate azzardate e buon vino. Un vero e proprio tuffo nel passato per i cinque amici, che non si vedono da troppo tempo. Ma Jake ha un secondo fine, ovvero vuole conoscere i segreti dei suoi amici, quelli che non sono mai riusciti a confessargli. Ed è proprio quando la partita inizia che Poker Face da il meglio di sé. Una partita che sin dalla prima mano risulta essere adrenalinica e piena di tensione, con puntate milionarie. A questo si inframezzano i discorsi dei cinque amici che ricordano esilaranti episodi passati e che si prendono in giro vicendevolmente, tra risate e alcol.

Minuti in cui la regia di Crowe si sofferma su dettagli, come le carte e soprattutto gli sguardi dei protagonisti, che lasciano trasparire una vasta gamma di emozioni. In fondo la faccia da poker del titolo è solo quella di Jake. Crowe riesce a restituire tutta la determinazione di un uomo che non ha nulla da perdere. Si percepisce in breve tempo come la vera partita di poker non sia quella che i cinque amici giocano con le fiches e le carte ma quella che riguarda le loro vite ed i segreti che custodiscono. Il poker è solo un mezzo per arrivare ad un obiettivo.

poker face

Ma è solo un fuoco di paglia, i minuti iniziali sono l’unico aspetto positivo di Poker Face, che all’improvviso diventa un film completamente diverso. Repentinamente cambiano del tutto registro e genere. Il confronto tra gli amici dura una manciata di minuti e veniamo a scoprire subito quali sono i segreti che ognuno di loro non ha mai avuto il coraggio di confessare. Neanche il tempo di iniziare quindi che le carte vengono scoperte immediatamente. Inoltre nel film convivono fin troppi generi senza che questi vengano amalgamati a dovere. Si passa dall’heist movie all’home invasion senza senso di continuità e senza un vero perché.

Come se non bastasse la storia scorre sin troppo veloce. Non si ha il tempo di affezionarsi a nessuno dei protagonisti in scena, allo stesso modo alcuni personaggi risultano superflui e fuori luogo in un contesto in continuo mutamento. Proprio la sceneggiatura è uno dei punti deboli del film, troppo sconclusionata e incapace di dare vita ad una storia dove la tensione e il mistero avrebbero dovuto esserne i cardini. Una vicenda quella raccontata in Poker Face interessante nelle intenzioni ma sviluppata in maniera troppo frettolosa e senza il giusto approfondimento.

Poker Face purtroppo paga la gestazione travagliata, come dichiarato dallo stesso Crowe nella conferenza stampa di presentazione, tanto che lo stesso regista e protagonista è salito a bordo in corsa, dovendo riscrivere in poco tempo la sceneggiatura. Un vero peccato.

Poker Face arriverà al cinema il 24 novembre.

18 Ottobre 2022 0 comment

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Marcel the shell with shoes on, la recensione: guardare il mondo con occhi diversi

written by Emanuele Bianchi

Quando un amore finisce non viene a mancare solo l’affetto che legava due persone ma spesso si spezza anche una famiglia. Con la fine della relazione tra Mark (Thomas Mann) e Larissa (Rosa Salazar) non si spezza solo il legame tra loro ma anche la famiglia di Marcel, la piccola conchiglia del titolo, che rimane a vivere nell’appartamento insieme alla nonna (doppiata da Isabella Rossellini). Riadattata a B&B, la casa ha visto un gran via vai di ospiti, da cui Marcel e la nonna Connie si sono sempre tenuti alla larga, almeno fino all’arrivo di Dean, che inizierà ad intraprendere con la piccola conchiglia un rapporto di amicizia e che inizierà a filmare la sua vita e quella di sua nonna, che si divide tra la cura dell’orto, pattinaggio sulla polvere e “passeggiate” per casa all’interno di una pallina da tennis. Un’amicizia che permetterà a Marcel di iniziare a mettersi alla ricerca della sua famiglia.

Questa la trama di Marcel the Shell with Shoes On, film che ha aperto Alice nella Città, la sezione parallela della Festa del Cinema di Roma e dedicata ai ragazzi. Opera prima di Dean Fleischer-Camp, il film è ispirato all’omonimo video pubblicato dal cineasta su YouTube nel 2010.

