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Emanuele Bianchi

Appassionato di cinema, fotografia, teatro e musica sin da piccolo decide di farne il suo lavoro. Miyazakiano convinto, tanto da incentrare la sua tesi sul suo cinema, e divoratore di anime tanto da volere Eikichi Onizuka come professore al liceo, è uno Jedi come suo padre prima di lui e “nato pronto” e sì, anche un inguaribile nerd (pollice verso per coloro che non colgono le citazioni). Laureato in cinema presso il DAMS di Roma 3 e diplomato in fotografia presso il CST, inizia a collaborare (e tutt'ora collabora) come critico di cinema e fotografo di concerti con varie webzine di cui da subito ha sposato il progetto con entusiasmo. Giornalista pubblicista iscritto all'albo. Sempre in movimento, perennemente in ritardo. CAPOSERVIZIO CINEMA

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Chi ha incastrato Roger Rabbit, quando il noir incontra animazione e commedia

written by Emanuele Bianchi

In ambito artistico, con “tecnica mista” si indica quella tecnica di realizzazione di un’opera che prevede l’impiego di materiali, mezzi e metodi di vario genere. In particolare nel mondo del cinema un film viene definito a tecnica mista quando sono presenti contemporaneamente personaggi in carne ed ossa e cartoni animati.

Sin dalla nascita del cinema, molti sono stati i film in tecnica mista che sono stati girati negli anni, a partire dai cortometraggi di inizio ‘900 come The Enchanted Drawing o Humorous Phases of Funny Faces dove un disegnatore interagisce con disegni, fino a giungere ai giorni nostri.

Molti sono i film che hanno usato o usano ancora oggi la tecnica mista, ma la pellicola dove la fa da padrone è senza dubbio Chi ha incastrato Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit).

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Hollywood, 1947. Nella città del cinema convivono esseri umani e cartoni. Il detective privato Eddie Valiant (Bob Hoskins) sempre in bolletta ed alcolizzato, viene incaricato dal proprietario degli studi di animazione R.K. Maroon di indagare sulla presunta relazione tra Jessica Rabbit, moglie di Roger Rabbit, e Marvin Acme, titolare della ACME Corporation, società proprietaria del terreno dove sorgono gli studios.

Dopo aver mostrato a Roger Rabbit le foto in cui Jessica e Marvin sono impegnati in un gioco da bambini – segno di tradimento per un cartone – il proprietario di Cartoonia viene trovato morto. Tutti gli indizi conducono a Roger Rabbit, sulle cui tracce vi è lo spietato giudice Morton (Christopher Lloyd).

Il coniglio si rivolge a Eddie Valiant per dimostrare la sua innocenza. Indagando il detective scoprirà di avere a che fare con un caso ben più intricato di quello che credeva e scoprirà una sconvolgente verità.

Diretto da Robert Zemeckis – regista di Ritorno al futuro – Chi ha incastrato Roger Rabbit è prodotto dalla Touchstone Pictures in collaborazione con la Amblin Entertainment di proprietà di Steven Spielberg. Il film è ispirato al romanzo Who Censored Roger Rabbit? di Gary K. Wolf ed è l’unica occasione (almeno fino ad ora) dove si ritrovano insieme i personaggi dei cartoni animati di vari studios (Disney, Warner Bros., Metro-Goldwin-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios), tutti animati da Richard Williams.

La pellicola arrivò al cinema nel 1988, ma già nel 1982 la Disney aveva acquisito i diritti del romanzo con l’intento di farne un film. La sceneggiatura venne affidata a Jeffrey Price e Peter S. Seaman, mentre per la regia la Disney contattò Terry Gilliam, il quale rifiutò poiché riteneva il progetto troppo difficile da realizzare (fu una decisione di cui in seguito si pentì). Dopo aver scartato in un primo momento Robert Zemeckis a causa della sua direzione di film di scarso successo al botteghino, la Disney tornò sui suoi passi dopo il successo di Ritorno al futuro e All’inseguimento della pietra verde.

Con un budget iniziale di circa 50 milioni di dollari, poi ridotto a 29,9, l’allora amministratore delegato della Disney Michael Eisner affidò il ruolo di produttori a Frank Marshall, Steven Spielberg e Kathleen Kennedy. Fu grazie a Spielberg e agli accordi presi con le varie case di produzione se nel film compaiono molti dei personaggi dei cartoni animati, anche se non si riuscì ad inserire Braccio di Ferro, Casper e Tom & Jerry.

Chi ha incastrato roger rabbit

Come ogni successo che si rispetti, la gestazione fu molto lunga. Per scrivere la storia vennero assunti Jeffrey Price e Peter S. Seaman, i quali si ispirarono ai cartoni Disney e di Robert Clampett, animatore e regista Warner Bros.. La sceneggiatura subì molte modifiche. In una delle prime versioni Roger Rabbit veniva ucciso in una sparatoria tra il giudice Morton e Eddie Valiant. Venne anche contattato Sting per scrivere una canzone a riguardo, The Lazarus Heart, inserita poi dal cantante nel disco Nothing Like the Sun poiché la scena fu eliminata.

Inoltre i due sceneggiatori ripresero alcuni elementi direttamente dalla sceneggiatura del secondo sequel della serie di Chinatown; pellicola mai realizzata a causa dei pessimi risultati al botteghino del secondo film della serie, Il grande inganno.

Prima della creazione del malvagio giudice, i due autori pensarono a Jessica Rabbit e poi a Baby Herman come antagonisti del film. Lo stesso Morton inizialmente risultava diverso da come si vede nel film, infatti oltre ad un avvoltoio animato su una spalla possedeva una valigetta con 12 canguri animati che lo aiutavano nel suo lavoro di giudice. Essi furono tutti personaggi cancellati per problemi di budget. In una versione successiva l’antagonista era aiutato da sette faine e dai sette nani. Anche questa idea venne modificata: i nani scomparvero e le faine divennero cinque. Infine, originariamente il giudice era in realtà il cacciatore che uccide la madre di Bambi, idea scartata a causa della contestazione della Disney.

Tra le idee eliminate sono da annoverare la scena del funerale di Marvin Acme con la presenza di molti cartoni, inclusi Superman e i personaggi della serie Braccio di Ferro. La scena fu tagliata a causa del non raggiungimento di un accordo con le case proprietarie dei diritti dei personaggi. A questa va aggiunta una sequenza realizzata ma non inclusa nel montaggio finale dove il personaggio di Bob Hoskins torna al locale dove canta Jessica Rabbit, e catturato dal giudice e dal gorilla Bongo viene portato a Cartoonia dalle faine dove gli viene attaccata sulla testa una maschera animata a forma di maiale, che si sarebbe tolto una volta giunto a casa. Tale scena si collocava poco prima dell’arrivo di Jessica Rabbit nell’ufficio del detective.

