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Recensione: Lilli e il Vagabondo, il live action di Disney+

La storia di Disney Pictures negli ultimi anni è stata segnata da grandi remake dei classici animati: attesissimi e molto apprezzati dal pubblico, La Bella e la Bestia, Cenerentola, Aladdin e altri ancora hanno creato un nuovo trend che -a quanto pare- si protrarrà ancora per diverso tempo. Con l’arrivo di Disney+, quindi, non poteva mancare un remake esclusivo per gli spettatori della piattaforma; la scelta è caduta su Lilli e il Vagabondo. Una decisione intelligente: il cartoon originale presenta una vicenda e uno svolgimento alquanto semplici e lineari, che si traducono perfettamente in una pellicola dal budget medio, forse non proprio adatta al cinema ma ottima per una serata in famiglia davanti alla Tv.

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La recensione di Lilli e il Vagabondo, il live action esclusivo di Disney+.

Intendiamoci fin da subito: il remake di Lilli e il Vagabondo non ha quasi nulla della raffinatezza concettuale che aveva il classico, e per chiunque si occupi di animazione questo sarà palese fin dalle prime scene. Il film del 1955 era una sagace satira della borghesia americana vista con gli occhi degli animali. Lilli è la viziata signorina di buona famiglia; il Vagabondo, cane senza dimora e senza razza, è lo scapestrato ragazzo di strada che la seduce (addirittura in una scena viene menzionato il matrimonio riparatore), mentre Fido e Whisky sono gli anziani conservatori che cercano di mantenere lo status quo. Niente di tutto ciò è presente nel live action, che rilegge Lilli e il Vagabondo solamente in chiave nostalgica: si tratta di una tenera storia d’amore tra due cani; nulla di più, nulla di meno.

Di buono c’è sicuramente un maggiore approfondimento dei personaggi: Lilli e il Vagabondo passano più tempo insieme, vivono numerose avventure, e in un risvolto tutto sommato interessante vediamo Lilli iniziare a convincersi che essere una randagia non sia poi così male. Il film ruota decisamente attorno alla coppia di protagonisti, facendoli interagire molto di più rispetto al classico e “sacrificando” in un certo senso le figure di Fido e Jacqueline (che sostituisce Whisky), qui poco più che divertenti comparse. Più riuscito è sicuramente il focus sui personaggi umani: Gianni Caro e Tesoro stavolta hanno una personalità e un ruolo attivo nella trama, così come l’accalappiacani che insegue Biagio, reso un vero e proprio antagonista. La tematica è molto più semplice e forse più a misura del pubblico variegato di Disney+: non tanto la divisione netta tra classi sociali, bensì l’appartenenza o meno a una famiglia e la scelta tra libertà e affetti.

La recensione di Lilli e il Vagabondo, il live action esclusivo di Disney+.

Il tentativo di far recitare cani veri piuttosto che realizzare Lilli e Biagio in CGI si può dire riuscito. Una volta superato lo scoglio di vedere le bocche dei personaggi muoversi (effetto che ricorda certi film degli anni ’90 e 2000 sulla falsariga di Babe, maialino coraggioso), sicuramente la resa è più piacevole rispetto a un’opera interamente realizzata al computer come Il Re Leone. Tuttavia, per ovvi motivi, i personaggi animali non brillano di espressività; la pellicola cerca di compensare attraverso il doppiaggio, riempendo le scene di voice over che finiscono per spiegare qualsiasi pensiero dei cani, anche laddove l’azione sarebbe chiara con il solo movimento.

Infine non si può non citare l’intento di modernizzazione: la vicenda è sì ambientata in un’epoca e un luogo ben definiti, ma compie la singolare scelta di ignorare la realtà storica mostrando un cast estremamente multiculturale in cui ad esempio Gianni e Tesoro sono una coppia mista (lei è afroamericana). Non solo: il dottore è asiatico, l’accalappiacani è latino, il gestore della bottega dove si reca zia Sara è indiano. La tematica del razzismo, nonostante l’ambientazione nell’America negli anni ’10, non viene mai toccata: insomma, un tentativo di proporre sul piccolo schermo un vero e proprio “mondo Disney” in cui la diversità non esiste.

18 Marzo 2020 0 comment

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Recensione: Klaus – I segreti del Natale

written by Irene Rosignoli

C’erano molte aspettative da parte della community degli appassionati di animazione attorno a Klaus – I segreti del Natale. Si tratta in fondo del primo film di Netflix Animation, una realtà che in brevissimo tempo ha individuato le criticità degli studi di Hollywood e ha fatto capolino nell’industria con pochi ma definiti punti fermi: storie originali, diversity e totale libertà creativa. Ma soprattutto si tratta del grande ritorno del 2D, e persino coloro che si sono consolati seguendo l’animazione europea non vedevano l’ora di ritrovare quella full animation dei tempi d’oro che da almeno dieci anni manca dai nostri schermi.

Il regista Sergio Pablos, però, è stato chiaro in merito fin dall’inizio: seppur riconoscendo le aspettative del pubblico, la sua filosofia è sempre stata quella di non ridurre Klaus alla mera tecnica, una semplificazione che forse avrebbe spinto a guardare il film solamente attraverso gli occhi della nostalgia, invece di considerare i suoi veri meriti. E senza dubbio aveva ragione, perché Klaus è un ottimo film prima ancora di essere un ottimo film d’animazione 2D.

