Questo significa, fondamentalmente, che nel vedere il suo nome tra i titoli di testa tenderemo a voler ritrovare nell’opera un elenco ben definito di elementi a cui l’artista ci ha abituato: il trionfo della cultura messicana con una strizzata d’occhio al mondo pop, una certa comicità over the top e zany, character design particolarmente elaborati e ricchi di dettagli, personaggi concepiti come pupazzi e animati come se fossero in stop motion e infine la tematica di amore e morte che vanno a braccetto, in una sorta di danza macabra che proviene dal background culturale dell’autore.

Tutto questo e molto di più è Maya e i tre guerrieri (Maya and the Three), la nuova serie originale che Gutierrez ha realizzato per Netflix, senza dubbio il suo progetto più ambizioso sotto tutti i punti di vista e un vero e proprio gioiello di cui la piattaforma streaming potrà vantarsi a lungo.

Bisogna tornare indietro a Klaus o Into the SpiderVerse per ritrovare un progetto animato della stessa portata, un progetto cioè in grado di restituire un tale livello di coesione tra le sue parti. Maya è un organismo in cui ogni elemento, giù giù fino al più piccolo dettaglio, recita perfettamente il proprio ruolo, servendo la storia in maniera così poco invasiva da permettere facilmente alla stessa di diventare molto più della somma delle sue parti. È merito della solida, solidissima visione di Gutierrez, ovviamente: una visione che permea ogni aspetto di questa produzione, e che è stata molto ben recepita da un team evidentemente di alto livello e da uno studio ben disposto a concedere la giusta dose di libertà creativa. Quando tutti i pianeti si allineano in questo modo il risultato non può che essere ottimo: filmmaking di altissima fattura, quello a cui lo spettatore può affidarsi con serenità, confidando che le proprie aspettative non verranno tradite.

La serie è ovviamente una meraviglia per gli occhi, che si riempiono dei design stravaganti di Gutierrez e degli elaborati scenari dei quattro regni, oltre che delle ottime animazioni del – purtroppo compianto – studio canadese Tangent Animation. L’estetica brilla anche grazie a una scelta felice in termini di scrittura, ossia il recupero dell’essenzialità del mito. Maya e i tre guerrieri è un Signore degli Anelli mesoamericano, c’è una quest, c’è un’epica guerra; l’azione non manca e c’è molto a cui assistere. Eppure si tratta pur sempre di un mito, che in quanto tale si potrebbe facilmente riassumere in poche righe: sono proprio queste le storie che resteranno senza età, perché una storia essenziale ma inattaccabile lascia ampio spazio all’estetica, all’arte, alla recitazione dei personaggi e dunque all’empatia e all’immedesimazione.

E di certo non mancano momenti per “patire con” questi outsider diventati improbabili eroi. Jorge Gutierrez non ci risparmia nulla, trovando il modo appropriato per mostrare anche agli spettatori più giovani la sofferenza in tutte le sue forme: il tradimento che subisce Maya, la discriminazione vissuta da Rico e Chimi, la colpa e il rimpianto che si porta dentro Picchu, la morte, regina benevola del destino di tutti i personaggi, ma anche il dolore fisico, le ferite, le ossa rotte e la perdita degli arti, conseguenze inevitabili di ogni guerra. Amore e morte sono una cosa sola, in questa epica avventura di umani e dèi, e questo è esemplificato soprattutto dalle figure femminili: mogli, madri, sorelle, compagne, amano disperatamente e proprio per questo sono le più feroci in battaglia; un punto di vista di rara bellezza, in un’epoca di principesse single che per poter impugnare una spada devono prima dimostrare di non aver bisogno di nessuno. Emblematico il momento in cui la madre di Maya, la regina Teca, sceglie di andare in guerra nonostante sia incinta, per proteggere la figlia, il suo popolo e il nascituro. C’è qualcosa di ancestrale in questa rappresentazione delle donne come creature in grado di donare amore e morte allo stesso modo, una scelta che rende Maya e i tre guerrieri anche la testimonianza di un potere che siamo state costrette a sopprimere, e che questa serie recupera con grande deferenza.

The post Maya e i tre guerrieri, amore e morte nella splendida serie di Jorge Gutierrez appeared first on Imperoland.

A una prima occhiata, il lavoro di adattamento di Brian Young e del suo team si può dire riuscito. Del resto il materiale di partenza si prestava particolarmente: molti ricordano le Winx soltanto per le ali scintillanti e i vestitini alla moda, ma la prima stagione parlava di fatto dell’ultima superstite a uno sterminio di massa, a cui viene affidato un potere pericoloso e troppo grande per lei, ambìto da una forza malvagia che vuole dominare la Dimensione Magica. Insomma, non è necessario lavorare troppo di fantasia per trasformare questo canovaccio in un’opera per giovani adulti.

Acquista il libro ufficiale della serie

Tutto ciò che è di contorno, dunque, si può dire convincente. Mancano (almeno per ora) le streghe, si cerca di abbozzare maggiormente una struttura politica concreta per l’Oltremondo, Fate e Specialisti si mescolano e diventano una sorta di potenza militare al servizio di Solaria; infine, la nuova minaccia è rappresentata dai “Bruciati”, di cui sappiamo soltanto che sono sulle tracce del potere di Bloom. Nei sei episodi per la verità non c’è molto tempo di approfondire il funzionamento o la storia del mondo magico, si corre molto per raccontare questa storia Bloom-centrica, e probabilmente dovremo aspettare le successive stagioni per saperne di più. Tuttavia l’ossatura sembra esserci, ed è evidente lo sforzo di acquisire degli elementi del cartoon classico per volgerli in chiave più politica, più adulta.