Chi ha incastrato roger rabbit

Completata la sceneggiatura, la lavorazione poté entrare nel vivo, ma si palesò un nuovo problema. Il direttore artistico Richard Williams si rifiutò di lavorare a Los Angeles a causa di divergenze con la Disney, così la produzione venne spostata agli Elstree Studios di Hertfordshire, in Inghilterra. L’accordo tra le parti venne raggiunto durante la lavorazione del film: Williams avrebbe lavorato a Chi ha incastrato Roger Rabbit ed in cambio lo avrebbero aiutato a distribuire il suo film incompiuto The Thief and the Cobbler.

La produzione della pellicola era così divisa tra Londra e Los Angeles, dove le riprese si svolgevano sotto la supervisione di Dale Baer. A causa degli innumerevoli effetti speciali e delle animazioni il budget salì fino a 40 milioni di dollari, tanto che la Disney pensò di cancellare il film. Fu solo grazie all’intervento di Jeffrey Katzenberg che la lavorazione poté continuare. Una scelta più che adeguata, visto che Chi ha incastrato Roger Rabbit fu un grandissimo successo a livello mondiale con un incasso di circa 329 milioni di dollari, che lo fece divenire all’epoca il 20° film più redditizio della storia del cinema ed il secondo più visto del 1988 dopo Rain Man – L’uomo della pioggia.

Inoltre la pellicola fu un enorme successo di critica – è raro trovare una recensione negativa – e venne candidato a ben 6 Premi Oscar, vincendo quelli per il miglior montaggio ad Arthur Schmidt, miglior montaggio sonoro a Charles L. Campbell e Louis L. Edemann, migliori effetti speciali a a George Gibbs, Richard Williams, Ken Ralston e Ed Jones. A questi va aggiunto l’Oscar Speciale a Richard Williams per la creazione e direzione delle animazioni.

Il successo di Chi ha incastrato Roger Rabbit lo si deve principalmente a tre fattori: sceneggiatura, regia e cast. La storia scritta da Price e Seaman ,oltre ad essere divertente e coinvolgente, riesce ad unire commedia e noir. Perché la pellicola diretta da Zemeckis presenta tutti gli elementi tipici del genere. Non è un caso che il protagonista sia un detective solitario che lavora senza partner, che beve molto whiskey, taciturno e sempre al verde. Sono inoltre presenti la femme fatale (la sensuale Jessica Rabbit), ombrosi locali notturni e un caso facile da risolvere solo in apparenza.

Per quanto riguarda la regia di Robert Zemeckis, il cineasta in questo film dimostra ancora una volta tutta la sua bravura. Il regista riesce a portarci nel pieno della vicenda, soffermandosi sulle espressioni dei protagonisti o sui dettagli del film. Una regia pulita anche nei momenti frenetici, che riesce a far gustare allo spettatore ogni singolo secondo.

Ma senza dubbio il valore aggiunto a Chi ha incastrato Roger Rabbit sono il compianto Bob Hoskins e Christopher Lloyd. L’interprete di Eddie Valiant riesce a restituire un personaggio incapace di riprendersi dalla morte del fratello, per cui si sente responsabile. Un uomo che si rifugia nella bottiglia e che ha perso il sorriso, incapace di reagire, che si trascina attraverso i giorni. Vedere Christopher Lloyd, che per tutti è sempre stato lo strampalato Doc di Ritorno al Futuro, nel ruolo del villain è destabilizzante, ma l’attore dà sfoggio della sua bravura nell’interpretare un giudice tanto inquietante quanto psicopatico.

Chi ha incastrato Roger Rabbit è uno di quei prodotti che in breve tempo ha conquistato il pubblico ed è divenuto un cult, anche grazie ai suoi dialoghi e battute rimasti celebri (su tutti, la frase pronunciata da Jessica Rabbit: “Io non sono cattiva; è che mi disegnano così”). Un classico assolutamente da recuperare, se non lo avete mai visto.

19 Gennaio 2017 0 comment

LucasFilm Recensioni

Recensione: Rogue One: A Star Wars Story

written by Emanuele Bianchi

Nei titoli di testa di Star Wars Episodio IV – Una Nuova Speranza veniamo a sapere che la Ribellione ha ottenuto la prima vittoria contro il malvagio Impero Galattico: un manipolo di spie è riuscito a impossessarsi dei piani dell’arma definitiva, la Morte Nera.

A distanza di 40 anni dall’iconico prologo, con Rogue One: A Star Wars Story la Disney e il regista Gareth Edwards (Godzilla) ci portano tanto tempo fa in quella galassia lontana lontana proprio per svelarci come i ribelli siano riusciti in un’impresa tanto disperata quanto fondamentale ai fini del conflitto contro l’Imperatore e il suo braccio destro Darth Vader.

rogue one felicity jones

Dopo un breve prologo in cui ci viene mostrato come l’Impero sia ovunque e riesca a raggiungere anche coloro che vorrebbero vivere in pace, veniamo rapidamente portati in pianeti della galassia mai esplorati prima – ma ce n’è anche uno di vecchia conoscenza – dove l’azione e l’adrenalina fanno da padrone.

Ci ritroviamo così a viaggiare di pianeta in pianeta, proprio come se fossimo a bordo di una navicella spaziale, passando tra le file dell’Impero dove assistiamo al completamento della Morte Nera e dei vari giochi di potere all’interno delle alte sfere di comando, al fronte dei ribelli sempre in lotta e sempre più tesi, anche a causa di voci non confermate che parlano di una micidiale arma spaziale.

Nella prima parte facciamo inoltre la conoscenza di personaggi inediti molto ben caratterizzati che rappresentano una delle basi e delle fondamenta di Rogue One. Jyn Erso (Felicity Jones) è una donna forte e determinata, Cassian Andor (Diego Luna) è un ribelle che segue il suo istinto, Chirrut Îmwe (Donnie Yen) è un guerriero spirituale molto sicuro di sé e che conta sul burbero ma fidato Baze Malbus (Jiang Wen) e infine K-2SO (Alan Tudyk) è un droide fin troppo schietto. Veri eroi romantici. A loro si contrappone il perfido, spietato ed arrogante ufficiale imperiale Krennic (Ben Mendelsohn), il cui unico scopo è pavoneggiarsi dei risultati ottenuti davanti all’Imperatore.

