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Guardiani della Galassia 3, la recensione della loro ultima missione

Dal 3 maggio arriverà ufficialmente in sala Guardiani della Galassia 3, l’ultimo capitolo della saga dei Marvel Studios diretta da James Gunn. Lo abbiamo visto in anteprima ed ecco cosa ne pensiamo!

La trama di Guardiani della Galassia 3

In Guardiani della Galassia 3, Peter Quill / Star-Lord e i Guardiani della Galassia si sono ormai stabiliti a NoWhere e ne hanno fatto la loro casa. Tutto fila liscio e tranquillo, più o meno, tra un rimorso e una sbronza. La pace viene interrotta dall’arrivo del potente Adam Worlock. L’essere creato dalla regina dei Sovereign, Ayesha, sta portando a compimento la vendetta per il torto subito nel precedente capitolo. Ma le cose sono più complicate di quanto si possa immaginare.

Toccherà ancora una volta alla sgangherata banda di eroi salvare nuovamente la galassia, non solo dalla furia di Adam, ma anche e soprattutto dai piani de l’Alto Evoluzionario, essere che brama alla perfezione assoluta e che è legato al doloroso passato di Rocket.

A scrivere e dirigere troviamo nuovamente James Gunn. Il cast come sempre è composto da Chris Pratt (Peter Quill / Star-Lord), Zoe Saldana (Gamora), Dave Bautista (Drax il distruttore), Vin Diesel (Groot), Bradley Cooper (Rocket Raccoon), Karen Gillan (Nebula), Pom Klementieff (Mantis) e Sean Gunn (Kraglin). Insieme a loro Elizabeth Debicki (Ayesha), Sylvester Stallone (Stakar Ogord), Will Poulter (Adam Worlock), Chukwudi Iwuji (Alto Evoluzionario), Maria Bakalova (Cosmo) e Nathan Fillion (Master Karja).

Guardiani della Galassia Vol. 3

Uno per tutti, tutti per uno

Sin dal primo volume, datato 2014, James Gunn non ha mai nascosto l’amore per i questi personaggi. Da quasi dieci anni i protagonisti dei film o degli special sui Guardiani della Galassia sono qualcosa di più di semplice girato. Sono persone vere, con i loro pregi e i loro difetti, tridimensionali, e che lottano contro i loro demoni. Esterni o interni. E in questo terzo capitolo il regista ce lo mostra in maniera ancora più evidente. Dopo aver perso Gamora in Avengers: Infinity War nel gruppo si è rotto qualcosa. Tutti sentono la sua mancanza, Peter su tutti. Ma non c’è quasi tempo per il lutto – difficilmente c’è per gli eroi – perché un nuovo pericolo è arrivato e c’è un membro della famiglia da salvare.

Lo sceneggiatore e regista punta ancora una volta sui sentimenti. Ci mostra cuore e anima di ogni membro dei Guardiani e lo fa senza filtri, con le loro debolezze e i loro punti di forza. In più ci mostra il passato di Rocket e cosa lo ha reso così sprezzante. Il procione è il vero motore dell’azione del film. È lui, o meglio la sua storia, l’innesco e il motore che porta avanti la narrazione: districandosi tra passato e presente il regista ci mette davanti una storia piena di sentimenti, ironia (è lui che ha definito “la comicità Marvel” più di tutti) e azione.

Guardiani della Galassia 3 è tutto ciò che un fan Marvel si aspetta da un cinecomic. Se è indubbio che i sentimenti la fanno da padrone, di certo non mancano l’ilarità – marchio di fabbrica dell’MCU – che in più di un caso sfocia anche nel trash (James Gunn si è pur sempre formato alla Troma, fa parte di lui) ma anche nell’azione. Quest’ultima quando entra in gioco lo fa in un’ottima maniera. Tra sparatorie, combattimenti ravvicinati ed esplosioni il divertimento è assicurato. Il tutto condito dall’immancabile colonna sonora pop rock che rende ogni momento o scena d’azione unica, in sinergia con la regia.

Guardiani della Galassia Vol. 3

Ossessione per la perfezione

Ma se il film funziona è anche merito in gran parte del cast. Chris Pratt e soci sono ormai a loro agio nei panni di una banda di eroi caciaroni, ma le piacevoli sorprese sono le new entry Will Poulter e Chukwudi Iwuji.

Il primo riesce a restituire un personaggio potente e ancora immaturo. Adam Worlock è il classico bambino nel corpo di un adulto. Come un automa segue gli ordini che gli vengono impartiti senza capirli veramente e senza capire come funzioni il mondo. Lo imparerà a sue spese. Purtroppo il personaggio viene lasciato troppo sullo sfondo o con un caratterizzazione che rasenta i cinepanettoni. Peccato.

Discorso diverso per l’Alto Evoluzionario. Il villain di questo terzo capitolo è uno dei migliori visti nei cinecomic Marvel. Ossessivo, esaltato e apparentemente glaciale, si lascia guidare dalle emozioni e dalla smania di raggiungere il suo scopo ad ogni costo. A dargli volto un intenso Chukwudi Iwuji, che riesce a restituirci tutte le sue manie e la sua impazienza.

Guardiani della Galassia 3 è dunque un film che riesce a divertire ed intrattenere lo spettatore e soprattutto i fan Marvel, anche grazie a un James Gunn ispirato registicamente. E forse sì, il miglior film dei Marvel Studios dai tempi di Avengers: Endgame. Ovviamente, come sempre, non alzatevi prima di aver visto le (due) scene dopo di titoli di coda.

QUI potete vedere il trailer del film!

2 Maggio 2023 0 comment

Carosello Disney+Film Film Recensioni

Peter Pan e Wendy: soltanto l’ennesimo remake?

written by Irene Rosignoli

Ancora Peter Pan? Ancora Peter Pan. Forse non era quello che ci meritavamo, tuttavia era impossibile che sfuggisse alla mattanza dei remake Disney, se non altro perché è una storia che si presta in maniera particolare alla cosiddetta adaptation economy e che quindi, nel corso degli anni, abbiamo letto e visto davvero in tutte le salse. Almeno c’è una novità: al timone abbiamo David Lowery, già autore di Il drago invisibile, uno che quantomeno ci prova a portare sul piatto della bilancia qualcosa di originale.

