Category:

Recensioni

RECENSIONE: Thor: Ragnarok

Dal 25 ottobre sarà nelle sale italiane Thor: Ragnarok, il terzo capitolo della trilogia dedicata al Dio del Tuono dei Marvel Studios.
Di seguito la nostra recensione dedicata al film prodotto dalla Casa delle Idee.

Thor-ragnarok-920x518

Dove eravamo rimasti?
Thor: Ragnarok è un film che rispetto alle precedenti opere dei Marvel Studios non perde tempo e fin dal proprio inizio, ben prima di farci capire quale sarà la storia che vorrà raccontarci, ci mostra in successione una serie di scene dal montaggio serrato che rispondono a tutte le domande lasciate insolute o a una serie di eventi visti precedentemente in altri film della Casa delle Idee, facendoci ridere più di una volta.
E se questo è un ottimo proposito che il regista Taika Waititi si è preoccupato di portare avanti nelle prime pagine di copione, tra una battuta e l’altra, con il proseguire della storia quelli che sembravano punti di forza diventano ostacoli.
Questo, chiaramente, accade perché stiamo parlando di un film dedicato a un Dio del Tuono e non a un gruppo di Anti-Eroi senza alcuna responsabilità.

TRB1450_comp_v602.1057.jpg

Una volta giunti all’inizio della vera storia di Thor: Ragnarok ci sarà chiaro che questo stile narrativo sarà mantenuto fino alla fine, salutando il connubio tra l’empatia e le composizioni scenografiche ispirati a Shakespeare che Kenneth Branagh aveva portato avanti nel primo film (e che in parte abbiamo visto anche nel secondo, nonostante il cambio di regia e una dose maggiore di ironia). Ci dovremo così di fronte a qualcosa di già mostrato in un Guardiani della Galassia (e non solo per quanto riguarda i testi).
Ma se nel film di James Gunn queste scelte caratterizzavano la pellicola garantendole originalità e ben due seguiti, qui il risultato è ben diverso.
Il cambio di stile, non solo in termini di toni bensì visivo, è stato deleterio. Non esistono più contrasti tra colori chiari e scuri, solo un’eccessiva saturazione di rossi, verdi e viola, negli ambienti quanto negli abiti e nel trucco, distruggendo ciò che era stato creato precedentemente da ben due film.
Stessa sorte avrà la colonna sonora, questa volta di Mark Mothersbaugh, che nonostante il tentativo di adattarsi di scena in scena con i predenti brani (da quelli composti da Patrick Doyle a quelli da Alan Silvestri), sarà sottomessa prepotentemente spinta dalla forza di The Immigrant Song dei Led Zeppelin (usata non in una ma in ben due scene).

La presenza di draghi incendiari, lupi giganti, demoni infuocati e guardiani fuggitivi, purtroppo, non basterà a dare al film il senso di “nordico” che caratterizza i racconti del Dio del Tuono distinguendoli da qualsiasi altra opera firmata Marvel Studios.
Il triangolo formato da Thor, Loki & Odino che ha sempre caratterizzato i precedenti film della trilogia e che segue le vicende familiari dei reali di Asgard, con l’ingresso di Hela (e Skurge) non avrà vita semplice e sarà facilmente spezzato e messo in secondo piano dalla storia che, come se fosse contenuta da un Ragnarok che non vedremo mai davvero, ci mostrerà il grande Hulk che non poteva esser in alcun modo raccontato se non come comprimario (per questioni di diritti).
Per quanto l’arco narrativo dedicato allo scontro tra i due titani sia ben strutturato, tenti di rispondere alla fatidica domanda “Chi è il più forte degli Avengers?” e ci faccia conoscere due piacevoli personaggi come Il Gran Maestro e Valkiria, porta al film solo ottime scene d’azione in parte già mostrate in trailer e materiale promozionale confermando una quasi totale assenza di pathos.
Inoltre, occupando molto spazio la vicenda ispirata da Planet Hulk rispetto alla durata complessiva del film, la sete di vendetta e rivalsa che sarà presente ad Asgard è chiusa rapidamente tra segreti, rivelazioni e seconde possibilità che potevano offrire molto di più, con personaggi interessanti e repentine morti, e non solo pugnali volanti e saette luminose godibili se vedrete il film in 3D.

In conclusione:
Thor: Ragnarok è dunque un film che vuole compiacere la massa snaturando la natura stessa del Dio del Tuono, portando una tavolozza di colori, dell’ironia e dei personaggi che oscurano la magia e il pathos che la mitologia nordica poteva offrire e che in questo film restano solo accennati. Tecnicamente impeccabile come ogni film dell’universo narrativo dei Marvel Studios, la pellicola risulterà, però, un assemblaggio di un qualcosa già visto, per quanto bene possa esser stato fatto.