Un'immagine da Klaus - I segreti del Natale, ora disponibile in esclusiva su Netflix.

Sarebbe stato molto facile bearsi della grandezza della character animation (probabilmente la migliore da molti anni a questa parte), della precisione della stilizzazione degli sfondi rigorosamente dipinti a mano o della straordinaria rivoluzione rappresentata dall’innovativo software per l’illuminazione, in grado di regalare ai disegni fatti con carta e matita un volume mai visto prima per un’opera bidimensionale. Eppure, alle conquiste grafiche e tecnologiche Pablos e i suoi collaboratori affiancano una storia solida, dal respiro classico ed evocativo di un modo di far cinema che in America sembra ormai perduto. Lontano dai riflettori di Hollywood, Klaus può permettersi di riscoprire tutta la raffinatezza e l’eleganza dell’animazione tipicamente europea, senza mai dimenticare tuttavia lo storytelling disneyano. Sergio Pablos ha imparato dai grandi (due nomi su tutti: John Musker e Ron Clements), e si vede: non c’è nulla di particolarmente originale o nuovo né nel soggetto raccontato né nella sua regia; piuttosto c’è un modo di dirigere che è già classico, ponte tra il passato e il presente con una nuova consapevole freschezza.

E c’è anche un’altra lezione che Pablos ha ben assimilato dai suoi mentori, quella del less is more che tanto sembra ostile alle grandi produzioni ad alto budget americane di oggi. Klaus non è un film ambizioso, ma è un film intelligente: sa che ridurre la trama all’essenziale significa far parlare i personaggi, mettere in risalto l’animazione, la loro recitazione, ed è proprio perché le loro performance sono così credibili che lo spettatore ride, piange e si emoziona di fronte a questa moderna leggenda natalizia. In Klaus – I segreti del Natale la storia serve la tecnica, e la tecnica serve la storia, e c’è poco da dire: è così che si dovrebbe fare animazione.

Guarda Klaus – I segreti del Natale su Netflix!

27 Novembre 2019 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Animation Studios

Recensione: Frozen 2 – Il segreto di Arendelle

written by Irene Rosignoli

La nuova era di una Disney sempre più dedita ai franchise è entrata nel vivo. E se la decisione di dare un sequel a Ralph Spaccatutto poteva sorprendere, realizzare un capitolo due di Frozen era praticamente una scelta obbligata, considerato il successo senza pari registrato dal film, che solamente quest’anno è stato superato da Il Re Leone (2019) nella classifica dei cartoon più redditizi della storia. Frozen 2 – Il segreto di Arendelle adotta la più classica delle strategie per lo sviluppo di un seguito: ricerca nel primo film ciò che non era stato sviscerato fino in fondo, con l’intenzione di trarne una mitologia. Perciò, se Frozen era fondamentalmente il film di Anna, stavolta la protagonista non può che essere Elsa: attirata da una misteriosa voce, la regina di Arendelle decide di partire per un viaggio verso una Foresta Incantata che sembra racchiudere le origini e soprattutto lo scopo dei suoi poteri.

Frozen 2 risponde a tante domande lasciate in sospeso, ma non sempre lo fa in maniera convincente. Il famoso segreto di Arendelle è in fin dei conti ben poca cosa, i nuovi personaggi sono nient’altro che comparse e non hanno una reale utilità nel cammino di emancipazione delle sorelle, e in generale, nonostante un tentativo di atmosfere più oscure e pericolose, l’impressione è che nessuno degli ostacoli incontrati da Elsa sia davvero insormontabile, data la rapidità con cui la nostra eroina arriva alla fine del suo viaggio senza mai rischiare davvero di perdere qualcosa. Una sceneggiatura poco incisiva e a tratti traballante, che vuole elevarsi rispetto alla semplicità da fiaba di Frozen, ma non osa mai realmente abbandonarsi nell’epica o nel fantasy.

Si percepisce una netta difficoltà nel far coesistere gli elementi avventurosi e fantastici con quello che è e deve rimanere il focus della vicenda, ovvero il rapporto tra le due sorelle; ma se così fosse si tratterebbe di una difficoltà imbarazzante per due registi in grado di concepire una storia semplice, pulita e ricchissima di finezze nascoste come era quella di Frozen. Lo script di Frozen 2 ne è una pallida imitazione, e nemmeno le sorelle ne escono benissimo: Elsa ha perso ogni elemento di fragilità che la rendeva un personaggio vivo, reale nel primo film, trasformandosi quasi in una supereroina Marvel; Anna d’altra parte è forse quella che ha la peggio: da determinata e ottimista che era, qui diventa quasi un’ombra della sorella, seguendo Elsa in un impeto quasi disperato, e persino il suo cambiamento alla fine è troppo repentino e necessitava forse di qualche passaggio in più.