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Anche se l’inizio è un po’ lungo e perde leggermente ritmo nella parte centrale, il secondo tempo è adrenalina allo stato puro. Qui Rogue One entra pienamente nel vivo della vicenda e segue Jyn Erso e uno sparuto manipolo di ribelli tentare l’impossibile. 45 minuti di combattimenti ben strutturati dove nonostante la grande confusione dell’azione, tutto risulta molto chiaro e che raggiunge il suo apice con le scene in cui è presente Darth Vader, più minaccioso e cattivo che mai. La seconda parte è insomma un vero e proprio salto nell’iperspazio, caratterizzato da suspance e azione.

Punto di forza della pellicola è sicuramente la sceneggiatura di Tony Gilroy e Chris Weitz, che riesce a dare vita ad una storia solida, avvincente, adrenalinica, epica e piena di pathos, dove i nuovi personaggi sono ben caratterizzati e quelli che tutti già conosciamo sono ben riproposti, a partire da Darth Vader qui caratterizzato da una leggera tinta horror che ne aumenta la perfidia e la pericolosità.

rogue one rook

Ottima la regia di Gareth Edwards che riesce a portarci nel pieno della vicenda catapultandoci nella storia ora nei panni di un ribelle, ora di un soldato imperiale. A ciò va aggiunta la sapiente scelta di fare movimenti di macchina che richiamino soluzioni adottate nella trilogia classica, rendendo la regia sempre fluida anche nei momenti di maggior confusione.

Ineccepibili come sempre gli effetti speciali, capaci di rendere sempre più realistici i voli nello spazio, i raggi laser e tutto ciò che un film di fantascienza ambientato nello spazio comporta. L’eccezione che conferma la regola è la digitalizzazione del viso di un paio di personaggi di vecchia conoscenza. A tutto ciò va aggiunto la discreta prova attoriale del cast guidato dalla bellissima e determinata Felicity Jones.

Rogue One è un film che non deluderà le attese dei tanti fan della Saga. Si tratta di un ottimo prodotto stand-alone che fa della solida ed emozionante narrazione il suo punto di forza principale, visivamente capace di guardare al passato in maniera saggia e con riverenza, ma al contempo in grado di discostarsi e di fornire nuove soluzioni. Il senso di avventura verso l’ignoto, il concetto di futuro e altri temi che conosciamo da Una Nuova Speranza sono presenti, ma sono ben centellinati e usati in maniera sapiente, costituendo quindi solo il contorno di un racconto dal respiro molto più ampio. Insomma, un ritorno al passato ma con creatività ed innovazione.

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15 Dicembre 2016 0 comment

Approfondimenti LucasFilm Recensioni Speciali

Star Wars, la trilogia prequel e il ritorno nella galassia lontana lontana

written by Emanuele Bianchi

Star Wars è da molti considerata La Saga cinematografica per eccellenza. Quando Lucas nel 1977 portò al cinema il primo episodio della trilogia in pochi credevano nel film, regista incluso. Nessuno infatti si sarebbe mai aspettato che l’avventura di un giovane ragazzo che combatte contro il malvagio Impero Galattico sarebbe divenuta in breve un cult tanto amato.

A distanza di 22 anni dall’uscita del primo capitolo della Saga, quando tutti ormai erano convinti che Star Wars a livello cinematografico non avesse più nulla da raccontare, George Lucas spiazza tutti annunciando una nuova trilogia. In questa nuova avventura il regista racconta la disfatta della repubblica e la nascita dell’Impero Galattico e soprattutto di come Anakin Skywalker sia divenuto il potente e crudele Darth Vader.

Quando il regista annunciò che a breve ci avrebbe riportato in quella galassia lontana lontana che tanti fan amano, la reazione da parte del pubblico è stata contrastante. Chi è stato pessimista sin da subito ritenendo il progetto una mera operazione commerciale e non credendo nella sua riuscita essendo la trilogia originale inarrivabile, e chi come chi scrive, allora quattordicenne, se pur pieno di timori non vedeva l’ora di ritornare in un universo con il quale è cresciuto.

Lucas decise di riprendere in mano la sua creatura più famosa perché convinto che gli effetti speciali fossero ormai evoluto abbastanza per riuscire a ricreare a pieno la sua visione. Il 26 giugno 1997 iniziarono così le riprese di Star Wars: Episode I – The Phantom Menace che si svolsero tra il deserto della Tunisia e gli studi Leavesden.

Basandosi sul retroscena che vedeva Darth Vader un tempo essere un Cavaliere Jedi con il nome di Anakin Skywalker essere poi passato al la oscuro della Forza, la nuova trilogia avrebbe visto protagonista il signore oscuro prima del suo tradimento. La sceneggiatura di questa nuova trilogia si basa su 15 pagine che lo stesso Lucas scrisse nel 1976 per aiutarsi a tenere traccia del background dei personaggi e degli eventi verificatisi dell’intera Saga, una storia che sin dalla sua ideazione era molto ampia.

Inizialmente Anakin avrebbe dovuto avere 12 anni, età poi diminuita poiché il regista era convinto che un bambino nel pieno dell’infanzia avrebbe sofferto maggiormente per la separazione dalla madre, costringendolo così a riscrivere alcune scene della battaglia finale.

Con il titolo provvisorio di The Beginning, per The Phantom Menace grazie ad una maggiore disponibilità economica Lucas decise di adottare «una scala molto più grande ed epica» riuscendo così finalmente a dare a Star Wars lo stile che aveva sempre desiderato. Sviluppando ben cinque trame parallele e simultanee che si intrecciavano tra loro, il cui filo rosso è l’intenzione del Senatore Palpatine di divenire Cancelliere Supremo.

Come nella trilogia originale molte sono le tematiche inserite, e la più evidente è la dualità. La regina Amidala si fa passare per una serva, Palpatine fa il doppio gioco, Obi-Wan inizialmente in conflitto con il Maestro Qui-Gon Jinn finirà per seguirne le orme. A questo va aggiunto il tema dell’equilibrio, non solo per quanto riguarda la Forza, ma anche e in particolare per quanto riguarda i personaggi. Ogni protagonista necessita di qualcun’altra per sentirsi completo.

La realizzazione del film richiese molto tempo di lavorazione. Non solo il lavoro di design richiese due anni di tempo, così come il montaggio, ma anche la creazione degli abiti e dei costumi per gli alieni richiese non poche fatiche. Lucas voleva che The Phantom Menace e quindi l’intera nuova trilogia fossero stilisticamente diversi dalla trilogia originale, che fosse «più ricco e più simile a un pezzo d’epoca, dato che era la storia che precedeva Una nuova speranza».

Anche i combattimenti con le spade laser coreografati da Nick Gillard, coordinatore degli stunt-man, subirono un cambiamento di stile. Gillard decise di fondere vari stili di scherma come il kendo e altri tipi di kenjutsu, con tecniche oscillanti, come mosse da tennista e da taglialegna. Per allenare Liam Neeson ed Ewan McGregor, ovvero i Jedi Qui Gon-Jin ed Obi Wan-Kenobi, venne creata una sequenza di combattimento di 60 secondi ripetuta lentamente e via via più velocemente.