Il suo approccio è interessante e per una volta non sembra un completo insulto all’intelligenza dello spettatore: il regista non è interessato a riprodurre fedelmente il classico d’animazione del 1953, e solo parzialmente a recuperare la fonte originale del romanzo di Barrie; fa invece un’operazione intelligente: racconta la propria versione, autoriale quanto può esserlo senza restare stritolato nelle maglie del colosso Disney, e lo fa senza pretendere di ignorare ciò che è venuto prima, ma costruendo a partire da. Non ci sono introduzioni ai personaggi o al mondo fantastico di Neverland, si dà per scontato che Peter Pan viva già nel mito di chi guarda, e lo scopo di questa storia non è altro che decostruire quel mito e provare a rimetterne insieme i pezzi dando vita a qualcosa di nuovo.

Gli strumenti con cui Lowery prova a riuscire nell’impresa sono degli shot molto curati, che lavorano sulla percezione dello spazio e della tridimensionalità (bellissimi, ad esempio, la sequenza di apertura e il combattimento finale sulla nave dei pirati), alcuni tocchi personali come il passaggio metafisico attraverso il Big Ben o l’uso del flashforward, e infine la direzione di un cast di valore, anche se non sempre supportato da un’adeguata costruzione dei personaggi. Su tutti spiccano ovviamente il Capitan Uncino di Jude Law (seppur completamente diverso sia dalla controparte animata che da quella romanzesca) e i due giovanissimi attori principali. Ever Anderson è la protagonista assoluta nei panni di Wendy, talvolta eccessivamente ammantata di girl power, ma meno altezzosa e supponente del personaggio del 1953. Alexander Molony invece ci restituisce un Peter Pan insolito, più umano e vulnerabile, per la prima volta alle prese con i suoi limiti. Un po’ sacrificato, invece, il ruolo di Giglio Tigrato, che dovrebbe fungere da guida spirituale di Wendy ma non ha lo screentime necessario a rendersi memorabile, nonostante lo sguardo magnetico e carico di saggezza dell’attrice nativa Alyssa Wapanatâhk. Lo stesso si può dire della Trilli di Yara Shahidi, insignificante e purtroppo priva della personalità che erano riusciti a infonderle Marc Davis e soci nel film animato.

Il focus insomma resta saldamente sulla triade Wendy-Peter-Uncino, lasciando un po’ ai margini tutto il resto, persino L’Isola Che Non C’è stessa. Neverland, che dovrebbe essere il cuore pulsante di qualsiasi adattamento di Peter Pan, perde la sua aura incantata e diventa un setting come tanti. Ad eccezione delle sequenze del volo su Londra e del primo arrivo sull’isola, non c’è mai meraviglia negli occhi dei personaggi, né ci è concesso di esplorare veramente le foreste, la baia dei pirati o il covo dei Bimbi Sperduti. C’è molto da mostrare, dunque l’azione procede a ritmo serrato, senza spazio per il respiro, e del resto veniamo anche messi in guardia contro le nostre stesse aspettative: vivere una favola è ben diverso dal sentirsela raccontare. In questo senso emerge il lato negativo dell’approccio adottato: se facciamo eccessivo affidamento sulle conoscenze pregresse riguardo al mito di Peter Pan, rischiamo di correre troppo, andando a demolire una casa prima ancora di aver invitato lo spettatore a varcare l’uscio e prendere posto.

Persino la chiave di lettura appare confusa e a tratti contrastante. La visione autoriale di Lowery certamente emerge, ma è annacquata dalle necessità del brand Disney, che reindirizzano Peter Pan e Wendy su binari ben più banali e in linea col filone dei remake live action. Ad esempio si dà molto spazio al percorso di crescita di Wendy, all’inevitabilità dello scorrere del tempo e alla trita e ritrita retorica della crescita come “grande avventura della vita”. Per chi sa coglierli ci sono però degli spunti più interessanti, forse il vero lascito dell’autore e un timido tentativo di dire qualcosa di nuovo in un film che forse non era il più adatto per farlo. Senza anticipare troppo, c’è una certa consapevolezza da parte dei personaggi di essere eroi e cattivi di una fiaba, di avere un ruolo cristallizzato nel tempo e nell’immaginario dei bambini. Crescere diventa così una questione metanarrativa prima ancora che individuale: se Peter Pan decidesse di diventare adulto, sarebbe forse la fine di tutte le sue storie?

Tanti punti di vista contrastanti non fanno necessariamente un errore di sceneggiatura: può darsi che la chiave, in fondo, sia proprio questa. Non esiste una formula magica per diventare grandi, non esiste una risposta uguale per tutti: qualcuno ci arriva imparando a volare, qualcun altro dopo il tradimento di un amico, altri ancora non saranno mai pronti e ci aspetteranno per sempre sull’Isola Che Non C’è.

28 Aprile 2023 0 comment

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Super Mario Bros – Il film è una dichiarazione d’amore al brand Nintendo

written by Irene Rosignoli

La recensione di Super Mario Bros – Il film è in collaborazione con Vito Stabile.

È ora di chiedere scusa a Illumination. Abbiamo bistrattato lo studio di Chris Meledandri per troppo tempo, sebbene i suoi successi come produttore parlino forte e chiaro. Dopotutto, all’attivo ha ben tre franchise da più di un miliardo di dollari – di cui uno, Cattivissimo Me, il più redditizio della storia del cinema d’animazione -, praticamente i due soli film per famiglie in grado di attirare le masse durante la pandemia – Sing 2 e Minions 2 – e ora anche il progetto di un’etichetta dedicata all’animazione per adulti, Moonlight, di prossima apertura.

L’abilità di intercettare i gusti del grande pubblico di Meledandri è insomma comprovata da tempo e si cristallizza ulteriormente con l’ultima grande fatica dello studio, il film di Super Mario Bros. realizzato in collaborazione con Nintendo. Certo, in questo caso si trattava di una partnership praticamente obbligata: prima ancora che del videogioco, il cartoon è un enorme spot del parco a tema che è stato inaugurato recentemente agli Universal Studios di Los Angeles, e tra i due studi animati di Universal, Illumination e DreamWorks, era ovviamente il primo il più adatto a tentare l’impresa. Ma il risultato è sorprendente per uno studio che finora identificavamo quasi esclusivamente con i Minions, segno del potenziale forse ancora inespresso del fenomeno Meledandri.

