Come sapete, abbiamo partecipato per BadTaste.it e Movieforkids.it all’evento torinese View Conference. Vi segnaliamo tutte le interviste Disney uscite sui due portali:
Glen Keane
(leggenda dell’animazione, animatore di Ariel, Pocahontas, Tarzan, la Bestia, Rapunzel)
Alvy Ray Smith
(leggenda della computer grafica e co-fondatore della Pixar)
Patrick Osborne
(regista del corto Disney Feast)
Bill Watral
(supervisore della direzione tecnica del corto Pixar Lava)
Nel corso della View Conference di Torino abbiamo intervistato per BadTaste.it e Movieforkids.it la leggenda dell’animazione Glen Keane, papà della Sirenetta, di Aladdin, della Bestia, di Pocahontas e di Tarzan.
Le nostre interviste ai link:
Lava è il nuovo cortometraggio Pixar con protagonista un dolcissimo e solitario vulcano, Uku.
Ne abbiamo parlato con il supervisore alla direzione tecnica, Bill Watral, alla View Conference di Torino.
Trovate l’intervista su Movieforkids.it cliccando sull’immagine di seguito.
Il nostro primo articolo su Hullabaloo iniziava con le parole: “C’è chi ci spera ancora”.
In un tempo dove il 3d domina tutte le produzioni animate, un gruppo di coraggiosi artisti ha ideato una campagna di crowdfunding su Indiegogo.com per finanziare il loro film realizzato in animazione tradizionale, che porta appunto il titolo di Hullabaloo.
Il successo che hanno riscosso è stato impressionante (ne abbiamo parlato QUI).
Abbiamo scambiato quattro chiacchiere con James Lopez, creatore e regista del film, e con Alexa Summerfield Goriup, membro del team di animatori che darà vita alla protagonista Veronica e alla sua amica Jules.
L’intervista è molto lunga, ma la pubblichiamo in versione integrale perché non potremmo tagliare neanche una parola delle appassionate dichiarazioni di James e Alexa. Non solo: noi di Impero Disney vi proponiamo la versione in traduzione italiana, mentre il nostro amico Kyle di Kyle’s Animated World ha pubblicato per noi la versione inglese.
Buona lettura a tutti coloro che… ci sperano ancora!
Ciao James, grazie per aver accettato di rispondere a qualche domanda. Vorremmo iniziare facendo i complimenti per il successo ottenuto dal progetto Hullabaloo. In una settimana, è stato raggiunto il doppio dell’iniziale obiettivo. Vi aspettavate così tanto supporto?
Grazie a voi per avermi invitato ad essere intervistato e grazie anche per il vostro supporto! Onestamente, non mi aspettavo così tanto sostegno. I miei amici erano convinti che avrei raggiunto l’obiettivo ma penso che nemmeno loro avessero previsto così tanto supporto.
La situazione dell’animazione tradizionale sembra davvero tragica. I pochi tentativi degli ultimi anni (La Principessa e il Ranocchio, Winnie the Pooh) sono stati flop. Dato il successo di film come Frozen, le major sono portate a pensare che il 2d sia ormai vecchio e che sia necessario puntare sulla CGI. Il 2d sta davvero morendo? Hullabaloo potrebbe salvarlo, come dite nella presentazione del film su indiegogo?
Prima di tutto, lasciatemi spiegare un paio di cose. La Principessa e il Ranocchio e Winnie the Pooh non sono stati flop, in quanto hanno prodotto un profitto e sono stati accolti positivamente dalla critica. Questo equivoco è una delle ragioni per cui l’animazione 2d è nella situazione che conosciamo.
Il 2d è una forma d’arte come tutte le altre, che ha bisogno di formazione affinché possa essere tramandata. La formazione avviene per la maggior parte all’interno dell’ambiente di lavoro e, purtroppo, al momento non ci sono abbastanza film animati in 2d in produzione che posseggano quel livello di qualità che noi vorremmo non solo preservare, ma anche migliorare.
Ciò che speriamo di fare con Hullabaloo è aprire la porta e spianare la strada alla nuova generazione di animatori. Vogliamo ispirarli e far sì che continuino a praticare questa forma d’arte, che così potrebbe rifiorire.
Hai lavorato al cortometraggio Premio Oscar Paperman. Pensi che fondere le due tecniche possa essere una terza via per far rinascere l’arte dell’animazione tradizionale?
Qualsiasi cosa, perché sia portata avanti, deve essere anche fattibile sul piano pratico. La tecnica di Paperman, che prevedeva di mescolare 2d e 3d, si è dimostrata infattibile sul piano economico, nel modo in cui è stata utilizzata. Ciò che Paperman aveva davvero da offrire era una buona storia unita a una buona direzione artistica, fotografia e bei personaggi che avevano un’estetica 2d.
Il processo utilizzato per creare quel tipo di look poteva essere fatto senza la tecnologia e rivelarsi fattibile anche sul piano economico.