Grazie al grande uso della CGI – solo circa 15 minuti ne sono privi – la produzione non incontrò grandi difficoltà, ad eccezione di una tempesta di sabbia che distrusse parte del set ma che non compromise in ogni caso la tabella di marcia. Anche i problemi dovuti al movimento di R2-D2 vennero superati. La Industrial Light & Magic e il reparto effetti speciali britannico crearono varie versioni del droide che furono usate sul set e che non diedero alcun problema.

Quando Star Wars: Episode I – The Phantom Menace arrivò nei cinema di tutto il mondo fu un grande successo al botteghino battendo molti record di incassi, ma venne accolto in maniera contrastante da pubblico e critica. Se il film venne lodato dal punto di vista visivo e per le scene d’azione – anche se a distanza di anni l’artificiosità della CGI è più che evidente – venne criticato per la storia e lo sviluppo dei personaggi. Ma la critica più grande che i fan muovono a Lucas è la creazione di Jar Jar Binks, alieno di Naboo tanto odioso quanto inutile.

A tre anni di distanza il 16 maggio 2002 è la volta di Star Wars: Episode II – Attack of the Clones. Ambientato 10 anni dopo il suo predecessore, qui troviamo un Anakin ormai adolescente e sempre più irrequieto che ha il volto di Hayden Christensen.

La produzione del secondo episodio della nuova trilogia ebbe una storia più travagliata. Dopo le critiche ricevute per Episode I, Lucas era titubante sul tornare a scrivere, tanto che la prima bozza della sceneggiatura vide la luce solo tre mesi prima l’inizio delle riprese e lo script finale è stato completato solo la settimana prima del primo giorno di set.

Lo script, il cui titolo provvisorio era scherzosamente Jar Jar’s Big Adventure, riprende l’idea dei cloni pensato originariamente per Lando Calrissian. Inizialmente il personaggio interpretato da Billy Dee Williams doveva essere un clone venuto da un pianeta di cloni che hanno causato la guerra menzionata da Obi-Wan in Episodio IV. L’idea fu accantonata ma venne ripresa e riadattata per Episodio II.

Questo secondo film è il più “politico” di tutta la Saga. Infatti non solo la trama ruota intorno al piano di Palpatine di farsi dare poteri sempre maggiori una volta divenuto Cancelliere, ma lo stesso Lucas paragona la sua ascesa a quella di Hitler poiché gli vengono concessi poteri straordinari vista la situazione di guerra civile in cui ormai si trova la galassia. Inoltre in questo capitolo Anakin compie i primi decisivi passi che lo porteranno sul lato oscuro della forza. Il giovane Jedi scopre emozioni come odio, rabbia, possesso, gelosia.

Come La minaccia fantasma anche L’attacco dei cloni fu un grande successo al botteghino, incassando quasi 700 milioni di dollari in tutto il mondo, ma come il predecessore venne accolto in maniera contrastante sia dal pubblico che dalla critica. Se effetti speciali, combattimenti e colonna sonora furono ancora una volta apprezzati, sul banco degli imputati questa volta salirono Christensen e a Portman per la loro recitazione troppo legnosa e il rapporto tra i due personaggi, pieno di cliché.

Immediatamente dopo la fine della produzione di Episodio II Lucas iniziò a scrivere la sceneggiatura per Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith, capitolo conclusivo della trilogia prequel. Per la stesura il regista ha dichiarato di essersi ispirato allo stile dei serial anni ’30. Come avvenuto per i due film precedenti, anche per la stesura dello script di Episodio III Lucas ha preso spunto dai vecchi appunti da lui stesso scritti durante la realizzazione della trilogia classica per avere un background dei personaggi da condividere con i suoi collaboratori.

Anche in questo caso la sceneggiatura subì varie modifiche fino a giungere a quella che tutti conosciamo e anche per il titolo vennero presi in considerazione varie opzioni: Rise of the Empire, An Empire Divided, The Creeping Fear (rivelatosi poi un pesce d’aprile) e Birth of the Empire. Alla fine Lucas optò per Revenge of the Sith omaggiando quello che avrebbe dovuto essere il titolo originale di Return of the Jedi, ovvero Revenge of the Jedi.

La realizzazione del film fu come sempre molto lunga e complessa, tanto che a metà della lavorazione venne chiamato un secondo supervisore per gli effetti speciali visto il gran numero di scene in cui sono impiegati. Inoltre la pellicola ha subito il taglio di molte scene, eliminate per questioni di tempo, come ad esempio quella del salvataggio di Palpatine all’inizio del film, che secondo le prime intenzioni di Lucas sarebbe dovuta durare un’ora. Basti pensare che il primo montaggio durava quattro ore per poi essere snellito e durante tale fase alcune scene vennero riscritte e rigirate.

Come nella pellicola precedente anche qui non mancano i cameo dello stesso Lucas, dei suoi figli – Jett Lucas è uno degli ultimi padawan che si oppongono ai cloni – , i supervisori degli effetti speciali John Knoll, Rob Coleman e Roger Guyett, il coordinatore degli stunt Nick Gillard e molti altri.

La vendetta dei Sith debuttò il 19 maggio 2005 e infranse ben quattro record nella sola prima giornata di proiezione: maggior incasso per una proiezione notturna, miglior incasso per il giorno d’apertura, incasso per il singolo giorno e miglior incasso del mercoledì, cui va aggiunto che in soli cinque giorni divenne il maggior incasso dell’anno negli USA.

Come per i predecessori le critiche furono discordanti. I critici di tutto il mondo si divisero tra lodi – in particolare al trio McGregor, Portman e McDiarmid che al film in genere – e condanne senza appello, definendolo in sostanza di una bruttezza senza eguali.

È indubbio che rimettere mano a una trilogia o a un film che ha fatto la storia e che ha conquistato ed affascinato generazioni di fan ed appassionati non è mai semplice. Spesso le aspettative sono così alte da venire puntualmente deluse e spesso si parte già prevenuti nei confronti del nuovo da odiarlo o rinnegarlo ancora prima di vederlo. In fondo quando si parla di sentimenti è sempre una questione delicata.

Non c’è dubbio che con la nuova trilogia Lucas abbia avuto il gran merito non solo di riportarci in quell’universo che tanto amiamo ma anche di aver fatto luce sulla nascita dell’Impero e del tragico destino che ha portato Anakin Skywalker a divenire Darth Vader – anche se la trilogia originale funzionava benissimo anche senza saperlo – e di aver fatto conoscere la Saga di Star Wars alle nuove generazione.