Adattare un videogioco a schermo non è mai impresa facile, soprattutto se parliamo di titoli che non fanno certo della narrazione il loro punto di forza. Come i platform, di cui Super Mario può tranquillamente definirsi simbolo e portavoce da quasi quarant’anni. La “trama” dei giochi di Mario è praticamente ridotta all’osso se non inesistente: Bowser compie qualche malefatta, la principessa Peach è in pericolo e il nostro eroe si ritrova a viaggiare per mondi fantastici pieni di elementi bizzarri e nemici da affrontare. Niente “lore”, pochissima contestualizzazione: tutto è in funzione del gioco e del divertimento più puro, seguendo appieno la filosofia del suo creatore Shigeru Miyamoto.

Super Mario Bros. – Il film percorre così quella che forse era l’unica strada percorribile, scegliendo di rendere le storie e i personaggi di Mario totalmente pretestuosi, per celebrare la serie sotto forma di omaggi, citazioni e sequenze atte a ricreare il feeling di una giocata (la corsa sui kart, da questo punto di vista, è straordinaria nel suo essere così esaltante). È una scelta sagace, perché evita di complicare inutilmente il plot con retroscena, rivelazioni e spiegoni inventati per l’occasione, lasciando lo spettatore libero di cogliere i numerosi riferimenti ai giochi originali. Da un inseguimento con un Banzai Bill alle calcagna, al divertente training di Mario a base di salti e power-up, passando per il sopracitato omaggio a Mario Kart fino all’epico climax, tutto sembra voler lasciare da parte una trama più strutturata e profonda per dare spazio all’azione e al ritmo, elementi mai come in questo caso particolarmente riusciti proprio per la loro attinenza alla componente ludica della serie.

Banner del trailer finale di Super Mario Bros Il film, in uscita al cinema il 5 aprile.

In effetti, il film funziona al meglio nel suo aspetto totalmente citazionistico, tanto che i pochi momenti in cui prova a raccontare qualcosa in più (il passato di Peach, il riscatto di Mario, etc.) sembrano quasi superflui, e si ha fretta di tornare alle atmosfere da videogame. Decisione vincente, ma che pone gli eventuali sequel su un piano già più rischioso: la prima volta, il pubblico accetterà di buon grado l’omaggio fine a sé stesso, ma difficilmente sarà altrettanto clemente con i seguiti. Nulla vieta però di aggiustare il tiro con approcci differenti, mettendo più carne al fuoco e complicando almeno un po’ il plot in senso stretto. Sia come sia, per ora è un piacere esplorare il vivace e colorato Regno dei Funghi o rivivere l’adrenalinica corsa sulla Pista Arcobaleno, complice una CGI in splendida forma che restituisce con grande espressività i modelli 3D degli iconici personaggi Nintendo.

Lo spettatore desideroso di una storia più complessa potrebbe facilmente restare deluso, tuttavia chi è in cerca di una rappresentazione fedele del mondo di Mario troverà in questo film una spassionata dichiarazione d’amore a tutto il brand (le strizzate d’occhio vanno da Jumpman a Luigi’s Mansion), fugando ogni dubbio a chi dovesse chiedersi se si tratti del vero, autentico film di Super Mario: lo è, mano sul fuoco.

26 Aprile 2023 0 comment

Animazione Europea Carosello Film Film Recensioni

Mavka e la foresta incantata, la recensione della fiaba ecologista ucraina

written by Irene Rosignoli

Ci sono voluti ben sette anni per dare alla luce Mavka e la foresta incantata, una fiaba ecologista che un coraggioso gruppo di artisti ucraini ci consegna finalmente al cinema, a partire dal 20 aprile.

Intessuto di colori, musica e folklore ucraino, Mavka è una produzione interessante che testimonia la vitalità dell’animazione europea anche di fronte alla guerra e al conflitto. E proprio di conflitto parla questa storia, tanto che la sua uscita dopo i fatti di cronaca dell’ultimo anno lo rende ancora più rilevante: al cuore della vicenda c’è una fanciulla protettrice della foresta, che dovrà scegliere tra il suo dovere di custode della Natura e l’amore per il musicista Lukas, in una guerra che coinvolge spiriti e esseri umani.

Mavka e la foresta incantata

Il film sembra avere un budget piuttosto consistente, considerata anche la lunghissima lavorazione: visivamente parlando, si segnala soprattutto una certa cura nel production design e negli sfondi, così come nel concept delle creature fantastiche che abitano la foresta incantata. Belle le sequenze animate a mano che raccolgono palesemente il testimone dell’irlandese Cartoon Saloon. Più limitata, invece, seppur quasi mai sgradevole, la computer grafica dei personaggi umani: su tutti spicca ovviamente la protagonista Mavka, che ha le movenze della prima ballerina ucraina Kateryna Kukhar e sulla quale è stata fatta un’evidente ricerca grafica che ha come riferimento l’espressività delle principesse Disney, o comunque dell’animazione mainstream americana. È l’unico personaggio su cui questo tentativo è riuscito, ma funziona, rendendola graziosa e sicuramente appealing per il pubblico di riferimento (ci fosse una bambola, probabilmente andrebbe a ruba!).

Anche il racconto in sé e certe scelte narrative sembrano attingere a piene mani da alcuni grandi successi Disney degli ultimi anni, specialmente Rapunzel e Frozen. Le somiglianze sono numerose (c’è persino una scena che richiama la sequenza della Kingdom Dance di Rapunzel), tuttavia l’effetto complessivo è ben lontano da quello di un rip off; sembra invece che gli autori di Animagrad Studio abbiano intercettato sapientemente i gusti dei ragazzini di oggi, calando elementi noti in un contesto fiabesco ucraino, con l’intenzione ovviamente di proporre l’opera sul mercato internazionale. La sintesi è curiosa, a volte più riuscita, a volte meno, ma sicuramente indice di una certa lungimiranza. Nel finale, il film sceglie di mettere la protagonista a confronto con la potenza distruttiva dei suoi poteri magici: una libertà che non ci si è voluti prendere nemmeno con Elsa di Frozen, e quindi piuttosto coraggiosa.

Mavka e la foresta incantata

C’è da dire che Mavka e la foresta incantata offre ben poco allo spettatore adulto solitario, che si troverà davanti una produzione non certo eccezionale né dal punto di vista della scrittura né da quello estetico. È invece una visione ben più adatta alle famiglie con bambini, che troveranno in essa tanti spunti di discussione da affrontare insieme. Tra le tematiche ci sono infatti il senso di responsabilità verso la propria comunità, la protezione dell’ambiente, la solidarietà, l’apertura verso il diverso e, ovviamente, la guerra: una triste ma importante metafora della realtà che si trova ad affrontare oggi il popolo ucraino.

