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Big Hero 6 – la recensione del Blu Ray 3D

L’8 aprile è uscito in DVD, Blu Ray, Blu Ray 3D e in una esclusiva edizione steelbook “Big Hero 6”, l’ultimo Classico targato Walt Disney Animation Studios che strizza l’occhio al mondo Marvel, senza perdere il suo cuore Disney. Abbiamo recensito per voi una copia del Blu Ray 3D.

“Il film racconta la storia dell’enfant prodige esperto di robot Hiro Hamada, che impara a gestire le sue geniali capacità grazie a suo fratello, il brillante Tadashi, e ai suoi amici: l’adrenalica Go Go Tamago, il maniaco dell’ordine Wasabi No-Ginger, la maga della chimica Honey Lemon e l’entusiasta Fred. Quando una serie di circostanze disastrose catapultano i protagonisti al centro di un pericoloso complotto che si consuma sulle strade di San Fransokyo, Hiro si rivolge a Baymax, e trasforma il suo gruppo di amici in una squadra altamente tecnologica, per riuscire a risolvere il mistero”.

Parleremo solo velocemente del film, rimandandovi alle nostre recensioni complete QUI e QUI.

Big Hero 6 è un film che funziona molto bene, svolgendosi senza intoppi. Tuttavia, quello che rimane a fine visione è un leggero sapore amaro, di chi si ritrova davanti a qualcosa che poteva essere tantissimo, e invece è solo bello. Nel particolare, quello che non funziona è l’utilizzo che si è fatto di situazioni, moventi e personaggi con potenzialità estremamente alte, che però risultano sprecate in una sequenza di eventi che non rende loro giustizia. La pubertà, il movente del cattivo, quello che capita a Hiro, la vicinanza degli amici sono questioni dall’enorme potenza espressiva e emotiva, che non riescono a sfondare la quarta parete e vengono trattate in maniera sommaria e veloce. Va comunque detto che il film è bellissimo da vedere anche con questi difetti

Quello che colpisce è la carica di elementi innovativi che vengono portati nella tradizione dei Classici Disney. L’ambiente universitario, San Francisco, gli innesti di cultura giapponese sono tutti elementi e influenze prese dalla cultura contemporanea e trasposti nel film senza filtri o alterazioni. Probabilmente solo i Robinson aveva precedentemente osato tanto.
L’altro grande fattore, di cui sono rimasto particolarmente colpito, è quello di rendere protagonista un robot infermiere. Può sembrare una cosa secondaria, ma se si guarda all’immaginario cinematografico della robotica (fatto di Transformers, bot duelli, macchine da guerra), la scelta di un robot infermiere, ovvero un robot socialmente utile che grazie al suo aspetto coccoloso e ai suoi strumenti è creato per curare, dare sostegno e aiutare le persone; appare assolutamente innovativa.

BLU RAY

L’edizione si presenta in linea con le ultime uscite: la slipcover è un’esclusiva solo dell’edizione 3D, con un effetto metallizzato e cornice grigia. All’interno contiene il disco Blu Ray 3D serigrafato e il Blu Ray invece blu, come potete vedere nelle foto in calce.

Dal punto di vista tecnico, la qualità video è spettacolare. Sarete sommersi da una quantità di dettagli e un fotorealismo spaventosi, che realmente colpisce e dimostra il grande livello tecnico a cui sono arrivati i WDAS. Inoltre, il menù animato è veramente degno di nota, con i sei supereroi che mostrano i loro poteri in una breve sequenza d’impatto.
Il 3D casalingo si dimostra sempre una spanna sopra quello cinematografico, e regala una profondità da togliere il fiato. Le viste della città sono uno spettacolo visivo che da solo vale tutta l’edizione, ma al di là dei spettacolarismi, funziona egregiamente per tutta la lunghezza del film.
L’audio italiano invece viene presentato nel solito DTS 5.1. Come traccia funziona perfettamente anche con questa codifica, ma di certo non tiene testa all’audio in alta definizione riservato al Tedesco e Inglese.

CONTENUTI SPECIALI

Due anteprime esclusive
Il trailer di Inside Out, che mostra le emozioni nella storia dei film Pixar, per poi presentare il film di Pete Docter in uscita a settembre 2015.
L’altro trailer è di Trilli e la creatura leggendaria, film dei DisneyToon Studios in uscita in home video il 20 maggio.

L’Origine di Big Hero 6
In questo Making of, Jamie Chung (la doppiatrice originale di GoGo Tomago) ci porta a scoprire le fasi di realizzazione del film. Seguono poi una serie di interviste a Don Hall e Chris Williams (i due registi del film) e a Roy Conli (produttore), che ci parlano delle sfide affrontate durante la produzione. Si parte dalla problematica base della storia, ovvero come riuscire a creare un film di supereroi, mantenendo la struttura e l’anima del Classico Disney. Si parla poi dell’importanza del rapporto tra i due fratelli. È stato particolare il fatto che Don Hall, in quanto figlio unico, ha chiesto ai membri dell staff di raccontare il loro rapporto con i propri fratelli, per creare delle dinamiche il più possibile realistiche. All’interno dei WDAS si tengono poi periodicamente delle riunioni di tutti i dipendenti, anche quelli che lavorano ad altri progetti, per avere un feedback sullo sviluppo del progetto, su possibili criticità e quant’altro. Per realizzare Baymax è stata fatta una ricerca sull’avanzamento della tecnologia robotica, anche quella ancora teorica, per fare in modo che il film si basasse su realtà scientifiche e tecnologiche solide. Don Hall e Roy Conli ci parlano poi della scena del volo, che ha un significato molto più profondo di quanto possa sembrare. Infatti, il volo è quel sogno che ogni persona ha fin da quando è bambino, e Hiro riesce a realizzarlo. E lo fa insieme a Baymax, e questo rappresenta il momento in cui i due riescono ad entrare realmente in simbiosi. Inoltre, la scena di volo permette una vista d’insieme della città. La sua realizzazione è stata molto ardua, in quanto unisce le astmosfere di San Francisco a quelle di Tokyo. È stato creato un software apposito, Hyperion, per poter gestire in maniera estremamente realistica la luce della città e degli ambienti esterni,

Big Animator 6
Una breve discussione tra gli animatori dei personaggi principali di Big Hero 6, che raccontano delle difficoltà nell’animazione dei vari personaggi. In particolare, l’attenzione è su come caratterizzare i personaggi utilizzando delle differenti movenze.