Lo stesso purtroppo non si può dire della caratterizzazione, una pecca che lascia Fate: The Winx Saga riuscita solamente a metà. L’impressione è che gli autori siano talmente impegnati a rendere i protagonisti cool ed edgy da dimenticarsi, paradossalmente, di renderli piacevoli. Con la parziale eccezione di Terra e Musa, che mostrano talvolta un po’ più di umanità, per la maggior parte del tempo quasi tutti i personaggi risultano piuttosto insopportabili, ammantati di un’aura talmente arrogante e sicura di sé da causare quasi una sensazione di rifiuto nello spettatore.

È davvero difficile entrare in empatia con queste Winx, e il problema è ancora più evidente se prendiamo in considerazione Bloom. In teoria, la fata che proviene dal Primo Mondo dovrebbe essere la nostra chiave di lettura per scoprire Alfea e l’universo magico con stupore e meraviglia; invece, il suo intero arco in questa stagione è guidato soltanto da rabbia, impazienza ed egoismo. Se da una parte questo è giustificato dal suo legittimo desiderio di conoscere il proprio passato, dall’altra è difficile prendere le parti di un’eroina talmente testarda da mettere in pericolo tutti coloro che tengono a lei. Addirittura, Bloom non subisce alcuna conseguenza per i suoi comportamenti incoscienti, ma viene premiata con il risveglio dei suoi poteri e con l’appoggio totale delle altre Winx, nonostante le sue azioni abbiano messo a repentaglio la sicurezza e il futuro della scuola di Alfea.

Bloom, Stella, Flora, Musa e Tecna erano le amiche che tutti avremmo voluto avere; al contrario, in questo gruppo non si ritrovano lo stesso calore e lo stesso senso di accoglienza: abbiamo forse vissuto un’avventura piacevole, ma finita la serie non ci resta il desiderio di diventare parte del Winx Club. In generale, non basta accennare a droga, rapporti sessuali e alcool per far sì che una storia diventi “per ragazzi”, occorrerebbe prima di tutto saper scrivere ragazzi autentici piuttosto che macchiette stereotipate.

The post Fate: The Winx Saga, la recensione della serie Netflix ispirata a Winx Club appeared first on Imperoland.

Purtroppo, malgrado il cambio di rotta radicale rispetto alla poco fortunata serie del 2016, bisogna constatare come quella sensazione di “intermittenza” percepita quattro anni fa si ripresenti anche dopo la visione dei sei episodi di Ecco i Muppet. Due prodotti stilisticamente agli antipodi, ma che possono essere giudicati esattamente allo stesso modo: elementi che funzionano, ma in un contesto generale che scricchiola in modo assordante. È come se, memore delle critiche, la produzione avesse deciso di ribaltare completamente lo schema narrativo. Lasciando, tuttavia, invariate alcune criticità fondamentali.

Attiva il tuo abbonamento e guarda la serie su Disney+!

La recensione di Ecco i Muppet

Se non riesci a batterli… unisciti a loro

La distanza con il 2016 si nota già nell’impostazione. Ogni episodio di Ecco i Muppet è diviso in quattro sketch, con una leggerissima cornice narrativa. Ciò toglie dall’equazione il primo parametro: il vero focus della serie è il varietà, non il backstage. Un cambio di prospettiva che richiama, quindi, molto più i fasti del Muppet Show, del Muppets Tonight e, ancor più, di quanto fatto sul web. Per tanti motivi, infatti, i singoli sketch sembrano essere stati concepiti per YouTube più che per la televisione. Ed essendo destinati ad una piattaforma di streaming, non è affatto un problema.

La parola chiave è parodia, come, del resto, in gran parte della produzione made in Muppet. Nel 2016, il mockumentary ricalcava i cliché narrativi del panorama seriale e di un certo tipo di reality show. Oggi Ecco i Muppet tenta uno sforzo ulteriore, prendendo a piene mani format e dinamiche dall’intero panorama televisivo e del web per darne una propria interpretazione. Ma anziché sconvolgerne le fondamenta profonde, la serie finisce per omologarsi ai propri riferimenti. La sensazione, soprattutto in alcuni sketch specifici, è che la scrittura cerchi di salvare il contenuto “serio” dei programmi, relegando gag e personaggi chiave ad un ruolo di sfondo, a macchiette comiche inserite in un quadro più ampio. Questa caratteristica non crea alcuna discontinuità con le trasmissioni che cerca di parodiare. Forse ne abbassa soltanto il target di riferimento.

I fini “sprecano” i mezzi

Un esempio tangibile di quanto appena detto riguarda i segmenti di Muppet Labs. Analogamente a quanto accadeva nell’originario Muppet Show, il Dott. Bunsen e Beaker si cimentano in assurdi esperimenti dalle conseguenze spesso disastrose. Stavolta però i test sono accompagnati da una spiegazione semplice ma accurata di alcuni principi alla base dell’esperimento. Salvando la bellezza dei brevi segmenti animati che illustrano la storia e le nozioni scientifiche, bisogna constatare come tutto questo non sia Muppet. Jim Henson aveva destinato la funzione educativa a Sesame Street, concedendosi con il Muppet Show uno spettacolo di puro varietà. Ecco i Muppet, invece, sembra ispirarsi a show popolari come Fratelli in Affari, disseminati da brevi momenti divulgativi.