Il problema oggettivo di base è la storia in sé. I nuovi capitoli della Saga mancano di quella magia, di quella poesia che ancora possiede la trilogia classica. Se ancora oggi guardando le avventure di Luke, Leia, Han e Chewbe si rimane affascinati, al contrario guardando la storia di Anakin ci si ritrova in un videogioco fin troppo scintillante dove la confezione è bellissima ma il contenuto è molto deludente, essendo stato tutto ridotto a mera politica, e non bastano i molti richiami alla trilogia originale per riuscire a conquistare i vecchi fan. Le poche note positive di questa nuova avventura sono i combattimenti con le spade laser indubbiamente spettacolari – in particolare il duello tra Anakin ed Obi-Wan su Mustafar -, villain affascinanti come Darth Maul o il Conte Dooku, la colonna sonora ad opera sempre di John Williams e la presenza di attori come Ewan McGregor, Liam Neeson, Natalie Portman, Samuel L. Jackson e Christopher Lee.

Proprio basandosi sul malcontento dei fan della Saga riguardo a questi nuovi capitoli, Alexandre O. Philippe decide di dare voce proprio ai fan nel documentario The People vs George Lucas, sostanzialmente un processo al papà di Star Wars, la cui maggiore e imperdonabile colpa è l’aver creato una saga priva di quella magia che pervadeva quella originale e in particolare Jar Jar Binks.

May the Force be with You!

8 Dicembre 2016 0 comment

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Star Wars, la trilogia classica e la nascita di un mito

written by Emanuele Bianchi

25 maggio 1977. Una data che ha segnato e rivoluzionato non solo il cinema di fantascienza ma la settima arte in generale. In quel giorno di fine maggio nella seconda metà degli anni ’70 usciva nelle sale americane, inizialmente solo 37, il primo episodio della saga di Star Wars.

Da quel momento nulla è stato più come prima perché il giovane regista George Lucas, allora trentatreenne, dopo non poche difficoltà ha portato al cinema, prima in USA e poi di tutto il mondo, il franchise destinato a divenire la Saga cinematografica più famosa del mondo.

Il progetto del film era nella mente di Lucas già da tempo e la storia che tutti oggi conosciamo è solo la versione definitiva di una sceneggiatura originariamente molto diversa e che ha visto diverse stesure. Basti pensare che inizialmente il protagonista avrebbe dovuto essere Annikin Starkiller – nome poi usato da JJ Abrams in Episodio VII per il nome dell’arma del Primo Ordine – giovane Jedi-Bendu addestrato dal suo maestro Luke Skywalker, dove Han Solo è un enorme alieno verde e dove troviamo la bella Principessa Leia, una fortezza spaziale e il malvagio Darth Vader. Una storia ben diversa da quella che tutti conosciamo ma che in questa prima bozza contiene molti degli elementi poi confluiti nella trilogia che ha conquistato e continua a conquistare intere generazioni.

Come ogni film che si rispetti anche la produzione di Star Wars è stata tutt’altro che facile. Quando Lucas presentò la sceneggiatura alla 20th Century Fox nessuno nella casa di produzione credeva al progetto, l’unico era il capo del dipartimento creativo della casa di produzione Alan Ladd, Jr..

Una volta raggiunto l’accordo economico tra le parti – il regista tenne i diritti su film e merchandising e la major si occupò della distribuzione – , finiti la creazione dei modellini e delle scenografie e trovati gli attori dopo innumerevoli provini finalmente Star Wars entrò in produzione.

Per gli esterni si scelse di girare in Tunisia il cui paesaggio sabbioso era ideale per ricreare il mondo desertico di Tatooine, ma qui oltre al caldo il vero problema fu rappresentato dalle tempeste di sabbia. A ciò andavano aggiunti la difficoltà di movimento di Anthony Daniels e Kenny Baker ovvero gli attori interpreti rispettivamente di D3BO e R2D2, i continui scontri di Lucas con la troupe inglese e le non poche difficoltà della Industrial Light and Magic alle prese con effetti speciali mai creati prima. Tutti problemi che prolungarono le riprese di circa una ventina di giorni e portarono allo sforamento del budget tanto che dovette intervenire lo stesso Ladd per impedire che il Board of Directors cessasse la produzione di Star Wars.

Dopo la conclusione delle riprese durate da marzo a luglio del 1976 sorsero due nuovi grandi problemi. Il primo riguardava Darth Vader, o meglio la sua voce. Interpretato dall’inglese David Prowse, l’attore aveva un accento sin troppo britannico e poco adatto all’uomo più cattivo della galassia nonché villain per eccellenza della storia del cinema. Lucas decise così di doppiarlo ed usare la profonda voce di James Earl Jones. Il secondo era rappresentato dall’assenza della colonna sonora. Il regista decise di rivolgersi a John Williams, fresco vincitore del Premio Oscar per la colonna sonora de Lo Squalo. Il compositore, con l’aiuto della London Symphony Orchestra , decise di creare delle musiche classiche che si rivelarono perfette per il film.

Il 25 maggio del 1977 in soli 37 cinema venne proiettato Star Wars. Grazie al passaparola entusiasta del pubblico in breve le sale aumentarono fino a superare i 1000 cinema, molti dei quali tennero in cartellone la pellicola per oltre un anno. Con un incasso di 775 milioni di dollari Star Wars è tutt’oggi uno dei maggiori successi al botteghino. Inoltre fu anche un grande successo di critica tanto da essere nominato a ben 10 Oscar riuscendo a vincerne ben sette: scenografia, costumi, montaggio, sonoro, colonna sonora, effetti speciali a cui va aggiunto quello speciale a Ben Bart per gli effetti sonori, a cui dobbiamo la nascita del linguaggio wookie e il respiro di Darth Vader.

Volando ormai sulle ali dell’entusiasmo grazie al successo inaspettato della sua creatura – all’epoca la Kenner Toys esaurì in breve la merce immessa sul mercato – Lucas decise di girare il nuovo capitolo della saga.

Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back arriverà nel maggio del 1980 e come il precedessore sarà un grande successo di pubblico e critica – da molti è ritenuto il miglior film della saga – e la sua realizzazione non sarà priva di problemi.

A causa del forte stress a seguito del primo del Star Wars, Lucas decise di occuparsi della produzione esecutiva, affidando la regia a Irvin Kershner. Se nel 1977 i problemi vennero dati dal caldo e dalla sabbia della Tunisia, ora era il freddo clima norvegese dove vennero girate le scene del pianeta Hoth a creare difficoltà a truope ed attori. A ciò vanno sommate le difficoltà nella ricostruzione del Pianeta Dagobah e la realizzazione del Maestro Yoda, che in breve come Darth Vader divenne ed è ancora oggi una delle icone della Saga. Anche questa volta il budget venne sforato ed anche questa volta intervenne Ladd per sistemare le cose.