Il neo più grande risulta infine il comparto musicale. È veramente difficile credere che si tratti degli stessi filmmaker e degli stessi compositori che hanno dimostrato di saper gestire così sapientemente il genere musical nel 2013. Frozen si apriva con una trentina di minuti quasi interamente musicali, in cui la storia scorreva via con una fluidità incredibile, frutto di uno storytelling musicale che è quello della tradizione Disney, il perfetto esempio di show, don’t tell. Non solo: qualsiasi tipo di “spiegone” era stato abilmente aggirato, basti pensare al confronto tra Anna e Elsa nel palazzo di ghiaccio, alleggerito – ma allo stesso tempo caricato di intensità – da una canzone. Niente di tutto ciò è presente in Frozen 2 – Il segreto di Arendelle: con stupore, ci si ritrova davanti a canzoni che sono più che altro dei brevi videoclip, senza i quali la storia prettamente action filerebbe tranquillamente lo stesso. A parte Show Yourself e The Next Right Thing, il resto della colonna sonora non porta mai davvero avanti la trama, si tratta di brani perlopiù descrittivi degli stati d’animo dei personaggi, e in questo senso non sono certamente i migliori usciti dalla scuderia Disney. Frozen aveva rischiato grosso nel voler essere musical classico nel 2013, e a maggior ragione oggi, dopo il recupero del genere, dovrebbe ribadire la sua identità con uno storytelling più che mai musicale: dal sequel ci si aspettava qualcosa in più.

15 Novembre 2019 0 comment

Animazione Europea Film Film Recensioni

Recensione: La famosa invasione degli orsi in Sicilia

written by Irene Rosignoli

Persino gli artisti dei grandi studi americani ormai guardano con interesse al fermento dell’animazione europea. E a ragione, perché dai paesi che maggiormente stanno investendo su questa forma d’arte (Francia e Irlanda su tutti) arrivano veri e propri gioiellini che hanno la capacità di rimettere al centro quello che in America sembra scomparso: la visione dell’autore. La genesi de La famosa invasione degli orsi in Sicilia in questo senso è emblematica di questo nuovo modo di fare animazione: prodotto in Francia, il film non solo è basato su un romanzo italiano, ma ha alla regia l’italiano Lorenzo Mattotti, fumettista e illustratore alla prima prova dietro la macchina da presa.

Il lungo lavoro di adattamento operato da Mattotti e dal suo team sull’opera originale di Buzzati non deve essere stato facile, ma ha dato i suoi frutti. Il film, che pur si mantiene piuttosto in linea con il romanzo, sceglie di inquadrare la storia della famosa invasione degli orsi all’interno di una cornice quasi mitica, affidata ai due cantastorie Gedeone e Almerina. Cercando riparo in una caverna, i due si imbattono in un vecchio orso e, un po’ per sdebitarsi dell’ospitalità, un po’ per non essere mangiati in un sol boccone, decidono di raccontargli una storia antica che riguarda orsi e umani. Il meccanismo narrativo della cornice è spesso un’arma a doppio taglio in quanto rischia di interrompere eccessivamente lo svolgimento della trama. Qui, tuttavia, il pericolo è stato abilmente scongiurato: i due narratori (a cui poi si aggiungerà nel secondo atto il vecchio orso, doppiato dal compianto Andrea Camilleri) rappresentano non soltanto l’espediente registico per guidare lo spettatore alla comprensione della storia, ma anche il ponte tra la realtà e la leggenda, tra chi assiste al racconto e gli abitanti del regno di re Leonzio.

È un mondo che sembra un teatro di burattini quello immaginato da Lorenzo Mattotti, in cui orsi e uomini finiscono per confondersi e prendere i vizi l’uno dell’altro. Ma è anche un mondo che sa delinearsi in maniera netta attraverso il mezzo dell’animazione: la palette di colori, le forme ben distinte, il design di personaggi come il mago De Ambrosiis, un piccolo capolavoro di linee e geometrie, contribuiscono alla creazione di un universo del quale non si ha mai abbastanza. A lasciare totalmente stupefatti è soprattutto il lavoro senza pari portato a termine dal team di specialisti di luci e ombre. Sono queste ultime, soprattutto, a caratterizzare i personaggi de La famosa invasione degli orsi in Sicilia, disegnati completamente a mano ma resi volumetrici e tridimensionali unicamente dall’utilizzo delle ombre. Non è solo una questione di avanzamento tecnico (e lo è, perché è difficile ricordare un altro film d’animazione 2D illuminato a questo modo): le ombre raccontano la storia, non lasciano mai i personaggi, determinandone personalità, movimenti, emozioni e stati d’animo.

Il finale del film, poi, è forse il miglior regalo che Lorenzo Mattotti potesse lasciare al suo pubblico: in un mondo in cui il cinema, e specialmente il cinema per ragazzi, tende sempre di più a voler spiegare ogni cosa, dando in pasto a chi osserva passivamente quasi un’overdose di informazioni, La famosa invasione degli orsi in Sicilia rema in direzione contraria con un finale aperto in cui soltanto l’intervento dello spettatore può sciogliere il mistero. La risposta è nell’immaginazione di chi guarda, e questo è un modo di fare cinema bellissimo.