22 Ottobre 2017 0 comment

Animazione Americana Animazione Europea Film Recensioni

Recensione: Gatta Cenerentola

written by Irene Rosignoli

Recensione di Irene Rosignoli e Alessandro Biti

Una nave, una città in degrado, una ragazza muta, un principe azzurro con la pistola e una scarpetta che serve a nascondere i traffici di droga. Da qualche settimana è al cinema Gatta Cenerentola, quello che è stato definito “il miracolo napoletano” (bellissima, a proposito, questa risposta), l’ultima fatica di Mad Entertainment, un film che non solo è bello, nel senso più complesso e meno semplicistico del termine, ma anche importante per la situazione attuale del cinema e dello spettacolo italiani e non solo.
gatta cenerentola mad entertainment locandina tagliata
Perché, come giustamente molti hanno sottolineato, è vero che Gatta Cenerentola si inserisce in un clima di rinascita del cinema italiano, ma questa è solo una parte della verità. Questo film ha un ruolo importante a livello europeo, collocandosi in un processo molto simile che coinvolge l’animazione europea tutta. L’esperienza di Mad Entertainment non è troppo diversa da quella dell’irlandese Cartoon Saloon o dai lavori dei francesi Benjamin Renner e Rémi Chayé. Si tratta di film animati che, non potendo necessariamente competere ad armi pari con i grandi studi americani, sono costretti a trovare espedienti estetici e stilistici che scavalchino in modo intelligente i limiti del budget. Ma soprattutto sono film animati che non nascono come merce o dalla spasmodica ricerca del franchise da riutilizzare altre due o tre volte con sequel e spin-off. Le piccole perle prodotte in Europa nascono dal caro, vecchio e puro bisogno di raccontare una storia, e molto spesso con un prezzo da pagare che è il rischio di non sapere se si potrà ripetere l’esperimento o no.
Quando i soldi sono pochi succede però anche un’altra cosa: la libertà creativa è assoluta. È allora che nasce l’idea di un film d’animazione per adulti, quando la stragrande maggioranza del resto del mondo punta al pubblico delle famiglie. È allora che si pensa di raccontare una storia di camorra e di violenza, di un futuro rubato, di un’infanzia perduta, di una via d’uscita che sembra impossibile. Ed è allora che traspare l’amore – per la storia che si sta narrando, per la città che si sta celebrando (Napoli) ma anche per le semplici possibilità di un mezzo artistico, l’animazione, che è veramente illimitato nelle mani di chi non si pone limiti.
gatta cenerentola mad entertainment film screenshot
E quanto amore c’è nelle immagini e nelle musiche di Gatta Cenerentola. Nella grazia dei movimenti di Mia, nella bellezza spezzata della matrigna Angelica, nel coraggio del “principe azzurro” Primo Gemito, ma soprattutto in quel sogno impossibile di Vittorio Basile, armatore e scienziato proprietario della nave Megaride. Il suo è il sogno di chi guarda avanti in un paese in cui si può solo guardare indietro, la consapevolezza che dalle profonde contraddizioni di una città ferita possono nascere l’arte migliore e la bellezza più stupefacente. Vittorio Basile è insomma gli artisti della Mad, e forse tutti coloro che stanno lottando per questa rinascita del cinema italiano. Tuttavia i personaggi agiscono tra un futuro che sembra impossibile e il rimpianto del passato: il progetto del Polo della Scienza e della Memoria fallisce, e il suo fallimento è la fine della speranza nel futuro. E non è un caso che è allora che l’ambientazione viri verso lo steampunk. La nave, i corpetti vittoriani e in generale l’ambientazione ricordano molto la belle Epoque. Ed è significativo che questo succeda nella seconda parte del film, a simboleggiare che l’utopia, in mani sbagliate, diventa distopia. La conclusione della fiaba è però letteralmente un salto verso la speranza, che passa per la violenza, la morte e l’abbandono, ma che è uno splendido augurio per quello che verrà.
Forse non è un caso che lo studio di animazione su cui sono puntati tutti gli occhi degli italiani si chiami Mad Entertainment, perché bisogna ammettere che ci vuole una buona dose di follia per produrre un film come Gatta Cenerentola. Eppure è questa “madness” la chiave di tutto, perché è lo spirito visionario che traccia la strada verso l’inesplorato, è l’artista che invece che dare al pubblico ciò che si aspetta, sa guardare oltre e indovinare l’inaspettato che ha bisogno di vedere. È il talento di grandi filmmakers, che l’animazione italiana può finalmente vantare di nuovo.
simposio suino gatta cenerentola
E se non bastasse la carica innovativa del film in sé, prima del film potrete ammirare il breve corto in animazione tradizionale Simposio Suino in Re Minore. Diretto da Francesco Filippini e prodotto da Sky Dancers insieme a Mad Entertainment, è la storia di un cinghiale antropomorfo e di una cuoca. I due sembrano conoscersi, o forse no: la creazione della storia e dei legami è lasciata in mano allo spettatore, con la colonna sonora composta da canzoni cantate nella migliore tradizione napoletana. Molti elementi richiamano i film dello Studio Ghibli, ma sono restituiti sullo schermo in una nuova veste tutta partenopea. Per l’intero corto si respira quell’atmosfera Miyazakiana, che fa da perfetto contraltare al film che seguirà: dalla fiaba ambientata sulle rive di un lago nebbioso alla cruda realtà della camorra in Gatta Cenerentola.

5 Ottobre 2017 0 comment

Film Pixar Animation Studios Recensioni

Recensione: Cars 3

written by Irene Rosignoli

Ben pochi franchise animati sono stati vittime di tanto odio come è successo alla saga di Cars. Se il primo episodio venne accolto in maniera discreta, sul web l’insofferenza per le automobili parlanti è cresciuta dopo il sequel del 2011, colpevole di aver causato un tonfo per i Pixar Animation Studios, che fino a quel momento ci avevano graziato con un capolavoro dopo l’altro (nell’ordine: Ratatouille, Wall-E, Up, Toy Story 3).