20 Aprile 2023 0 comment

Film Recensioni

Wendell e Wild, il grande ritorno di Henry Selick soddisfa solo a metà

written by Irene Rosignoli

È tornato Henry Selick, e non possiamo che esserne contenti. Questa geniale leggenda della stop motion, che ci ha regalato cult come Nightmare Before Christmas e Coraline e la porta magica, non se l’è passata troppo bene negli ultimi anni: il suo rapporto con Disney si è bruscamente interrotto con la cancellazione improvvisa di uno dei suoi progetti di lunga data, The Shadow King, e anche il suo nuovo film Wendell e Wild ha impiegato diversi anni per venire finalmente alla luce (è in lavorazione dal 2015).

A credere in questa sorta di Beetlejuice con i pupazzi, infine, è stata Netflix Animation; ma si tratta di un’etichetta che forse non esiste più, quella che ci ha regalato Klaus, Over the Moon, Pinocchio e Il mostro dei mari, un progetto caratterizzato da totale libertà creativa di cui oggi ci stiamo godendo gli ultimi frutti, ma che ha già annunciato un deciso cambio di rotta per il futuro. Sia come sia, Wendell e Wild è stato certamente un ritorno molto atteso, ma – ahimè – riuscito soltanto a metà, motivo per cui è stato accolto in maniera tiepida persino dagli spettatori che avevano pazientato a lungo per l’ultima fatica del Maestro.

Nella migliore tradizione di Henry Selick, il film è un concentrato di idee creative e irriverenti: dal luna park del terrore in cui Belzebù tortura le sue anime, passando per la crema per capelli che fa resuscitare i morti, fino ai due improbabili acchiappademoni e alla reginetta della scuola che ha come animaletto domestico una capra. Siamo al cospetto di un Narratore, questo è chiaro, ed è sempre un gran privilegio poter aprire uno spiraglio sulla sua mente geniale.

Ad accompagnare questo tripudio di fantasia c’è una tecnica che, come quella del Pinocchio di del Toro, recupera una dimensione più artigianale, in opposizione al pesante blending di stop motion e CGI portato in tendenza da LAIKA negli ultimi anni. Interessante soprattutto il lavoro sul cut-out e sull’effetto bidimensionale che viene dato in alcune sequenze ai personaggi, specialmente ai due demoni Wendell e Wild, per non parlare ovviamente dell’impressionante stazza del pupazzo costruito per Belzebù, le cui effettive dimensioni si possono constatare nel reel durante i titoli di coda.

Il castello di carte costruito da Selick e Jordan Peele procede spedito per la prima ora e mezzo, crollando però rovinosamente in un terzo atto confuso, ricco di ingenuità abbastanza inspiegabili visto il calibro dei due sceneggiatori. Forse la carne al fuoco è troppa: troppi personaggi, troppi archi aperti, troppe tematiche che si intersecano e sono incapaci di armonizzarsi. Il percorso di liberazione di Kat dal suo trauma passato, l’emancipazione di Wendell e Wild dal padre/padrone, la morte e rinascita della cittadina di Rust Bank, persino la rivincita contro quelli che dovrebbero essere gli antagonisti: tutto o quasi si chiude alla buona, in maniera superficiale, facilona e totalmente anticlimatica. C’è un problema di aspettative disattese, forse il più grande tradimento che uno sceneggiatore possa fare al suo spettatore, e questo film non lo meritava.

Cosa è andato storto? Si possono ipotizzare frettolose riscritture all’ultimo momento, forse su iniziativa degli autori stessi, forse per volere di Netflix. Qualcosa sicuramente non torna: il film si intitola Wendell e Wild, ma i due demoni, che pure danno il la alla sequenza di eventi narrati, risultano avere un ruolo quasi marginale e non stringono alcun vero legame con la protagonista. Sarà il caso di chiedere a Netflix la “Selick-cut”?

6 Febbraio 2023 0 comment

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Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo, quando la X di Asterix fa rima con Y di Disney

written by Jacopo Iovannitti

Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo è l’ultimo, spettacolare e rocambolesco capitolo della saga cinematografica del celebre eroe gallico.

Articolo a cura di Andrea Bonucci

La trama di Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo

In questa avventura, totalmente inedita poiché basata su una storia originale anziché su uno degli albi a fumetti, i due irriducibili galli partono, insieme al beffardo mercante fenicio Maidiremais e all’affascinante principessa Fu Yi, per salvare il Regno di Mezzo finito sotto scacco del machiavellico principe Deng Tsin Qin. Il malvagio fellone, dopo aver imprigionato l’Imperatrice di Cina, madre di Fu Yi, intende affermare il suo dominio sul Regno di Mezzo. Per completare questo subdolo disegno egemonico, Deng Tsin Qin chiede aiuto al potente Giulio Cesare che, entusiasta all’idea di lasciare a Roma la sua crisi coniugale con Cleopatra, guida l’esercito romano lungo la via della Seta. Comandato dall’invincibile generale Antivirus, le armate di Cesare conquistano rapidamente la Cina. Asterix e Obelix (e il cagnolino Idefix) sono l’ultima speranza per il Regno di Mezzo…

Asterix & Obelix: Il regno di mezzo poster

Il regista Guillaume Canet, oltre ad interpretare il piccolo guerriero gallico ne Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo, è anche uno degli autori del film, insieme a Philippe Mechelen e Julien Hervé. Il trio ha chiaro sin dal principio che, pur non dovendo seguire pedissequamente la sinossi di un albo, avrebbe dovuto rispettare meticolosamente lo stile degli autori originali René Goscinny e Albert Uderzo: la formula Asterix. Questa ricetta non è quella della celebre pozione magica che dona una forza sovraumana, bensì quel complesso codice creato nell’arco di oltre sessant’anni che ha reso Asterix un successo mondiale tradotto in più di cento lingue. Alla base di questa pozione c’è Walt Disney!

Cadendo nel paiolo di Disney da piccoli

Entrambi gli autori sono bambini di dieci anni quando al cinema esce Biancaneve e i Sette Nani. Per i piccoli René e Albert la visione di quel meraviglioso lungometraggio animato e dei successivi grandi classici della Disney è un’autentica folgorazione. Uderzo, il disegnatore, inizia subito a tratteggiare i suoi primi personaggi imitando la linea morbida vista prima sulle strisce a fumetti di Topolino e successivamente sul grande schermo. Goscinny, lo sceneggiatore, comprende, grazie ai film di Walt Disney, che per scrivere una buona storia occorrono: avventura, un carismatico antagonista e molta fantasia.