Visto il gran numero di curiosi intorno al progetto lo script era segreto anche perché conteneva un plot twist importante e che se trapelato avrebbe rovinato la diffusione del film. Non è un caso che sul set girasse il copione con una pagina fasulla per non rivelare la relazione esistente tra Luke Skywalker e Darth Vader. Lo stesso Mark Hamill venne a conoscenza di ciò solo poco prima di girare la scena.

Quando The Empire Strikes Back uscì nei cinema il successo fu ancora maggiore del suo predecessore, anche se venne accolto tiepidamente dalla critica a causa del cambio di registro, ritenuto fin troppo serio. Vincitore di due premi Oscar per il miglior sonoro e Oscar Special Achievement Award per gli effetti speciali a Brian Johnson, Richard Edlund, Dennis Muren e Bruce Nicholson, la pellicola incassò oltre 200 milioni di dollari, divenendo il maggior incasso del 1980.

Vista la grande fama dei due film Lucas si convinse a girare anche il terzo e conclusivo atto della storia inizia a fine anni ’70, così il 23 maggio 1983 arriva Star Wars: Episode VI – Retun of the Jedi. Anche in questo caso Lucas si occupò della produzione, o almeno queste erano le sue intenzioni. Non potendo ingaggiare l’amico Steven Spielberg come regista venne scelto Richard Marquand, ma data l’inesperienza di questi con gli effetti speciali Lucas divenne regista della seconda unità.

Le uniche difficoltà che il terzo capitolo incontrò furono l’impegnativa creazione di Jubba the Hutt e la scena con il Rancor. Come i film precedenti le riprese si protrassero per cinque mesi e la post produzione richiese quasi un anno. Quando il film arrivò nelle sale di tutto il mondo fu un grande successo, anche se con incassi minori rispetto ai precedenti capitoli.

Tutti credevano che l’universo di Star Wars fosse giunto a compimento, almeno dal punto di vista cinematografico visto il grande materiale riguardante l’universo espanso, non Lucas decise di riportare la sua creatura al cinema nel 1997 per il ventennale. Non essendo mai stato del tutto soddisfatto del risultato della trilogia a causa degli effetti speciali non all’altezza della sua visione, il regista ridistribuì le tre pellicole in versione rimasterizzata e con scene aggiunte. Tale espediente aveva anche lo scopo di riportare l’attenzione sulla Saga e sulla nuova trilogia che sarebbe arrivata nel 1999 con Star Wars: Episode I: The Phamton Menace.

Basandosi sugli stilemi tipici delle saghe eroiche e su quelli della mitologia il regista di American Graffiti è riuscito a dare vita ad una storia che in breve tempo è divenuta un fenomeno di culto e di costume. Star Wars si basa su elementi che ritroviamo in molteplici altri film come il giovane eroe, il mentore, la principessa in pericolo, la canaglia ed ovviamente il malvagio di turno. La Saga è il più classico viaggio dell’eroe in cui i protagonisti maturano attraverso prove da superare, dove abbondano turbamenti dei personaggi, non mancano dualismi, tradimenti e redenzione.

George Lucas è stato molto influenzato dalle serie tv e dai film con cui è cresciuto come Flash Gordon, i western e i film giapponesi, in particolare quelli di Akira Kurosawa. I Jedi ricordano sia nel vestiario che nel comportamento i Samurai, i militari aristocratici del Giappone feudale.

Se dal punto di vista narrativo la Saga non ha introdotto nulla di nuovo, dall’altra è riuscita a rivoluzionare il cinema di fantascienza grazie all’introduzione del Futuro Usato. Nei film di Lucas tutto è sporco, polveroso ed usurato dando così l’idea di vissuto e di una società dove la tecnologia è qualcosa a cui l’uomo è abituato da tempo. Così facendo l’ambiente in cui si muovo i personaggi e viene portato lo spettatore risulta più credibile. Prima di Star Wars nei film e serie tv di genere era tutto nuovo e splendente dando l’idea di novità e sopratutto di qualcosa di irrealistico.

Inoltre è grazie a questa trilogia se il merchandising ha avuto un grande impulso ed è oggi una delle maggiori voci di incasso dei film. Star Wars ha gettato le basi per il mercato moderno di oggetti da collezione riguardanti i film come action figure, spille, maglie e via dicendo. A ciò va aggiunto che il regista fu il primo ad espandere l’universo da lui creato ad altri media come fumetti, libri, videogames, serie tv animate ancora oggi in corso di pubblicazione.

Il mondo dell’arte è spietato e il cinema non a eccezione. Molti sono stati i grandi film parodiati e citati nel corso della storia della settima arte e Star Wars è probabilmente il maggior bersaglio. Tra le varie parodie è impossibile non citare Space Balls di Mel Brooks o la trilogia dei Griffin, a queste vanno aggiunte le varie citazioni/omaggi presenti in molte serie tv come Friends, Scrubs, The Big Bang Theory , il lungometraggio Fan Boys e molti altri.

Non c’è dubbio che con la storia del giovane Luke Skywalker, del Jedi Obi Wan-Kenobi, della bella principessa Leia, della canaglia Han Solo e del suo fidato Chewbacca e del malvagio Darth Vader, George Lucas abbia creato un universo che a distanza di 40 anni risulta ancora avvincente e poetico e capace di emozionare come la prima volta.

May the Force be with You!

Curiosità: Prima di distribuire Star Wars film nelle sale Lucas, molto titubante sul successo del film, decise di tenere una proiezione privata (con effetti speciali non completi e privo della colonna sonora) dove invitò i colleghi e amici Martin Scorsese, Steven Spielberg, John Landis, e Brian De Palma. Se quest’ultimo non ebbe belle parole riguardo al film, Spielberg ne fu invece colpito tanto che credeva molto nel progetto dell’amico, così tanto che quando Lucas si presentò sul set di Incontri ravvicinati del terzo tipo accettò la scommessa che gli venne proposta. Lucas propose al papà di E.T. lo scambio del 2,5% dei diritti dei rispettivi film, Spielberg accettò e nonostante il suo film fu un grande successo tanto da salvare la Columbia dal fallimento, Star Wars è divenuto un fenomeno di culto.

30 Novembre 2016 0 comment

LucasFilm Rubriche

Willow, la grande avventura di un piccolo uomo

written by Emanuele Bianchi

Non si esce vivi dagli anni ’80.