La realtà è che i film di Cars sono tutt’altro che brutti, piuttosto hanno avuto la sfortuna di nascere film “minori” all’interno di una filmografia che fino a qualche anno fa non sbagliava neanche un colpo. E soprattutto in Cars è molto più visibile che in altre pellicole la matrice commerciale: il franchise è senza dubbio nato dalla passione di John Lasseter per i veicoli, raccogliendo una delle migliori tradizioni dei Disney Studios ovvero quella degli oggetti parlanti, ma anche dopo i risultati non brillanti al box office, è stato portato avanti grazie ai miliardi di dollari che ogni anno incassa in automobiline giocattolo. Infine, Cars è una saga che più di ogni altro lavoro Pixar è diretta ai bambini più piccoli, e forse proprio questo ha creato il fastidio del pubblico adulto verso le auto parlanti.

cars 3 pixar animation studios sequel nuovo trailer inglese

Dopo il flop del secondo capitolo c’era dunque la necessità di rinnovare la saga e John Lasseter ha pensato bene di farlo tirandosi da parte e lasciando la sedia del regista all’esordiente Brian Fee, storyboard artist nei primi due capitoli qui alla sua prima prova dietro la macchina da presa. Operazione riuscita? Sì e no. Da una parte Fee riesce in maniera ottimale a reinserirsi nella tradizione del primo Cars, di fatto cancellando con un colpo di spugna il secondo, recuperando la centralità del personaggio di Saetta McQueen e soprattutto l’ambientazione e lo spirito totalmente americani, il mondo delle corse statunitense, quella dolceamara nostalgia per gli antichi fasti del passato e per i grandi campioni di una volta che già avevamo assaporato nel primo capitolo. Tutto questo c’è ed è anche ben fatto, ma la regia di Fee offre ben poco altro di originale e innovativo, come ci si aspettava da una nuova voce: registicamente, Cars 3 è uno sguardo indietro all’esempio di Lasseter, e Fee rimane prudentemente su un sentiero già tracciato, rendendo il film privo di personalità.

Interessante però che un film che guardi così tanto al passato, sia per tematiche che per spirito e atmosfere, sia anche un film in qualche modo proiettato nel futuro. Saetta McQueen è ormai diventato vecchio ed è prossimo alla pensione, ma sente di non essere ancora pronto per dire addio al mondo delle corse, mondo che nel frattempo però è cambiato e in cui lui è rimasto come un pesce fuor d’acqua. Nonostante i suoi sforzi il campione non riesce a stare al passo con i nuovi piloti, semplicemente perché loro sono più giovani e scattanti. Che fare allora? Continuare a tentare di spingersi oltre i propri limiti o rassegnarsi all’evidenza e affrontare il difficile momento del passaggio di testimone cedendo il podio alle nuove generazioni?

cars 3 jackson storm saetta mcqueen

La risoluzione, per quanto telefonata sia praticamente dal primo minuto, è in fondo la conclusione perfetta per questa saga, e ha un che di coraggioso: dal punto di vista narrativo, dal punto di vista emozionale e persino dal punto di vista commerciale, per un particolare risvolto che non anticiperemo per non fare spoiler. Questo tipo di conclusione è ciò che rende Cars 3 un film tutto sommato necessario, un’opera non eccezionale ma che riesce a chiudere il cerchio nel migliore dei modi riscattando in un certo senso gli errori del passato.

Viene infine da chiedersi cosa stia a significare questa particolare riflessione sulla vecchiaia e sul passaggio di testimone espressa in questo periodo specifico della vita della Pixar, in cui lo studio ha perso la sua centralità a Hollywood e si è visto soffiare il trono dalla rinata mamma Disney. Perché Cars 3 parla di brand in contrapposizione con l’autenticità, parla di piegarsi alle necessità del mercato o di rimanere fedeli a sé stessi e parla dell’importanza di capire quando è il momento giusto per farsi da parte. Che si tratti di una riflessione autobiografica o che stiamo leggendo troppo in un film d’animazione, è coraggioso ed è maturo da parte della Pixar portare al cinema tematiche del genere, ed è ironico e allo stesso tempo geniale che lo facciano proprio all’interno di questo particolare film.

14 Settembre 2017 0 comment

Film Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Recensione: Queen of Katwe

written by Irene Rosignoli

Visto in anteprima a Giffoni Film Festival 2017

Accanto ai ben più famosi remake live action dei classici Disney, che sembra stiano rapidamente assorbendo l’intera produzione, Disney Pictures si è dedicata negli ultimi anni alla creazione di pellicole meno ambiziose, meno costose e inspiegabilmente insabbiate dalla stessa azienda, che prediligendo i kolossal finisce per un motivo o per l’altro per lasciare queste piccole gemme nel dimenticatoio.

La stessa sorte ha avuto Queen of Katwe, film diretto da Mira Nair e arrivato in una selezione di sale americane l’anno scorso, rimanendo inedito in Italia fino a questo momento (ma verrà distribuito su Sky Cinema e non in sala). L’opera è ispirata alla storia vera di Phiona Mutesi, ragazza nata nella baraccopoli di Katwe nella città di Kampala, in Uganda. La sua vita difficile cambia quando incontra Robert Katende, un missionario laico che insegna ai bambini il gioco degli scacchi, per il quale Phiona dimostra subito di avere un talento straordinario. Nonostante le sue umili origini, la sua bravura e il suo impegno la porteranno a rappresentare il suo paese alle olimpiadi degli scacchi e finalmente ad avere l’opportunità di sognare un futuro migliore.

queen of katwe

Queen of Katwe è una storia potente perché potente è il materiale originale: tutto ciò che succede a Phiona sullo schermo è accaduto davvero nella realtà, ed è semplicemente impossibile non commuoversi di fronte alle sue vicende. Nella vita di Phiona, il gioco degli scacchi diventa non solo un mezzo per fuggire finalmente dalla fame o da un futuro ben peggiore (più volte viene trattato il tema della prostituzione, che inevitabilmente attende le ragazze povere di Katwe); gli scacchi sono anche lo specchio della vita stessa, una vita in cui servono premeditazione, astuzia, intelligenza, capacità di cavarsela nei momenti più difficili e in ultimo in cui il pezzo più piccolo può trionfare diventando il più grande.