Usando la tecnica del mockumentary sin dal primo minuto veniamo catapultati nella particolare vita di Marcel. Scopriamo così che la piccola conchiglia ha sempre vissuto nella casa in cui arriva Dean, che passa le giornate a coltivare l’orto insieme alla nonna, che dorme in un letto composto da due fette di pancarrè e che inizialmente oltre a lui e la nonna c’era un’intera comunità. Una famiglia felice a cui non mancava nulla, ma tutto è cambiato quando Mark e Larissa si sono lasciati e con la loro rottura si è divisa anche la famiglia.

Marcel the Shell with Shoes On

Proprio la separazione e il doversi adattare ad un nuovo stile di vita sono tra gli argomenti cardine di Marcel the Shell with Shoes On. Il regista decide di usare un personaggio di finzione per parlare di temi reali e tangibili. Non è facile per nessuno doversi adattare all’improvviso ad una nuova realtà, ancora meno per un bambino che spesso non sa come reagire ai grandi cambiamenti. Una storia, o meglio un falso documentario, sull’arte del reinventarsi e del cercare di godersi al meglio la vita con quel poco che si ha. Una storia di crescita e di maturità in cui Marcel capirà che il mondo è più grande di quel che credeva e che il pericolo è sempre dietro l’angolo.

Una vicenda che riesce a divertire di gusto grazie a situazioni e battute esilaranti ed allo stesso tempo capace di far riflettere. Marcel the Shell with Shoes On è più di un semplice mockumentary su una conchiglia con le scarpe da ginnastica, è il racconto di un’amicizia tra due anime sole che oltre a farsi compagnia si sostengono a vicenda, riuscendo a colmare (almeno in parte) quel vuoto lasciato da chi non c’è più.

Un film che fa della semplicità il suo punto di forza, perché in fondo la vita dovrebbe essere presa così come viene, senza soffermarsi troppo sui se e i ma, ma cercare di vederne sempre gli aspetti positivi. Non manca inoltre una frecciatina al mondo dei social, che hanno innegabilmente una grande utilità ma che troppo spesso vengono usati con il solo scopo di ottenere un like o una visualizzazione in più.

Uno spaccato della vita moderna senza dubbio interessante, filtrato attraverso il grande occhio di una piccola e simpatica conchiglia che non ha paura di mostrare i suoi sentimenti, ma che non riesce a coinvolgere sempre appieno a causa di un ritmo monocorde. Purtroppo durante i 90 minuti di durata non c’è un colpo di scena degno di nota che possa in qualche modo risvegliare lo spettatore dal sonno in cui rischia di cadere dopo pochi minuti.

17 Ottobre 2022 0 comment

Carosello Film Film Marvel Studios Recensioni

Doctor Strange nel Multiverso della Follia, la recensione: a spasso tra le dimensioni

written by Emanuele Bianchi

Dopo essere diventato lo Stregone Supremo, aver salvato il mondo dal ritorno di Dormammu e aver aiutato Peter Parker a far dimenticare a tutti la sua identità nel recente Spider-Man: No Way Home, Doctor Strange è pronto a viaggiare per il multiverso e a fronteggiare un nuovo, potente e temibile avversario. In questa nuova avventura l’ex chirurgo viaggerà tra le realtà e le cose saranno alquanto folli.

Protagonista della pellicola è nuovamente Benedict Cumberbatch che riprende i panni dell’eroe Marvel, al suo fianco ritroviamo Rachel McAdams, Chiwetel Ejiofor e Benedict Wong. A loro si aggiungono Elizabeth Olsen – ovvero Wanda Maximoff – e la giovane Xochitl Gomez, interprete di America Chavez.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia

Non c’è riposo per gli eroi e Steven Strange lo capisce quando intento a sorseggiare un cocktail durante un party è costretto a svestire lo smoking e indossare le vesti di Stregone per affrontare una creatura extra dimensionale che cerca di rapire una ragazza e assorbirne i poteri. Proprio i mondi visitati dallo Stregone e da America Chavez sono al centro della narrazione, universi alternativi della realtà che conosciamo in cui lo stregone incontrerà versioni diverse di sé stesso, chiedendo loro aiuto. Le cose però non andranno come previsto e Strange e la giovane viaggiatrice dovranno affrontare nemici e pericoli più insidiosi di quanto immaginato.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia è quindi un vero e proprio road movie interdimensionale dove gli eroi prima di affrontare a viso aperto il nemico di turno cercheranno risposte e aiuto in altri mondi. Mondi colorati, distrutti o dove tutto funziona al contrario. L’unica certezza è la pizza. Un viaggio che ci farà conoscere la pericolosità e la fragilità del multiverso, i cui mondi sono legati da un filo sottile che oltre a unirli può distruggerli.

Un’avventura di poco più di 120 minuti che parte in quarta e che riesce a tenere lo spettatore con lo sguardo fisso sullo schermo, una storia dove non mancano rimandi al Marvel Cinematic Universe ma che purtroppo non riesce a dare l’accelerata necessaria. Il ritmo del film è sostanzialmente costante, non c’è mai veramente un guizzo o una sferzata che faccia aumentare il passo agli eventi raccontati. Si ha la costante impressione che tale momento stia per arrivare ma la realtà è che non si palesa mai. L’andamento risulta così poco adrenalinico, nonostante non manchino le scene action e i combattimenti a suon di magia.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia

Discorso simile per le realtà alternative mostrate. Gli universi in cui Strange viaggia sono interessanti e affascinanti ma è innegabile che quelli mostrati siano fin troppo pochi per un film che parla di multiverso. Dall’altro lato, però, faranno la felicità dei fan, ben contenti di visitare nuovi mondi e (ri)vedere amati personaggi.

Non convince pienamente anche la sceneggiatura, non solo per quanto detto sopra, ma anche perché risolve il tutto in maniera fin troppo semplicistica. Dopo un inseguimento tra le dimensioni, viaggi nei sogni e chi più ne ha più ne metta, lo scontro finisce in modo piuttosto scialbo e anche scontato. Il film inoltre più che sul buon dottore sembra essere la degna conclusione di WandaVision, serie TV da vedere per poter cogliere appieno tutte le sfumature presenti.

Fortunatamente non mancano gli aspetti positivi, a partire dalla regia di Sam Raimi, capace di portare lo spettatore nel pieno della vicenda senza farlo annoiare. Così come è difficile non notare il tocco horror del regista. Buona anche la prova degli interpreti, in particolare Benedict Cumberbatch ed Elizabeth Olsen. I due attori sono ormai a loro agio nei panni dei personaggi Marvel, tanto sfrontato e saccente il primo quanto accecata dal dolore la seconda. Vicino a loro non sfigura minimamente la sedicenne Xochitl Gomez, capace di restituire un’America Chavez tanto indipendente quanto impaurita. Menzione d’obbligo anche per lo Stregone Supremo Benedict Wong, molto legato alle tradizioni, e Rachel McAdams sempre più action, non più ragazza in pericolo ma spalla attiva.

In conclusione Doctor Strange nel Multiverso della Follia è un film che nonostante gli evidenti difetti riesce comunque a catturare l’attenzione dello spettatore e a portarlo a conoscere nuovi e interessanti mondi. Come sempre non uscite dal cinema prima di aver visto le due scene post credit.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia vi aspetta al cinema dal 4 maggio.

4 Maggio 2022 0 comment

Anime Carosello Eventi Fiere e Festival Film Film Recensioni

Belle, la recensione: la favola de La Bella e la Bestia secondo Mamoru Hosoda

written by Emanuele Bianchi

Mamoru Hosoda è uno dei registi di anime più apprezzati. Il cineasta non necessita di presentazioni per gli appassionati del genere, in quanto a partire dal 2006 con La ragazza che saltava nel tempo si è fatto conoscere per il suo stile inconfondibile, caratterizzato da storie mai banali e dall’immancabile presenza di altri mondi e realtà. Dopo gli apprezzati Wolf Children (2012), The Boy and The Beast (2015) e Mirai (2018) – che gli è valso la candidatura ai premi Oscar – il Maestro dell’animazione giapponese torna con il fantastico e toccante Belle. Dopo aver conquistato il pubblico nipponico, il film è stato presentato in anteprima ad Alice nella Città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma e arriva nei cinema italiani oggi 17 marzo 2022.