Attenzione, non si sta dicendo che fare cultura sia un male, tutt’altro. Infatti Muppet Labs Field Test sembra il format in cui questa nuova esigenza si integra meglio. Il problema è ben più vistoso in altri segmenti, in particolare nel cooking show. Nell’Økėÿ Døkęÿ Køøkïñ, condotto dalla tacchina Beverly Plume, il simpatico Chef Svedese sfida di volta in volta un cuoco diverso sulla preparazione di un determinato piatto. Purtroppo, in questo caso, la preparazione seria del piatto diventa preponderante: ogni episodio si basa maggiormente sulle istruzioni date dall’ospite di turno, relegando Chef a piccoli momenti comici di contorno. Malgrado il lavoro straordinario fatto dall’animatrice Julianne Buescher con Beverly, personaggio che crediamo abbia un grandissimo potenziale (lo si vede in un momento fuori dal cooking show nel quinto episodio), tutto ciò è ben poco Muppet.

Ospiti e zone di comfort

Il personaggio di Chef è costruito per essere l’antitesi di questo tipo di programmi. È stupendo vederlo destreggiarsi in modo assurdo in cucina, bucando ciambelle a colpi di fucile o giocando a tennis con le polpette. Il tutto condito da una potenza distruttiva e surreale. L’attenzione data all’ospite nell’Økėÿ Døkęÿ Køøkïñ fa perdere tutta la componente parodistica del personaggio. E qui si entra in un tema spigoloso, già criticato nel 2016, ma al quale non sembra esser stato posto alcun rimedio: il ruolo degli ospiti.

I programmi e i film dei Muppet hanno sempre vantato partecipazioni illustri. Tuttavia, ogni ospitata era accompagnata dalla voglia di mettersi in gioco, di sperimentare. Nel Muppet Show i musicisti tentavano di far ridere, gli attori cantavano e ballerini di fama mondiale danzavano insieme a maiali giganti. In Ecco i Muppet, invece, ognuno fa il proprio mestiere. Quanto sarebbe stato bello vedere Ru Paul destreggiarsi ai fornelli insieme allo Chef Svedese, o Seth Rogen prendere parte al Game show di Pepe. Invece a entrambi i personaggi viene riservata una semplice intervista leggermente sopra le righe (quella di Rogen è totalmente priva di senso, ma nell’accezione più sbagliata). Mentre come concorrenti per il quiz a premi si sono scelte persone comuni, sicuramente divertite all’idea di trovarsi con i Muppet, ma che non hanno aggiunto nulla ad un format ideato molto male.

Da questo punto di vista, le partecipazioni migliori sembrano quelle di Linda Cardellini e Taye Diggs allo show di Lifesty(le) con Miss Piggy. In generale, questi segmenti risultano i migliori dell’intera serie. Piggy è perfettamente in character nel suo proporsi come influencer, insieme a Deadly ormai diventato suo assistente personale. Non c’è alcun contenuto serio, ma una perfetta parodia delle situazioni proposte (la scena dell’appuntamento al buio è oro, pienamente da Muppet Show).

Ad un passo dalla meta

A fronte di un miglioramento della scrittura dei personaggi e di un ritorno al varietà, Ecco i Muppet non centra appieno l’obiettivo, con l’intento parodistico sacrificato e ospiti presi troppo sul serio. E, ancor più che nel 2016, la totale assenza di musica.

Con un repertorio di sketch sterminato, personaggi memorabili e tantissimo materiale da prendere in giro, lo show avrebbe tanto potenziale. Basterebbe dare a Chef lo spazio che merita, senza commenti o confronti. Allo Newsman notizie assurde da leggere, alla band qualche storico brano da adattare. A Sam una rubrica di storia americana sabotata di volta in volta da tutti gli altri Muppet, a Bunsen e Beaker risvolti più assurdi dei loro esperimenti. Agli ospiti giochi e sketch come in un vero late show e a tutto il cast un genere di serie tv popolare da parodiare (come fecero gli iconici Ospedale Veterinario e Maiali nello Spazio). E dire che, con il reboot creativo della serie del 2016, ci eravamo così vicini…

The post Recensione: Ecco i Muppet è davvero una parodia? appeared first on Imperoland.

Togliamoci dunque subito il sassolino dalla scarpa: Frozen 2 Dietro le quinte non è il making of più bello che abbiamo visto in casa Disney, la quale – almeno nei tempi d’oro dell’home video – viziava i suoi fan con contenuti davvero di altissimo livello. Tuttavia, proprio per la sua natura episodica, è forse il più esauriente, e ha il grande pregio di non essere un monumento al film stesso, bensì ai professionisti che lo hanno realizzato. La docuserie infatti ci accompagna non solo negli uffici, ma letteralmente nelle case degli animatori, dei tecnici e dei supervisori, raccontandone per quanto possibile anche le vicende personali, la quotidianità, la famiglia, la vita oltre lo schermo del computer. Tutti i reparti hanno il loro momento di gloria: i disegnatori, i concept artist, gli sceneggiatori e i registi, ma anche i responsabili dei VFX, i costumisti, i responsabili del sonoro, dell’editing e persino delle orchestrazioni.