Ciò che potrebbe aiutare davvero l’animazione tradizionale a sopravvivere sarebbe un maggior senso della qualità artistica e della cinematografia applicato all’aspetto e al design dell’immagine.
L’animazione si è da sempre perfezionata attraverso l’utilizzo di nuove tecniche che hanno mano a mano sostituito le vecchie. Secondo te allora, perché è così importante che il 2D non muoia e non lasci il posto all’animazione in CGI in via definitiva? Cosa regala di diverso o in più rispetto ai nuovi prodotti sempre più all’avanguardia?
Come abbiamo già detto, potremmo anche sviluppare nuove tecniche. Ne abbiamo sviluppata una che farà interagire scenari in CGI con personaggi in 2d in una maniera mai utilizzata prima d’ora. Conferirà all’ immagine quell’ aspetto artistico che sembra piacere agli spettatori moderni.
È un peccato che il 2d debba ingiustamente dimostrare la sua efficacia perché sia considerato, quando in realtà è una forma d’arte valida come tutte le altre.
Quando sono stati introdotti i sintetizzatori, non abbiamo smesso di suonare gli strumenti musicali. Le orchestre esistono ancora e la gente paga lo stesso per ascoltare musica live, invece che limitarsi a un suono prodotto e registrato da un computer su uno stereo. Allora perché, quando è stata introdotta la CGI, abbiamo rinunciato al 2d?
Se è un problema di risultati al box office, non tutti i film in live action sono blockbuster dal budget stellare; gli studi continuano a produrre anche film con budget modesti che al pubblico piacciono e vincono pure dei premi. Penso ad esempio a The Artist (2011). Era in bianco e nero e muto. Ricordava i film senza sonoro di una volta e ha vinto il Miglior Film ai Golden Globes, ai BAFTA e anche agli Oscar. E ha anche incassato dei soldi. Se essere “vecchio” è potenzialmente sinonimo di attrattiva e quindi successo, perché non si può produrre un film in 2d?
L’animazione 2d è Arte.
L’ arte è un linguaggio comune che unisce i popoli. Perdere il 2d sarebbe come perdere un linguaggio. Perché la nostra cultura fiorisca, c’è bisogno che le persone siano ispirate. Il 2d è un’arte che ispira.
Ricevo molte email e leggo innumerevoli messaggi che ringraziano me e tutto il team per i nostri sforzi di mantenere viva l’Arte del 2d, perché la nuova generazione sogna di creare grandi film animati in 2d. È parte della nostra eredità ed è destinato a essere il nostro futuro.
Con il tempo, si è diffusa l’idea che l’animazione debba essere governata dalla legge dell’ “oppure”. O 2d o CGI. Ma è il momento di cambiare musica. C’è spazio per entrambe ed entrambe possono mostrare i loro punti di forza senza dover scendere a compromessi. È il momento di riconoscere il 2d per quello che è. È una valida forma d’arte, un’arma potente che può ispirare gli artisti ed è anche una soluzione economica valida per il successo.
A parte il ritorno dell’animazione tradizionale, Hullabaloo promette due protagoniste femminili interessanti e un’atmosfera steampunk. Da dove viene l’idea per la trama e come mai è stato scelto questo stile?
Io ho due bambine, e quando penso allo scopo del mio lavoro penso a realizzare qualcosa in cui le mie figlie possano immedesimarsi, qualcosa che possa intrattenerle e stimolare la loro creatività. Perciò, volevo creare modelli femminili positivi. Le personalità dei miei due personaggi sono basate sul rapporto tra le mie due figlie. Una preferisce restare a casa, leggere, fare lavoretti e cucire, mentre all’altra piace correre fuori, giocare e metter su una recita.
L’idea di utilizzare lo Steampunk è nata qualche anno fa quando mi sono accorto che c’era una seria mancanza di film in 2d in produzione. Invece che sedermi e aspettare che qualcun altro presentasse un progetto, ho preso l’iniziativa e ho deciso di creare un film tutto mio. Ho provato a pensare a una buona storia da realizzare con l’animazione. Un giorno sedevo al tavolo per la colazione con mia moglie e le ho chiesto un parere. Si è ricordata di qualche mese prima, durante la festa di Halloween, quando eravamo a casa di alcuni amici. Poco dopo il nostro arrivo, è sopraggiunto questo gruppetto vestito con abiti dell’epoca Vittoriana per fare qualche foto. Lì ho conosciuto il mondo dello Steampunk e mi hanno spiegato che si tratta della fantascienza in salsa Vittoriana. Mia moglie ha ricordato la sensazione di incanto provata nei confronti di quei costumi e ha detto che se fossi riuscito a riproporre quella sensazione in un film animato, sarebbe stato qualcosa di davvero unico.
Per me, lo Steampunk ha uno spirito di ottimismo, come se potesse succedere qualsiasi cosa in quel mondo. È abitato da personaggi progressisti che guardano sempre avanti, e l’estetica delle invenzioni che creano è davvero fantastica, letteralmente.