Protagonista della vicenda è Suzu, studentessa liceale diciassettenne che vive in campagna con il padre. La ragazza si è chiusa in sé stessa sin da quando in tenera età ha perso sua madre, non riuscendo più a dedicarsi alle sue passioni. La sua vita cambia quando decide di iscriversi a U, mondo virtuale che ha 5 miliardi di utenti. Qui la timida ragazza si trasforma nell’avatar Belle e ben presto attira l’attenzione di tutti grazie alla sua voce e alla sua musica. In questo nuovo mondo incontrerà anche un misterioso Drago con cui inizierà il viaggio alla ricerca della loro vera natura.

immagine di Belle, nuovo film di Mamoru Hosoda

Dopo essere stati catapultati direttamente in U e averci presentato la star del mondo virtuale, ovvero la cantante Belle, Mamoru Hosoda ci porta a fare la conoscenza di Suzu, la ragazza che si cela dietro l’amata avatar. Suzu, a differenza della sua controparte virtuale, è timida e riservata, tutt’altro che popolare e appariscente. Due facce di una stessa medaglia in quanto Belle non è altro che la rappresentazione in codice binario della bellezza interiore della ragazza e del suo talento musicale. Suzu è il classico personaggio che non riesce a relazionarsi con le persone che le stanno intorno in maniera naturale ed è incapace di dare sfogo a tutta la sua creatività a causa della sua grande timidezza, che però svanisce in un mondo in cui nessuno sa chi è.

Attraverso un nuovo mondo, e quindi iniziando una nuova vita, la ragazza riesce a ritrovare la sua voce e farla sentire a tutti, incurante di cosa gli altri utenti pensino di lei. Grazie all’anonimato e a una nuova fiducia, data anche dal bell’aspetto del suo avatar Belle, Suzu inizierà un lungo e un non facile percorso di guarigione da un trauma infantile che le farà anche fare pace col suo passato. L’incontro con il “villain” di U e la sua conoscenza le farà capire i motivi del gesto di sua madre. Una rivelazione catartica che la porterà a maturare ed essere più forte e indipendente, trovando anche quel coraggio necessario ad affrontare gli ostacoli che la vita ci pone davanti.

La storia raccontata in Belle ci mostra quindi il passato della protagonista, il motivo che l’ha spinta ad iscriversi a U e come Belle sia diventata in poco tempo la cantante virtuale più amata al mondo. Una storia delicata, appassionata ed appassionante che ci mostra l’incontro della bella e della bestia del mondo virtuale, ricordandoci che la bestia che è in noi è solo una sfaccettatura dell’essere umano e quindi non ha senso negarla.

Il regista ci racconta quindi l’evolversi di un rapporto che nasce in maniera burrascosa e che lentamente e inesorabilmente farà avvicinare i due, che si scopriranno più simili di quanto credano. Un legame sicuramente inaspettato e non facile da mantenere, soprattutto perché Drago tiene Belle a distanza, ritenendosi non meritevole della sua gentilezza. Si tratta di un chiaro omaggio al Classico Disney La Bella e la Bestia – anche a livello visivo, con tanto di scena di ballo – e che, come nel film del 1991, fa della Bestia un essere incompreso e odiato perché diverso.

Sarà proprio Belle a vedere in lui bellezza e fragilità e quindi a essere la prima a trattarlo come un essere umano e non come un mostro. Il rapporto tra i due ricorda anche il più classico cliché (non necessariamente una storia d’amore, come in questo caso) tra la ragazza dolce e romantica e il teppista di turno. Un teppista che nasconde la sua solitudine e il suo sentirsi fuori posto dietro aggressività e un avatar mostruoso, che rispecchia cosa la gente pensi di lui.

Quella raccontata in Belle è dunque una favola moderna, che riesce a essere fuori dal tempo, ma allo stesso modo molto attuale ed ancorata alla realtà, in particolare quella dei social network. Se Belle e il Drago risultano essere in qualche modo personaggi eterei e atemporali, il mondo virtuale di U che li circonda è “tangibile” e “reale” e cala i due in una realtà specchio di quella reale e sicuramente più vera, poiché ogni avatar non è altro che la rappresentazione dell’alter ego di ogni utente.