Il documentario è sicuramente un contenuto promozionale per il film, tuttavia Frozen 2 Dietro le quinte mantiene una certa onestà intellettuale, racchiusa specialmente nella figura di Jennifer Lee. In questo senso, è un piacere vedere alla guida dei Walt Disney Animation Studios una leader dal comportamento più emozionale: Lee dirige con sensibilità e con il cuore, mette al centro la componente umana ed emotiva di cui ha dimostrato di essere maestra nei suoi film, e in generale non si fa problemi a sottolineare come fare animazione comporti anche anni di frustrazione, di pressioni, di deadline impossibili, di cancellazioni e riscritture, nonché di momenti in cui tutto sembra un gran caos e non si sa bene quale strada prendere. La vediamo commossa, esasperata, entusiasta, stanca, preoccupata: tutto questo non viene nascosto; al contrario nel corso dei sei episodi viene in qualche modo esaltato, a testimonianza del duro percorso necessario a portare al cinema un film Disney. Fare animazione – insomma – è faticoso, e questa verità apparentemente banale è forse il lascito più importante del documentario.

Ci sono poi molti spunti per decodificare ciò che abbiamo visto sul grande schermo, e seguirne la genesi è tutto sommato una perfetta conferma. Chi scrive, ad esempio, trova molto confusa la sequenza di Show Yourself (praticamente ogni alternativa proposta nel documentario – specialmente quella di Mike Giaimo e Brittney Lee – sembra migliore di quella che ci è toccata infine); confusione presto spiegata dal fatto che il concept è stato particolarmente complesso e si è trovata la chiave appena due settimane prima della deadline definitiva, con conseguente rush finale per completare la scena. E ancora, molto interessante constatare la continua tensione tra ricerca della sofisticatezza e necessità di semplificare a misura di bambino, fattore che porta spesso i lavori di Jennifer Lee a essere over explaining (emblematica l’aggiunta della battuta “Mother!” durante Show Yourself). Tutti terreni in conflitto facilmente riscontrabili nel film, che è un tentativo precario di tenere in bilico diversi registri e diversi obiettivi, forse proprio in virtù delle pressanti aspettative di cui si parlava in apertura.

Foto Frozen 2 Dietro le quinte: Courtesy of Disney+ Italy/The Walt Disney Company Italia

Attiva la prova gratuita e guarda la serie su Disney+!

The post Recensione: Frozen 2 Dietro le quinte è un monumento ai professionisti dell’animazione appeared first on Imperoland.

Produttrice, sceneggiatrice e regista, Leslie Iwerks è un nome che dovrebbe essere ben noto a tutti gli appassionati Disney: si tratta della nipote di Ub Iwerks, storico collaboratore di Walt e probabilmente il più grande animatore mai esistito. Fu lui a ideare personaggi come Oswald il Coniglio fortunato e il ben più famoso Topolino, realizzando (spesso completamente da solo) tutti i loro primi corti, nonché alcune Silly Simphony e altre opere della Disney degli esordi. Innumerevoli sono i contributi artistici e tecnici a lui riconosciuti, celebrati proprio dalla nipote nel suo primo documentario The Hand Behind the Mouse: The Ub Iwerks Story. Insomma, Leslie Iwerks è una personalità che ha respirato Disney fin dall’infanzia, e dunque non stupisce affatto la volontà di raccontare la storia degli Imagineers, i geniali ingegneri, progettisti, pittori, scultori e artisti che danno vita alla magia Disney nei parchi.

The Imagineering Story era stato inizialmente annunciato come lungometraggio nel 2013; soltanto in seguito venne comunicata non solo la decisione di farne una docuserie a episodi, ma anche quella di distribuirla attraverso un canale Disney, ossia la nuova piattaforma streaming Disney+. Per fortuna, entrambe le scelte si sono rivelate vincenti. La struttura a episodi, infatti, regala ampio respiro alla narrazione permettendo a Iwerks e alla sua crew di scendere davvero nei dettagli della storia dei parchi, coprendo un arco temporale che va dal germe di Disneyland negli anni ’50 fino alla recente inaugurazione di Star Wars – Galaxy’s Edge, la grande espansione a tema Guerre Stellari risalente all’anno scorso.

Quanto alla decisione di distribuire il documentario su Disney+, si può dire che almeno in apparenza essa non abbia intaccato l’ottimo lavoro di Iwerks. The Imagineering Story è un prodotto onesto (forse fin troppo, per la stessa Company che ha romanzato persino Saving Mr. Banks), il quale riesce a celebrare l’estro creativo degli Imagineers senza nasconderne i fallimenti, le scelte avventate o i momenti in cui una leadership poco lungimirante ha portato a dei passi falsi. L’esposizione si avvale di immagini e audio d’epoca, riprese odierne on stage e backstage e di numerosi contributi da parte degli “eroi” della storia degli Imagineers, per un risultato che è preciso, esauriente, ben ritmato, ben montato e in generale appassionante, coinvolgente.