7 Novembre 2019 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Recensione: Il Re Leone (2019)

written by Jacopo Iovannitti

Qual è il motivo che ci spinge a varcare la soglia della sala cinematografica? Cosa ci invoglia a sederci su quelle comode (si spera) poltrone in attesa che si spengano le luci per cedere a quel rapporto di fiducia tra spettatore e schermo? Il piacere della scoperta è sicuramente una delle risposte più esaurienti. Poster, trailer e clip sono mezzi di comunicazione utilizzati per incuriosire, per catturare l’attenzione e generare un senso di conoscenza non indifferente. Ma cosa accade nel momento in cui il cinema, il prodotto per cui paghiamo il biglietto sancendo un contratto di fiducia, a scatola chiusa, non ci regala nulla di nuovo? Nessuna situazione inedita, alcuna emozione che non avessimo già vissuto, ma solamente un senso di nostalgia verso un passato irripetibile?

Questo è ciò che si prova guardando Il Re Leone di Jon Favreau.

L’attesissimo film non delude le aspettative create dalla campagna pubblicitaria ad esso legata: quella di seguire “shot-for-shot”, inquadratura dopo inquadratura, il lungometraggio animato del 1994. Ancor più de Il Ritorno di Mary Poppins, che clonava la struttura narrativa del film del 1964, ancora più de La Bella e la Bestia, che seguiva pedissequamente la controparte animata inserendo fugaci novità, Il Re Leone sembra voler essere una semplice conversione in digitale della pellicola originale. È lontanissimo da stravolgimenti come quello messo in atto in Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata, ma anche da reinterpretazioni come Cenerentola, Dumbo e Aladdin, dove tra un omaggio e l’altro è possibile scorgere la cifra stilistica dei registi Kenneth Branagh, Tim Burton e Guy Ritchie (più in alcuni che in altri casi).

Ma è sufficiente? La domanda è retorica.

E lo è ancor di più considerando che a produrlo è un’azienda nata su fondamenta legate alla lungimiranza, alla creatività, all’idea di sfida e di ricerca (ovviamente, non solo tecnologica) che ha reso possibile la creazione di un modello, di un tracciato, di un canone da seguire film dopo film, generazione dopo generazione, per realizzare dei “classici” intramontabili, validi nel 1936 quanto nel 2019. Dopo un periodo di scarso successo attraversato tra gli anni ’80 e ’90, Il Re Leone del 1994 fu proprio uno di quei film che guardando al passato (ed è emblematico questo parallelismo) segnò la strada verso il futuro, nel cosiddetto “Rinascimento” dei Walt Disney Animation Studios. Risulta assurdo pensare che, se non per bieco incasso, oggi ci fosse la necessità di realizzarlo con tecniche innovative per renderlo più fruibile e attuale. E lo è ancor di più sapendo che questo film (e il filone di cui fa parte) ha annientato la possibilità di vedere produzioni originali e creative.

Per quanto impressionante nel suo ricercatissimo realismo, il film è costretto a rinunciare ad alcune sequenze o ad alcune caratteristiche iconiche (come la caratterizzazione delle iene, la messa in scena di canzoni come “Voglio Diventar Presto un Re” e “Sarò Re” – presenti, ma necessariamente meno incisive a causa dell’estremo fotorealismo – o la mitica Hula di Timon e Pumbaa) proprio per il suo essere fotograficamente credibile. L’estraniamento dello spettatore, difatti, subentra proprio quando i protagonisti non si comportano pedissequamente come animali reali, per esempio nei momenti musicali, quando cantando svelano la loro natura di personaggi animati. Per tale motivo il film raggiunge il suo apice nel momento in cui diventa documentario, piuttosto che in situazioni comiche o emotivamente forti.

Le musiche di Hans Zimmer, nuovamente arrangiate dal compositore per l’occasione, hanno il merito di emozionare esattamente come accaduto 25 anni fa, essendo sostanzialmente le stesse.

All’altissima ambizione tecnica, allo straordinario fotorealismo raggiunto, si contrappone dunque un’ambizione creativa inesistente, costretta a rivelarsi solo per aggirare i limiti narrativi dell’animazione computerizzata, ingabbiata nella sua stessa forza legata alla forte veridicità, rispetto all’estrema libertà dell’animazione tradizionale, surreale, vivace e così affascinante.

Il gioco quindi vale la candela? Probabilmente chi non vede l’ora di rivedere il suo film preferito riproposto in modo più realistico apprezzerà. A tutti gli altri non resta che attendere storie più creative sotto il marchio Walt Disney Company, magari riguardando Il Re Leone animato in DVD o Blu-Ray.

15 Luglio 2019 0 comment

Film Walt Disney Pictures Studios

Il Re Leone, recensioni tutte positive dall’America ma…

written by Jacopo Iovannitti

In attesa che esca nelle sale americane, Il Re Leone è stato ufficialmente presentato alla stampa americana durante la premiere di Los Angeles.

Per questo sono già online, su Twitter, le prime reazioni sei giornalisti presenti e la tendenza generale sembra molto positiva nonostante tutte spieghino quanto il film sia “fedele” al Classico dei Walt Disney Animation Studios del 1994. Ma nonostante ciò gli effetti visivi parrebbero esser grandiosi.