Mentre facevo delle ricerche sullo Steampunk, ho notato che i costumi che i personaggi indossavano ricordavano una specie di supereroi dell’era Vittoriana. Perciò ho deciso che Veronica dovesse impersonare un vendicatore con gli occhialoni chiamato Hullabaloo. C’è un detto che dice che un eroe è forte solo quanto il suo nemico, così ho in seguito ideato la sua nemesi, lo Stregatto, basato sul personaggio di Alice nel Paese delle Meraviglie di Lewis Carroll.
Per quanto riguarda l’universo del film, volevo rappresentare un mondo governato da tecnologia in continua evoluzione, e i pro e i contro nell’adottare le tecniche appena scoperte. Volevo raccontare una storia significativa per ciò che affrontiamo nel mondo reale, così che sia possibile immedesimarsi in essa.
Quando penso ai temi collegati allo Steampunk, penso che il fatto che coinvolga la tecnologia moderna combinata a un look tradizionale coincida perfettamente con la tecnica che voglio utilizzare, cioè il mescolare ambienti in CGI con personaggi in animazione tradizionale.
Per il momento sono stati raccolti fondi sufficienti per tre cortometraggi. Come saranno distribuiti? Avete in programma di realizzare un lungometraggio?
Al momento ho intenzione di distribuirli online in modo che tutti possano vederli. Chi ha donato su Indiegogo potrà vederli prima degli altri.
Ci piacerebbe realizzare un lungometraggio animato, un giorno. Abbiamo tanta strada da fare, ma come tutti i viaggi, si inizia con un piccolo passo.
Ciao Alexa, grazie per aver accettato di rispondere a qualche domanda. Il team di Hullabaloo è formato da animatori provenienti da diversi studi: Disney, Pixar, DreamWorks e altri ancora. Come vi siete trovati a collaborare? E’ stato l’amore per il 2d ad unirvi?
A prescindere dallo studio, molti di noi animatori hanno lavorato insieme oppure si sono incontrati a un certo punto della loro carriera; l’animazione tradizionale è un mondo piccolo, dopotutto. Io ho incontrato James tramite degli amici che lavoravano in Disney nel 1996, quando sono entrata alla DreamWorks. Mi ha fatto da guida durante il mio primo indimenticabile tour dei Disney Studios e siamo rimasti amici da quel momento. Qualche anno fa ho saputo che stava lavorando a questo progetto e l’ho implorato di permettermi di aiutarlo fin da quel momento, perciò sono molto emozionata all’idea di lavorare a Hullabaloo. Posso affermare con certezza che il legame che ci unisce è proprio l’amore per l’animazione tradizionale, insieme alla passione per il disegno.
Leggendo la biografia nel tuo blog abbiamo notato che ogni volta che lo studio in cui lavoravi si è convertito alla CGI, sei andata altrove. Non hai mai pensato di cedere e convertirti al 3d anche tu? Che cosa ti ha spinto a continuare con l’animazione tradizionale, pur sapendo che era in declino?
In realtà non è stata una mia scelta quella di smettere di lavorare per quegli studi, quanto il fatto che non avessero più bisogno di me. Alla DreamWorks ci hanno provato a farci passare al 3d-CGI, ma per me era un processo frustrante; se avessi voluto muovere dei pupazzetti (perché in realtà è questo che si fa col 3d) sarei andata dalla Aardman o da Henson, ma io amo disegnare, e visto che non si disegna davvero col 3d, non era proprio la strada giusta per me. Non lascerò mai perdere l’animazione tradizionale perché la adoro e secondo me mantiene un’eleganza e una capacità di non invecchiare mai nel tempo che fa sì che il pubblico senta già la sua mancanza, anche se i grandi studi continuano a negare il suo valore. Ma la gente vuole ancora vederla e il nostro successo con la campagna su Indiegogo per Hullabaloo lo ha dimostrato in modo straordinario. È la mia passione e la mia vita, e troveremo un modo perché continui a prosperare perché sono convinta che ci sia spazio per tutte le tecniche di animazione sia oggi che nel futuro.
Uno dei mantra che le major ripetono è che la CGI è più economica dell’animazione a mano. Eppure possiamo notare che film come Frozen hanno richiesto un budget di quasi 150/200 milioni di dollari, mentre un film come Winnie the Pooh riesce ad avere un’animazione in 2d perfetta spendendone solo 30. E’ davvero solo una questione economica?
Beh, quando l’animazione tradizionale era l’unica tecnica esistente e il 3d era appena nato tutti dicevano che la CGI era più economica del 2d e si sono lentamente convertiti… e adesso il 2d è più economico del 3d?! Se prendono cento artisti e li pagano centomila dollari ogni anno per 2 anni di produzione, fanno 20 milioni. Aggiungiamo 10 milioni per i computer, supporti e le altre spese che servono a fare il film, e il totale è di 30 milioni. Chissà dove spendono i restanti 100 milioni… Comunque, il problema non è realmente solo economico, la verità è semplicemente che gli studi hanno abbandonato l’animazione tradizionale per il momento, e tocca a noi mantenerla viva con progetti come Hullabaloo. Perciò è necessario tutto il supporto possibile da parte di chi ci crede ancora.