I due bambini diventano due adulti e si confrontano subito con la difficile condizione di “figli di immigrati”. La famiglia di Goscinny, di religione ebraica, è costretta ad emigrare in Argentina, mentre le umili origini di quella di Uderzo, obbligano anche i giovani figli al lavoro nella provincia francese. Sopravvissuti all’orrore della Seconda Guerra Mondiale, René e Albert finalmente si incontrano e, grazie alla loro comune passione per Walt Disney, diventano immediatamente amici. Goscinny ama Biancaneve, Uderzo ha Bambi nel cuore, ma entrambi sono ammiratori sfegatati di… Pippo! Si iniziano, dunque, a mescolare i primi ingredienti della formula che avrebbe portato alla creazione di Asterix qualche anno dopo. Alla passione di Walt per la cultura popolare europea e al tratto morbido e perfetto degli animatori degli studios della Disney, Goscinny e Uderzo aggiungono il loro ingrediente segreto: l’ironia.

Goscinny Uderzo Studios

Tutto è cominciato con un… gallo!

È l’estate del 1959 e, su un terrazzino di un appartamento di edilizia popolare alla periferia di Parigi, nasce l’idea di Asterix il Gallico. Il successo è così immenso da straripare, rapidamente, dalla carta stampata alla celluloide. Goscinny e Uderzo hanno sempre sognato di poter creare dei film d’animazione. Il balzo è stato naturale. Contrariamente a tanti fumetti dell’epoca, Tintin in primis, ogni libro di Asterix rispetta scrupolosamente lo storytelling cinematografico tanto che molte pagine degli albi più che una sequenza di vignette sembrano veri e propri storyboard. “Il nostro desiderio era di andare a lavorare per Walt Disney, solo che nessuno lo aveva avvisato di questo nostro sogno!” dice un emozionatissimo Goscinny, come sempre accanto ad Uderzo, proprio davanti gli Studios Idefix: i più importanti studi di animazione di Francia. I due artisti fondano i loro studios a seguito della delusione per la scarsa qualità artistica dei primi lungometraggi di Asterix. Dopo Asterix il Gallico, realizzato addirittura a loro insaputa, e l’artigianale Asterix e Cleopatra, Goscinny e Uderzo ottengono perfino la distruzione del materiale già realizzato del film d’animazione Asterix e il Falcetto d’Oro poiché “decisamente troppo lontano dallo stile Disney”. Con Le XII Fatiche di Asterix si sublima la formula Asterix in versione cinematografica. Al gusto parodico fatto di sfiziose citazioni e divertenti anacronismi si affianca anche qualche numero musicale, quasi ad omaggiare il maestro Walt. Inoltre, per doppiare il protagonista viene confermato l’istrionico Roger Carel voce, neanche a dirlo, di Topolino e, successivamente, Kermit la Rana, C3PO e Winnie the Pooh.

Dal rinascimento gallico alla Disneyland di Asterix

Proprio come quella di Walt Disney nel 1966, l’improvvisa morte di René Goscinny nel 1977 è un trauma per tutti quanti, specialmente per Albert Uderzo. Il migliore amico di René smette di disegnare e creare film d’animazione e gli Studios Idefix chiudono i battenti. A far terminare il luttuoso blocco del disegnatore sono le centinaia di migliaia di lettere che ricordano al coautore che Asterix appartiene ai lettori. Nell’ennesima analogia con l’epopea disneyana, stavolta non pianificata, la fantasia sopravvive ad una morte tragica. Gli anni ’80 sono scanditi dall’uscita in rapida sequenza di tre lungometraggi d’animazione Asterix e la Sorpresa di Cesare, Asterix e la Pozione Magica ed Asterix e la Grande Guerra che, al netto di qualche imperfezione, si rivelano campioni di incassi in Francia, Germania e Regno Unito. L’inarrestabile scia di successi cinematografici convince Albert Uderzo a rispolverare un sogno, decisamente folle, che ebbe insieme a René Goscinny durante un viaggio in California: creare una Disneyland per Asterix. Se negli anni ‘70 l’idea era finanziariamente improponibile e concretamente irrealizzabile, nella primavera del 1989 a nord di Parigi viene inaugurato il Parc Asterix il più grande parco a tema di Francia fino all’arrivo, per qualche gioco del destino, di Euro Disneyland.

Il passaggio di Topolino da idolo venerabile a ingombrante vicino di casa, per Asterix non costituisce una sfida insormontabile. Anzi. Non solo il parco gallico resiste ancora e sempre all’invasore a stelle e strisce, ma addirittura nel 1994 con il cartone Asterix conquista l’America il piccolo gallo tenta l’assalto al mercato d’oltreoceano. Allo scoccare del nuovo millennio con l’arrivo dei film in live action con attori del calibro di Gerard Depardieu, Christian Clavier, Roberto Benigni, Alain Delon e Monica Bellucci la produzione di disegni animati rallenta considerevolmente.

Pixasterix

La Pixar, inoltre, rivoluziona totalmente il concetto di animazione rendendo il passaggio alla computer grafica praticamente obbligato per qualsiasi film d’animazione. Un’evoluzione che non poteva riguardare Asterix secondo l’oramai anziano papà Uderzo. Nonostante il discreto successo di Asterix e i Vichinghi , forse il più disneyano e romantico dei film d’animazione realizzati con tecnica classica, si decide di interrompere la produzione di film d’animazione per concentrare la creatività (e le risorse) sui film in live action, il parco tematico e gli albi. Albert Uderzo, oramai ultraottuagenario, pianifica il futuro di Asterix prima della sua morte. Dopo aver affidato gli albi a una nuova coppia di autori, Jean Yves Ferri e Didier Conrad, concede la sua benedizione al primo film d’animazione di Asterix in computer grafica. Il noto comico Alexandre Astier avrebbe scritto la storia e Louis Clichy, già animatore di gioielli della Pixar come WALL-E ed Up, sarebbe stato il regista. Ancora una volta il rapporto tra Disney (Pixar) e Asterix si rinsalda. Astier e Clichy realizzano gli eccellenti Asterix e il Regno degli Dei e Asterix e il Segreto della Pozione Magica considerati delle autentiche perle dell’animazione europea. Entrambe le opere, poggiando sul solido modus operandi tipico degli studi di Emeryville, si permettono svariati omaggi ai lavori della Pixar come Ratatouille e della Disney come Fantasia. Albert Uderzo riesce a vedere, entusiasta, entrambi i film prima di morire nella primavera del 2020, nel pieno della pandemia da coronavirus.