Nonostante ci fosse materiale forte abbastanza da potersi permettere di far leva solo sulla lacrima assicurata, la regista Nair non pecca di pigrizia, inserendo tematiche e riflessioni che portano la storia su un livello superiore. In Phiona non c’è solo il bisogno di riscatto e di migliorare la propria condizione, ma anche l’altro lato, il ben più interessante e meno scontato sentimento di delusione che si ha quando si riesce a toccare con mano una vita migliore, ma subito dopo si è catapultati di nuovo alla realtà. La regista non si tira indietro dal mostrare anche i lati negativi di questa ascesa al successo: se la prima volta che viaggiano all’estero Phiona e i suoi compagni dormono a terra perché non sanno cosa sia un materasso, già dal viaggio successivo è evidente come la ragazza inizi in un certo senso a montarsi la testa, diventando troppo sicura di sé e della vittoria al campionato, e parallelamente certa di poter finalmente diventare benestante e felice.

Regista e sceneggiatore si chiedono dunque fino a dove sia lecito spingersi con i propri sogni, se sia giusto aggrapparsi a un’illusione che potrebbe lasciarci perennemente infelici e insoddisfatti della nostra condizione, oppure se al contrario sia meglio accontentarsi del poco che si ha e non immaginare cosa ci sia al di fuori dei nostri ristretti confini.

queen of katwe film disney lupita nyongo

Sebbene l’esordiente Madina Nalwanga sia ottima nei panni di Phiona, la scena viene letteralmente rubata dal personaggio e dalla travolgente interpretazione di David Oyelowo nel ruolo di Katende, non solo mentore per i ragazzi del club di scacchi ma vera e propria personificazione della speranza in un futuro diverso. Altrettanto valida la prova dell’attrice Premio Oscar Lupita Nyong’o come Harriet, madre di Phiona, donna forte come una roccia pronta a sacrificarsi per il futuro dei propri figli, ma che allo stesso tempo vorrebbe trattenere Phiona ed evitare che soffra sognando troppo in grande.

È dunque un vero peccato che una storia così esemplare e un film così ben narrato, con tematiche e riflessioni talmente universali da andare ben oltre il piccolo villaggio di Katwe, siano passati in sordina al punto da non avere neanche una release cinematografica nel nostro paese. Non c’è dubbio: un’opera come Queen of Katwe meritava di più.

23 Luglio 2017 0 comment

Recensioni Serie TV Walt Disney Production

Recensione: Rapunzel – Prima del sì

written by Irene Rosignoli

Visto in anteprima a Giffoni Film Festival 2017

Sembra di essere di nuovo negli anni ’90 con i recenti annunci di Disney Television Animation, che sta vivendo una nuova era particolarmente fortunata in cui le serie animate ispirate ai classici Disney la fanno da padrone. Mentre DuckTales, Big Hero 6 e persino La Carica dei 101 sono ancora in arrivo, il pubblico americano da qualche mese si è appassionato agli episodi di Rapunzel – La serie, che arriverà nel nostro paese a ottobre e di cui abbiamo potuto vedere in anteprima il film Rapunzel – Prima del sì nell’ambito di Giffoni Film Festival 2017.

Il film tv è una sorta di lungo episodio introduttivo della serie, utile a chiarire la collocazione cronologica (tra il film Rapunzel – L’intreccio della torre e il cortometraggio Rapunzel – Le incredibili nozze) e le premesse. La principessa è tornata a vivere a palazzo, ha ritrovato i suoi genitori e sta per assumere ufficialmente su di sé i suoi doveri regali nei confronti del popolo di Corona. Insomma, la sua sembra finalmente la vita perfetta che non ha mai avuto. Oppure no? Dopo aver passato diciotto anni rinchiusa in una torre, Rapunzel non ha alcuna intenzione di rimanere intrappolata in un castello a fare la regina: il suo sogno è vivere avventure ed esplorare il mondo. Per questo decide non solo di sfidare i divieti di suo padre, l’iperprotettivo Re Frederic, ma anche di rifiutare la proposta di matrimonio di Eugene per prendersi del tempo per sé stessa.

Due cose colpiscono immediatamente di Rapunzel – Prima del sì. La prima è la fedeltà al materiale originale, per nulla scontata se pensiamo che si tratta comunque di una serie creata principalmente per un pubblico di bambini, che poteva assumere decisamente toni infantili trascurando il target dei più grandi. I toni invece sono ben bilanciati e in generale in linea con quelli del classico Disney, ma a colpire maggiormente è sicuramente la scrittura dei personaggi: dalle espressioni ai modi di dire e fare, Rapunzel e Eugene sono gli stessi del film, arricchiti da un cast di buoni comprimari che li pongono in nuove situazioni e ci fanno scoprire nuovi lati di loro (interessante è in questo senso il forte legame di amicizia tra l’ancella Cassandra e Rapunzel, che finalmente vediamo rapportarsi a un personaggio femminile che non sia la matrigna Gothel). I creatori della serie hanno a cuore i personaggi e questo amore traspare anche dalle piccole cose, come alcune espressioni buffe di Rapunzel o il modo di gesticolare di Eugene.

Il secondo aspetto sicuramente degno di nota è quello stilistico ed estetico: graficamente, Rapunzel – Prima del sì è semplicemente delizioso. Il design in 2D stilizzato è in grado di catturare il meglio dell’universo in CGI costruito dagli animatori dei Walt Disney Animation Studios e valorizzarne i punti di forza pur nella sua essenzialità. L’influenza delle grandi artiste che hanno lavorato al classico come Claire Keane o Brittney Lee è visibile anche sul piccolo schermo, soprattutto nei bellissimi sfondi. Per quanto riguarda i personaggi, essi sono necessariamente meno espressivi, per budget televisivo o per limitazioni della tecnica Flash, ma il design in 2D e la palette di colori li valorizzano e rendono giustizia all’originale.