Come animatrice, che cosa ti piace di più del progetto Hullabaloo? In altre parole, qual è stato il fattore determinante che ti ha portato a collaborare con James Lopez?
Da dove cominciare? Adoro lo stile di James in generale – avete mai visto il suo libro “Martini Chic”? Qualche anno fa ho visto i disegni e le idee per Hullabaloo e ho capito all’istante di voler disegnare quei personaggi, erano così affascinanti! Ho detto a James che volevo aiutarlo e ho continuato a ripeterlo ogni volta che ho potuto, spingendolo anche a contattare alcuni suoi amici perché ci aiutassero a fare il film. Penso che alla fine mi abbia semplicemente ascoltato e quindi eccoci qua… Ci sono moltissimi motivi per cui volevo far parte del progetto Hullabaloo. I design, la storia, le due ragazze protagoniste, gli accessori e i veicoli Steampunk, le pistole a raggi laser, l’atmosfera Vittoriana, l’avventura e lo stile… E ho già detto che è animato a mano da alcuni dei migliori animatori viventi? Chi è che non vorrebbe lavorare a questo film?! Sto già ricevendo telefonate da altri artisti che adesso vogliono partecipare al progetto. Sono così grata a James per avermi scelta come membro del team fin dall’inizio. Continuate a seguirci, perché Hullabaloo sarà fantastico!
Se il progetto vi interessa e vi sta a cuore la salvezza dell’animazione 2d, vi invitiamo a cliccare sulla foto sottostante per poter donare alla campagna di raccolta fondi per Hullabaloo.
Anche una donazione minima può fare la differenza!
A dicembre arriverà sui nostri schermi Big Hero 6, il nuovo lungometraggio dei Walt Disney Animation Studios. Come è successo per Winnie the Pooh, Ralph Spaccatutto e Frozen, anche questo Classico sarà preceduto da un cortometraggio animato: si tratta di Feast, diretto da Patrick Osborne.
Feast, che vi abbiamo già presentato QUI, racconta la storia di un uomo vista con gli occhi del suo migliore amico: il suo cane Winston. La loro amicizia verrà mostrata, morso dopo morso, attraverso i pasti che condividono.
Ma come nasce un cortometraggio Disney? Il regista lo ha raccontato a Collider e noi abbiamo tradotto i passaggi più interessanti dell’intervista.
“Feast è in realtà il primo cortometraggio realizzato nell’ambito del nostro programma cortometraggi.” racconta Osborne “Negli ultimi anni abbiamo mostrato al cinema due o tre corti insieme ai nostri film animati, e presto ci siamo resi conto che volevamo renderlo un appuntamento fisso. Perciò, circa un anno fa, è stato annunciato un vero e proprio programma. Da quel momento, tutti sono liberi di proporre le loro idee a John Lasseter.”
“John ha questa regola: devi proporre tre idee. Perciò, quando decidi di provare, finisci davanti a lui e a un gruppo di sei registi, con le tue tre idee scritte sulla lavagna. E poi aspetti. Io ho aspettato e ho continuato a lavorare a Big Hero 6 per un paio di mesi. E poi, un giorno, hanno detto che avrebbero realizzato il mio corto. Improvvisamente è cambiato tutto.”
Ci sono molte differenze tra la produzione di un cortometraggio e quella di un lungo, racconta Osborne. “Con i lungometraggi, la storia viene approvata pezzo dopo pezzo. La cosa bella dei corti, invece, è che avviene tutto insieme. Si comincia a lavorare sulla storia, ma allo stesso tempo bisogna decidere come apparirà sullo schermo, il design dei personaggi e del cibo, nel nostro caso. Visto che non l’avevo mai fatto prima, per me è stato un bel processo formativo.”
Per fortuna, Patrick Osborne ha avuto accanto a sé l’aiuto di colleghi più esperti, come Jeff Turley (production designer), Jim Reardon (head of story in Ralph Spaccatutto) e ovviamente John Lasseter, direttore creativo degli studi Disney e Pixar.
“La storia è stata la sfida più grande per me, perché non mi ero mai occupato di storyboard prima d’ora. Ad ogni riunione, John commentava con “Questa parte è bellissima. Non vedo l’ora di vederla sul grande schermo” oppure con “Non va ancora bene, devi fare qualcosa per aggiustare questa parte”. È un processo stressante, ma lui è lì per aiutarti. Con il tempo capisci che se ti ha dato il via libera per realizzare quel film, vuol dire che crede in te. Quando proponi un’idea è come se facessi una promessa; da quel momento, la tua sfida è mantenerla.”
Big Hero 6 e Feast saranno al cinema dal 25 dicembre.
Il grande successo di Frozen – Il Regno di Ghiaccio ha confermato l’amore da parte del pubblico di tutte le età per una formula che da sempre contraddistingue le produzioni Disney: quella del musical.