Il Corto di Topolino Odissea a Tokyo
Realizzato dai Disney Television Animation, è la simpatica avventura di Topolino che cerca di andare a lavorare con gli avanzati mezzi di trasporto giapponesi. Alla fine c’è anche un simpatico cameo di Casimiro.

Scene Eliminate

Una sequenza iniziale alternativa con Hiro che racconta la sua storia di quando era bambino e ha iniziato ad approcciarsi ai robot.
Un altro incipit alternativo, che raccontava l’incidente alla figlia del professore. Questa scena però è stata poi utilizzata come flashback nella versione finale del film
Yokai recluta altri cattivi per creare un gruppo criminale più forte, la scena è stata tolta perché poi la storia è stata modificata in altro modo.
Una scena con Hiro che esce furtivamente di casa la notte, aiutato da Fred.

In definitiva è un’edizione assolutamente consigliata, in quanto propone il film al massimo delle sue possibilità visive, con un livello di dettaglio e realismo veramente notevole e un 3D che vi lascerà incantati.
Anche i contenuti speciali, seppur brevi, sono molto interessanti e approfondiscono sufficientemente la storia del film.

Se non l’avete ancora preso, correte ad acquistarlo!

13 Aprile 2015 0 comment

Animazione Americana Recensioni

Humandroid – La Recensione!

written by Jacopo Iovannitti

Nelle sale dal prossimo 9 Aprile, prodotto e distribuito dai Sony Pictures Studios, Humandroid: è la storia di ogni bambino che viene al mondo, pieno di promesse, e in particolare di Chappie, dotato, speciale, un vero prodigio. Ma c’è una cosa che rende Chappie diverso da tutti gli altri: lui è un robot. Il primo robot capace di pensare e provare sentimenti autonomamente. La sua vita, la sua storia, cambieranno il modo di vedere umani e robot per sempre.

Dotato di un’ottima regia ad opera di Neil Blomkamp, che conferma il clamore creato intorno a lui dai suoi precedenti film, District 9 e Elysium, il lungometraggio è tutto perfettamente collegato, dalla prima sequenza fino all’ultima scena, grazie ai giusti tempi d’azione e di crescita. Ci sarà ben poco da annoiarsi. Scritto perfettamente a quattro mani dallo stesso regista e da Terri Tatchell, con la quale ha sviluppato qualche anno fa il già citato District 9. La pellicola cammina sui desideri più usuali dell’uomo. Innumerevoli sono le volte che l’essere umano ha desiderato di creare qualcosa di unico, da zero, come altrettante sono state le volte che ha desiderato potere, forza e ricchezza, controllando ciò che lo circonda, ciò che ci circonda, rendendosi invulnerabile. Con il passare delle ere, dei secoli e degli anni, proprio per portare avanti questi desideri, siamo arrivati a sviluppare nuove tecnologie e a superare i limiti posti dalla natura. Ma non sempre siamo riusciti a farlo senza sacrifici, dolore o morte. Ogni volta la lezione non viene appresa, si spera sempre di poter ottenere ciò che si vuole senza alcun danno o effetto collaterale. Quando tutto ciò accade… chi è il vero cattivo? Ciò che si scatena o chi ha causato tali disgrazie? Gli uomini avidi di denaro, l’industria che non guarda in faccia a nessuno cambiando parere in base al successo o l’invidia più profonda nei confronti di chi in modo del tutto lecito realizza i propri progetti? Ed in questo truce mondo, come si può crescere, distinguere il bene dal male, scegliere uno dei due lati? Eppure Chappie dovrà farlo. In questo clima di tensione sarà l’unico personaggio non umano, almeno non fisicamente, che ci mostrerà (come se fosse uno specchio) com’è il mondo, come si suddivide e come si scontra. Ricco di auto-ironia andrà alla ricerca di sè stesso riflettendo sulla propria identità e sulla correttezza delle proprie azioni.

Nonostante un cast che vanta nomi del calibro di Hugh Jackman nei panni del cattivo che sembrano stargli sempre meglio, di Sigourney Weaver tornata sul grande schermo in una effimera parte da magnate e del giovane attore indiano Dev Patel che sembra migliorare di film in film, risultano tutti inesistenti rispetto al carismatico Chappie, realizzato in modo perfetto e del tutto credibile.

Con una fotografia ed un’estetica caricaturale che a tratti sembra esser uscita da un videogioco “openworld” di qualche anno fa, il film è ricco di riferimenti al mondo Nerd che negli ultimi anni sta prendendo sempre più piede, ispirandosi saltuariamente alla cultura degli anni ottanta. Il tutto è posto in risalto dalla una sorprendente e ben fatta colonna sonora che potrebbe esser tranquillamente considerata musica d’autore per discoteche. Se poi diciamo che è stata composta principalmente da Hans Zimmer, comprenderete in modo più che chiaro la mia precedente affermazione.

All’apparenza Humandroid è sviluppato su argomenti che fanno parte della nostra quotidianità, la lotta fra il bene e il male, la tecnologia e l’evoluzione umana, tuttavia se l’uomo doveva insegnare come vivere a Chiappie, sarà proprio Chiappie a insegnare all’uomo come vivere. Aspettandomi un film carino, sono uscito dalla sala dopo aver visto un piccolo capolavoro, emozionante e completo.