Verso l’infinito e oltre per Toutatis!

Riunitosi con René e, forse, anche con Walt, Albert potrà assistere solo da un punto di vista differente alla proiezione dell’inedito Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo una commedia d’avventura pensata affinché genitori e figli potessero divertirsi insieme. Una filosofia cara sia a Walt Disney che a René Goscinny e Albert Uderzo.

Certo, Mickey è un topolino che ha traghettato il mondo dalla grande depressione al nuovo millennio passando per la Seconda Guerra Mondiale mentre Asterix è un guerriero gallico che ha ironizzato sul pericolo della globalizzazione e raccontato la difficile e splendida costruzione dell’Europa unita eppure hanno qualcosa in comune.
Tutti e due ci ricordano che la vera pozione magica è divertirsi a fare l’impossibile.

QUI il trailer di Asterix & Obelix: il Regno di Mezzo distribuito da Notorius Pictures!

QUI il fumetto tratto dal film!

3 Febbraio 2023 0 comment

Animazione Europea Carosello Film Film Recensioni

Ernest e Celestine: il sequel è una tenera avventura, ma manca la poesia

written by Irene Rosignoli

Gli orsi hanno paura dei topi, e i topi hanno paura degli orsi. È così per tutti; tutti tranne Ernest e Celestine.

A dieci anni di distanza dal debutto al cinema che valse loro la nomination all’Oscar (evento piuttosto inusuale per un film d’animazione europeo), i personaggi nati dalla fantasia della disegnatrice belga Gabrielle Vincent sono tornati con Ernest e Celestine – L’avventura delle 7 note (titolo originale: Le voyage en Charabie), arrivato nel periodo delle feste anche nelle sale italiane.

Dopo tanti anni, quel piccolo film del 2012 continua a essere una delle opere meglio riuscite della scuola di animazione francese contemporanea, una storia che ha il raro pregio di dire tanto con molto poco. E per una volta non è colpa della scarsità di mezzi (il budget di Ernest e Celestine fu in realtà piuttosto consistente per un film europeo): il minimalismo qui è una scelta poetica, che si concretizza nella delicatezza della sceneggiatura di Daniel Pennac, nei bellissimi acquerelli che richiamano le illustrazioni dei libri e nella trama tutto sommato esigua, in cui manca la grande avventura, e il focus è tutto sui personaggi e sulla nascita del loro legame di amicizia.

Quella di Ernest e di Celestine è la storia di due anime gemelle che vengono da mondi diversi: dovrebbero avere paura l’uno dell’altra (lui è un orso, lei una topina) e invece trovano un terreno comune nella passione per l’arte (lui è un musicista, lei una pittrice). Il film culmina in uno splendido montaggio alternato in cui l’elemento più originale è la rinuncia dei protagonisti a rovesciare lo status quo. Di fatto non viene mai messa in discussione l’assurda legge che separa gli orsi dai topi: Ernest e Celestine non desiderano cambiare il mondo, desiderano “vivere insieme e non lasciarsi mai più”, ritagliarsi uno spazio che sia tutto loro in una società che non li ha mai accettati.

Curioso quindi osservare come anche il seguito raggiunga il climax nella sala di un tribunale, alla presenza di un giudice, ma questa volta con premesse completamente opposte. I due protagonisti si ritrovano infatti nella terra natale di Ernest, la Charabie, dove saranno chiamati a sovvertire un regime autoritario in cui sono state messe al bando la musica, le feste e l’allegria. Questa volta, al contrario del primo capitolo, l’autorità viene messa in discussione al termine di una vera e propria mini avventura con misteri, inseguimenti e una morale chiara e a portata di bambino. Se Celestine rimane più sullo sfondo, il sequel è il pretesto per conoscere il passato dell’orso Ernest, appena accennato nel primo film, e scoprire di più sulla sua famiglia e sul suo desiderio di diventare musicista.

La vicenda è piacevole e, seppur in maniera convenzionale e senza particolari guizzi (né di scrittura, né registici, né estetici, bisogna dirlo), sviluppa delle tematiche vicine all’attualità e sicuramente adatte a una riflessione in famiglia. Si parla infatti di scegliere la propria strada, seguire la propria vocazione, di ribellione verso le ingiustizie, in qualche modo anche di rivoluzione. Il cuore della storia resta ovviamente il rapporto tra Ernest e la topolina Celestine, qui nel ruolo di amica/sorella pronta a sostenere Ernest nel suo percorso di emancipazione dalla famiglia.

Molto è cambiato però rispetto al primo film, e non si può fare a meno di notarlo. Mancano le figure chiave che erano state l’anima e il cuore di Ernest e Celestine: Daniel Pennac, ovviamente, ma anche e soprattutto artisti come Benjamin Renner e Seï Riondet, che ne avevano definito l’aspetto grafico. Ne fa le spese soprattutto Celestine, penalizzata più di Ernest dai nuovi disegni e da un’animazione leggermente più rigida e “scattosa” rispetto al primo capitolo (per ragioni di budget?). L’impressione è quella di una continuità con la serie animata del 2017, piuttosto che con il lungometraggio del 2012 (gli stessi registi provengono, non a caso, dalla serie); una scelta comunque sensata in quanto temporalmente si tratta dell’incarnazione di Ernest e Celestine più vicina ai bambini di oggi. Ma è anche, senza dubbio, un film minore rispetto al precedente, e questo – purtroppo – dispiace.

8 Gennaio 2023 0 comment

Carosello Film Film Recensioni Walt Disney Animation Studios

La recensione di Strange World: quando i Walt Disney Animation Studios puntano al cuore

written by Emanuele Bianchi

Il 23 novembre arriverà nei cinema di tutto il mondo Strange World – Un mondo misterioso, nuovo film d’animazione targato Walt Disney Animation Studios. Diretto da Don Hall (premio Oscar per Big Hero 6) e sceneggiato da Qui Nguyen (Raya e l’ultimo drago), il film vede protagonista la famiglia di esploratori dei Clade, i quali si troveranno ad affrontare viaggio tanto avventuroso quanto incredibile per salvare il mondo. Ecco la nostra recensione di Strange World.