L’ulteriore chicca è senza dubbio il ritorno di Alan Menken e Glenn Slater per impreziosire gli episodi con nuove canzoni originali. Quelle che possiamo ascoltare nel film Rapunzel – Prima del sì si intitolano Life After Happily Ever After e Wind In My Hair e, pur avendo senza dubbio un feeling televisivo e un respiro meno ampio delle canzoni del classico per ovvi motivi, sono molto piacevoli e contribuiscono a ricreare le atmosfere del film Disney.

Molti i misteri lasciati senza soluzione alla fine del film tv, che saranno quindi sviscerati nella serie: dal perché i capelli di Rapunzel siano ritornati biondi e lunghi (e stavolta impossibili da tagliare!) alla vera identità di Lady Caine, la nuova cattiva contro cui dovrà vedersela la principessa. Ma non solo: la serie esplorerà anche i rapporti tra i personaggi che già conosciamo, per esempio mostrandoci come si sono conosciuti Rapunzel e il camaleonte Pascal. L’appuntamento con questo adorabile prodotto adatto sia ai bambini che ai fan più grandi è quindi su Disney Channel ad ottobre.

Qui sotto l’elenco dei doppiatori italiani (NB – per Rapunzel e Eugene sono stati scelti i doppiatori del primo trailer del film uscito nel 2010, ancora prima che fossero scelti i talent Laura Chiatti e Giampaolo Morelli).

18 Luglio 2017 0 comment

Libri, Fumetti e Manga Recensioni Rubriche

Recensione: Il sistema Pixar di Christian Uva

written by Irene Rosignoli

Per tutti gli appassionati di lettura nasce da oggi Impero Disney Book Club, un gruppo in cui ci scambieremo recensioni e pareri su romanzi, saggi, artbook e fumetti inerenti al mondo Disney.

Oggi iniziamo con Il sistema Pixar di Christian Uva, edito da Il Mulino, di cui trovate qui sotto la videorecensione.

La sinossi: Nata come costola della Lucasfilm di George Lucas, acquisita da Steve Jobs nel 1986 e divenuta nel 2006 di proprietà della Walt Disney, la Pixar rappresenta un esempio ideale di industria creativa capace di imporre a livello globale un marchio di qualità che è cifra di una precisa visione del mondo, oltre che di un solido e corposo immaginario insieme infantile e adulto. Film come Toy Story, Alla ricerca di Nemo, Gli incredibili, Cars o Inside Out sono il frutto di un sistema industriale, narrativo, estetico e ideologico che, nel corso degli ultimi vent’anni, è stato in grado di rivitalizzare il cinema d’animazione proponendo, tra tecnofilia e nostalgia, un’articolata riflessione sull’american way of life contemporanea e, in particolare, sull’identità nazionale degli Stati Uniti alla prova delle sfide del presente.

La videorecensione:

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=X7sNycU9aRA?ecver=1&w=560&h=315]

Acquista il libro sul sito della casa editrice

Acquista il libro su Amazon: Il sistema Pixar

18 Giugno 2017 0 comment

Animazione Americana Animazione Europea Film Recensioni

Recensione: Sasha e il Polo Nord

written by Irene Rosignoli

Sembra un controsenso provare una punta di delusione per la situazione attuale dell’animazione occidentale, quando negli ultimi anni i vertici di tutte le classifiche del box office sono stati conquistati sistematicamente da film animati. È una contraddizione piuttosto interessante, perché effettivamente i film che escono dai grandi studi (Zootropolis, Oceania, Inside Out, Sing) sono per la maggior parte ottimi prodotti, che spesso non hanno proprio nulla fuori posto (e gli incassi lo confermano), e tuttavia l’industria alla base cammina sul filo del rasoio, in attesa del passo falso che farà crollare il castello di carte.

Il problema principale probabilmente è che si tratta di executives-driven movies, cioè di film che di fatto sono in mano dal punto di vista anche creativo a un gruppo di dirigenti e ai colossali reparti di marketing e merchandise, entrati a tal punto nel processo produttivo da mettere in discussione la libertà creativa dei registi o degli artisti. Quando un’opera diventa una merce, chi crea arte ha una sola via d’uscita: essere talmente brillante da riuscire a scavalcare in maniera intelligente i limiti imposti. Nulla di nuovo, è una discussione vecchia quanto è vecchia l’arte. Meno libertà creativa significa minor varietà delle tecniche artistiche, meno diversità di voci e un target contenuto in determinate fasce (i famosi “family friendly movies”).

Adobe Photoshop PDF

È invece curioso osservare cosa sta accadendo in Europa, dove l’animazione sta piano piano rinascendo e dove invece i problemi sono ben diversi: da noi non si hanno troppi soldi da spendere, se ne hanno troppo pochi. E in questo senso, Sasha e il Polo Nord, film franco-danese del 2015 arrivato solo a maggio 2017 nelle sale italiane, è un esempio perfetto da analizzare.

