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Recensione: Il Re Leone (2019)

Qual è il motivo che ci spinge a varcare la soglia della sala cinematografica? Cosa ci invoglia a sederci su quelle comode (si spera) poltrone in attesa che si spengano le luci per cedere a quel rapporto di fiducia tra spettatore e schermo? Il piacere della scoperta è sicuramente una delle risposte più esaurienti. Poster, trailer e clip sono mezzi di comunicazione utilizzati per incuriosire, per catturare l’attenzione e generare un senso di conoscenza non indifferente. Ma cosa accade nel momento in cui il cinema, il prodotto per cui paghiamo il biglietto sancendo un contratto di fiducia, a scatola chiusa, non ci regala nulla di nuovo? Nessuna situazione inedita, alcuna emozione che non avessimo già vissuto, ma solamente un senso di nostalgia verso un passato irripetibile?

Questo è ciò che si prova guardando Il Re Leone di Jon Favreau.

L’attesissimo film non delude le aspettative create dalla campagna pubblicitaria ad esso legata: quella di seguire “shot-for-shot”, inquadratura dopo inquadratura, il lungometraggio animato del 1994. Ancor più de Il Ritorno di Mary Poppins, che clonava la struttura narrativa del film del 1964, ancora più de La Bella e la Bestia, che seguiva pedissequamente la controparte animata inserendo fugaci novità, Il Re Leone sembra voler essere una semplice conversione in digitale della pellicola originale. È lontanissimo da stravolgimenti come quello messo in atto in Maleficent – Il Segreto della Bella Addormentata, ma anche da reinterpretazioni come Cenerentola, Dumbo e Aladdin, dove tra un omaggio e l’altro è possibile scorgere la cifra stilistica dei registi Kenneth Branagh, Tim Burton e Guy Ritchie (più in alcuni che in altri casi).

Ma è sufficiente? La domanda è retorica.

E lo è ancor di più considerando che a produrlo è un’azienda nata su fondamenta legate alla lungimiranza, alla creatività, all’idea di sfida e di ricerca (ovviamente, non solo tecnologica) che ha reso possibile la creazione di un modello, di un tracciato, di un canone da seguire film dopo film, generazione dopo generazione, per realizzare dei “classici” intramontabili, validi nel 1936 quanto nel 2019. Dopo un periodo di scarso successo attraversato tra gli anni ’80 e ’90, Il Re Leone del 1994 fu proprio uno di quei film che guardando al passato (ed è emblematico questo parallelismo) segnò la strada verso il futuro, nel cosiddetto “Rinascimento” dei Walt Disney Animation Studios. Risulta assurdo pensare che, se non per bieco incasso, oggi ci fosse la necessità di realizzarlo con tecniche innovative per renderlo più fruibile e attuale. E lo è ancor di più sapendo che questo film (e il filone di cui fa parte) ha annientato la possibilità di vedere produzioni originali e creative.

Per quanto impressionante nel suo ricercatissimo realismo, il film è costretto a rinunciare ad alcune sequenze o ad alcune caratteristiche iconiche (come la caratterizzazione delle iene, la messa in scena di canzoni come “Voglio Diventar Presto un Re” e “Sarò Re” – presenti, ma necessariamente meno incisive a causa dell’estremo fotorealismo – o la mitica Hula di Timon e Pumbaa) proprio per il suo essere fotograficamente credibile. L’estraniamento dello spettatore, difatti, subentra proprio quando i protagonisti non si comportano pedissequamente come animali reali, per esempio nei momenti musicali, quando cantando svelano la loro natura di personaggi animati. Per tale motivo il film raggiunge il suo apice nel momento in cui diventa documentario, piuttosto che in situazioni comiche o emotivamente forti.

Le musiche di Hans Zimmer, nuovamente arrangiate dal compositore per l’occasione, hanno il merito di emozionare esattamente come accaduto 25 anni fa, essendo sostanzialmente le stesse.