Questa frase è una delle poche certezze della vita di ogni essere umano e probabilmente anche di ogni alieno. Questa affermazione vale ancora di più se riferita al cinema, infatti nel decennio dominato da capelli voluminosi e mullet (orrendo taglio di capelli corto davanti, sopra e sui lati e lungo dietro) è stato probabilmente il più prolifico di tutti e non è un caso che molti dei film oggi considerati cult sono stati girati in questi anni.

Tra i film che appartengono di diritto a questa categoria vi è sicuramente Willow, fantasy del 1988 che vede George Lucas come ideatore del soggetto e produttore, alla regia Ron Howard e con protagonisti Warwick Davis (noto per aver vestito i panni dell’ewok incontrato da Leia in Il ritorno dello Jedi) e un giovane Val Kilmer.

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La pellicola vede protagonista Willow Ufgood (Warwick Davis) contadino di un piccolo villaggio di Nelwyn (nani) il cui sogno è divenire uno stregone. Un giorno i due figli di Willow trovano sulla riva del fiume vicino al villaggio una bambina Daikini (ovvero umana). La bimba, il cui nome è Elora Danan, è una principessa il cui destino è quello di sconfiggere la malvagia regina Bavmorda, la quale era salita al potere facendo uccidere la madre e la nutrice di Elora per evitare l’avverarsi di una profezia.

Seguendo i consigli di High Aldwin, il saggio vecchio del villaggio, Willow intraprenderà un lungo e difficile cammino per portare Elora al suo popolo. Durante il viaggio il piccolo uomo sarà aiutato dal guerriero Madmartigan (Val Kilmer), da due folletti e dalla vecchia strega Fin Raziel, intrappolata in forma di animale, e successivamente anche da Sarsha, figlia della malvagia Bavmorda ma innamorata di Madmartigan.

Willow affronterà e sconfiggerà la strega e una volta lasciata Elora Danan con Madmartigan e Sarsha, nuovi sovrani dei Daikini, che cresceranno la bambina come loro figlia, tornerà al suo villaggio per riunirsi alla sua gente e alla sua famiglia.

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L’idea di Willow venne a Lucas già nel 1972 ma a causa di vari impegni, American Graffiti prima e Star Wars in seguito, mise da parte il progetto. Lo riprese nel 1985 quando avvicinò Ron Howard il quale in quel momento era impegnato con la post produzione di Cocoon, i cui effetti speciali erano a cura della Industrial Light & Magic. Per la sceneggiatura venne contattato Bob Dolman il quale aveva pensato a ben sette differenti bozze per la trama per poi giungere alla stesura definitiva nel 1986.

Le riprese iniziate nell’aprile del 1987 si sono concluse nell’ottobre dello stesso anno e la pellicola è stata girata per la maggior parte agli Elstree Studios di Hertfordshire in Inghilterra, in Galles e Nuova Zelanda. Inoltre poiché la Cina non diede il permesso alla produzione di girare nel sud del Paese vennero inviati dei fotografi per immortalare specifici scenari usati successivamente grazie al blue screen. Come sempre quando c’è lo zampino di Lucas gli effetti speciali sono opera della Industrial Light & Magic che per Willow per la prima volta utilizza il morphing digitale.

Inizialmente il titolo del film avrebbe dovuto essere Munchkins e come Star Wars ha dato vita a situazioni mitologiche ben riconoscibili al pubblico adolescenziale cui il film era rivolto. Lucas aveva offerto il ruolo a Davis già sul set de Il Ritorno dello Jedi nel 1982 ma passarono cinque anni prima che Willow si concretizzasse e riguardo al film il cineasta ha dichiarato: “Ho sempre pensato fosse una grande cosa usare una piccola persona nel ruolo di protagonista. Molti dei miei film riguardano un piccolo ragazzo che combatte contro il sistema, in questo film l’idea è semplicemente più letterale” inoltre ha affermato che il motivo per cui il film fu girato negli anni ’80 è perché quando lo aveva pensato gli effetti speciali non erano abbastanza avanzati per dare vita alla sua idea.

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Non è stato facile per Lucas ed Howard trovare una major disposta a co-finanziare e distribuire Willow poiché molte consideravano il genere fantasy oramai morto, convinzione dovuta agli insuccessi di pellicole come Krull, Legend, Dragonslayer e Labyrinth. Visti i molti rifiuti l’ideatore della storia si rivolse alla Metro-Goldwyn-Mayer che all’epoca era guidata da Alan Ladd Jr., lo stesso che nel 1977 a guida della 20th Century Fox appoggiò l’idea di Star Wars. La MGM però all’epoca non navigava in buone acque e così l’accordo tra la casa di produzione e Lucas vedeva l’anticipo di metà del budget da parte di Ladd in cambio di diritti teatrali e televisivi e lasciando alla Lucasfilm i diritti homevideo e della pay tv offrendo in cambio l’altra metà dei 35 milioni di budget.

Willow venne proiettato e promosso al Festival di Cannes del 1988 e arrivò in 1209 cinema USA il 20 maggio dello stesso anno. La pellicola nei soli Stati Uniti ha incassato 57 milioni di dollari – di cui 8 nel primo week end di programmazione, risultando un discreto successo al botteghino ma non il blockbuster che Lucas si aspettava. Ciò dipese sia dal doversi confrontare con film come Crocodile Dundee II, Big e Rambo III sia a causa di recensioni contrastanti che ne lodavano la narrazione ma stroncavano il resto. Nonostante ciò nel giro di poco tempo Willow è divenuto un cult tra gli appassionati e ha conquistato il mercato home video, essendo ancora oggi uno di quei film che ogni amante del cinema ha nella propria videoteca personale.

Nonostante recensioni discordanti e in molti casi poco lusinghiere la pellicola con Davis e Kilmer è riuscita a conquistare il pubblico grazie ad una storia che per quanto semplice è molto avvincente. Se è indubbio che la storia raccontata in Willow non sia del tutto originale visto che è il più classico dei viaggi dell’eroe, d’altra parte essa ha il pregio di riuscire ad emozionare e coinvolgere lo spettatore a distanza di quasi 30 anni. Probabilmente ha un finale un po’ frettoloso ma ciò non toglie che rimane un film adatto a tutti e che nonostante l’accoglienza non proprio calorosa al botteghino resta uno di quei cult da vedere.

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Punto di forza è sicuramente la colonna sonora scritta da James Horner ed eseguita dalla London Symphony Orchestra. Influenzati da componimenti come la Messa glagolitica di Leos Janacek, dal Requiem di Mozart, Danza araba di Edvard Grieg, composizioni di Sergei Prokofiev e molti altri, la colonna sonora di Willow riesce a fondere alle scene un senso di mitologia e completezza uniche e nonostante sia molto presente è tutt’altro che invasiva.