Di seguito vi lasciamo alcune reazioni tradotte dalla nostra Irene Rosignoli per MovieForKids.it:

“Gli effetti speciali e l’animazione del film sono INCREDIBILI. Per la prima volta in tutta la mia vita mi sono commosso non appena il film è iniziato. Solamente sentire la musica mi ha davvero distrutto. Anche se è una storia che conosciamo già, è davvero ben fatta”. (Steven Weintraub per Collider)
“Il Re Leone è esattamente come ce lo ha presentato la pubblicità: un remake immagine per immagine dell’originale. L’animazione lascia a bocca aperta e alcune scelte di casting sono perfette (Beyoncé è una Nala molto animata, John Oliver il perfetto Zazu). In più la musica è ancora fantastica! Ma è più una reimmaginazione nostalgica che innovativa”. (Angie J. Han per Mashable)
“Ho adorato, adorato, adorato Il Re Leone. Raggiunge il perfetto equilibrio tra l’omaggio e l’innovazione, raggiungendo vette tecniche ed emozionali mai raggiunte prima. Davvero, non avete mai visto niente di simile prima d’ora. E Billy Eichner è la star della pellicola!” (Drew Taylor per Moviefone)
“Il Re Leone è visivamente spettacolare ed è un film che cambierà la storia degli effetti speciali. È semplicemente stupendo sotto tutti gli aspetti. La musica risalta moltissimo (Donald Glover e Beyoncé raggiungono tutto un altro livello), le voci sono fantastiche (Timon, Pumbaa e Scar rubano la scena) ed è davvero emozionante. Bellissimo!” (Erik Davis per Fandango)
“Il Re Leone è un film mozzafiato e visivamente è una conquista. Non riesco a credere che si tratti di un film animato in CGI. Timon e Pumbaa sono fantastici. È un bel remake Disney ma era necessario? Probabilmente no, ma è divertente e le famiglie lo adoreranno”. (Peter Sciretta per Slashfilm)

Vi ricordiamo che il film arriverà nelle sale italiane il 21 agosto del 2019.

Il Re Leone è una rivisitazione in computer grafica del grande classico del 1994, tuttora la pellicola animata a mano più di successo della storia del cinema. Come l’originale, anche la versione di Jon Favreau seguirà fedelmente il percorso di crescita del piccolo Simba, che dopo la morte del padre re Mufasa dovrà assumersi le sue responsabilità, sconfiggere il regicida zio Scar e prendere il suo posto nel cerchio della vita come nuovo sovrano delle Terre del branco.

Anche questa volta la pellicola sarà un musical: qui potete leggere le tracce della colonna sonora originale, curata nuovamente da Hans Zimmer, Elton John, Tim Rice e Lebo M.

Che cosa ne pensate?

11 Luglio 2019 0 comment

Film Film Marvel Studios Recensioni

Recensione: Spider-Man Far From Home

written by Emanuele Bianchi

Un adolescente tanto intelligente quanto timido e impacciato – e per questo logorroico – con pochi amici e che improvvisamente si ritrova con i poteri di un ragno. Spider-Man è uno degli eroi Marvel più noti ed amati, e dopo ben due saghe cinematografiche (la trilogia di Sam Raimi con Tobey McGuire e i due film con Andrew Garfield), il personaggio è finalmente tornato a casa nel 2016.

Dopo averlo visto in azione in Captain America: Civil War, nel 2017 abbiamo assistito al suo ritorno da solista sul grande schermo e lo abbiamo visto affrontare il temibile Avvoltoio, ma soprattutto cercare di essere un bravo supereroe e far conciliare la sua nuova vita con quella di studente liceale. Il tutto sotto la guida di Tony Stark / Iron Man. Dopo gli eventi di Infinity War, dove Thanos ha decimato metà della popolazione, e di Endgame, dove gli Avengers sono riusciti ad annullare quanto fatto dal Titano Pazzo, l’eroe è ora pronto per una nuova avventura in Spider-Man: Far From Home.

Tornati dopo cinque anni di assenza, Peter e i suoi compagni fanno del loro meglio per andare avanti. Ma non è facile quando sei un adolescente dalla doppia vita, il tuo mentore si è sacrificato per il bene di tutti e tutti aspettano con ansia che si faccia vivo il nuovo Iron Man. Una pressione costante quella che sente Peter, perché convinto di non essere all’altezza di Tony e quindi di prenderne il posto. Ecco quindi che la vacanza in Europa con la scuola è un modo perfetto per rilassarsi e soprattutto per farsi avanti con MJ. Ma si sa, non esistono vacanze per i supereroi e infatti, nonostante il nostro ignori ripetutamente le chiamate di Nick Fury, i guai seguono Peter / Spider-Man anche in Europa. Riuscirà l’eroe a risolvere la situazione, a sconfiggere la nuova minaccia e a dichiararsi alla ragazza che gli piace?

Arrivare al cinema dopo Avengers: Endgame è un compito ingrato per chiunque, ma non per l’amichevole arrampicamuri di quartiere. Spider-Man: Far From Home non solo è un buon sequel ma anche il degno erede del film dei fratelli Russo e grande conclusione della Fase 3 del Marvel Cinematic Universe.

Dopo un incipit in cui scopriamo come pian piano stia tornando tutto alla normalità, ritroviamo subito il nostro eroe alle prese con i suoi dubbi, primo su tutti il chiedersi se sarà all’altezza di Iron Man. Un confronto che lo schiaccia così tanto da fargli mancare il respiro e da voler fuggire, perché in fondo Peter è ancora solo un ragazzo. È scosso per tutto ciò che gli è accaduto e per di più ora deve affrontare quello che per un adolescente più che un ostacolo è una montagna da scalare: dichiararsi alla ragazza che gli piace. Ecco quindi che troviamo il nostro eroe fare piani come nelle migliori commedie romantiche, ovviamente supportato dal migliore amico.