Come spesso accade guardando questi film, se si è appassionati di un certo tipo di animazione americana, per alcuni minuti è inevitabile immaginarsi come sarebbe stata una storia così profonda e interessante se i filmmakers avessero avuto più budget da investirci. Se fosse stata in full animation, se ci fossero stati più soldi per gli effetti o magari anche per ampliare il finale che risulta un po’ affrettato. Ci vuole un po’ a comprendere il segreto: film come Sasha e il Polo Nord e i suoi fratelli europei a basso budget sono gioielli proprio perché trasformano l’economia di budget nel loro punto di forza. Fanno proprie le limitazioni dovute alle scarse risorse, rendendole stile ed estetica. Questa è una lezione che possiamo riscontrare anche nella storia Disney: forse non tutti lo ricorderanno, ma alcune delle migliori soluzioni visive, stilistiche e narrative furono create ed adottate nei film ad episodi degli anni ’40 o nei cortometraggi con budget risicato, che costringevano gli artisti a design minimali, animazione stilizzata e a tutta una serie di espedienti che, pur essendo nati in un momento di difficoltà economica, portavano avanti l’arte dell’animazione segnando epoche.

long way north sasha e il polo nord film

L’opera di Rémi Chayé (il cui titolo italiano, bisogna dirlo, è decisamente poco ispirato) abbraccia tutto questo e lo unisce alla storia appassionante di una ragazza che non si ferma davanti a nulla, decisa a ritrovare i resti della nave con la quale tanti anni prima suo nonno fece naufragio. Anche il messaggio della storia propone una curiosa variazione sul tema: se normalmente il bello del viaggio non è mai la meta ma ciò che si vive nel raggiungerla, in Sasha e il Polo Nord quello che conta è arrivare, raggiungere il proprio obiettivo, piantare quella bandierina che significa “ce l’ho fatta”. Si deve arrivare alla meta perché ad attenderci c’è qualcosa di meraviglioso, e solo allora la bellezza di ciò che troveremo ci farà rivalutare la fatica e le sofferenze del viaggio.

Si perdonano allora il finale che sembra incompleto o la scarsa empatia che suscitano alcuni personaggi poco approfonditi (comunque difetti veramente minimali, soprattutto se consideriamo che si tratta dell’esordio alla regia di Chayé). Sasha e il Polo Nord è un’opera raffinata, che ci fa guardare alle possibilità dell’animazione europea con grande anticipazione.“Less is more”, si diceva, e nel caso di Sasha e il Polo Nord è verissimo: spesso i veri gioielli sono nascosti, da trovare guardando con attenzione.

10 film d’animazione europei da tenere d’occhio

5 Giugno 2017 0 comment

Editoria Libri, Fumetti e Manga Recensioni

Recensione: PK – Il Marchio di Moldrock

written by Irene Rosignoli

Recensione a cura di Tiziano Scricciolo

“C’è il mondo da salvare! Un’altra volta!”. È con queste parole che comincia la nuova storia di Pikappa, incarnazione futuristica del noto Paperinik, che dopo il successo rivoluzionario riscosso negli anni novanta è tornato, ed è oggi uno degli ospiti di punta pubblicati periodicamente su Topolino. Questa quinta storia della “nuova era” (PKNE secondo i Pkers), intitolata Il Marchio di Moldrock, ha l’arduo compito di arrivare narrativamente dopo l’attesissima Cronaca di un Ritorno di un comprimario storico che ci aveva lasciati durante la prima serie, Xadhoom, ma anche quello di cominciare a tirare le fila di tutto l’arco narrativo gestito dalla coppia Artibani/Pastrovicchio. La varietà di eventi, comprimari e susseguirsi di colpi di scena proposti in questa terza avventura è in grado infatti di dettare il ritmo per la ridefinizione attuale dello status quo del Pikappa moderno.

La trama riprende da dove l’avevamo lasciata con Il Raggio Nero. Moldrock è fuggito dalla prigione pentadimensionale che Everett Ducklair aveva ideato appositamente per imprigionarlo ed è deciso a ritrovare chi lo ha rinchiuso, vendicarsi, e tornare a regnare incontrastato su Corona, pianeta di cui sia lui che Everett sono originari. Ma per farlo si rivolge a Pikappa, incaricandolo di adempiere alle sue richieste in cambio della salvaguardia di una Paperopoli oramai isolata e sotto assedio da parte dei guerrieri dell’Orda.

pikappa marchio di moldrock zio paperone

La storia si inserisce in maniera perfettamente coerente all’interno dello stile e dei criteri adottati da questo rinnovato filone narrativo. Non più solo un mondo a sé stante, ma parte integrante del settimanale Topolino, il “nuovo” Pikappa ci mostra per esempio il cast dei personaggi nel loro contesto quotidiano, integrando alla perfezione i comprimari del Papero Mascherato con quelli più classici delle storie della famiglia dei paperi Disney. Queste due anime convivono in maniera inedita, ma estremamente organica e piacevole, anche quando Zio Paperone e i paperopolesi compaiono per poche scene, oppure quando hanno pochissime battute a loro disposizione.

L’ampio utilizzo fatto da questo ventaglio di personaggi, attraverso anche la loro crescita e il loro cambiamento di status quo, mostra la ricerca di un linguaggio di scrittura e dei tempi che ben si adattano alla rivista con il formato ad episodi settimanale. Il tutto trova una sua giusta dimensione, anche grazie a questa gestione ampiamente corale, in grado di utilizzare al meglio tutti i comprimari e di trasmettere una visione d’insieme di questo Universo, che progressivamente, grazie alla ridefinizione del cast e degli scenari, acquista di forza anche nella natura a cadenza episodica.

pikappa marchio di moldrock copertina

Artibani, dopo due storie in cui sono stati introdotti personaggi, scenari e situazioni perlopiù nuove, comincia a darci alcune risposte, ricollegando la continuità della saga esattamente dove si era interrotta alla fine della seconda stagione, mischiando saggiamente personaggi inediti e storici annunciati ritorni. Il tutto sembra pronto per portarci alla conclusione di quel processo di ridefinizione di Pikappa e del suo mondo attuale, avviatasi nel 2014 con la scommessa commercialmente non scontata e difficile di Potere e Potenza, e che giungerà a compimento con la prossima ed ultima storia dell’autore.