La recensione di Strange World

I Walt Disney Animation Studios ci sono riusciti nuovamente, hanno portato sul grande schermo un film pieno di divertimento (nel senso più ampio del termine), dove l’avventura non manca e in cui lo scontro generazionale è una delle colonne portanti. Un film che inizia subito in quarta, mostrandoci i membri di una spedizione – guidata dall’impavido e orgoglioso esploratore Jaeger Clade – intenti a cercare un modo per attraversare le montagne che circondano Avalonia. Una missione di certo non facile e che avrà conseguenze impreviste, a partire dalla scoperta di una misteriosa pianta che cambierà la vita a tutti i cittadini, in particolare dei Clade.

Dopo un incipit adrenalinico e alquanto fumettoso, ci ritroviamo nella pacifica ed idilliaca città di Avalonia, una società che in poco più di due decadi è passata dai calessi alle macchine volanti e dove tutti conoscono tutti. Un’utopia che però rischia di estinguersi a causa del deterioramento della fonte di energia scoperta anni prima da Searcher Clade. Toccherà così all’ex esploratore (ora felice agricoltore) cercare di scoprire l’origine del problema e salvare così Avalonia.

Strange World

Ribaltare ciò che viene mostrato

Strange World è uno di quei film che ti tiene con gli occhi incollati allo schermo sin dal primo minuto, una storia divertente ed emozionante che porta personaggi e spettatori in un mondo fantastico dove nulla è come sembra. Questa è senza dubbio il maggior pregio della pellicola, ribaltare completamente quello che ci mostra. Siamo davanti ad un prodotto capace di sorprendere e spiazzare.

Un’avventura corale piena di pericoli e insidie – e non poteva essere altrimenti – in un mondo popolato da creature tanto fantastiche quanto pericolose, dove non mancheranno incomprensioni, litigi, spensieratezza e quel pizzico di follia che non guasta. Un viaggio alla ricerca di sé stessi e alla comprensione del prossimo, un’esplorazione sicuramente particolare ma che racchiude tutti i momenti tipici della vita in famiglia. Difficile non riconoscersi in una delle tre generazioni di Clade o nei loro battibecchi, perché è inutile negarlo: tra generazioni è difficile capirsi e l’unico modo per farlo è parlarsi e cercare di vedere il mondo con gli occhi dell’altro.

Citando film come Indiana Jones, King Kong e Jurassic Park e romanzi come Viaggio al centro della Terra e Robinson Crusoe, Strange World usa l’avventura non solo per parlare di rapporti famigliari ma per parlare della società odierna (e dell’azienda stessa), mostrando come sia sempre in evoluzione e di come per quanto il passato sia importante e non vada dimenticato, ma al tempo stesso è giusto però lasciarlo dov’è: in fondo tutto si cambia e si evolve. Così come è giusto lasciare che le nuove generazioni seguano la propria strada senza dover necessariamente seguire quella dei propri genitori. Una storia quella scritta da Qui Nguyen dove sci-fi, utopia, analisi sociale e amore (in tutte le sue forme) si amalgamano alla perfezione.

Strange World

Colpire al cuore

Merito in particolare della sceneggiatura, capace di trattare temi sensibili con tatto e senza retorica, mostrando come quello che per molti è qualcosa di sconvolgente in realtà sia qualcosa di assolutamente normale. Uno scenario dove il rispetto per il prossimo e l’ambiente sono qualcosa di naturale e che ha dalla sua una schiera di personaggi ben caratterizzati. Grazie ad una comicità slapstick e a momenti che faranno ridere di gusto (come i consigli amorosi di Jaeger Clade a suo nipote Ethan), Strange World riesce a intrattenere in maniera genuina.

Nonostante la trama non sia molto originale (si intuisce praticamente subito cosa accadrà) e alcuni temi siano stati trattati in tutte le salse e possano risultare quindi ridondanti, il film riesce a riproporre il tutto con spontaneità. Un’avventura il cui messaggio intrinseco arriva forte e chiaro allo spettatore. Strange World è un film che ha fatto suo l’insegnamento di Clint Eastwood in Per un pugno di dollari, se vuoi uccidere un uomo lo devi colpire al cuore. E il colpo al cuore arriva, eccome se arriva, senza pietà, preciso e pulito. Più o meno.

Che ne pensate della nostra recensione di Strange World?

22 Novembre 2022 0 comment

Film Recensioni

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa, la recensione: potere alla fantasia

written by Emanuele Bianchi

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa è il nuovo film animato del regista francese Michel Ocelot (Kirikù e la strega Karabà, Azur e Asmar) ed in attesa di poterlo vedere al cinema è stato presentato in anteprima ad Alice nella Città. Tre storie ambientate in Paesi lontani accumunate non solo dalla narratrice che le espone ma dai temi universali che vi si ritrovano all’interno. Le tre storie sono ambientate nell’antico Egitto, nell’Alvernia del Medioevo e nell’oriente del VXIII Secolo. Nella prima storia un principe decide di unire conquistare l’Egitto per poter così sposare la sua amata, nella seconda il figlio rinnegato di un nobile ruba ai ricchi per aiutare i poveri e nella terza un principe fuggito dal suo regno conquistato da stranieri diventa un provetto pasticcere e conquista l’amore di una bella principessa.

Tre storie differenti, ognuna con il suo stile ma che hanno in comuni temi come l’amore – capace di far compiere imprese credute impossibili -, la guerra che da sempre contraddistingue la storia dell’uomo e l’incomunicabilità tra le generazioni. In tutte le storie infatti troviamo genitori inflessibili incapaci di ascoltare i propri figli e i loro desideri, siano essi di libertà o giustizia. Un film in cui a farla da padrone è la fantasia, non a caso la narratrice invita il pubblico – sia animato che lo spettatore – a darle suggerimenti per le storie che racconterà. Suggerimenti istintivi e quindi confusionari, come spesso sono le leggende e le fiabe che nel tempo subiscono modifiche.

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa

Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa a livello stilistico presenta la consueta animazione 2D tipica del regista francese, ma qui è totalmente al servizio della narrazione. Infatti le tre storie hanno stili che richiamano l’arte dell’epoca in cui si svolgono. Per la storia ambientata in Egitto abbiamo disegni che ricordano le pitture tipiche del tempo con i personaggi raffigurati di profilo. Per la seconda storia Michel Ocelot ricorre alle ombre, tecnica tipica del Medioevo e per la terza abbiamo disegni più tondeggianti e ricchi di particolari.