Questi sono gli elementi cardine di Far From Home, un action movie adrenalinico ed entusiasmante, che omaggia i fumetti di Stan Lee e Steve Ditko, dove non mancano i tipici momenti da teen comedy (John Huges docet) ed ovviamente il divertimento, da intendersi nel più ampio senso possibile. Una vera e propria gita con supereroe, con tanto di passeggiate notturne, sgattaiolamenti fuori dall’hotel, amori fugaci ed ovviamente momenti imbarazzanti.

Due ore (e poco più) in cui lo spettatore non potrà che stare con gli occhi incollati allo schermo, in un film dove i personaggi sono alla ricerca di loro stessi (ovviamente Peter su tutti e nella sua doppia veste) e dove nulla è ciò che sembra. Perché in fondo la sorpresa è sempre dietro l’angolo – abbiamo sempre a che fare con il signore delle illusioni – e dove c’è Nick Fury non si può certo stare tranquilli. Neanche quando sei in vacanza, che ovviamente prende una piega surreale, almeno per i compagni e i professori del nostro eroe.

Una storia in cui Spider-Man si fa prendere dal panico, dall’egoismo e dove prende decisioni discutibili ma che proprio per questo lo rendono più umano che mai. Il nostro Peter maturerà soprattutto come persona, capace di superare i suoi dubbi e le sue paure e di rialzarsi dopo essere andato a tappeto, riuscendo a capire finalmente quale sia il suo posto.

Il film ha i suoi punti di forza nella sceneggiatura di Chris McKenna e nell’adrenalica regia di Jon Watts. Se la scrittura riesce a dare vita ad un film dai più livelli, capace di spaziare dall’action alla commedia con naturalezza e ad affrontare temi importanti con tatto e naturalezza, il regista riesce a portarci nel pieno della storia, facendoci diventare un compagno di scuola di Peter, MJ e gli altri.

Così come sono più che convincenti gli attori protagonisti. Se Samuel L. Jackson e Cobie Smulder sono ormai consolidati nei panni di Nick Fury e Maria Hill, i giovani attori sono sempre più in confidenza con i loro ruoli. Tom Holland è un Peter Parker / Spider-Man semplicemente perfetto, sempre più a suo agio e che racchiude in sé le migliori caratteristiche dei suoi due predecessori. Stesso discorso per Zendaya e Jacob Batalon, interpreti di MJ e Ned. La prima porta sullo schermo una ragazza intelligente e spiritosa, controparte perfetta di Peter, mentre il secondo è una spalla che ormai sa il fatto suo e che regge il gioco all’amico nel migliore dei modi.

Menzione a parte per il sempre convincente Jake Gyllenhaal, che qui veste i panni di uno dei personaggi più iconici di Spider-Man. L’attore riesce a fare suo Mysterio, risultando più che adatto nel ruolo. Certo ai fan di vecchia data il plot-twist che lo riguarda potrà risultare telefonato, ma ciò non preclude di certo la fruibilità del film e non cambia il fatto che la sua rimane un’ottima interpretazione.

Sicuramente Spider-Man: Far From Home non è un film perfetto (la figura di Iron Man è fin troppo presente e la comicità in certi momenti è leggermente eccessiva), ma riesce pienamente nel suo intento di divertire ed intrattenere lo spettatore. 129 minuti di azione, combattimenti e risate che faranno la felicità dello spettatore. Un film consapevole di ciò che è e proprio per questo più che godibile.

Uno dei migliori film dedicati all’eroe del Queens fino ad ora realizzati e che fanno ben sperare sia per i successivi film che lo riguarderanno direttamente, sia per il prosieguo dell’MCU. Una gioia per gli occhi, anche grazie agli incredibili effetti speciali.

E guai ad alzarsi dalla poltrona del cinema prima del tempo: ci sono ben due scene inedite.

11 Luglio 2019 0 comment

Film Film Pixar Animation Studios Recensioni

Recensione: Toy Story 4

written by Irene Rosignoli

Che caso anomalo è quello di Toy Story, nel panorama cinematografico generale. Quando si ha a che fare con un’opera che si sviluppa in maniera seriale, la condizione necessaria affinché abbia qualche chance di mantenersi di qualità costante nel tempo è sapere dove si sta andando. In altre parole, avere ben chiaro il finale fin dal principio. Toy Story è forse l’eccezione con la E maiuscola: nel corso di più di un ventennio la saga, considerata una delle meglio riuscite della storia, è stata portata avanti di volta in volta con film autoconclusivi, in cui ogni nuovo episodio andava a spezzare uno status quo che fino a quel momento sembrava definitivo utilizzando il più banale degli espedienti, ossia introdurre nuovi personaggi. Non era necessario il secondo capitolo, che riapre una vicenda che era bella che conclusa con la nascita dell’amicizia tra Woody e Buzz, e non era certamente necessario il terzo, che coglie il pretesto della crescita di Andy per mettere in crisi la vita dei giocattoli.