All’altissima ambizione tecnica, allo straordinario fotorealismo raggiunto, si contrappone dunque un’ambizione creativa inesistente, costretta a rivelarsi solo per aggirare i limiti narrativi dell’animazione computerizzata, ingabbiata nella sua stessa forza legata alla forte veridicità, rispetto all’estrema libertà dell’animazione tradizionale, surreale, vivace e così affascinante.

Il gioco quindi vale la candela? Probabilmente chi non vede l’ora di rivedere il suo film preferito riproposto in modo più realistico apprezzerà. A tutti gli altri non resta che attendere storie più creative sotto il marchio Walt Disney Company, magari riguardando Il Re Leone animato in DVD o Blu-Ray.

15 Luglio 2019 0 comment

Film Film Marvel Studios Recensioni

Recensione: Spider-Man Far From Home

written by Emanuele Bianchi

Un adolescente tanto intelligente quanto timido e impacciato – e per questo logorroico – con pochi amici e che improvvisamente si ritrova con i poteri di un ragno. Spider-Man è uno degli eroi Marvel più noti ed amati, e dopo ben due saghe cinematografiche (la trilogia di Sam Raimi con Tobey McGuire e i due film con Andrew Garfield), il personaggio è finalmente tornato a casa nel 2016.

Dopo averlo visto in azione in Captain America: Civil War, nel 2017 abbiamo assistito al suo ritorno da solista sul grande schermo e lo abbiamo visto affrontare il temibile Avvoltoio, ma soprattutto cercare di essere un bravo supereroe e far conciliare la sua nuova vita con quella di studente liceale. Il tutto sotto la guida di Tony Stark / Iron Man. Dopo gli eventi di Infinity War, dove Thanos ha decimato metà della popolazione, e di Endgame, dove gli Avengers sono riusciti ad annullare quanto fatto dal Titano Pazzo, l’eroe è ora pronto per una nuova avventura in Spider-Man: Far From Home.

Tornati dopo cinque anni di assenza, Peter e i suoi compagni fanno del loro meglio per andare avanti. Ma non è facile quando sei un adolescente dalla doppia vita, il tuo mentore si è sacrificato per il bene di tutti e tutti aspettano con ansia che si faccia vivo il nuovo Iron Man. Una pressione costante quella che sente Peter, perché convinto di non essere all’altezza di Tony e quindi di prenderne il posto. Ecco quindi che la vacanza in Europa con la scuola è un modo perfetto per rilassarsi e soprattutto per farsi avanti con MJ. Ma si sa, non esistono vacanze per i supereroi e infatti, nonostante il nostro ignori ripetutamente le chiamate di Nick Fury, i guai seguono Peter / Spider-Man anche in Europa. Riuscirà l’eroe a risolvere la situazione, a sconfiggere la nuova minaccia e a dichiararsi alla ragazza che gli piace?

Arrivare al cinema dopo Avengers: Endgame è un compito ingrato per chiunque, ma non per l’amichevole arrampicamuri di quartiere. Spider-Man: Far From Home non solo è un buon sequel ma anche il degno erede del film dei fratelli Russo e grande conclusione della Fase 3 del Marvel Cinematic Universe.

Dopo un incipit in cui scopriamo come pian piano stia tornando tutto alla normalità, ritroviamo subito il nostro eroe alle prese con i suoi dubbi, primo su tutti il chiedersi se sarà all’altezza di Iron Man. Un confronto che lo schiaccia così tanto da fargli mancare il respiro e da voler fuggire, perché in fondo Peter è ancora solo un ragazzo. È scosso per tutto ciò che gli è accaduto e per di più ora deve affrontare quello che per un adolescente più che un ostacolo è una montagna da scalare: dichiararsi alla ragazza che gli piace. Ecco quindi che troviamo il nostro eroe fare piani come nelle migliori commedie romantiche, ovviamente supportato dal migliore amico.