Abbiamo apprezzato molto i tre interpreti principali delle canzoni nella nostra lingua (Serena Rossi, Serena Autieri ed Enrico Brignano), e ci sembra ora doveroso dedicare uno spazio alla figura dell’adattatore dei testi musicali, che con il suo lavoro contribuisce a rendere questi brani indimenticabili. Abbiamo dunque rivolto alcune domande a Lorena Brancucci, che da 13 anni si occupa di tradurre le canzoni Disney nella nostra lingua.
L’intervista è in collaborazione con i nostri amici del Disney Digital Forum, che vi invitiamo a visitare. Ringraziamo in particolare l’utente Daydreamer/Alessio per la formulazione di alcune domande.
Come è possibile leggere sul suo sito web http://www.lorenabrancucci.it/, Lorena Brancucci nasce a Roma il 03 gennaio 1977 ed inizia a studiare canto e pianoforte sin dall’ infanzia. Cresciuta negli studi di registrazione Disney, presta la sua voce per il canto a diversi personaggi, tra cui la leonessa Nala in Il Re Leone. In seguito, grazie alla guida del Maestro Ermavilo, si avvicina al mondo dell’adattamento. Dal 2000 è ufficialmente la paroliera e adattatrice di tutte le produzioni Disney. Per maggiori informazioni vi consigliamo di visitare la sezione “Lavori” del suo sito web.
“Frozen – Il Regno di Ghiaccio” recupera la grande tradizione dei musical Disney e fa delle canzoni il suo punto di forza. Ci siamo accorti però che nella nostra community sempre più persone, pur apprezzando molto la versione italiana, chiedono e ascoltano le canzoni anche in lingua originale. In un mondo in cui l’inglese viene insegnato fin dalle scuole elementari, perché secondo Lei è ancora importante tradurre, adattare e ridoppiare i film Disney? Per il nostro Paese è solo una questione di tradizione oppure è diventata un’arte a sé stante?
Il doppiaggio delle canzoni nei cartoni animati (non solo quelli firmati Disney) è di enorme importanza ancora oggi, proprio in considerazione del pubblico che ne usufruisce maggiormente. Le canzoni sono, da sempre, uno dei metodi più utilizzati per far sì che, nella delicata mente di un bambino, un messaggio resti più impresso e sia più semplice da capire. Il bambino che ascolta la canzone, impara il testo e recepisce il messaggio in esso contenuto, prima ancora di accorgersi che sta imparando qualcosa e, oltre tutto, lo fa divertendosi. La Disney, da sempre, utilizza le sue canzoni come degli “story point”, ossia come stralci di film veri e propri, ai quali affidare, spesso, proprio le scene di primaria importanza della storia. Come potrebbero restare i bambini se, proprio in quei momenti, non riuscissero a capire che cosa succede? Si sentirebbero esclusi, delusi e probabilmente mortificati e tutta la gioia di vedere il cartone si esaurirebbe immediatamente. Immaginate di vedere un film bellissimo, il cui esito finale è descritto tutto nel testo di una canzone, cantata in una lingua a voi sconosciuta. Cosa pensereste? Provate a pensare di ascoltare la suddetta canzone senza sottotitoli. (Non bisogna dimenticare, infatti, che il bambino non legge i sottotitoli, perché anche quando impara a leggere, sono per lui troppo veloci per recepirli e gli impediscono di seguire quello che sta accadendo nelle immagini. Se provasse a leggerli, si perderebbe la gioia di gustarsi il video). Non ne restereste delusi?
E’ vero che i film Disney sono sempre più amati anche dal pubblico adulto, ma i loro principali destinatari restano i bambini ed è con i loro occhi che dobbiamo immaginare di vedere un film, per capire che cosa sia giusto fare.
Quando si approccia all’adattamento di una canzone Disney, quali sono le urgenze che sente più Sue? Fedeltà al testo originale, lipsynch o altro ancora?
Il lipsynch, nell’era del 3D, è sicuramente di primaria importanza, perché rende il prodotto “credibile” proprio agli occhi dei bambini, oltre a renderlo “bello e piacevole da guardare” agli occhi di un adulto. Il bambino piccolo vede nel personaggio del cartone animato un essere reale e pensa che sia lui a parlare. Se il soggetto pronuncia una “A”, mentre la sua bocca si mette in posizione da creare una “O”, quale credibilità ha?
Questa esigenza è avvertita nelle canzoni molto più che nei dialoghi, perché mentre durante i dialoghi la bocca si apre e chiude in modo molto rapido e difficilmente dà modo di far capire i suoi movimenti, nella canzone, durante la quale, oltretutto, ci sono moltissimi primi piani, ci sono delle note tenute molto a lungo, dove il lipsynch è davvero evidentissimo. Trascurarlo sarebbe un grave errore. Non parlo solo delle vocali finali, ma anche delle consonanti, come labiali e dentali che, ormai, ad uno sguardo attento, si distinguono perfettamente.
