Film

Per parlare di Oceania 2, non si può prescindere dalla sua peculiare storia produttiva, che vale la pena ripercorrere brevemente per comprendere al meglio l’opera.

Il sequel è nato in origine come serie Tv, in un periodo storico in cui l’azienda aveva reso Disney+ la priorità assoluta, impegnando tutte le divisioni in una produzione massiccia di contenuti per lo streaming. Per i Walt Disney Animation Studios, la scelta non poteva che ricadere su Oceania, un film diventato nel tempo un vero e proprio sleeper hit. Infatti, dopo il risultato discreto ma non eccezionale al box office, oggi risulta essere il titolo più visto in assoluto non soltanto su Disney+, ma trasversalmente a tutte le piattaforme esistenti. Il progetto avrebbe segnato un nuovo inizio per i WDAS, che finalmente si sarebbero dedicati a proseguire le loro storie in prima persona, lasciandosi alle spalle la confusione con Disney Television, che aveva curato serie come La sirenetta, Hercules o A scuola con l’imperatore. Per l’occasione era stata aperta anche una nuova sede distaccata a Vancouver, popolata da artisti giovani e da voci nuove.

Nel frattempo, però, c’è stata una pandemia, l’industria è cambiata e lo streaming si è rivelato un modello di business insostenibile. Per di più, Disney Animation è in crisi: da Frozen 2 in poi, con la parziale eccezione di Encanto, non ne ha imbroccata una, e i flop di Strange World e Wish hanno reso assolutamente impellente il bisogno di una hit sicura al botteghino. Ed ecco dunque che Bob Iger è corso ai ripari, ordinando che Oceania 2 fosse riscritto e ri-animato in fretta e furia (il lavoro è stato svolto in meno di un anno) per approdare infine sul grande schermo.

Com’è, dunque, questo “film che non doveva essere un film”? Di buono c’è che il riassemblaggio è stato curato bene: Oceania 2 non appare più episodico del primo, ha un inizio, uno svolgimento e una fine, e l’arco narrativo della protagonista Vaiana si compie senza intoppi. Insomma, non si ha la percezione che siano puntate montate insieme. L’opera trasuda anche amore e rispetto per le caratteristiche che hanno reso il primo capitolo tanto apprezzato dal pubblico: da una parte l’eroina classica, che sogna qualcosa in più dalla vita, dall’altra la sensibilità tutta moderna di trasformarla nella leader del suo popolo, del quale si rappresentano con grande accuratezza i rituali, le tradizioni, la mitologia e i costumi.

E però, il passaggio da serie Tv a lungometraggio comporta anche delle rinunce. La prima è, tristemente, sul piano visivo: alla CGI eccellente, assolutamente all’altezza delle precedenti produzioni WDAS, non si accompagna alcun tipo di ricerca estetica e stilistica, come invece era accaduto per Frozen 2 e Ralph Spacca Internet, che erano film artisticamente autonomi rispetto ai loro predecessori. La storia, poi, appare compattata e mutilata, e finisce per introdurre moltissimi elementi che non vengono mai realmente sviscerati, a partire dai due “cattivi” Matangi e Nalo, dei quali uno non compare mai realmente sullo schermo, mentre l’altro viene presentato e poi rapidamente abbandonato. Lo stesso si può dire per Loto, Kele e Moni, i membri della ciurma di Vaiana, di cui non ci viene raccontato praticamente nulla, e persino per Maui, che ha moltissimo spazio, ma che in sostanza ricopre un ruolo di supporto ben poco incisivo.

Ci sono, infine, una serie di scivoloni che rendono Oceania 2 un film del tutto minore, una sorta di DisneyToon che ce l’ha fatta. La prima è quella di pretendere di alzare la posta in gioco, ricalcando però in tutto e per tutto la struttura narrativa elementare del primo film. Con Oceania, John Musker e Ron Clements avevano realizzato un classico Disney di una volta: i protagonisti partono per un viaggio, fanno degli incontri con personaggi più o meno buffi, si canta qualche numero musicale, si sfida l’antagonista e infine si torna a casa. Qui, però, c’è l’intenzione di toccare vette epiche e drammatiche completamente differenti: c’è una profezia, si afferma che Vaiana partirà per un viaggio da cui potrebbe anche non tornare, si parla di morte e di restare in mare per settimane, se non per mesi. Peccato che nulla di ciò che viene espresso a parole trovi poi riscontro nel film, in cui l’isola così introvabile… viene trovata praticamente subito, e in cui gli sparuti tentativi di creare tensione drammatica vengono soffocati facilmente. Manca anche Lin-Manuel Miranda, e la sua assenza pesa: la colonna sonora è debole, le canzoni non sono incisive e le sequenze musicali sono visivamente poco ispirate (addirittura, per quella di Maui è stato ricalcato in tutto e per tutto lo stile di You’re Welcome…).

Insomma, Oceania 2 e la sua scena post credits che strizza l’occhio alla Marvel ci hanno lasciato combattuti. Forse avrebbe funzionato meglio come serie Tv, forse avrebbe necessitato di un tempo di lavorazione più lungo. Di sicuro è ciò di cui lo studio ha bisogno: farà tanti soldi, e questo è un bene. Che non diventi una prassi, però: dai prossimi sequel dei Walt Disney Animation Studios ci si aspetta ben altro.