Questi sono gli elementi cardine di Far From Home, un action movie adrenalinico ed entusiasmante, che omaggia i fumetti di Stan Lee e Steve Ditko, dove non mancano i tipici momenti da teen comedy (John Huges docet) ed ovviamente il divertimento, da intendersi nel più ampio senso possibile. Una vera e propria gita con supereroe, con tanto di passeggiate notturne, sgattaiolamenti fuori dall’hotel, amori fugaci ed ovviamente momenti imbarazzanti.

Due ore (e poco più) in cui lo spettatore non potrà che stare con gli occhi incollati allo schermo, in un film dove i personaggi sono alla ricerca di loro stessi (ovviamente Peter su tutti e nella sua doppia veste) e dove nulla è ciò che sembra. Perché in fondo la sorpresa è sempre dietro l’angolo – abbiamo sempre a che fare con il signore delle illusioni – e dove c’è Nick Fury non si può certo stare tranquilli. Neanche quando sei in vacanza, che ovviamente prende una piega surreale, almeno per i compagni e i professori del nostro eroe.

Una storia in cui Spider-Man si fa prendere dal panico, dall’egoismo e dove prende decisioni discutibili ma che proprio per questo lo rendono più umano che mai. Il nostro Peter maturerà soprattutto come persona, capace di superare i suoi dubbi e le sue paure e di rialzarsi dopo essere andato a tappeto, riuscendo a capire finalmente quale sia il suo posto.

Il film ha i suoi punti di forza nella sceneggiatura di Chris McKenna e nell’adrenalica regia di Jon Watts. Se la scrittura riesce a dare vita ad un film dai più livelli, capace di spaziare dall’action alla commedia con naturalezza e ad affrontare temi importanti con tatto e naturalezza, il regista riesce a portarci nel pieno della storia, facendoci diventare un compagno di scuola di Peter, MJ e gli altri.

Così come sono più che convincenti gli attori protagonisti. Se Samuel L. Jackson e Cobie Smulder sono ormai consolidati nei panni di Nick Fury e Maria Hill, i giovani attori sono sempre più in confidenza con i loro ruoli. Tom Holland è un Peter Parker / Spider-Man semplicemente perfetto, sempre più a suo agio e che racchiude in sé le migliori caratteristiche dei suoi due predecessori. Stesso discorso per Zendaya e Jacob Batalon, interpreti di MJ e Ned. La prima porta sullo schermo una ragazza intelligente e spiritosa, controparte perfetta di Peter, mentre il secondo è una spalla che ormai sa il fatto suo e che regge il gioco all’amico nel migliore dei modi.

Menzione a parte per il sempre convincente Jake Gyllenhaal, che qui veste i panni di uno dei personaggi più iconici di Spider-Man. L’attore riesce a fare suo Mysterio, risultando più che adatto nel ruolo. Certo ai fan di vecchia data il plot-twist che lo riguarda potrà risultare telefonato, ma ciò non preclude di certo la fruibilità del film e non cambia il fatto che la sua rimane un’ottima interpretazione.

Sicuramente Spider-Man: Far From Home non è un film perfetto (la figura di Iron Man è fin troppo presente e la comicità in certi momenti è leggermente eccessiva), ma riesce pienamente nel suo intento di divertire ed intrattenere lo spettatore. 129 minuti di azione, combattimenti e risate che faranno la felicità dello spettatore. Un film consapevole di ciò che è e proprio per questo più che godibile.

Uno dei migliori film dedicati all’eroe del Queens fino ad ora realizzati e che fanno ben sperare sia per i successivi film che lo riguarderanno direttamente, sia per il prosieguo dell’MCU. Una gioia per gli occhi, anche grazie agli incredibili effetti speciali.

E guai ad alzarsi dalla poltrona del cinema prima del tempo: ci sono ben due scene inedite.