6 Aprile 2015 0 comment

Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Into The Woods – La Recensione!

written by Jacopo Iovannitti

– I Wish…

Spesso desideriamo ciò che più ci attrae, senza capire se questo sia ciò di cui abbiamo bisogno. Spesso immaginiamo principesse desiderose di partecipare ad un ballo regale con un sontuoso vestito e sfavillanti gioielli. Ancor più spesso crediamo che i bambini siano semplici esseri ingenui e sprovveduti, che non sappiano imparare dai propri errori. E, soprattutto, spesso banalizziamo che nelle fiabe ci sia sempre un lieto fine, che la giustizia sia sempre tale e trionfi su tutto.

Eppure non sempre è così. Into The Woods, il nuovo film dei Walt Disney Pictures Studios che finalmente il 2 Aprile giungerà nelle sale italiane, ce lo dimostra. In ritardo di tre mesi dall’uscita americana e basato sul popolare ed omonimo spettacolo di Broadway, unisce in chiave ironica quelle che sono alcune delle più popolari fiabe che da generazioni ci vengono tramandate e narrate fin da bambini: Raperonzolo, Jack e Il Fagiolo Magico, Cappuccetto Rosso e Cenerentola unendole tra loro tramite una vicenda del tutto nuova incentrata su un panettiere e sua moglie, sul loro desiderio di formare una famiglia e sul rapporto con la strega che ha gettato su di loro una terribile maledizione rivoltatasi contro sè stessa.

Ogni singolo personaggio, come potrete vedere fin dal prologo, è mosso dalle proprie ambizioni, egoistiche, pure o sognatrici che siano, ma ognuno di loro dovrà affrontare la dura realtà della vita: tutto ha un prezzo, bisogna stare attenti a cosa si desidera, capire se lo si vuole davvero, se è ciò che si cerca e non solo ciò che incanta. La linea fra l’una e l’altra cosa risulterà esser più sottile del solito. Perchè “dentro la foresta” tutto è possibile, si possono incontrare strane creature, essere salvati o salvare. In altre parole, Into The Woods è un percorso interiore sulla responsabilità delle proprie azioni. E mai avremmo potuto immaginare che proprio la Walt Disney Company potesse prendersi l’incarico di portare al cinema una simile storia, che in un certo senso rende ingenui e faciloni alcuni fra i suoi personaggi più famosi (ed anche perché l’opera originale è ricca di riferimenti poco opportuni per il pubblico familiare alla quale la major si rivolge principalmente, ma che nonostante tutto ritroverete in minima parte). Forse, proprio per questo, la morale viene in un certo senso nascosta, detta fra le righe, in un finale troppo repentino rispetto al resto della narrazione, divisa in un due evidenti atti come il musical originale, ricchi di canzoni che vanno scemando per esser sostituiti da azioni e dialoghi nella parte centrale. Ma questa colpa, forse, è di un deludente Rob Marshall, che oltre ad aver diretto l’ultimo capitolo della saga di Pirati dei Caraibi in collaborazioni con gli stessi Walt Disney Pictures Studios, ha diretto qualche anno prima con estrema bravura altri due grandi musical: Chicago e Nine. Certamente non potevamo aspettarci che qualcosa di grandioso anche per questa ennesima trasposizione.

Ad ogni modo il lungometraggio vanta un cast stellare e più che intonato: da una grandissima Meryl Streep che si è aggiudicata con il suo ruolo la diciannovesima candidatura agli Oscar e che dopo Mamma Mia è in grado di farci venire nuovamente i brividi passando da S.O.S degli ABBA alla sentita “Stay with Me” o alla ben più forte e teatrale “The Last Midnight“, ad un repentino ed ammiccante Johnny Depp, all’incerta Cenerentola di Anna Kendrick, alla coppia cui spetta l’arduo compito di spezzare la maledizione composta da James Corden e Emily Blunt, ai due auto-ironici principi che altri non sono che il conosciuto Chris Pine (lanciato sullo scherno dalla stessa Walt Disney Company in Pretty Princess 2 – Principe Azzurro Cercasi) ed il biondo ed innamorato Billy Magnussen che vi incanteranno in modo tutt’altro che romantico con la loro “Agony“, per finire con la vera rivelazione di questa squadra, i due bambini Lilla Crawford e Daniel Huttlestone, rispettivamente Cappuccetto Rosso e Jack.

I costumi e gli scenari, poi, rispettivamente dei premi Oscar Colleen Atwood (Chigaco, Nine, Alice In Wonderland) e Dennis Gassner (Skyfall), risultano in perfetta sintonia fra loro nonostante la diversa gamma di colori. Se all’interno di un forno troverete giustamente una scala di bianchi, panna e ocra, gli abiti indossati viaggeranno sul rosso, sul marrone e sul blu, mettendosi in risalto fra di loro. Ed è stata vinta la sfida che si son trovati entrambi a combattere sul non cadere in stereotipi fiabeschi già visti. Ben ripresa è la colonna sonora di Stephen Sondheim, della quale abbiamo già citato alcuni brani, per quanto alcune canzoni siano state eliminate. Chiaramente grande importanza ha quest’ultima, essendo il film un musical. Fra assoli e cori uscirete con più di un motivo in testa. E nonostante i fastidiosi sottotitoli italiani, che certamente aiutano un pubblico più piccolo, si riuscirà perfettamente a capire la lingua e a restare incantati.

In definitiva, sicuramente è un film da vedere e soprattutto ascoltare, di base auto-critico e satirico sugli archetipi fiabeschi, oggi più che mai di moda grazie ai continui remake, che purtroppo non riesce a mantenere chiaro questo suo stile sulla fine. Non un’occasione totalmente sprecata, ma certamente non raggiunta in pieno. La trasposizione di un musical che ha davvero originato nel 1986 il filone che ha creato serie come Once Upon a Time. E solo per questo non potete perderlo.