Sì, perché la grande abilità di Leslie Iwerks, già ampiamente dimostrata con The Ub Iwerks Story e The Pixar Story, è quella di magnificare la creatività facendo leva sul legame affettivo che lo spettatore ha con la materia in oggetto. Da profonda conoscitrice della filosofia Disney, la regista sa che non è sufficiente informare: bisogna ispirare. Ecco perché i suoi documentari non sono semplicemente “storie”, sono quadri in cui Iwerks dipinge valori, princìpi, nuove consapevolezze. The Imagineering Story è un prodotto importante per capire l’essenza di Disney, ma soprattutto ci rende coscienti di quale sia il nostro ruolo come guest, di quale privilegio e gioia sia poter varcare la soglia di Disneyland ed entrare a far parte di un mondo in cui si reinventa ogni giorno la realtà.

Foto: Courtesy of Disney+ Italia

INIZIA LA PROVA GRATUITA SU DISNEY+

The post Recensione: The Imagineering Story è la serie più bella di Disney+ appeared first on Imperoland.

INIZIA LA PROVA GRATUITA SU DISNEY+

Elena Cañero-Reed è appena diventata la prima presidente degli Stati Uniti d’America; il giorno del suo insediamento la madre le fa recapitare il suo diario segreto di quando era adolescente ed Elena si perde tra i ricordi delle tappe che l’hanno portata al grande successo. La narrazione passa quindi alla giovane Elena, dodicenne che sta vivendo un periodo di forti cambiamenti, a causa dell’inizio delle scuole medie e del voltafaccia della migliore amica Jessica. Non solo: tre anni dopo la morte del padre di Elena, mamma Gabi ha deciso finalmente di presentare alla famiglia il nuovo compagno Sam, new entry che la ragazzina non prenderà a cuor leggero.

Prima ancora di essere una bella storia di formazione, Elena diventerò presidente è uno sguardo tra le mura domestiche della tipica famiglia latina: tra le esclamazioni in spagnolo della mamma e la difficoltà dei professori di pronunciare il cognome Cañero (puntualmente corretto da Elena a ogni appello), la serie racconta la realtà della comunità latina trapiantata negli Stati Uniti, con l’approccio fresco e originale di chi ne ha avuto esperienza diretta (la creatrice Ilaria Peña e la produttrice Gina Rodriguez, oltre agli interpreti).

Lo show è anche un inno al girl power, rappresentato da Elena, ragazza studiosa, intelligente e determinata a raggiungere i suoi obiettivi. E per parlare di crescita non si trascura alcun argomento: nel primo episodio, ad esempio, la protagonista scopre che la ex migliore amica Jessica sta fingendo di avere già le mestruazioni per sentirsi accettata dalla compagna più grande e più alla moda. Nel corso della serie ci saranno altri accenni alla sessualità e ai cambiamenti sia fisici che psicologici degli adolescenti, e se si continuerà sulla stessa scia dei primi due episodi possiamo già affermare che saranno trattati senza tabù e con molta genuinità, rispettando l’età degli spettatori senza edulcorare le loro reali piccole e grandi difficoltà quotidiane.

Insomma, già dalle prime puntate Elena diventerò presidente si conferma un altro colpo riuscito per Disney Channel, una produzione attenta ai ragazzi di oggi senza rinunciare all’ironia e alla leggerezza delle serie classiche.

Foto: Courtesy of The Walt Disney Company Italia

The post Recensione: Elena diventerò presidente, i primi due episodi appeared first on Imperoland.

CLICCA QUI PER ISCRIVERTI A DISNEY PLUS 

Occorre innanzitutto specificare che lo show non è dedicato ai vecchi fan di High School Musical; si tratta di una produzione per adolescenti, che va quindi a toccare temi vicini a quella fascia d’età come i primi amori, le amicizie e le rivalità, la ricerca e l’espressione della propria identità attraverso il canto e il teatro. Il prodotto è decisamente di alta qualità, ben girato e ben scritto (persino l’impostazione mockumentary funziona bene e non è mai invasiva), con una colonna sonora che racchiude sia cover dalla trilogia di High School Musical, sia canzoni originali composte per l’occasione.

Il punto di forza dei primi due episodi (e, sospettiamo, di tutta la serie) è però senza dubbio il cast, composto da giovani cantanti e attori veramente di grande talento. Su tutti spicca Olivia Rodrigo: la giovanissima artista non soltanto ha contribuito alla colonna sonora componendo alcune canzoni per il suo personaggio, ma restituisce anche una protagonista orgogliosa e in cerca della sua strada, che di fronte al triangolo amoroso in cui si trova tenta disperatamente di emergere come ragazza e come attrice, prima ancora che come “fidanzata di”. Da sottolineare anche che le scene musicali come I Think I Kinda You Know (primo episodio) e Wondering (secondo episodio) sono girate live, e non doppiate in studio. Se proprio bisogna trovare un difetto, si può dire che il ritmo piuttosto serrato non permetta molta introspezione dei personaggi (mancano vere e proprie scene di silenzio e riflessione), ma è anche vero che si tratta soltanto delle prime puntate, le quali solitamente hanno funzione introduttiva.

Ultimo importante plauso va alla diversity che High School Musical: The Musical: La serie rappresenta: il gruppo di studenti è estremamente variegato non solo per quanto riguarda l’etnia (Nini è di origini filippine, la migliore amica Kourtney e la rivale Gina sono afroamericane, etc.), ma anche per quanto riguarda le corporature (Ashlyn è plus size) e l’orientamento sessuale (Carlos è gay, Nini ha due mamme, etc). Tra tutti i reparti della Walt Disney Company, Disney Television è probabilmente quello che è riuscito a fare il lavoro migliore sul tema della diversity, mostrando una sensibilità particolare per la realtà complessa e sfaccettata dei ragazzi di oggi. Un’operazione che (quasi) mai è stata sbandierata come oggetto di marketing, ma che al contrario è avvenuta in silenzio, nell’ottica della normalizzazione. Ed è questa la strada giusta.