È un anno sfortunato per Disney. Che questo periodo coincida con quello del 100° anniversario dell’azienda è davvero triste ironia, tuttavia non è la prima volta che un danno all’immagine porta alla disaffezione del pubblico, e la cura molto spesso è solo una: togliersi dalla testa che Disney sia un monolite unitario, e guardare al percorso e alla filmografia dei singoli studi, riabilitando chi ha sempre lavorato bene e coerentemente con la propria poetica. È il caso ad esempio dei Walt Disney Animation Studios, che in quest’anno propongono al cinema Wish, una “fiaba delle fiabe”, un origin story semplice, a tratti maldestra e con tanto cuore, che vuole riflettere proprio su questo: che cosa significa essere Disney nel 2023, con cento anni di storia alle spalle.

Non possiamo che partire dalla tecnica, di cui la critica – ingiustamente – non sta parlando, e che quindi nomineremo per prima. Wish porta a compimento un percorso che partiva da Paperman (2012) e che finora si era ritagliato qualche spiraglio qua e là, senza mai riuscire a sfociare nel tanto agognato lungometraggio. La gestione scellerata da parte dei piani alti ha fatto sì che una tecnica di cui i Walt Disney Animation Studios erano stati pionieri sia stata adottata e perfezionata prima e meglio da altri studi, dando vita a una rivoluzione dell’animazione in cui a rimanere indietro sono stati proprio coloro che l’avevano inventata, destinati a ripetere ancora e ancora lo stesso “modello Frozen”. Stavolta però ci siamo veramente: Wish riesce a trovare il compromesso tra linea e tridimensionalità e lo applica all’eleganza della character animation Disney. Il lavoro sui personaggi a dir la verità ha ancora qualche sbavatura, mentre a risaltare sono soprattutto gli splendidi fondali che omaggiano il grandissimo concept artist Gustaf Tenggren (Biancaneve, Pinocchio). Dietro a questa meraviglia c’è il production designer Michael Giaimo, che lavora a questa tecnica pittorica dai tempi del mai realizzato Rapunzel Unbraided e del quale finalmente possiamo ammirare la visione senza filtri e senza trasposizioni penalizzate dalla CGI. Notevole anche il lavoro del reparto VFX, che integra a meraviglia degli effetti pseudo-bidimensionali e che soprattutto realizza quel piccolo capolavoro della stellina Star.

La storia è invece la componente più incerta e traballante dell’opera. L’obiettivo conclamato del film è quello di proporre un racconto semplice, che richiami le fiabe classiche, senza particolari twist o complessità. La banalità è solo apparente, ovviamente: Wish è in realtà un film pieno di finezze che si nascondono sotto la superficie (bellissimo, ad esempio, il rovesciamento della tradizionale canzone d’amore Disney, che qui diventa un duetto tra la protagonista e il cattivo, in cui l’oggetto dell’interesse amoroso è… il popolo di Rosas). Ma è anche un film di Jennifer Lee, con tutti i difetti che questa sceneggiatrice si è sempre portata dietro. A fronte di una forte sensibilità nella creazione dei personaggi, non sempre l’autrice riesce a bilanciare i diversi toni del racconto; a farne le spese qui è soprattutto la tensione drammatica, che sembra sempre sul punto di decollare ma non centra mai totalmente il bersaglio. Gli ostacoli si superano con grande facilità, l’antagonista si limita a qualche ghigno e minaccia e in generale c’è un senso di rassicurazione e sicurezza, anche laddove si dovrebbe temere per la sorte dei protagonisti. Dai tempi di Frozen, poi, Lee è solita descrivere o commentare verbalmente ciò che accade sullo schermo, una pratica ingenua e francamente proprio sbagliata per un film d’animazione. In un cartoon, a parlare e suggerire l’azione dovrebbe essere anzitutto l’immagine: i suoi personaggi, invece, non fanno mai silenzio, rimarcando continuamente l’ovvio e finendo per spezzare potenziali momenti contemplativi.

Pregi e difetti, dunque, ma non c’è dubbio che sia un prodotto creato con cura e amore. Wish è un’opera importante, che è insieme tributo, film manifesto, ponte e spartiacque tra passato e presente. Lungi dall’essere una fredda marchetta o una parata di easter egg, riesce in un’impresa difficile: omaggiare quello che Disney è stata, e allo stesso tempo costruire nuove fondamenta reinventando una tradizione che ha costante bisogno di rinnovarsi. Il miracolo è che questo avvenga, coerentemente, su tutti i fronti: non solo quello narrativo e quello visuale, ma persino quello simbolico. Senza “spoilerare” troppo, il ruolo che l’eroina Asha assume nel pantheon Disney è una dichiarazione d’intenti coraggiosa, che riposiziona lo studio su un piano storico e ideologico moderno, creando però un filo diretto con la sua eredità. Dunque si è detto che Disney si è persa: può forse valere per la Company e le sue mille anime conflittuali, ma non certo per i Walt Disney Animation Studios, che proprio con Wish dimostrano – seppur in maniera ingenua e non priva di compromessi – di aver molto chiaro da dove vengono e dove stanno andando.