27 Marzo 2015 0 comment

Editoria Recensioni

[RECENSIONE]: Topolino e l’Impero Sottozero

written by Irene Rosignoli

Per recensire l’ultimo capolavoro di Casty servivano due ospiti speciali.
La prefazione dell’articolo è curata dallo Youtuber KforKaos (QUI il suo canale, QUI Twitter), mentre il corpo della recensione è di Simone Tribuzio del blog Ju Caffè (QUI Twitter), già collaboratore di Tunué e Fumettologica.

I nomi non vi hanno ancora convinto? Aspettate di leggere cosa hanno da dire su Topolino e l’Impero Sottozero…

Rimango sempre stupito di fronte a Casty, alla sua bravura, alla sua capacità di intrecciare storie sempre nuove, sempre originali e innovative, ma sempre così classiche. Così Disney.

Con “Topolino e l’impero sottozero” il Castellan non si smentisce, firmando il suo ultimo kolossal su carta – che va a comporre la seconda parte della sua ideale “trilogia di Atomino”, di cui “Topolino e gli ombronauti” aveva rappresentato il primo capitolo.

Una storia incredibile da tutti i punti di vista: scrivere il personaggio di Atomino non è per nulla facile, essendo l’atomo ingrandito un deus-ex-machina vivente (motivo, questo, che spinse il suo stesso creatore Romano Scarpa al suo “ritorno forzato” nella Dimensione Delta), ma Casty qui, ancora meglio che negli Ombronauti, lo sfrutta alla perfezione evitando di causare fastidiosi buchi narrativi; inoltre la vicenda è molto appassionante, scritta in modo da tenere sempre il lettore sulle spine, nonostante ci sia spazio sia per grandi emozioni nel finale sia per sapienti battute nel corso della storia. Dal punto di vista dei disegni, si tratta probabilmente della vetta più alta raggiunta dall’autore nella sua carriera. Spettacolari e di grande impatto.

Che dire, poi, del recupero funzionale e assolutamente non fine a se stesso di Nataniele Ragnatele, grande caratterista scarpiano da “Topolino e Bip-Bip alle sorgenti mongole” e dell’intreccio pazzesco tra fatti storici e leggende, realtà e mito, attualità e fiaba?

Casty ha firmato il suo ennesimo capolavoro, ponendo un altro tassello nella sua grande opera di proseguimento della tradizione delle grandi avventure di Topolino iniziate con Gottfredson, continuate con Scarpa e riprese dal talentuoso autore goriziano.
Grazie, Casty, e cento di queste storie!

Le prime cinque tavole pubblicate sul numero 3091 di Topolino avevano trasmesso per bene il mood di quella che sarebbe stata la storia – probabilmente – più forte per narrazione e – molto probabilmente – graficamente eccelsa dell’autore Andrea Castellan, meglio conosciuto come Casty.

Se nell’introduzione ci si stava avvicinando alla tormenta di neve, nella prima parte (Topolino 3092) si viene subito avvolti da un gelido manto di mistero, che presto avrà tutte le risposte.

La storia inizia con un giro turistico di Topolino, accompagnato dall’antiquario Nataniele Ragnatele (personaggio ottimamente ripescato dal mucchio di Romano Scarpa) e dall’altro personaggio scarpiano Atomino Bip-Bip (coinvolto da Casty per la prima volta nel suo kolossal Topolino e gli Ombronauti). I Nostri stanno ammirando una pattinatrice di nome Helis che, leggiadra, si esibisce tra la gente su una pista ghiacciata. Non per niente è famosa come “la farfalla delle nevi.” Con questa, i tre protagonisti hanno sin da subito un forte legame d’amicizia. Presto faranno la conoscenza anche dello zio della giovane pattrinatrice sovietica, Ulian.

La sera stessa Helis si esibirà al Palazzo di Ghiaccio in una delle sue gare di pattinaggio. Ma quando meno se lo aspettano i nostri, ecco che arrivano i guai! Degli algidi (in senso figurato e non solo) sconosciuti sequestrano la giovane per un motivo sconosciuto quanto arcano. Difatti l’antefatto risale alla glaciazione realmente avvenuta nel 1709, tanto forte da rendere la stessa laguna di Venezia tutta ghiacciata, per esempio! Il termometro scese fino ai – 35° in gran parte del continente europeo. Ma dietro tutto questo comandano i Cinque Ministri di Zerograd, capitale della “fredda” Gelonia: uno stato che sta appunto muovendo una grossa minaccia a livello mondiale. Solamente i Cinque Ministri muovono i fili di tutto? No, in realtà c’è lo zampino del sinistro Conte Dragpo; il suo piano è quello di aprire i cancelli della città perduta degli Iperborei, Agarthi! La figura del Conte nasconde tantissimi interrogativi che inquietano non poco il lettore, come inquietano le sue “dimissioni” di ogni ministro. Perché riaprire le porte di Agarthi? A quale pro tutto questo?

In un kolossal diviso in tre parti (senza contare l’intro composto da cinque tavole), Casty si porta a casa la storia più emozionante della sua intera produzione!
In termini grafici senz’altro è la più minuziosa, se si va a vedere solamente la terza ed ultima parte: l’ingresso ad Agarthi coglie di sorpresa il lettore e lo fa immergere completamente tra i ghiacciai.

Casty da qualche anno aveva in cantiere questa storia dai toni ancor più ambiziosi, ha attinto a piene mani dal mito di Agarthi e dalla storica, e già citata glaciazione avvenuta nel 1709; questi due elementi li ha poi uniti con un suo immaginario tutto da scoprire.