Dal punto di vista grafico, si continua ad alzare il livello dell’asticella della sperimentazione permessa dal formato della rivista. Per quanto a volte ingombranti, le gabbie delle pagine sono gestite davvero con una grande varietà, e il ritmo, diluito tra le pagine in quattro parti della storia, permette disegni e sequenze cinetiche più approfondite che sono vere e proprie esperienze di godimento visive. Il tratto di Pastrovicchio infatti è ancora più essenziale e dinamico, aggressivo e maestoso, regalandoci profili e figure massicce ed imponenti e dal taglio cinematografico, quasi eccessivo, ma anche dettagliati ed intensi primi piani, altamente descrittivi e molto emozionanti.

pikappa marchio di moldrock hicks

Il tutto giocando su uno spettro di colori ben definiti e caratterizzanti, curati come al solito dal leggendario Max Monteduro. Se l’utilizzo di vignette monocromatiche ( tipico della prima serie di PKNA ) è ridotto al minimo, in compenso l’esplorazione graduale di alcuni colori, associati in maniera netta ad alcuni personaggi ed ambienti (come ad esempio il verde acqua ed il viola per la Fondazione Ducklair e per Hicks) è davvero azzeccata. Questa scelta permette una caratterizzazione immediata e nettamente riconoscibile stilisticamente rispetto ai lavori precedenti.

In conclusione, la terza avventura del nostro Papero Mascherato preferito ad opera di Artibani e Pastrovicchio mette in scena una formula che ha saputo consolidarsi nel tempo, interrogandosi su linguaggio e sugli stili giusti da adoperare, riuscendo nel difficile tentativo di rinnovare e rigenerare interesse per un mondo che ha dimostrato di avere ancora molto da raccontarci.

25 Maggio 2017 0 comment

Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Recensione: Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar

written by redazione

Era il 2003 quando nei cinema di tutto il mondo arrivava La maledizione della prima luna (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl). La pellicola diretta da Gore Verbinski (Rango, The Lone Ranger) vedeva il pirata Jack Sparrow affrontare l’equipaggio della Perla Nera, temibile nave pirata su cui pende una maledizione azteca. Al suo fianco il giovane fabbro Will Turner e la risoluta Elizabeth Swann, figlia del Governatore inglese a Port Royal.

Jack Sparrow – scusate, Capitan Jack Sparrow – è senza dubbio uno dei personaggi più amati del cinema degli ultimi anni. Lo scalcinato pirata interpretato da Johnny Depp con ironia, divertimento, azione e un goccio di rum è entrato di diritto nell’immaginario collettivo della cultura pop. E nonostante siano passati ben 14 anni dall’uscita del primo capitolo, l’interesse intorno alla saga non è mai scemato; al contrario, è sempre aumentato.

Dopo tre sequel in cui ha affrontato Davy Jones e trovato la Fonte dell’eterna Giovinezza, ora Capitan Jack è pronto a salpare ancora i sette mari per una nuova avventura che lo vedrà affrontare un temibile nemico, fare nuove alleanze e ritrovare vecchie conoscenze. A dargli la caccia stavolta è una nave di marinai fantasma capitanata dal vendicativo e spietato Armando Salazar. Obiettivo del capitano spagnolo è liberare i mari dall’infestazione pirata, iniziando proprio da Jack, l’unico che lo abbia mai sconfitto. Fuggito dal Triangolo del Diavolo dove era imprigionato, a bordo della Silent Mary inizierà la ricerca proprio dello svampito pirata. Unica speranza di sopravvivenza per Jack Sparrow è il leggendario tridente di Poseidone. Per trovarlo si alleerà con la brillante astronoma Carina Smyth e il tenace Henry Turner, giovane marinaio della Royal Navy. Al loro fianco anche Capitan Barbossa, come sempre indeciso se aiutare il buon vecchio capitano o venderlo al miglior offerente.

pirati-la-vendetta-di-salazar-nuova-immagine

Possiamo sicuramente augurare un buon bentornato al Capitan Jack Sparrow. A cinque anni dal non esaltante Oltre i confini del mare, con questo nuovo capitolo la saga di Pirati dei Caraibi ritrova la via smarrita. Il nuovo film infatti ripropone tutti gli elementi che avevano portato il franchise ad essere uno dei più amati degli ultimi anni.

Ritroviamo così un mix vincente di azione, avventura, divertimento e comicità. Sin dai minuti iniziali Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar riesce a catturare lo spettatore e lo fa come meglio non poteva, con un prologo che ci fa ritrovare una vecchia conoscenza, introduce il nuovo protagonista della storia e la missione che si prefigge di portare a compimento. Come ogni avventura che si rispetti però l’azione arriva piano piano. Come un motore diesel la storia prende ritmo con calma. Così, dopo il prologo vengono presentati prima i protagonisti della storia, i loro nemici e l’obiettivo comune che questi hanno.

Ci ritroviamo quindi nelle soleggiate isole dei Caraibi dove ritroviamo un Jack Sparrow sempre più intimo con il rum e con belle signore. Un pirata sempre più svampito e macchietta. Un uomo che nonostante la grande malinconia che lo affligge per aver perso la Perla Nera non ha abbandonato di certo la vita del pirata. Un personaggio sempre più divertente, scanzonato e perseguitato dai guai. Protagonista assoluto di scene piene d’azione e humor.

pirati dei caraibi 5 la vendetta di salazar johnny depp jack sparrow nuovo promo poster

Oltre al Capitano facciamo anche la conoscenza dell’astronoma Carina Smyth, determinata e testarda ragazza alla ricerca di un luogo leggendario in cui è convinta di trovare un tesoro che cerca da tempo. Una nuova eroina che quanto a risolutezza non è seconda a nessuno e che suo malgrado si ritroverà sempre in mezzo ai guai, anche perché una donna che nel XVII secolo fa quello che fanno gli uomini in maniera migliore non può che essere una strega e per questo viene perseguitata.