Il significato originale della canzone è, altresì, molto importante, ma poiché inglese ed italiano sono lingue completamente diverse (la prima ha l’immenso vantaggio di avere un’infinità di parole brevi e tronche, che invece sono rarissime nella seconda) è impensabile sperare di mantenere le stesse parole all’interno della stessa frase, quindi la cosa davvero importante è che resti inalterato quantomeno il senso generale della canzone inglese.
Elsa, in Frozen “tramonta come il sole per poi sorgere all’alba”, perché la canzone originale parla della sua rinascita come persona. “Il resto è storia, ormai, che passa e se ne va”, sta ad indicare il taglio netto col passato, dal quale lei adesso vuole fuggire, per riappropriarsi finalmente della propria libertà. Quando Anna canta “Ora tu mi manchi troppo”, le parole – in synch con i movimenti della sua bocca – vogliono evidenziare lo strazio di una ragazza disperata, che si sente sola al mondo e cerca il conforto dell’unico affetto che le sia rimasto. Tale strazio, altro non è se non proprio lo stato d’animo che la canzone originale mira ad esprimere.
Insomma, la scelta dei termini e dei costrutti della frase sarà quindi indirizzata a mantenere il messaggio contenuto nella canzone, ma facendo in modo che synch, metrica musicale e rime siano sempre rispettati anche nella nostra lingua.
Nel Suo sito web parla di “commistione tra fedeltà al testo originale ed estro creativo personale”. In cosa consiste l’apporto personale del paroliere?
L’apporto personale del paroliere consiste proprio nel ricercare la miglior commistione possibile tra le esigenze di cui abbiamo parlato. Si tratta di capire dove sia meglio rispettare il synch, sebbene un po’ a discapito dell’originale e dove invece, viceversa, il synch sia meno evidente e sia meglio quindi dare maggiore rilievo al significato letterale. Il paroliere deve, inoltre, saper scegliere termini adatti al pubblico destinatario, tra quelli più comodi da cantare per il solista o per il coro (a parità di significato, si privilegiano termini che, messi in metrica musicale, agevolino i cantanti) e, ove occorra, anche trovare giochi di parole o battute che possano sostituire nel miglior modo possibile quelle originali. In conclusione, si tratta di rielaborare il brano originale, rispettandolo il più possibile, ma rendendolo adatto alla lingua italiana, al contesto ed all’età del pubblico. Il fatto che detta età sia, nel caso dei film Disney, così varia, (si spazia dal bambino piccolissimo all’anziano), rende, ovviamente, il compito ancor più arduo. La Disney ha infatti il pregio di esprimere, accanto a dei concetti comici e ludici, anche dei messaggi intensi ed importanti, che non vanno quindi mai sminuiti in alcun modo, ma li destina a soggetti tra i più svariati, dunque occorre fare in modo che possano arrivare dritti al cuore, in qualunque fascia d’età il destinatario si trovi. A volte si userà un termine più “tenero” e l’adulto avrà la pazienza di tollerarlo, senza liquidarlo come “banale”, altre volte uno più complesso e, sempre l’adulto, dovrà avere la pazienza di spiegare al bambino cosa voglia dire (così il bambino impara un termine nuovo). Ma in nessun caso verrebbero mai utilizzate terminologie astruse o complesse, né tantomeno inadeguate ad un pubblico di minori. Esiste infatti una rosa di termini, nel mondo Disney, che ci è assolutamente preclusa e non bisogna dimenticare che alla base del successo di questi prodotti c’è anche la semplicità e la fruibilità degli stessi.
Nell’adattamento di una canzone influisce anche l’artista che la interpreterà nel film, o le voci vengono scelte in seguito? Pensiamo ad esempio a “All’Alba Sorgerò” cantata da Serena Autieri in “Frozen – Il Regno di Ghiaccio”…
La scelta dei cantanti, in genere, non influisce sul testo della canzone, ma può capitare di modellare un testo in base anche alle caratteristiche vocali del cantante. Se è un bimbo molto piccolo a dover cantare, ad esempio, si evitano tutti i termini che farebbe fatica a pronunciare in modo corretto. Se un cantante deve sostenere una nota particolarmente acuta o bassa e predilige, per riuscirci, una certa vocale piuttosto che un’altra, sarà mia premura accontentarlo.
Il senso profondo di questo lavoro è, in estrema sintesi, quello di provare a trovare, tra mille ostacoli, una soluzione che riesca, il più possibile, a mitigare tutte le molteplici esigenze che ho finora rappresentato.
Non esiste bacchetta, né formula magica ma, se ci si riesce… la magia Disney diventa realtà! E poiché questo lavoro lo si può fare solo se si ha una sconfinata passione… per quanto mi riguarda, non c’è gioia o soddisfazione più grande.
Ringraziamo Lorena Brancucci per la disponibilità dimostrata e gli amici del Disney Digital Forum per il loro contributo!
Ore 11:14, Roma.
Orario appuntamento 11.15.
Axel & Iry corrono spaesati per i grandi viali di Roma, senza sapere dove andare di preciso.