Realtà virtuale si unisce al mondo reale: due facce di una stessa medaglia che si influenzano direttamente e tramite i quali l’utente può riuscire a realizzare sé stesso. Belle è un cammino verso la consapevolezza di sé, un viaggio di crescita doloroso ma necessario che porterà Suzu a fare i primi passi nell’età adulta. In questo senso, il titolo offre una doppia chiave di lettura, richiamando da un lato la favola de La Bella e la Bestia e dall’altro la ricerca della propria bellezza interiore. Una storia di coraggio capace di emozionare sin dai primi minuti. Assolutamente da vedere.

17 Marzo 2022 0 comment

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The French Dispatch, la recensione: l’omaggio al giornalismo di Wes Anderson

written by Emanuele Bianchi

Giovedì 11 novembre arriverà nei cinema The French Dispatch, nuovo atteso film scritto, prodotto e diretto da Wes Anderson. Storia corale che vede protagonista un nutrito cast composto da Benicio del Toro, Adrien Brody, Tilda Swinton, Léa Seydoux, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Mathieu Amalric, Stephen Park, Bill Murray e Owen Wilson. Insieme a loro troviamo anche Liev Schreiber, Edward Norton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Elisabeth Moss, Jason Schwartzman, Christoph Waltz e Anjelica Huston.

La vicenda vede protagonisti i giornalisti del The French Dispatch of the Liberty, Kansas Evening Sun, inserto settimanale del giornale americano Evening Sun con sede nella cittadina francese (fittizia) di Ennui-sur-Blasé. La rivista, che si occupa di cronaca e cultura, è guidata dal direttore ed editore Arthur Howitzer Jr., che muore improvvisamente a causa di un attacco di cuore.

Come da testamento, alla sua morte il giornale cessa immediatamente la pubblicazione e il suo ultimo numero sarà composto dai migliori articoli pubblicati nel corso degli anni e dal necrologio che i redattori scriveranno per ricordare il loro editore e direttore.

una scena di The French Dispatch di Wes Anderson

Bentornato Wes Anderson! Non c’è modo migliore di descrivere la nuova fatica cinematografica dell’amato regista. The French Dispatch è molto più di un omaggio al giornalismo e alle sue penne, è un romantico ed emozionante racconto a episodi di personaggi a dir poco surreali. Veri e veritieri ma allo stesso tempo assurdi e fuori da ogni logica, atemporali eppure ben ancorati alla realtà e al tempo che raccontano. Eterei e intangibili, come spesso sono i personaggi di Wes Anderson, ma al contempo concreti.

La vicenda divisa in episodi ci mostra come sia nato il giornale e quale sia la routine della redazione, per poi mostrarci i suoi giornalisti di punta nel pieno del loro lavoro. Il regista ci illustra quindi lo stile sognante di Herbsaint Sazerac, noto come “il reporter in bicicletta”, l’irraggiungibile arte del pittore Moses Rosenthaler raccontato da J.K.L. Berensen, la lucida spietatezza di Lucinda Krementz e del suo resoconto delle rivolte studentesche e il surreale reportage di Roebuck Wright e della cena avuta con il Commissario di Polizia.

Quattro storie diverse tra loro ma accomunate, come già detto, da personaggi fuori dagli schemi e vicende dove abbondano divertimento, ironia, cinismo, parole – il film è molto verboso – e l’immancabile malinconia che pervade il tutto, capace di rendere gli episodi sospesi nel tempo. Il film quindi presenta tutte le caratteristiche tipiche del cinema di Wes Anderson, inclusi le immancabili inquadrature simmetriche e luoghi dall’estetica vintage, esaltati al meglio dalla scenografia e dalla fotografia, che come sempre sono veri e propri personaggi.