The post High School Musical: The Musical: La serie, la recensione dei primi due episodi appeared first on Imperoland.

INIZIA LA PROVA GRATUITA SU DISNEY+

Ideata da Jon Favreau (Iron Man, Il Libro della Giungla, Il Re Leone) e Dave Filoni, la serie vede protagonista assoluto Pedro Pascal nei panni del mandaloriano che dà il titolo allo show, a cui si affiancano Gina Carano, Carl Weathers (l’Apollo Creed della saga di Rocky), Nick Nolte e i registi Taika Waititi e Werner Herzog.

Ambientata dopo le vicende de Il Ritorno dello Jedi e 25 anni prima de Il Risveglio della Forza, la storia segue le vicende di Di Djarin, un solitario e abile cacciatore di taglie che si ritrova suo malgrado a diventare una preda e ad affrontare ciò che rimane dell’Impero Galattico.

Per chi è cresciuto con la Saga originale di Star Wars l’annuncio di ogni nuovo prodotto audiovisivo legato al franchise è sempre vissuto con un misto di eccitazione e terrore. È stato così per i film della trilogia prequel e di quella sequel, è stato così per le serie animate e lo stesso è stato per The Mandalorian. Almeno fino alla visione degli otto episodi che compongono la serie.

Guardare la storia di Mando è un po’ come rivedere dopo tanto tempo un caro amico, è un’emozione unica, che evoca bellissimi ricordi ed è capace di crearne di nuovi. È un ritorno a un’atmosfera famigliare che mancava da tempo, ritorno che provoca emozione, trepidazione e commozione. La Forza è potente e lo si intuisce sin dai primi minuti del primo episodio, perché Star Wars è molto di più di un duello combattuto con le spade laser.

The Mandalorian è un western futuristico dove tutti sono brutti, sporchi e cattivi, dove il deserto (sia fisico che metaforico) la fa da padrone, dove i saloon sono pieni di feccia proveniente da ogni parte della galassia, dove rischi la vita ogni giorno e dove sparatorie a colpi di folgoratore e tradimenti sono il pane quotidiano. È un futuro già vecchio in cui la più moderna delle tecnologie è già polverosa, dove si parla poco e si agisce molto, in cui nonostante le disavventure, l’Impero, i tradimenti, tutto è bellissimo.

Se The Mandalorian funziona molto, si deve alla buona sceneggiatura scritta a otto mani da Jon Favreau, Dave Filoni, Christopher Yost e Rick Famuyiwa, capaci di portare sul piccolo schermo tutti gli elementi che hanno decretato il successo di Star Wars, aggiungendo una storia avvincente e un protagonista accattivante. A cui si somma la brevità degli episodi, condensando così in poco più di mezz’ora l’azione che non perde (quasi) mai di intensità.

Il mandaloriano del titolo ricorda i molti pistoleri western interpretati da Clint Eastwood, uomini senza nome, senza legge, senza paura e con una morale tutta loro ma che nonostante tutto cercano sempre di fare sempre la cosa giusta, anche se sanno che non gli porterà che guai. Un uomo dagli occhi (o meglio dall’elmo) di ghiaccio, arguto e letale come pochi, sempre con il dito sul grilletto. Un antieroe che affronta i suoi nemici e il suo destino con onore.

Siamo davanti a un vero e proprio ritorno alle origini, dove il non detto è più importante delle parole, in cui è riscontrabile una maniacale attenzione per i dettagli e in cui di certo non mancano citazioni all’intero franchise. Un richiamo e un omaggio a tutto ciò che è stato fatto, perché Star Wars è un universo infinito e in continua espansione.

La serie colpisce soprattutto per la storia coinvolgente e ricca di misteri, per la molta azione presente, il citazionismo, l’autoironia (da manuale il siparietto tra due Stormtroopers dell’episodio finale) e perché come ogni serie che si rispetti fa sorgere nuove domande, in particolare per quanto riguarda il popolo di Mandalore. In The Mandalorian Favreau e Filoni (creatore e curatore di The Clone Wars e Rebels) iniziano mostrarci stralci della cultura mandaloriana e del loro codice, dell’importanza dell’acciaio Beskar.

Sicuramente interessante è il suo svolgimento in stile videogame in cui alla story line principale si affiancano quelle secondarie che porteranno il protagonista a vivere avventure che in qualche modo lo “distraggono” dal suo obiettivo principale. Una scelta narrativa che da una parte ci fa conoscere il protagonista in tutte le sue sfaccettature, dall’altra rischia talvolta di sviare troppo dalla trama.

Per quanto riguarda i difetti, di cui neanche un ottimo prodotto come The Mandalorian è esente, possiamo citare innanzitutto le musiche non proprio esaltanti e poco incisive (a eccezione del main theme). La più grande pecca della serie però è la non approfondita caratterizzazione dei personaggi secondari; sebbene ognuno sia interessante a modo suo e riesca a lasciare il segno, forse complessivamente avrebbero meritato maggiore considerazione. La serie fa della semplicità la sua arma, e forse proprio a causa di ciò tende a non rischiare troppo. Allo stesso modo, chi non è avvezzo all’universo di Star Wars faticherà un po’ a seguirla.