Senza dubbio Willow è una pellicola con non pochi difetti e probabilmente appartiene a quei prodotti validi ma girati nel periodo sbagliato ma resta comunque un film genuino, divertente e di grande intrattenimento, un cult da recuperare se non lo avete visto.

11 Settembre 2016 0 comment

Marvel Studios Recensioni

Captain America: Civil War, la recensione

written by Emanuele Bianchi

Il terzo principio della dinamica asserisce che ad ogni azione corrisponde una reazione uguale e contraria. Tale principio si può applicare tranquillamente alla vita di tutti i giorni, in particolare a quei momenti in cui ci si trova davanti ad una decisione che la vita te la può cambiare, per sempre.

“Vittime” di tale principio in Captain America – Civil War sono Steve Rogers/Captain America, Tony Stark/Iron Man e tutti gli Avengers che a seguito degli eventi dei film precedenti e di un nuovo errore commesso in missione in questo capitolo ora sono costretti ad affrontare le conseguenze delle loro azioni e a prendere una decisione che cambierà ogni cosa.

Liberamente tratto dall’omonima saga a fumetti, di cui riprende solo il titolo e lo scontro tra due fazioni di supereroi (una favorevole e una contraria alla registrazione di persone con poteri sovrumani), il film di Anthony e Joe Russo sin dal principio non solo semina indizi che si riveleranno pezzi di un puzzle complicato e intrigato che da un lontano passato tornerà a far danni, ma ci porta sin da subito nel pieno dell’azione.

Dopo un breve e misterioso incipit che vede protagonista il Soldato d’Inverno – personaggio chiave del film poiché è uno dei motori scatenanti dell’azione – troviamo i nuovi Avengers impegnati in una difficile missione contro il temibile Crossbones, nuovo super criminale nonché uno dei nuovi personaggi presenti in Captain America – Civil War.

Sarà proprio da questa missione per catturare Crossbones che gli Avengers commetteranno l’errore che metterà le basi che culmineranno con la loro divisione e lo scontro tra eroi. A causa di questo, infatti, l’ONU deciderà di mettere le persone dotate di poteri sotto la propria giurisdizione per evitare nuove tragedie. Gli Avengers dovranno quindi decidere se divenire soldati governativi o continuare ad agire come sempre ma da criminali. E sarà proprio questa la decisione che i membri del gruppo dovranno prendere e che avrà grandi ripercussioni sia sul film in sé che sul Marvel Cinematic Universe.

I fratelli Russo portano sul grande schermo tutti i dubbi e le incertezze di persone con poteri straordinari che sono consapevoli di dover vivere con il fardello di non riuscire a salvare tutti. Cosa vuol dire essere eroi? È questa la domanda a cui nessuno dei protagonisti è riuscito ancora oggi a dare una risposta. Perché nonostante gli Avengers abbiamo salvato il mondo più volte è impossibile riuscire a salvare tutti e Cap questo lo sa bene, al contrario di Tony Stark che si farà divorare dai sensi di colpa e si farà guidare da loro nella sua decisione.

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Questo è il tema principale e filo conduttore di Captain America – Civil War che mostra come due grandi amici possano diventare nemici a causa di diversi punti di vista riguardanti lo stesso argomento e di come il non arretrare di un millimetro dalle proprie posizioni possa avere effetti devastanti.

Dividendo la pellicola in due parti i due registi riescono a creare il giusto mix tra azione e momenti di calma. Se nella prima parte vengono seminati lentamente i motivi dell’odio e del dubbio che poi sbocceranno nello scontro tra Cap ed Iron Man, nella seconda entriamo nel pieno dell’azione che accelera lentamente ma inesorabilmente fino ad esplodere nei due scontri tra gli ex-amici e dove verrà rivelata la verità che si cela dietro tutti ciò che è successo.

Grazie ad una trama bilanciata e ben gestita – in cui non mancano momenti fiacchi o non eccessivamente coinvolgenti – nonostante la molta “carne messa al fuoco” Captain America – Civil War è un film avvincente e ricco di azione che piacerà sicuramente agli amanti del genere… ma non solo.

Lo scontro che vede protagonisti i 12 supereroi protagonisti – si avete letto bene, ci sono ben 12 supereroi – è ben narrato e ritmato grazie, soprattutto, alla doppia regia che riesce a portarci nel pieno della vicenda, in particolare per quanto riguarda i combattimenti che risultano essere adrenalinici, trascinanti, ben coreografati e molto chiari. Ancor più che negli altri film si capisce cosa sta avvenendo durante gli scontri, salvo qualche rara eccezione troppo frenetica.

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Più che apprezzabili sono l’inserimento nella storia di Pantera Nera e Spider-Man. Se T’Challa re di Wakanda entra nella storia in maniera più che naturale e risulta praticamente perfetto, l’amichevole Uomo Ragno di quartiere viene inserito più forzatamente e per quanto il suo carattere rispecchi quello del personaggio che tutti conosciamo risulta un po’ macchietta. Nonostante ciò i due personaggi sono più che promossi.

Discorso a parte per Crossbones ed Helmut Zemo, i due antagonisti. Se il primo è poco più di un’apparizione, il secondo risulta quasi un’ombra che ha molto poco da dire e nonostante sia il villain principale è fin troppo poco incisivo.

Nonostante vi siano personaggi poco utilizzati, come Sharon Carter/Agente 13 figura più che rilevante nel fumetto, o gli “istituzionali” William Hurt e Martin Freeman, risulta ben narrata l’evoluzione del rapporto tra Wanda e Visione e i dubbi esistenziali che attanagliano quest’ultimo.

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Ovviamente non mancano i consueti momenti comici i quali se da una parte rispetto ai film precedenti risultano più “raffinati”, dall’altra a volte risultano fuori contesto. In ogni caso riescono nel loro intento di divertire lo spettatore ed alleggeriti momentaneamente la tensione. Una lieve boccata d’ossigeno prima di una lunga immersione.

Nonostante risulti più un film sugli Avengers che sul Primo Vendicatore e con una durata forse eccessiva (147 minuti) ma più che comprensibile visti i molti avvenimenti narrati e ad un ritmo un po’ altalenante, Captain America – Civil War è un film che grazie ad una storia lineare ma misteriosa, a scene esaltanti e coinvolgenti, citazioni, ironia e a temi importanti (è giusto privarsi della libertà per una maggiore sicurezza?) riuscirà a conquistare lo spettatore. Da vedere.

N.B.: Non mancherà il cameo del mitico Stan Lee e ovviamente non alzatevi prima dei titoli di coda per l’immancabile scena extra.

1 Maggio 2016 0 comment

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