Un film che oscilla tra presente e passato, raccontati rispettivamente a colori e in bianco e nero, a sottolineare non solo la distanza temporale che separa gli articoli dalla vita di redazione odierna, ma soprattutto come il passato venga spesso ricordato con nostalgia e atemporalità. Colore che domina anche i momenti fondamentali delle varie storie, a sottolinearne l’importanza. Non manca inoltre la presenza dell’animazione 2D, capace di esaltare il surrealismo di un folle inseguimento.

una scena di The French Dispatch di Wes Anderson

Non tutto però funziona in The French Dispatch. Come spesso accade per i film divisi in episodi, questi risultano essere sostanzialmente storie a sé stanti e non collegate fra loro, se non per il fatto di essere articoli presenti sulla stessa rivista. Raffigurandoli proprio come articoli, con tanto di immagine di presentazione e di pagine su cui l’articolo è leggibile, il regista intende tradurre in immagini le parole dei cronisti, mostrando quindi allo spettatore cosa i loro occhi hanno visto.

Intento sicuramente interessante e da questo punto di vista più che riuscito, anche grazie a un ottimo cast e alla regia sempre impeccabile di Wes Anderson, che ci fa diventare spettatori privilegiati, ma la verità è che manca una storia unitaria di base. O meglio, quella presente è labile e non così forte come le singole vicende. L’andamento quindi risulta non propriamente fluido. Un aspetto a cui i fan del regista sono più che avvezzi, ma che potrebbe risultare estraniante a un pubblico generalista.

Un difetto evidente, ma altrettanto trascurabile, visto che il film riesce pienamente a divertire e intrattenere grazie anche a una sceneggiatura spigliata e sprezzante. Una storia capace di catturare da subito l’attenzione dello spettatore, affascinato dalla vita di redazione del giornale, dai suoi eccentrici componenti e dalle incredibili storie, vero e proprio turbinio di emozioni. The French Dispatch è senza dubbio uno dei migliori film di Wes Anderson. Da vedere assolutamente.

The French Dispatch sarà al cinema da giovedì 11 novembre distribuito da The Walt Disney Company.

11 Novembre 2021 0 comment

Carosello Eventi Fiere e Festival Film Film Marvel Studios Recensioni

Eternals, la recensione: una movimentata riunione di famiglia

written by Emanuele Bianchi

Il prossimo 3 novembre arriverà nei cinema italiani Eternals, atteso terzo capitolo della Fase 4 del Marvel Cinematic Universe. Il film, diretto dalla regista premio Oscar Chloé Zhao, co-autrice anche della sceneggiatura, vede protagonisti Angelina Jolie, Richard Madden, Kit Harington, Salma Hayek, Gemma Chan, Kumail Nanjiani, Lia McHugh, Brian Tyree Henry, Lauren Ridloff, Barry Keoghan, Don Lee, Gil Birmingham e Harish Patel. In attesa di poterlo vedere sul grande schermo, il cinecomic Marvel è stato presentato in anteprima come evento speciale di chiusura della Festa del Cinema di Roma e di Alice nella Città.

La storia vede protagonisti eroi superumani noti come Eterni, inviati sulla Terra per combattere la minaccia dei Devianti, esseri mostruosi che si cibano di creature senzienti. Dopo aver ingaggiato contro i Devianti una lunga e dura battaglia, riescono finalmente a sconfiggerli. Il gruppo resta a vivere sulla Terra in attesa di essere richiamato sul proprio pianeta Olympia, ma le cose andranno diversamente poiché dopo secoli di pace saranno costretti a tornare in azione per combattere ancora una volta i loro nemici naturali. Ma non tutto è quello che sembra.

Portare sul grande schermo un film delle origini di un supereroe non è mai facile e la difficoltà aumenta se l’eroe in questione è un gruppo, oltretutto sconosciuto ai più come gli Eternals. Fortunatamente Chloé Zhao è riuscita a dare vita ad un film capace di introdurre in maniera convincente un nuovo supergruppo che sarà importante all’interno del futuro del Marvel Cinematic Universe. Merito è della sceneggiatura – scritta a otto mani da Chloé Zhao,Patrick Burleigh, Ryan Firpo e Kaz Firpo – che riesce a dare vita a un film corale dove i personaggi hanno ognuno il giusto spazio e una buona caratterizzazione. Stesso discorso per l’andamento della storia principale e delle trame secondarie, gestite al meglio. Compito non facile, contando il rischio di far prevalere uno dei personaggi sugli altri o di dare troppo spazio a trame accessorie.