In ogni caso The Mandalorian farà la felicità degli appassionati e dei fan della Saga, riportandoli ancora una volta in un universo che ben conoscono e il quale li farà sentire subito a casa, respirando nuovamente tutti gli elementi tipici che ne hanno decretato il successo. Un prodotto divertente e intrigante che vi conquisterà. Da vedere assolutamente.

This is the way.

The post Recensione: The Mandalorian, un ritorno a casa in salsa western appeared first on Imperoland.

Sembra di essere di nuovo negli anni ’90 con i recenti annunci di Disney Television Animation, che sta vivendo una nuova era particolarmente fortunata in cui le serie animate ispirate ai classici Disney la fanno da padrone. Mentre DuckTales, Big Hero 6 e persino La Carica dei 101 sono ancora in arrivo, il pubblico americano da qualche mese si è appassionato agli episodi di Rapunzel – La serie, che arriverà nel nostro paese a ottobre e di cui abbiamo potuto vedere in anteprima il film Rapunzel – Prima del sì nell’ambito di Giffoni Film Festival 2017.

Il film tv è una sorta di lungo episodio introduttivo della serie, utile a chiarire la collocazione cronologica (tra il film Rapunzel – L’intreccio della torre e il cortometraggio Rapunzel – Le incredibili nozze) e le premesse. La principessa è tornata a vivere a palazzo, ha ritrovato i suoi genitori e sta per assumere ufficialmente su di sé i suoi doveri regali nei confronti del popolo di Corona. Insomma, la sua sembra finalmente la vita perfetta che non ha mai avuto. Oppure no? Dopo aver passato diciotto anni rinchiusa in una torre, Rapunzel non ha alcuna intenzione di rimanere intrappolata in un castello a fare la regina: il suo sogno è vivere avventure ed esplorare il mondo. Per questo decide non solo di sfidare i divieti di suo padre, l’iperprotettivo Re Frederic, ma anche di rifiutare la proposta di matrimonio di Eugene per prendersi del tempo per sé stessa.

Due cose colpiscono immediatamente di Rapunzel – Prima del sì. La prima è la fedeltà al materiale originale, per nulla scontata se pensiamo che si tratta comunque di una serie creata principalmente per un pubblico di bambini, che poteva assumere decisamente toni infantili trascurando il target dei più grandi. I toni invece sono ben bilanciati e in generale in linea con quelli del classico Disney, ma a colpire maggiormente è sicuramente la scrittura dei personaggi: dalle espressioni ai modi di dire e fare, Rapunzel e Eugene sono gli stessi del film, arricchiti da un cast di buoni comprimari che li pongono in nuove situazioni e ci fanno scoprire nuovi lati di loro (interessante è in questo senso il forte legame di amicizia tra l’ancella Cassandra e Rapunzel, che finalmente vediamo rapportarsi a un personaggio femminile che non sia la matrigna Gothel). I creatori della serie hanno a cuore i personaggi e questo amore traspare anche dalle piccole cose, come alcune espressioni buffe di Rapunzel o il modo di gesticolare di Eugene.

Il secondo aspetto sicuramente degno di nota è quello stilistico ed estetico: graficamente, Rapunzel – Prima del sì è semplicemente delizioso. Il design in 2D stilizzato è in grado di catturare il meglio dell’universo in CGI costruito dagli animatori dei Walt Disney Animation Studios e valorizzarne i punti di forza pur nella sua essenzialità. L’influenza delle grandi artiste che hanno lavorato al classico come Claire Keane o Brittney Lee è visibile anche sul piccolo schermo, soprattutto nei bellissimi sfondi. Per quanto riguarda i personaggi, essi sono necessariamente meno espressivi, per budget televisivo o per limitazioni della tecnica Flash, ma il design in 2D e la palette di colori li valorizzano e rendono giustizia all’originale.

L’ulteriore chicca è senza dubbio il ritorno di Alan Menken e Glenn Slater per impreziosire gli episodi con nuove canzoni originali. Quelle che possiamo ascoltare nel film Rapunzel – Prima del sì si intitolano Life After Happily Ever After e Wind In My Hair e, pur avendo senza dubbio un feeling televisivo e un respiro meno ampio delle canzoni del classico per ovvi motivi, sono molto piacevoli e contribuiscono a ricreare le atmosfere del film Disney.

Molti i misteri lasciati senza soluzione alla fine del film tv, che saranno quindi sviscerati nella serie: dal perché i capelli di Rapunzel siano ritornati biondi e lunghi (e stavolta impossibili da tagliare!) alla vera identità di Lady Caine, la nuova cattiva contro cui dovrà vedersela la principessa. Ma non solo: la serie esplorerà anche i rapporti tra i personaggi che già conosciamo, per esempio mostrandoci come si sono conosciuti Rapunzel e il camaleonte Pascal. L’appuntamento con questo adorabile prodotto adatto sia ai bambini che ai fan più grandi è quindi su Disney Channel ad ottobre.

Qui sotto l’elenco dei doppiatori italiani (NB – per Rapunzel e Eugene sono stati scelti i doppiatori del primo trailer del film uscito nel 2010, ancora prima che fossero scelti i talent Laura Chiatti e Giampaolo Morelli).