Parlando successivamente della narrazione, è pregna di battute centellinate nel corso delle tre puntate, trattasi di un humor genuino e sempre consono all’ambientazione (basti pensare al “clima” della storia); parte come una classica storia d’avventura vicino a Scarpa, proseguendo con dei toni drammatici. Successivamente, tra la seconda e la terza parte, il registro narrativo subisce una forte accelerata per assumere un climax ancor più drammatico (le battute di Helis a fine seconda puntata e a inizio terza, oppure la minaccia messa in atto dal Conte Dragpo). Arrivando alla fine, come una commovente storia dai toni fiabeschi, e con alcuni messaggi da cui trarre tantissimo insegnamento.

I personaggi si presentano tutti sfaccettati nei minimi dettagli: il Conte Dragpo (vedrete poi quale background presenta) e la ministra Aljoska spiccano per primi.

Questo Topolino e l’Impero Sottozero gioca con i soliti stilemi grafici di Romano Scarpa, fonde diversi generi letterari per raccontare non solo un evento climatico rimasto negli annali, ma avvince il lettore portandolo nel suo finale che “scalda” finalmente il cuore.

L’ho già detto che questa è la mia storia preferita dell’autore goriziano, vero?

20 Marzo 2015 0 comment

Recensioni Walt Disney Animation Studios

Frozen Fever – La Recensione!

written by Jacopo Iovannitti

Cosa succede ad Arendelle dopo la riappacificazione e il ritorno delle due sorelle ad una vita… normale? Questa è sicuramente una domanda che qualsiasi seguace di Frozen – Il Regno di Ghiaccio si è posto almeno una volta. La risposta arriva al cinema insieme a Cenerentola, grazie al cortometraggio Frozen Fever.

Elsa, Kristoff e Olaf sono intenti a preparare i festeggiamenti per il compleanno di Anna.
Questa è la semplice trama sulla quale si basa questo divertente contentino per i fan che tanto hanno chiesto un sequel (ipotizzato ma per il momento non confermato) del lungometraggio vincitore del Premio Oscar come Miglior Film d’Animazione nel 2014.

Ben animato, anche se non al livello del film originale a causa di un budget ovviamente minore, il cortometraggio prosegue sulla scia di Rapunzel – Le Incredibili Nozze, mostrando i nostri amati personaggi in situazioni decisamente comiche e dalla facile risata.

Pur essendo poco sorprendente, il corto è piacevole, ed anche se sostanzialmente comico ci regala comunque alcuni momenti commoventi, grazie alla tenerezza del piccolo Olaf e di alcuni suoi “nuovi” amici o al rapporto fra Elsa e Anna, che sembra esser sempre più importante. La prima, infatti, farà di tutto per recuperare gli attimi persi con la seconda, cercando di rendere perfetto il giorno del suo compleanno. Peccato che con i suoi poteri un semplice raffreddore può essere un problema complesso…

Il cortometraggio è musicale ed è accompagnato da una nuova canzone, “Making Today a Perfect Day“, sempre composta dai coniugi Anderson-Lopez. L’idea di rivedere all’opera il duo creatore della hit Let It Go era allettante, peccato però che il risultato è forzato e noioso, gioca eccessivamente con i temi delle canzoni del film originale e non presenta un proprio ritmo ben chiaro e scandito, bloccando i personaggi e non permettendo un’interazione parlata fra essi.

Nonostante quest’ultima critica, i fan del Regno di Ghiaccio non possono farsi sfuggire questa piccola avventura che, anche se fine a sè stessa, preferiamo di sicuro a un sequel completo.

6 Marzo 2015 0 comment

Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Cenerentola – La Recensione!

written by Jacopo Iovannitti

Sebbene possa sembrar semplice portare sul grande schermo una storia già ben costruita e conosciuta come Cenerentola, proprio questa sua notorietà può rivelarsi un’arma a doppio taglio. Se poi pensiamo che, senza ombra di dubbio, l’adattamento più conosciuto è quello animato nel 1950 dalla stessa Walt Disney, che ci ripropone dopo 65 anni la storia che ha fatto sognare intere generazioni, il gioco si fa certamente più interessante.

Eppure, la versione di Kenneth Branagh, pur non distaccandosi dal plot narrativo della fiaba originale, riesce a commuovere, a incantare e a stupire. Al contrario di live-action e remake commentati come Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata, sarebbe persino possibile comparare Cenerentola al classico da cui trae origine. I suoi punti di forza, infatti, sono proprio le differenze rispetto alla sua fonte d’ispirazione. Mentre il film uscito lo scorso anno non era stato in grado di spiegarci le vere origini di Malefica, Cenerentola non si limita a mostrarci con una piacevole ( ma drammatica) introduzione le origini di questa gentile e forte fanciulla, facendoci conoscere i suoi innamorati genitori, ma ci spiega anche il motivo per cui è così altruista e candida. E non è tutto, perché la pellicola ci fornisce anche delle informazioni per comprendere da dove venga la cattiveria della sua futura matrigna, Lady Tremaine.

Mettendo da parte i personaggi più ironici che tanto e forse troppo tempo prendono nel lungometraggio d’animazione, come gli amici topolini Gas-Gas e Giac e il gatto Lucifero o il Duca Monocolao e il Re, il film prodotto dai Walt Disney Pictures Studios si focalizza stavolta sui sentimenti dei protagonisti. Numerosi saranno gli spunti di riflessione che, con una semplicità estrema, la giovane eroina interpretata da Lily James regalerà al pubblico. Si va dall’importanza del ricordo e del mostrarsi sempre per come si è davvero, alla forza della gentilezza e soprattutto del perdono. Sicuramente non potrete non notare l’affascinante principe Kit, che questa volta acquisisce maggior importanza oltre che eleganza, grazie all’interpretazione di Richard Madden. Impossibile poi non citare la bravura di Cate Blanchett come antagonista in grado di rendersi quasi vittima di una vita costretta, persino più di quella della sua figliastra. Questo personaggio, che certamente oscura le sue figlie (le malvagie sorellastre), sarà fonte di numerosi colpi di scena. Sicuramente, però, vi starete chiedendo come se la sia cavata la famosa Helena Bonham Carter nei panni, per una volta bianchi, di un personaggio buono come la Fata Smemorina. Ebbene, è riuscita a rinnovare con il suo carisma un ruolo che difficilmente avrei potuto credere le potesse calzare a pennello come una certa scarpetta.