La sceneggiatura racconta una vicenda lunga migliaia di anni e porta lo spettatore non solo agli albori della civiltà umana, mostrando il ruolo avuto dagli Eterni nella storia, ma anche a scoprire verità riguardanti il vasto universo Marvel che abbiamo iniziato ad esplorare e conoscere con i Guardiani della Galassia. Un continuo salto temporale che ci svela lentamente il passato dei nuovi eroi, e cosa li abbia portati sulla Terra per rimanerci.

Una vicenda in cui non mancano azione, combattimenti, l’immancabile ironia – che ben si amalgama nella storia e non risulta eccessiva come in altri film dell’MCU – e quel pizzico di romanticismo che non guasta mai. Allo stesso modo Eternals è anche e soprattutto la storia della riunione di una famiglia molto particolare, dove litigi e segreti sono parte integrante di un gruppo in cui nulla è come sembra.

recensione di Eternals

Perché quelli di Eternals sono eroi sì immortali e con poteri sovrumani, ma pieni di difetti e fragilità. Il supergruppo guidato da Ajak, interpretata da Salma Hayek, oltre ai Devianti deve affrontare una battaglia ancora più ardua: i propri demoni interiori. Avere la vita eterna porta con sé riflessioni che danno vita a domande e dubbi a cui è praticamente impossibile dare risposta. Non bastano incredibili poteri per riuscire a trovare il proprio posto nel mondo.

Sersi, Ikaris, Kingo, Sprite, Phastos, Makkari, Druig, Gilgamesh, Thena e la loro guida Ajak non sono altro che la versione supereroistica dei bimbi sperduti di Peter Pan. Se è vero che da grandi poteri derivano grandi responsabilità, è altrettanto innegabile che questi portino in dote grandi problematiche. Esseri ultraterreni ma profondamente umani. Umanità incarnate in particolare da Sersi, la più sensibile tra gli Eterni, ed da Thena, personaggio fragile e danneggiato ma comunque potente, costretto a combattere anche contro la sua mente e i ricordi del passato. Un messaggio di inclusione che colpisce e che arriva forte e chiaro.

Il film pone inoltre l’accento sul tema del libero arbitrio e del rapporto tra uomo e dio, con il primo diviso tra la fedeltà e la libertà. Una libertà che può ottenere solo “uccidendo” il dio che si è giurato di seguire. Quella raccontata in Eternals quindi non è solo la classica vicenda di eroi contro villain, ma è la presa di coscienza di un gruppo di esseri che decidono da sé il proprio destino.

Altro punto di forza è la regia di Chloé Zhao, che ci ricorda il motivo del suo Oscar. La cineasta cinese non solo dirige al meglio un cast stellare, ma riesce a portare lo spettatore nel pieno dell’azione facendolo diventare osservatore privilegiato di una vicenda millenaria. Una regia capace anche di farci gustare al meglio gli scontri tra gli Eterni e i Devianti.

recensione di Eternals

Il film però non è esente da difetti. Per quanto scorra velocemente e senza troppi momenti morti, alla lunga i 155 minuti di durata si fanno sentire, soprattutto nell’ultima parte caratterizzata dalla presenza di più finali. Inoltre non convince pienamente la motivazione che spinge il leader dei Devianti ad entrare in azione.

Il maggior difetto di Eternals però è la mancanza di mordente. Durante la visione si ha la perenne impressione che manchi qualcosa alla storia. Per quanto il tutto nel complesso funzioni, si sente l’assenza di quegli elementi capaci di rendere la storia veramente intrigante – alcuni colpi di scena sono facilmente intuibili – ed il film un prodotto capace di appassionare completamente. Nonostante la sensazione di incompletezza, il cinecomic non delude e riesce a divertire ed intrattenere. Come sempre non alzatevi dalla poltrona del cinema prima di aver visto le due scene extra.