The post Recensione: Rapunzel – Prima del sì appeared first on Imperoland.

Dopo lo strepitoso successo avuto negli Stati Uniti e in Inghilterra, The Lion Guard, la nuova serie animata targata Disney Television, è pronta a debuttare in simulcast su Disney Junior e Disney Channel (canali disponibili su Sky e Mediaset Premium) il prossimo 11 Marzo alle ore 20:00 con un episodio speciale della durata di 45 minuti.

In The Lion Guard, ritroveremo alcuni vecchi personaggi resi famosi dal 32° Classico Disney, Il Re Leone, oltre ad altri nuovi tra cui Kion, il secondogenito di Simba e Nala. La serie racconta le avventure del piccolo leoncino e dei suoi amici che compongono la Guardia del Re.

Nell’episodio speciale, The Lion Guard: Il Ritorno del Ruggito, Simba affida al piccolo Kion il compito di formare una nuova pattuglia che proteggerà le terre del branco e il Cerchio della Vita, dopo l’esperienza passata di suo zio Scar, fallita miseramente.

Nonostante le resistenze del padre, Kion non si affiderà ad un gruppo di leoni valorosi, ma chiederà aiuto ai suoi amici: Banga, il coraggioso tasso del miele, Fuli, un ghepardo velocissimo; Beshte il forte ippopotamo e Ono l’airone intellettuale dalla vista acuta. Simba, non sarà l’unico ad essere scontento dalla nuova guardia. I piccoli animali, si scontreranno anche con i Reietti delle Terre di Nessuno, capitanati dalla feroce iena Giangia, ma l’aiuto del vecchio Mufasa, aiuterà il piccolo Kion a riportare la pace nel Regno.

The Lion Guard, non è la solita serie animata destinata ad un pubblico prescolare, ma è anche indirizzata a giovani adulti. I temi e i personaggi sono stati creati e studiati con la consulenza degli esperti di educazione ambientale, che lavorano al parco a tema Disney ‘Animal Kingdom’; questi hanno fornito suggerimenti sulle caratteristiche, comportamenti e habitat delle specie animali presenti nel film, nonché l’ispirazione per dare vita alle vicende raccontate nel cartoon, che si basano proprio sulla loro esperienza diretta.

Daniel Sanchez, responsabile del bioparco Zoom Torino, ha rilasciato alcune dichiarazioni durante la conferenza stampa in cui è stato presentato il nuovo progetto: “Quando i bambini vedono gli animali da vicino, gli si apre un nuovo mondo: scoprono qualcosa che di solito guardano solo in tv. In questo modo si crea un processo di apprendimento emozionale. Nello spazio Zoom Torino, possiamo riscontrare queste emozioni. Nella serie i leoni sono i Re della Savana, perché a differenza di altri animali hanno un comportamento più etico. Nel film che inaugura la nuova serie Disney, viene citato un insegnamento importante, quello che può essere definito il motto dei leoni: non si deve prendere più di quanto ci è necessario per sopravvivere. Tale valore lo perdiamo crescendo ma è importante ricordarlo costantemente. I bambini che imparano a conoscere gli animali diventano persone più sensibili e migliori perché una volta appresa l’importanza del rispetto verso ogni essere vivente saranno portati a replicare questo comportamento anche con i propri simili e a diventare amanti del mondo che li circonda lasciando sul pianeta una traccia di bontà. Spero che in futuro tutto questo serva a salvare la Natura.”

Per quanto riguarda l’animazione, il progetto non si distacca più di tanto dagli standard di Disney Junior. L’uso parziale del 2D però, ci permette di poter apprezzare maggiormente The Lion Guard rispetto ad altri prodotti esclusivamente in 3D. E’ una scelta coraggiosa e inusuale per un progetto Disney, data la presenza costante di film esclusivamente in computer grafica al cinema negli ultimi tempi. Naturalmente non viene eguagliata la qualità visiva del Classico Disney a cui la serie è ispirata, ma le semplici atmosfere e l’uso di colori caldi, permettono di poterci rituffare nella Savana e nel territorio di Simba e di rincontrare alcuni vecchi amici, come Timon e Pumbaa, presentati per la prima volta sullo schermo nel lontano 1994. The Lion Guard è un progetto palesemente diverso da Il Re Leone, sia per i temi, sia per l’innocente caratterizzazione dei personaggi, sia per il tono adulto e autoriale che viene purtroppo a mancare. Tuttavia, come detto in precedenza, è un ottimo mezzo per avvicinare il pubblico più giovane al mondo animale e ricordare l’importanza e il rispetto della Natura anche agli adulti.

The Lion Guard è prodotto e sviluppato da Ford Riley (Agente Speciale Oso) e diretto da Howy Parkins (Jake e i Pirati dell’Isola Che Non C’è). Christopher Willis (Topolino) e Beau Black, si sono invece occupati della colonna sonora, con 21 canzoni originali ispirate alla tradizione africana e swahili, comprese le quattro dell’episodio speciale in cui la fa da padrona Zuka Zama, quello che tra virgolette può essere considerato il nuovo Hakuna Matata.

Dopo il film di 45 minuti che andrà in onda l’11 Marzo, le avventure di Kion e dei suoi amici, continueranno a partire dal 6 Aprile ogni Mercoledì alle 17:00 su Disney Junior.

The post The Lion Guard – La Recensione! appeared first on Imperoland.