La sceneggiatura è uno dei punti di forza del film. Lo screenwriter Jeff Nathanson ha dato vita ad una storia avvincente piena di suspance, combattimenti, misteri da risolvere e intrighi. Sarà impossibile staccare gli occhi dallo schermo per tutti i 129 minuti di durata. Il tutto condito da una colonna sonora inconfondibile, anche se rielaborata.

Ottimo anche il cast. Se Johnny Depp e Geoffrey Rush sono ormai una garanzia nei ruoli di Jack Sparrow e Barbossa che per loro sono ormai una seconda pelle, non deludono le new entry. Javier Bardem è perfetto nei panni del vendicativo e spietato Salazar, mentre Brenton Thwaites e Kaya Scodelario restituiscono al meglio due giovani intraprendenti e testardi.

pirati dei caraibi poster tagliato

Incredibili come sempre gli effetti speciali. La ciurma di morti di Salazar è riprodotta con una minuzia di particolari incredibile. Dei veri e propri spettri che portano il mare con loro, che nonostante cammino in superficie sembra si muovano sott’acqua. Non è da meno la Silent Mary. Della nave fantasma vengono riprodotti uno ad uno tutti i danni che la caratterizzano, estensione dell’odio del capitano spagnolo. Un vero e proprio personaggio a sé stante.

Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar è quindi senza dubbio uno dei migliori film della saga, secondo solo a La maledizione della prima luna. Il film riesce a ritrovare la rotta che sembrava smarrita dal precedente capitolo ed è quindi una pellicola che non deluderà i fan di vecchia data. Come sempre, ricordatevi infine di non lasciare la sala prima della scena extra dopo i titoli di coda.

22 Maggio 2017 0 comment

Editoria Libri, Fumetti e Manga Recensioni

Recensione: Tesori Made in Italy – Giorgio Cavazzano (1)

written by Irene Rosignoli

A cura di Simone Tribuzio

Con l’iniziativa dei Tesori Made in Italy – Giorgio Cavazzano prendono via i festeggiamenti (a cadenza bimestrale) per i cinquant’anni di un grande autore, universalmente apprezzato dal mondo Disney e dal fumetto tutto. Se la collana Tesori International voleva celebrare i grandi del fumetto Disney mondiale, questa testata parallela si concentrerà sugli autori italiani, iniziando appunto con il pubblicare 50 storie celebrative dei 50 anni di Cavazzano come fumettista per Topolino.

Il volume si apre con un apparato redazionale breve ma chiaro, atto a raccontare il percorso artistico di Cavazzano passando allo storico – e fortunato incontro – con il suo idolo: Romano Scarpa. Proprio con il maestro veneziano nascerà un sodalizio artistico ben saldo, che il giovane Giorgio saprà poi sfruttare negli anni a venire.

Si passa poi alla prima storia, la divertente e romantica Paperino e l’avventura sottomarina, sui testi di Rodolfo Cimino. Qui Paperino, durante una battuta di pesca con i nipotini, entrerà fortuitamente in contatto con una civiltà che abita negli abissi. Dovrà fare attenzione però alla piccola e tenera Reginella, invaghitasi del nuovo arrivato! Due anni dopo, a grande richiesta dei lettori, il personaggio sarebbe tornato sulle scene con una nuova avventura. In questa storia si sente chiaramente il marchio di fabbrica dello sceneggiatore, propenso fortemente al genere più vicino all’avventura che per diversi decenni ha allietato i lettori di Topolino.

topolino paperino reginella

Arriva subito dopo Paperino e l’Operazione galeone: altra storia (divisa in due tempi) entrata nell’olimpo dei classici, scritta da Osvaldo Pavese. Come il maestro Cavazzano stesso afferma nelle note prima della storia, possiamo osservare in questo racconto una profondità di campo e un’evoluzione del tratto, prima di allora inediti.

In Paperoga e il peso della gloria, realizzata in coppia con il conterraneo Giorgio Pezzin, si evince il divertimento con cui il maestro ha rappresentato veicoli, attrezzi e macchinari di vario genere. Sempre presenti in scena con una spettacolarizzazione che salta subito all’occhio del lettore. La coppia di autori si fa apprezzare ancora oggi per questa e per le altre storie appartenenti ad un grande ciclo d’avventura degli anni ‘70 e ‘80.

Passa poi la palla alla divertentissima Zio Paperone e la moneta disco volante, in cui ai testi possiamo trovare un altro maestro, ma della scrittura di casa Disney: Carlo Chendi.
Lo sceneggiatore introduce qui il personaggio di Umperio Bogarto, che fa il verso al noto attore Bogart. Mentre a farvi ritorno c’è Ok Quack.

L’ultima storia contenuta è infine Zio Paperone e l’appuntamento sul Vesuvio, scritta per i lettori nord-europei da Pierre-Yves Gabrion. A chiudere il volume ci sono numerosi extra che arricchiscono ulteriormente l’oggetto libro: un redazionale commentato sempre da Luca Boschi, sketchbook e bozzetti utilizzati per progetti al di fuori della Disney.

Tesori Made in Italy – Giorgio Cavazzano è in definitiva una testata da non perdere per i neofiti, mentre per i lettori di vecchia data sarà un’occasione utile per scoprire retroscena ed extra legati alla prima storica produzione del maestro. Il secondo volume sarà disponibile a maggio.

Acquista sul sito Panini

Acquista su Amazon

giorgio cavazzano tesori made in italy topolino

4 Maggio 2017 0 comment

Newer Posts

Older Posts