27 Ottobre 2021 0 comment

20th Century Studios Carosello Eventi Fiere e Festival Film Film Recensioni

Ron – Un amico fuori programma, la recensione: l’amicizia è più di un semplice codice binario

written by Emanuele Bianchi

Presentato in anteprima ad Alice nella Città, arriverà nei cinema il prossimo 21 ottobre Ron – Un amico fuori programma, nuovo film Fox Animation realizzato da Locksmith Animation. A dirigere è il duo composto da Sarah Smith e dal veterano di Pixar Jean-Philippe Vine, co-diretto da Octavio E. Rodriguez, mentre la sceneggiatura è opera della stessa Smith e Peter Baynham.

La storia vede protagonista l’impacciato e solitario Barney, studente delle medie che non riesce a creare legami d’amicizia con i suoi compagni. Una connessione resa ancora più difficile perché Barney è l’unico della scuola a non avere un B*bot, robot programmato per essere il migliore amico dei bambini.

Le cose cambiano quando anche Barney riceve il suo B*bot, ma il dispositivo in suo possesso che dovrebbe camminare, parlare e connettersi ai social per fargli fare nuove amicizie non funziona come dovrebbe. Ron è quindi diverso da tutti i suoi simili e i suoi malfunzionamenti faranno capire a Barney cos’è l’amicizia.

Ron un amico fuori programma

Dopo il lancio globale dei B*Bot, che ci mostrano cosa sono in grado di fare e che richiamano i sensazionali lanci aziendali tipici delle multinazionali americane, facciamo la conoscenza del piccolo ed impacciato protagonista. Barney è il tipico ragazzo timido che non riesce a relazionarsi con il prossimo e che viene evitato dai suoi coetanei perché considerato strano. Come se non bastasse ha una famiglia che non fa che metterlo in imbarazzo ed è l’unico ragazzo della scuola a non avere l’ultimo ritrovato della tecnologia.

Il robottino Ron entrerà nella sua vita, cambiando le cose in modo del tutto inaspettato. Dovendo riprogrammare da zero il suo B*Bot, il ragazzo capirà pian piano cosa sia l’amicizia e cosa voglia dire avere un vero amico (anche se meccanico). Grazie ai malfunzionamenti del robot, che non sono altro che la versione binaria del carattere di Barney, i due vivranno momenti felici e spensierati e impareranno a conoscersi – non senza litigi – passando il loro tempo insieme, in un mondo dove la tecnologia e i social sono preponderanti.

Proprio il rapporto con i social che hanno le diverse generazioni – nonni, genitori e figli – è uno degli argomenti alla base di Ron – Un amico fuori programma. La storia, oltre a sottolineare come la fama sia effimera e probabilmente sopravvalutata, ci mette in evidenza una verità ben nota a tutti, ovvero che spesso quello che vediamo sul web non corrisponde alla realtà. Inoltre evidenzia – ancora una volta – come Internet ed i social siano utili solo se usati nel modo giusto. Il tutto senza retorica, fortunatamente.

Non manca poi una sonora frecciatina (anche se è più una bazookata) al costante monitoraggio che il social fanno dei propri utenti, registrando qualsiasi cosa facciano con il solo obiettivo di vendere prodotti. Il tutto attraverso il personaggio di Andrew Morris, spietato manager dell’azienda che ha creato i B*Bot il cui unico interesse sono i profitti. E che ricorda molto Steve Jobs nell’aspetto.

Ron un amico fuori programma

La vicenda risulta divertente ed esilarante e riesce ad intrattenere per tutti i 106 minuti, con gag che funzionano e capaci di far ridere di gusto. Una storia in cui è facile riconoscere assonanze con prodotti usciti in precedenza (difficile non pensare al recente film I Mitchell contro le macchine o a manga come Video Girl Ai) ma che riesce in ogni caso nel suo intento.

Una storia d’amicizia e sull’amicizia quella raccontata in Ron – Un amico fuori programma, dove il piccolo protagonista e i suoi compagni di scuola impareranno che in fondo non c’è niente di male ad essere “fuori programma” e che i legami, quelli veri, sono molto più di un semplice “mi piace” sui social. Sicuramente personaggi secondari con una caratterizzazione maggiore avrebbero giovato, così come una sceneggiatura più originale, ma il film riesce in ogni caso a conquistare.

Ron – Un amico fuori programma arriverà al cinema il 21 ottobre.

18 Ottobre 2021 0 comment

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