L’unica pecca è il tono troppo fanciullesco del film, evidentemente indirizzato a un pubblico più piccolo, essendo narrato da una voce esterna dall’inizio e costantemente, fino alla fine dei fatti. Il target del pubblico è forse un limite che spiega il perché il regista non abbia osato di più, aggiungendo qualche evento e non seguendo necessariamente i fatti della storia classica.

Nonostante ciò, sorvolando l’utilizzo della CGI che continua a migliorare soprattutto in vista di film che ne faranno ampio uso come Il Libro nella Giungla o Dumbo, le scenografie ed i costumi di due premi Oscar come Dante Ferretti e Sandy Powell creano un ambiente fiabesco e romantico, che unito alla colonna sonora di Patrick Doyle che riesce, nonostante i vari e voluti riferimenti al Cenerentola del 1950, a farci dimenticare le note di I Sogni Son Desideri, per portarci in un mondo sfarzoso e regale.

Dunque, sulla strada della giusta reinterpretazione di storie classiche, Cenerentola è quel film che non deluderà certamente gli amanti del lungometraggio d’animazione ripercorrendo la storia originale con qualche richiamo al film del 1950 e con modeste modifiche che, se osate un tantino di più ed abbandonando il tono narrativo fin troppo fiabesco, avrebbero potuto confezionare un film che sarebbe rimasto alla storia e non si sarebbe semplicemente rivelato il fenomeno del momento. Ad ogni modo, non potete perderlo.

6 Marzo 2015 0 comment

Marvel Studios Recensioni Walt Disney Production

Agent Carter – la Recensione!

written by Lorenzo Dottorini

Dopo i sorprendenti risvolti che hanno preceduto la pausa invernale della seconda stagione di Agents of S.H.I.E.L.D., in attesa della ripresa il prossimo 3 Marzo, l’emittente Abc ha permesso al pubblico americano di gustare una nuova serie targata Marvel Television: Marvel’s Agent Carter.
Una serie breve, solo di otto episodi, ma che chi scrive giudica come un bellissimo ed interessante gioiello che si aggiunge al grande universo che i Marvel Studios stanno assemblando con i loro lungometraggi e con questi primi prodotti televisivi.

Gli ideatori Christopher Markus e Stephen McFeely fanno centro, aprendo il sipario su un periodo storico del quale, nell’ambito del Cinematic Universe, non si era ancora parlato, se non nel precedente one-shot omonimo, e che inizia a rispondere alla domanda: cosa è successo tra la caduta di Teschio Rosso e il risveglio di Capitan America ai giorni nostri?

E in effetti la storia inizia proprio riproponendoci il triste addio tra il super soldato Steve Rogers e la perdutamente innamorata agente Peggy Carter dell’S.S.R. (Strategic Scientific Reserve), sulla quale sarà incentrata tutta la serie.

La Seconda Guerra Mondiale è terminata, ma i servizi segreti continuano ad essere in piena attività: siamo alle porte della Guerra Fredda e specialmente i rapporti tra Usa e Russia sono tesi e complicati. Tutti gli agenti sopravvissuti al conflitto sono quindi impiegati in affari riguardanti la sicurezza interna… tutti tranne Peggy. In un ambiente maschilista come quello degli ultimi anni ’40, oltretutto in un settore completamente appannaggio degli uomini, la capace Agente Carter viene continuamente sottovalutata e relegata a incarichi da segretaria, trascorrendo le ore di lavoro tra caffè e pratiche da portare da una scrivania all’altra. Una posizione minoritaria alla quale resta confinata, malgrado i suoi continui tentativi di mostrarsi migliore dei colleghi, con non poca frustrazione e con un animo già turbato dalla perdita dell’amore della sua vita. Gli uomini con cui ha che fare ogni giorno non sembrano avere neanche un briciolo delle grandi virtù sostenute non solo con le parole dal leggendario Capitano.

Isolata sul posto di lavoro, ma anche nella vita privata: attorniata da donne indaffarate nel lavoro a maglia e a diventare brave sposine, con le quali non ha nulla da condividere, quando riesce a trovare una potenziale amica come la frizzante Angie Martinelli (Lyndsy Fonseca), la sua vita segreta e la paura di mettere a rischio chi le è vicino, la portano ad essere schiva e a non riuscire a costruire un’amicizia profonda.

Questa situazione è però destinata a cambiare con la visita inaspettata di un vecchio amico. La scomparsa di alcuni pericolosi congegni dalle Stark Industries mette infatti il loro fondatore Howard Stark in grossi guai poiché è sospettato dall’S.S.R. di averli venduti al nemico. Questi si affiderà quindi a Peggy per riabilitare la propria reputazione e dimostrare che si è trattato di un furto.

Accompagnata dal maggiordomo Jarvis (eh sì, proprio quello a cui è ispirata l’intelligenza artificiale costruita da Tony Stark!), un vero gentleman completamente estraneo al mondo dello spionaggio e dell’azione, Peggy dovrà quindi operare nella massima segretezza, per evitare di essere scoperta sia dai nuovi e spietati nemici che troverà sulla propria strada, sia dai suoi stessi colleghi dell’S.S.R., che sembrano non vedere al di là del proprio naso restando fossilizzati sulla colpevolezza di Stark.