Tuttavia, tra tutte le storie che davvero non c’era bisogno di portare al cinema, Toy Story 4 era forse in cima alla classifica; non tanto perché l’universo dei giocattoli avesse esaurito il suo potenziale (al contrario), ma perché con l’episodio del 2010 la Pixar aveva praticamente compiuto il miracolo, riuscendo a portare a termine una parabola perfetta anche in senso generazionale, allineando il percorso di crescita di Woody, del suo padrone Andy e dello spettatore, il bambino degli anni ’90 ormai cresciuto che ha dovuto anch’egli dire addio alla sua infanzia. Una chiusa eccezionale arrivata nel miglior momento possibile. Qualsiasi persona meno folle degli artisti Pixar si sarebbe fermata lì.

Ma siamo nel 2019, e nessuna saga che sia in grado di portare in cassa miliardi di dollari è immune alla sequelizzazione selvaggia. Una volta scesi a patti con questa realtà (se non altro per scarsità di alternative sulla piazza), si può constatare che non solo Woody, Buzz e compagni abbiano ancora qualcosa da dire, ma soprattutto che abbiano trovato l’uomo giusto per dirlo. Josh Cooley è una voce fresca, un regista attento e rispettoso dei suoi personaggi, ma soprattutto un autore con un senso del ritmo comico a dir poco impressionante (del resto si è fatto le ossa precedentemente in due cortometraggi). Toy Story 4 è senza dubbio il capitolo più divertente della saga, e forse uno dei film Pixar più esilaranti in assoluto: si ride tantissimo, con gag né originali né brillanti di per sé, ma interamente basate sulla precisione assoluta del timing, che Cooley è in grado di gestire come se fosse un maestro navigato.

Quanto alla vicenda raccontata, essa ha più il sentore di spin-off o di “episodio bonus” che di vero e proprio epilogo (anche se si pone come tale… almeno fino al prossimo capitolo, s’intende). Esaurito l’arco narrativo della banda di giocattoli di Andy, questa volta ci si concentra unicamente sullo sceriffo Woody, affrontando lo spinoso problema della sua vecchiaia. Woody ha alle spalle un passato glorioso con un bambino che ha amato moltissimo e che in nessun modo può sostituire con Bonnie, a maggior ragione perché quest’ultima sembra non apprezzarlo più e gli preferisce altri balocchi come la new entry Forky o la stessa cowgirl Jessie. È una situazione che avevamo già visto di recente in un altro film Pixar, Cars 3: proprio come Saetta McQueen al termine della sua carriera, Woody deve in qualche modo riqualificarsi, trovare una nuova ragion d’essere. Per il cowboy la nuova missione di vita diventa così aiutare gli altri giocattoli a farsi benvolere dal proprio bambino, nello specifico prendersi cura di Forky e fare in modo che sia sempre accanto a Bonnie, anche laddove questo significhi perdere per sempre il ruolo di preferito. Un percorso di maturazione che può dirsi definitivamente compiuto, se pensiamo che l’intero capitolo uno di Toy Story scaturisce dall’egoismo di Woody e dalla profonda invidia per essere stato sostituito da Buzz Lightyear.

Sulla scia del terzo film, Toy Story 4 è una pellicola più esistenziale in cui i personaggi, complice anche una ritrovata espressività frutto delle moderne tecnologie disponibili, sono più che mai umani. Non solo si pongono domande sulla vita e la morte, la coscienza e la possibilità di avere una seconda chance, ma in questa storia più di tutte le altre si comportano da esseri viventi, prendono in mano le redini delle loro vite, interagiscono con gli umani stessi per ottenere ciò che desiderano e infine, come fa Bo Peep, accettano anche la possibilità di una vita autonoma, in cui non ci sono bambini e i giocattoli sono gli unici artefici del proprio destino.

26 Giugno 2019 0 comment

Home-Video Pixar Animation Studios Recensioni

Recensione: Il DVD de Gli Incredibili 2

written by Jacopo Iovannitti

Grazie a The Walt Disney Company Italia abbiamo avuto il piacere di ricevere e visionare il DVD de Gli Incredibili 2, l’ultimo film dei Pixar Animation Studios disponibile in Home-Video dal 16 gennaio.

Il DVD, come tutte le uscite dell’azienda, è arricchito del sistema Disney Fast Play per saltare comodamente dal menù lingua a quello principale senza visionare i vari Trailer dedicate alle prossime uscite cinematografiche e in home-video della divisione italiana.

I due menù sono in linea con l’estetica minimal con cui il franchise si è sempre differenziato nel tempo, merito della mano di Lou Romano. Lo stesso stile è stato utilizzato per il retro della copertina dell’edizione.

Una scelta molto gradita sia per gli appassionati che per gli spettatori che ritroveranno quell’estetica (se non dovessero ricordarla) nel titoli di testa e di coda del film.

La qualità del suono e dell’immagine è sempre altissima. parliamo di un Dolby Digital 5.1 per l’audio italiano, che ci permette di immergerci completamente negli scontri e negli inseguimento che caratterizzano il film e, con il connubio formato con la perfezione dell’animazione del film la resa finale è altissima.