Ore 11:15, i nostri due eroi entrano in un lussuosissimo hotel al centro di Roma, come dei profughi, sotto lo sguardo visivamente allibito di chauffeur e personale d’albergo.
Ecco le premesse con cui siamo arrivati alla conferenza con registi ed i doppiatori di Frozen – Il regno di Ghiaccio!
L’incontro si è aperto con l’arrivo dei doppiatori italiani: Serena Autieri (Elsa), Serena Rossi (Anna) ed Enrico Brignano (Olaf), insieme al direttore del doppiaggio Roberto Morville.
Si è iniziato subito con le domande dei giornalisti in sala.
Giusto per rendere idea di come era poco lussuosa la sala
La prima era diretta a Brignano, a cui è stato chiesto come abbia lavorato sul personaggi di Olaf, considerando anche la grande differenza di timbro con la voce americana. Il comico ha risposto svelando qualche aspetto tecnico.
Infatti, mentre nel doppiaggio originale le voci vengono prima dell’animazione (che viene modellata sui toni delle battute), in Italia succede l’esatto contrario.
Il doppiatore italiano infatti deve seguire da una parte la traccia della voce americana, ma dall’altra tentare di metterci del proprio, ed è quello che Brignano ha dovuto fare, modificando i toni della propria voce per adattarsi al personaggio.
Ma come Morville ha fatto notare, è pienamente riuscito nello scopo!
A seguire, è stato chiesto quale aspetto del personaggio è piaciuto di più al rispettivo doppiatore.
Serena Rossi ha preso la parola per prima, sostenendo come sia impossibile non innamorarsi di Anna, una persona buffa, simpatica, pura, che attira subito l’amore del pubblico!. Ha inoltre aggiunto che anche lei è molto legata a sua sorella, e che questo sentimento è stato molto utile per immedesimarsi nel personaggio.
Serena Autieri ha spiazzato la sala annunciando che pure lei possiede i poteri… ZAN ZAN. Scherzi a parte, ciò che ha più tormentato la doppiatrice di Elsa è stata la grande responsabilità per le canzoni, e per il fatto di avere un personaggio impegnativo nonché centrale nel film.
Brignano prende di nuovo la parola, ricordando come la scuola di doppiaggio in Italia sia tra le più antiche e prestigiose del mondo, aspetto importantissimo nei film Disney, che mirano sempre ai bambini (d’età e di spirito).
Successivamente tutte e tre le voci hanno ringraziato Fiamma Izzo per l’aiuto e il sostegno durante le registrazioni, e per lo spazio d’improvvisazione lasciato a ciascuno. Senza dimenticare poi i ringraziamenti al maestro di canto Brancucci, perché per tutti era importante essere all’altezza dei grandi Classici Disney.
La conferenza si è chiusa con un’ultima domanda, riguardo a cosa hanno provato gli attori quando sono stati scelti per il doppiaggio.
Quello che Serena Rossi ha sottolineato è che un film Disney è per sempre, e che è estremamente contenta che i suoi nipotini e che la sua famiglia potranno ascoltarla, per quanto abbia ammesso che non sia stato facile doppiare Anna.
L’attrice inoltre è rimasta sorpresa di quanto sia “fisico” il lavoro di doppiaggio, e Fiamma Izzo è spesso intervenuta per strattonarla e rendere la scena più credibile!
Brignano confessa che lui stesso aveva suggerito i nomi di Serena Autieri e Serena Rossi, e di quanto abbia sperato di prendere la parte di Olaf.
Infine Morville conclude questa prima parte della conferenza elogiando il lavoro di tutto il cast, e la disponibilità che gli attori hanno dimostrato durante le registrazioni
Concluso il primo incontro, escono i doppiatori e, dopo una breve pausa, entrano Chris Buck, Jennifer Lee e Peter del Vecho. Rispettivamente i due registi ed il produttore di Frozen.
Chris Buck aveva già esperienza in Disney come animatore, avendo lavorato in alcuni Classici Disney negli anni ’80 e ’90, per poi arrivare alla regia “Tarzan” nel 1999.
Jennifer Lee si è unita ai WDAS nel 2011, ed è stata sceneggiatrice di Ralph Spaccatutto, incarico che ha mantenuto anche in Frozen, con la promozione alla co-regia.
Peter del Vecho infine è uno storico produttore degli WDAS, che ha firmato alcuni Classici del rinascimento (come Hercules) e molti di quelli più recenti (come Il pianeta del Tesoro e La Principessa ed il Ranocchio).
Di seguito vi riportiamo un breve riassunto delle domande e risposte avvenute tra i giornalisti in sala ed i registi!
Cosa vi ha colpiti della storia originale?
Jennifer Lee: Quello che ci ha colpito molto è la lotta tra l’amore e la negativita presente nella fiaba di Andersen, Lotta che abbiamo voluto mantenere in Frozen. Anna è armata solo di amore contro la paura. Nella storia originale non sappiamo nulla della regina delle nevi quindi abbiamo deciso di allontanarci dalla fiaba. Nella storia la regina è solo cattiva, mentre nel nostro film è più tridimensionale. Il momento chiave è stato trovare la giusto modo di far interagire le due sorelle.