L’unico difetto che è possibile rilevare in questi episodi è forse l’iniziale fatica che impiega la vicenda a decollare del tutto, ritardando la configurazione completa di una trama orizzontale a oltre la metà della serie. Ma se questo da un lato sembra rallentare un po’ il ritmo, dall’altro garantisce un approfondimento completo di tutti i personaggi principali e dei loro ruoli nella storia, con non pochi colpi di scena.

Fortissimi i richiami al Cinematic Universe (prima di tutto alle due pellicole di Captain America), alcuni a dire il vero non di facilissima riconoscibilità (ne abbiamo però la certezza da alcune dichiarazioni fatte dagli ideatori e, a mio parere, l’imminente uscita di Avengers: Age of Ultron chiarificherà ancora di più alcune questioni).

Resta il fatto che il fulcro di tutte le puntate resta lei, Peggy Carter, magistralmente interpretata ancora una volta da Hayley Atwell (già vista in questo ruolo nei due Captain America, in due cammei in Agents of S.H.I.E.L.D. oltre che nel one-shot. Tra l’altro la vedremo nuovamente in Age of Ultron e Ant-Man). Malgrado il suo isolamento dal resto del mondo, è lei uno dei principali motori della vicenda attorno alla quale si muovono gli altri personaggi.

Al suo fianco James D’Arcy nel ruolo del maggiordomo Jarvis, che incarna perfettamente lo spirito del gentleman, buon padre di famiglia, ligio al dovere e beneducato. Il rapporto che va costruendosi trai due è sicuramente uno dei tratti più spiritosi della serie, con questo continuo incontro-scontro tra le maniere educate dell’uno e l’estrema praticità dell’altra che dovrà insegnargli l’abc dello spionaggio (a cominciare da come mentire in modo convincente), ma che a poco a poco, episodio dopo episodio, evolverà in un legame sincero fondato sull’estrema fiducia reciproca (che raggiunge il massimo della sua manifestazione nell’ultimo episodio) e su un sincero affetto. Attorno a loro gli agenti Thompson e Sousa (Chad Michael Murray e Enver Gjokaj) e il Capo Dooley (Shea Whigham), le cui missioni si intrecceranno con quelle della nostra Peggy, seguendo piste diverse che alla fine confluiranno in un unico quadro di insieme. Da rilevare anche il ritorno come recurring character di Dominic Cooper nei panni di Howard Stark, un’interpretazione sempre pregevole le cui apparizioni producono quasi sempre divertenti complicazioni.

Insomma Marvel’s Agent Carter è un vero gioiello, impreziosito da una fresca ed efficace riproduzione dell’America alla fine degli anni ’40, con i suoi luoghi comuni, le sue contraddizioni, le sue bellissime musiche e i suoi riferimenti culturali. Un gioiello che meriterebbe sicuramente di essere ulteriormente approfondito, soprattutto alla luce dell’epica scena finale che lascerà tutti a bocca aperta e che sembra suggerirci l’origine di alcune delle dinamiche che hanno segnato l’universo Marvel.

25 Febbraio 2015 0 comment

Pixar Animation Studios Recensioni

Pixar Story, ecco il Book-Trailer del volume edito Hoepli!

written by Jacopo Iovannitti

Dopo averlo recensito in modo più che positivo, come potrete QUI leggere, in concomitanza con la distribuzione in negozio e la possibilità di acquistarlo on-line, è giunto il momento di mostrarvi il Book-Trailer di Pixar Story – Passione per il Futuro fra Arte e Tecnologia.

Realizzato dalla stesso autore, Pietro Grandi, esperto Visual Art Designer, vi sfidiamo a scovare in esso il maggior numero di riferimenti a grandi volti come Ed Catmull, Steve Jobs o John Lasseter, senza i quali i Pixar Animation Studios non sarebbero quello che oggi sono. Fresco e meticolosamente realizzato, come lo stesso libro, è imperdibile.

Acquista qui il libro: Pixar Story: Passione per il Futuro tra Arte e Tecnologia!

24 Febbraio 2015 0 comment

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Guardiani della Galassia – La Recensione del Blu Ray

written by redazione

Il 4 Febbraio è uscito in DVD, Blu Ray e Blu Ray 3D “Guardiani della Galassia”, il film Marvel di fantascienza che strizza l’occhio alle saghe di Star Wars e Star Trek. Abbiamo recensito per voi la copia Blu Ray.

Guardians of the Galaxy è un’avventura epica che proietta l’universo cinematografico Marvel nello spazio infinito. L’audace esploratore Peter Quill è inseguito dai cacciatori di taglie per aver rubato una misteriosa sfera ambita da Ronan, un essere malvagio la cui sfrenata ambizione minaccia l’intero universo. Per sfuggire all’ostinato Ronan, Quill è costretto a una scomoda alleanza con quattro improbabili personaggi: Rocket, un procione armato; Groot, un umanoide dalle sembianze di un albero; la letale ed enigmatica Gamora e il vendicativo Drax il Distruttore. Ma quando Quill scopre il vero potere della sfera e la minaccia che costituisce per il cosmo, farà di tutto per guidare questa squadra improvvisata in un’ultima, disperata battaglia per salvare il destino della galassia.

Abbiamo già recensito il film ma, brevemente, le mie impressioni sono più che positive. La trama, seppur un po’ scontata, regge e viene aiutata da ottimi attori, un ritmo incalzante e una cura dei particolari visivi e cromatici fantastica. Nei contenuti speciali si parla infatti, tra le altre cose, proprio della volontà di puntare molto sulla colorazione, per dare delle tonalità ad un film sci-fi che di solito si focalizza su tinte più scure. Potete trovare approfondimenti a riguardo in questa intervista.