Tre storie sicuramente intriganti e suggestive, ma che non riescono mai veramente a catturare l’attenzione dello spettatore a causa della loro ridondanza. Purtroppo tutte e tre le storie sono caratterizzate da scene che si ripetono come una cantilena. Dopo ogni incipit interessante ci ritroviamo i protagonisti che svolgono praticamente (quasi) sempre le stesse le stesse azioni e dicono sempre le stesse cose, con piccole variazioni. Un andamento narrativo quindi che alla lunga risulta ridondante e tutt’altro che coinvolgente.

Le storie quindi risultano alquanto prevedibili, anche a causa della linearità dello svolgimento e della totale mancanza di colpi di scena degni di nota. Dopo pochi minuti si intuisce subito cosa succederà. A ciò va aggiunto il fatto che i disegni e l’animazione del regista potrebbero far storcere il naso a chi è abituato a disegni più dettagliati e ad un animazione più fluida. Il Faraone, il Selvaggio e la Principessa piacerà agli estimatori di Michel Ocelot, chi non conosce il suo cinema farà fatica.

21 Ottobre 2022 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Pictures Studios

The Menu, la recensione: esperienza culinaria unica

written by Emanuele Bianchi

Un grande chef, un ristorante particolare, un men unico e commensali pronti a vivere un’esperienza irripetibile. Questi gli elementi alla base della dark comedy The Menu, nuovo film di Mark Mylod (The Big White, Il Trono di Spade, Succession). Protagonisti Ralph Finnes, Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, John Leguizamo, Hong Chau, Janet McTeer, Judith Light, Reed Birney, Rob Yang, Aimee Carrero, Paul Adelstein, Arturo Castro, Mark St. Cyr, Rebecca Koon e Peter Grosz.

La storia vede la giovane coppia formata da Margot e Tyler dirigersi a bordo di una barca su un isola dove si trova l’esclusivo ristorante Hawthorne. Insieme a loro altri facoltosi commensali, tra cui la nota critica gastronomica Lillian Bloom. Gli invitati sono pronti a vivere un’esperienza culinaria unica grazie al grande Chef Slowik, pronto a fargli vivere una serata che non dimenticheranno.

Dalla trama ci si potrebbe aspettare uno dei tanti film ambientati in un ristorante che vede i commensali gustare un’ottima cena, magari con la rivelazione di qualche oscuro segreto. The Menu è molto di più. È una horror comedy capace di spiazzare e sorprendere. Dopo un inizio standard, dove i facoltosi fortunati conoscono prima un minimo l’isola e poi iniziano la cena, la storia prende una piega totalmente diversa.

Proprio a metà cena capiamo come quella al ristorante Hawthorne sia più di una cena e sicuramente più di un’esperienza. È una vera e propria lezione di vita. È una critica feroce alla società, divisa in chi mangia e chi fa mangiare. L’arte culinaria, Chef e commensali sono solo elementi di un puzzle la cui funzione è essere meri mezzi per spiegare come gira il mondo. Un mondo crudele in cui i pochi privilegiati decidono tutto, compresa la fama altrui, e la cui ingordigia non conosce limiti. Distratti, superficiali e disonesti sono perennemente scontenti e per questo sempre alla ricerca di emozioni.

Emozioni che sono il vero cibo della serata, quelle che mancano alle persone ricche, incapaci di godersi anche una semplice cena. E proprio emozioni servirà loro Slowik. I suoi piatti ricercati e particolari sono solo uno specchietto per le allodole. Il vero cibo sono la paura, il dubbio, la frustrazione, l’umiliazione e una serie infinita di stati d’animo. Perché la cucina infondo è la perfetta allegoria della vita. È vita e morte, è gioia e disperazione, è successo e fallimento, è folgorante ascesa e rovinosa caduta. È mercificazione di un’arte divenuta ormai consumo, dove anche gli incompetenti mettono bocca burlandosi degli artisti. Tutto questo contemporaneamente.

Come la vita anche la cucina è imprevedibile, non mancheranno quindi momenti inconvenienti. O meglio personaggi che stonano con l’ambiente, che ha nella Margot di Anya Taylor-Joy la sua rappresentante. Ragazza fuori luogo, è la deviazione inaspettata del progetto studiato nei minimi particolari. È la pioggia improvvisa in una giornata afosa. È lei a mettere alla berlina il suo esaltato accompagnatore e soprattutto lo Chef. È e a fargli capire come il tutto sia ridicolo e senza senso. Classico cavallo impazzito che scombussola l’ordina prestabilito, sarà proprio questa sua libertà a far riscoprire a Slowik la gioia del suo mestiere.

Grazie ad una sceneggiatura senza troppi fronzoli e con colpi di scena ben architettati, The Menu riesce pienamente nel suo intento. Tra horror, thriller e commedia (non mancheranno momenti esilaranti), Mylod ci porta in un ambiente freddo, asettico e inospitale – proprio come la cucina dello Chef – dove la passione per l’arte (culinaria) ha da tempo lasciato posto all’ossessione. Perché ormai ciò che conta non sono i sentimenti provocati ma la perfezione, dimenticandosi di come anche una cosa semplice, come un cheesburger o un piccolo film, possa provocare grandi emozioni.

A supportare il tutto un ottimo cast guidati da un algido e freddo Ralph Finnes e da un’energica Anya Taylor-Joy. L’attore inglese riesce a restituirci uno Chef tutto d’un pezzo, un artista della cucina che guida i suoi sottoposti con autorità militaresca, un uomo ormai senza sentimenti,. A fargli da contraltare una ribelle Taylor-Joy, che infonde alla sua Margot grinta e coraggio, l’unica capace di scuotere il cuore e l’anima di un artista ormai perso. Al loro fianco un cast corale che si è calato perfettamente nei personaggi, in particolare Nicholas Hoult, simbolo e parodia degli appassionati e presunti esperti di cucina.

In conclusione The Menu è un film che nonostante non sempre riesca ad amalgamare al meglio humor e thriller e che lasci con una sensazione di incompiuto, di vorrei ma non posso, riesce comunque a stupire e a tenere alta la tensione. Sicuramente da vedere.

Al cinema dal 17 novembre con Searchlight Pictures.

20 Ottobre 2022 0 comment

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