Il film d’animazione basati sulle fiabe sono una tradizione della Disney fin da Biancaneve. Come ci si sente a far parte di questa tradizione?
Christ Buck: è un onore fare fiabe e far parte della tradizione Disney, anche perché sono cresciuto con i Classici! Il mio preferito è Pinocchio.
Lee: Abbiamo saputo che già Walt Disney voleva fare la regina delle nevi. Il fatto di averlo realizzato noi è molto importante. Il film che preferisco in assoluto è Cenerentola. Ma la cosa più importante del fare fiabe nel 2013 è fare in modo che mantengano un tocco classico ma che ci si possa ancora identificare.
Peter Del Vecho: Non realizziamo un mondo realistico, ma un mondo credibile. Sono storie che hanno una grandissima portata ed obiettivo: avvolgere e trasportare il pubblico
Come mai era un problema che all’inizio la regina delle nevi (Elsa) fosse solo negativa? In genere nei Classici Disney il cattivo è solo cattivo
Lee: Perché chi legge la fiaba non sai niente della regina. Abbiamo fatto cattivi “veri” molte volte, ma volevamo tentare un approccio nuovo e più complicato che ruotasse attorno al rapporto tra buono e cattivo. Man mano che esploravano il personaggio e ci chiedevamo chi fosse e quale fosse il suo percorso, e più pensavamo di creare un personaggio diverso.
Buck: è stato quando hanno scritto Let It Go che è cambiata completamente la nostra visione del personaggio! Fino a quel momento lei era LA cattiva, ma quella canzone è stata un punto di svolta. È chiaro che Elsa non è l’antagonista della storia, ma è qualcos’altro, che il pubblico riesce ad avere più a cuore.
I film sulle Principesse sono anche dei modelli per le donne, che adesso sono cambiati anche in una svolta “femminista”. Jennifer è la prima donna regista in Disney. Qual è stato il tuo percorso? è vero che è un ambiente maschilista come dice la Chapman?
Lee: Io amo i personaggi imperfetti, ragazze reali con cui ci si può identificare. Ogni eroina disney è stata realizzata per la sua epoca, e noi non vogliamo personificare un cambiamento, ma semplicemente rappresentare le donne di oggi. Sempre più donne lavorano nell’animazione e c’è maggior equilibrio. La parità maschile e femminile rende migliori i personaggi ed i film. Quando ho iniziato a lavorare a Ralph Spaccatutto, metà del team era costituito da donne, non sapevo che in passato fosse un problema…. Questo per quanto riguarda la Disney. Nel cinema live action forse sono rimasti un po’ rimasto indietro, ma le cose cambieranno!
I film disney rappresentano un pilastro della cultura popolare. Quanto è diverso “Frozen” dalla tradizione e quanto è nuovo, cosa rappresenterà per la tradizione?
Buck: Cerchiamo di creare qualcosa di nuovo, rispettando sempre però la tradizione Disney perché fa parte del nostro DNA. Film per tutti, di ogni età, e con un messaggio importante, oltre che alle risate e ai momenti tristi.
I personaggi comprimari nei film Disney, sono sempre molto importanti. Quanto è stato difficile scrivere un personaggio come Olaf?
Lee: Chris ha inventato Olaf, tutti noi abbiamo subito amato l’idea di un pupazzo di neve che poteva rompersi in vari pezzi. Io ho insistito perché fosse funzionale alla storia di Anna e Elsa e non solo un’aggiunta comica. Rappresenta l’amore innocente. È una parte importante del film.
E con questa ultima domanda si è chiuso l’incontro! Prossimamente arriverà un articolo riguardante la piccola sorpresa della mattinata, ovvero la presentazione del documentario “Walt Disney e l’Italia – una storia d’amore”, prodotto dalla Disney Italia con Kobalt Entertaiment.
Frozen – Il regno di Ghiaccio è il 53esimo Classico Disney, ed arriverà nei cinema italiani il 19 Dicembre. Realizzato in CGI, uscirà al cinema sia in 2D che in 3D, mentre ricordiamo che ci saranno delle anteprime il 15 Dicembre, di cui presto vi daremo notizie!
“Anna è una giovane sognatrice, principessa di Arendelle, mentre sua sorella Elsa ne è la regina.
Il giorno dell’incoronazione però, il terribile segreto di Elsa viene fuori in tutta la sua potenza, e l’intero regno viene chiuso in un inverno senza fine. In condizioni estreme come quelle dell’Everest, Anna intraprende un epico viaggio in compagnia di un coraggioso uomo di montagna, Kristoff, e della sua fedele renna Sven alla ricerca della sorella.
Incontreranno creature fantastiche, come un buffo pupazzo di neve di nome Olaf, e combatteranno contro gli elementi della natura per salvare il proprio regno.
E non solo.”