Per quanto riguarda i contenuti speciali non ci sono molte aggiunte da commentare, sicuramente per colpa della capacità del DVD (come formato) e del peso sempre più grande dei film contenuti, causato dalla qualità sempre in cresciuta.

Il commento audio resta un’esperienza interessante così come lo è il cortometraggio Bao (che al cinema è stato mostrato prima de Gli Incredibili 2.

Per sapere il nostro parere sul film e sul corto vi rimandiamo alle nostre recensioni QUI e QUI.

QUI, invece, i contenuti speciali dell’edizione Blu-Ray e i dettagli sulle altre uscite.

Quale sarà la vostra scelta?

24 Gennaio 2019 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Animation Studios

Recensione: Ralph Spacca Internet

written by Irene Rosignoli

Nel 1939, dopo l’uscita del cortometraggio The Practical Pig, il quarto della serie dedicata ai Tre Porcellini, a Walt Disney fu fatto notare che si trattava di un’opera ben fatta, ma neanche lontanamente bella come il cortometraggio originale. “You can’t top pigs with pigs”, ribatté lui. Ovvero: non puoi superare i porcellini con altri porcellini, per fare di meglio bisogna proporre qualcosa di nuovo.

80 anni dopo abbiamo davanti una Company ben diversa e, nonostante abbiano resistito probabilmente il più possibile, alla fine anche i Walt Disney Animation Studios sono stati inevitabilmente inseriti nella macchina della produzione di massa dei franchise, che d’ora in poi quindi entreranno nel canone dei “classici” (anche se questo termine ormai è caduto in disuso). Curiosa è stata però la scelta del primo titolo da “sequelizzare”: non i ben più acclamati Rapunzel o Big Hero 6, ma Ralph Spaccatutto, il film che di fatto ha incassato meno in assoluto tra quelli della nuova era, segno questo della presenza di un’idea forte dietro all’evidente motivo di business.

Difatti, Ralph Spacca Internet costruisce in maniera intelligente su quanto impostato nel primo film, specialmente per ciò che riguarda il character development dei personaggi, il quale è in fondo il cuore di questa pellicola, che di trama in senso stretto a ben guardare ne ha ben poca (e quella che ha è piuttosto confusa e disconnessa). L’intero film ruota attorno all’evoluzione del rapporto di amicizia tra Ralph e Vanellope. Nel primo film, Ralph ha trovato una validazione della sua persona nel legame con la sua nuova amica: anche se non ama fare il cattivo, il rapporto con Vanellope lo gratifica. Il sequel cavalca questo spunto per esplorare invece l’insicurezza che nasce nel momento in cui Ralph fonda tutta la sua autostima sul giudizio di Vanellope e sulla presenza della stessa al suo fianco, andando in crisi al pensiero di restare senza di lei. Insomma, le insicurezze di Ralph, il suo essere possessivo e iperprotettivo verso Vanellope sono i veri “cattivi” del film, e questa volta il suo cammino di maturazione andrà verso il diventare indipendenti e accettare che gli amici sono entità separate da noi. Il terzo atto in questo senso è di una maturità spaventosa, per dialoghi ma anche per rappresentazione scenico/visiva del concetto, e forse è l’unico momento che davvero si avvicina al bellissimo climax di Ralph Spaccatutto.

A fronte di un lavoro sui personaggi davvero notevole, probabilmente il migliore da Frozen in poi, il film presenta tuttavia altri tipi di problemi, uno su tutti la scelta dell’ambientazione. Dai videogiochi in questo secondo capitolo si passa a Internet, che se sulla carta è la naturale evoluzione del setting del primo film (ci sono anche i videogiochi online, ovviamente), nella pratica è un’idea rischiosa per un’opera di questo studio. Tra le parole chiave di una pellicola Disney ci dovrebbe essere “timeless”, senza tempo, eppure c’è ben poco di eterno in un’ambientazione come quella di Internet, talmente infarcita di riferimenti alla pop culture da rischiare di invecchiare alla velocità della luce. Certo, i video con le capre che urlano, gli immancabili gattini e gli uccellini-tweet oggi sono divertenti; ma sarà così tra dieci, venti, trent’anni, o si rischia che questo Ralph Spacca Internet diventi vintage prima del previsto?

L’impressione è che, laddove il primo film sia riuscito a girare intorno al problema, proponendo camei e omaggi in maniera intelligente ma concentrando la storia su personaggi, setting e azioni del tutto originali, che per forza di cose non invecchieranno mai, questo secondo film faccia leva un po’ troppo sulla cultura pop, rischiando di essere davvero ben poco rivedibile, soprattutto sul lungo termine. Vivrà di più, probabilmente, la famosa scena con le principesse Disney, ma anche qui le perplessità non sono poche: la scena è stata completamente tagliata e riscritta rispetto alle versioni mostrate in precedenza, è molto meno irriverente (o lo è in apparenza, ma in realtà è rispettosissima) e ha probabilmente perso un po’ di mordente rispetto a quanto era stato annunciato.

Cosa sia successo precisamente durante la lavorazione è difficile dirlo (probabilmente riscritture a seguito dell’uscita di scena di John Lasseter), quel che è certo è che Ralph Spacca Internet ha tante cose – belle – da dire, ma forse non ha completamente centrato la maniera giusta in cui dirle.

4 Gennaio 2019 0 comment

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