L’edizione si presenta in linea con le ultime uscite: assenza di slipcover (riservata solo all’edizione 3D), interno bianco e disco blu, come potete vedere nelle foto in calce. Mentre dal punto di vista tecnico, il formato video è ottimo, con un flusso video che si attesta sempre su valori abbastanza alti, di 25/30 Mbps. L’audio italiano invece viene presentato nel solito DTS 5.0, una codifica buona ma che si può trovare in qualsiasi DVD. Di certo, due gradini sotto le codifiche in alta definizione riservate al Tedesco e Inglese.

I contenuti speciali, seppur pochi, sono molto interessanti:

Una sorta di Making Of del film, dove il regista e chi ha lavorato al film racconta il dietro le quinte della produzione, con approfondimenti molto interessanti sulle scelte fatte (avrei volentieri rubato uno dei concept del film!).
Gli effetti visivi intergalattici per I Guardiani della Galassia, getta uno sguardo sulla costruzione dei set, sulla post produzione, con interviste agli addetti ai lavori e agli attori e alle loro impressioni mentre recitavano nei set.
Una raccolta di scene eliminate, dove è possibile abilitare il commento del regista, che spiega il senso delle scene e perché sono state eliminate.
L’anteprima di Avengers Age of Ultron, il prossimo film degli Avengers

In definitiva un’edizione molto buona, anche se si poteva fare qualcosa di più per l’estetica e l’audio, ma il film vale la candela. Vi lasciamo i link per prenotare la vostra copia su Amazon!

Guardiani della Galassia (DVD) Guardiani della Galassia (Blu-ray) Guardiani della Galassia (Blu-ray 3D)

Alcune foto dell’edizione Blu Ray

10 Febbraio 2015 0 comment

Recensioni Walt Disney Animation Studios Walt Disney Theatrical

Dal Film al Musical, Beauty And The Beast – La Recensione!

written by Jacopo Iovannitti

Disney’s Beauty and The Beast, con il cast che vent’anni fa realizzò il suo grande successo, ha deciso di riunirsi per celebrare il proprio ventesimo anniversario. Con un tour internazionale, infatti, questo intramontabile campione di incassi sta girando il mondo ed è arrivato al Teatro Rossetti di Trieste il 26 Novembre ed è giunto a Milano al Teatro degli Arcimboldi il 10 Dicembre 2014, in lingua originale con sovratitoli in italiano.

Avendo avuto l’onore di poterlo vedere, mi è sembrato d’obbligo dedicargli un’accurata recensione.

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Dal primo debutto a Broadway nel 1994, dove il musical venne nominato a nove prestigiosi Tony Award, la meravigliosa storia d’amore tra la giovane Belle e la Bestia, il principe intrappolato da un incantesimo nel corpo di una spaventosa creatura, ha conquistato i cuori di oltre trentacinque milioni di spettatori. Nel corso degli anni lo spettacolo ha continuato ad ottenere successi mondiali con produzioni nate in 22 paesi. Lo spettacolo è stato tradotto in 8 lingue e replicato ben 28.000 volte, l’equivalente di 67 anni di rappresentazioni!

Il motivo di questo successo è presto svelato se consideriamo la popolarità del film d’animazione omonimo uscito solo tre anni prima, nel 1991. Battendo su un terreno fresco come avvenuto per i successivi spettacoli nati nello stesso modo, The Lion King o il recente Frozen – Il Regno di Ghiaccio per esempio, si riesce ad avere una campagna pubblicitaria quasi gratuita più che valida. Ma questa, questo, può rivelarsi un’arma a doppio taglio. Paragonarlo al lungometraggio risulterà infatti inevitabile eppure, nonostante questo rischio, abbassando leggermente quelli che sono i toni teatrali spesso sovrastrutturali e pesanti, Disney’s Beauty and The Beast è uno spettacolo che in modo semplice emoziona, fa stupire e commuovere. Approfondisce temi ed aspetti che la pellicola originale aveva potuto solo accennare, per ovvi motivi di durata, e fa conoscere in modo più introspettivo i protagonisti tanto quanto i personaggi più marginali. Belle, per esempio, non poteva esser meglio interpretata e caratterizzata. Anche la Bestia guadagna un ulteriore approfondimento. Peccato però per la sua controparte ironica che a volte può risultare eccessiva. I domestici, invece, che più volte saranno personaggi chiave per lo sviluppo dello spettacolo, tutti diversi fra loro, creano una perfetta sinergia fra di essi. Non vedrete l’ora di vederli nuovamente sul palco. Gastone e LeTont, invece, sono ancora più detestabili. Ed ovviamente, visto il loro ruolo di antagonisti, non può che essere un complimento.

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Aspetto fondamentale, poi, è l’aggiunta e l’adattamento delle canzoni. Facendo arrivare ancor di più i brani che già conosciamo, lo spettacolo è arricchito da tracce inedite come “I Can’t Love Her“, “How Long Must This Go On” o “A Change In Me” che supportano l’opera di approfondimento dei personaggi ed impreziosiscono lo spettacolo. Persino il padre di belle canterà! Ancora una volta si nota la stupefacente bravura di Alan Menken e di Tim Rice.

Ma oltre i 30 attori e ballerini e gli 11 musicisti, lo spettacolo è dotato di 580 costumi, 80 parrucche e strabilianti effetti speciali. Fra colori, stoffe e scenografie mobili assisterete a pochi altri eventi così interattivi e coinvolgenti! Alcune scene, come l’esaltazione di Gastone nella locanda o il famigerato sfogo di Belle, riescono a tener testa ed in alcuni casi a battere il film originale.

In sostanza… non potete assolutamente perdere questa meravigliosa occasione di poter essere ospiti di una delle favole più belle di tutti i tempi. Pochi sanno amare davvero, ancor meno sanno guardare oltre l’apparenza. Ma non per questo non è detto che non si possa imparare, magari con Disney’s Beauty and The Beast.

16 Dicembre 2014 0 comment

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