11 Luglio 2019 0 comment

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Recensione: Toy Story 4

written by Irene Rosignoli

Che caso anomalo è quello di Toy Story, nel panorama cinematografico generale. Quando si ha a che fare con un’opera che si sviluppa in maniera seriale, la condizione necessaria affinché abbia qualche chance di mantenersi di qualità costante nel tempo è sapere dove si sta andando. In altre parole, avere ben chiaro il finale fin dal principio. Toy Story è forse l’eccezione con la E maiuscola: nel corso di più di un ventennio la saga, considerata una delle meglio riuscite della storia, è stata portata avanti di volta in volta con film autoconclusivi, in cui ogni nuovo episodio andava a spezzare uno status quo che fino a quel momento sembrava definitivo utilizzando il più banale degli espedienti, ossia introdurre nuovi personaggi. Non era necessario il secondo capitolo, che riapre una vicenda che era bella che conclusa con la nascita dell’amicizia tra Woody e Buzz, e non era certamente necessario il terzo, che coglie il pretesto della crescita di Andy per mettere in crisi la vita dei giocattoli.

Tuttavia, tra tutte le storie che davvero non c’era bisogno di portare al cinema, Toy Story 4 era forse in cima alla classifica; non tanto perché l’universo dei giocattoli avesse esaurito il suo potenziale (al contrario), ma perché con l’episodio del 2010 la Pixar aveva praticamente compiuto il miracolo, riuscendo a portare a termine una parabola perfetta anche in senso generazionale, allineando il percorso di crescita di Woody, del suo padrone Andy e dello spettatore, il bambino degli anni ’90 ormai cresciuto che ha dovuto anch’egli dire addio alla sua infanzia. Una chiusa eccezionale arrivata nel miglior momento possibile. Qualsiasi persona meno folle degli artisti Pixar si sarebbe fermata lì.

Ma siamo nel 2019, e nessuna saga che sia in grado di portare in cassa miliardi di dollari è immune alla sequelizzazione selvaggia. Una volta scesi a patti con questa realtà (se non altro per scarsità di alternative sulla piazza), si può constatare che non solo Woody, Buzz e compagni abbiano ancora qualcosa da dire, ma soprattutto che abbiano trovato l’uomo giusto per dirlo. Josh Cooley è una voce fresca, un regista attento e rispettoso dei suoi personaggi, ma soprattutto un autore con un senso del ritmo comico a dir poco impressionante (del resto si è fatto le ossa precedentemente in due cortometraggi). Toy Story 4 è senza dubbio il capitolo più divertente della saga, e forse uno dei film Pixar più esilaranti in assoluto: si ride tantissimo, con gag né originali né brillanti di per sé, ma interamente basate sulla precisione assoluta del timing, che Cooley è in grado di gestire come se fosse un maestro navigato.

Quanto alla vicenda raccontata, essa ha più il sentore di spin-off o di “episodio bonus” che di vero e proprio epilogo (anche se si pone come tale… almeno fino al prossimo capitolo, s’intende). Esaurito l’arco narrativo della banda di giocattoli di Andy, questa volta ci si concentra unicamente sullo sceriffo Woody, affrontando lo spinoso problema della sua vecchiaia. Woody ha alle spalle un passato glorioso con un bambino che ha amato moltissimo e che in nessun modo può sostituire con Bonnie, a maggior ragione perché quest’ultima sembra non apprezzarlo più e gli preferisce altri balocchi come la new entry Forky o la stessa cowgirl Jessie. È una situazione che avevamo già visto di recente in un altro film Pixar, Cars 3: proprio come Saetta McQueen al termine della sua carriera, Woody deve in qualche modo riqualificarsi, trovare una nuova ragion d’essere. Per il cowboy la nuova missione di vita diventa così aiutare gli altri giocattoli a farsi benvolere dal proprio bambino, nello specifico prendersi cura di Forky e fare in modo che sia sempre accanto a Bonnie, anche laddove questo significhi perdere per sempre il ruolo di preferito. Un percorso di maturazione che può dirsi definitivamente compiuto, se pensiamo che l’intero capitolo uno di Toy Story scaturisce dall’egoismo di Woody e dalla profonda invidia per essere stato sostituito da Buzz Lightyear.

Sulla scia del terzo film, Toy Story 4 è una pellicola più esistenziale in cui i personaggi, complice anche una ritrovata espressività frutto delle moderne tecnologie disponibili, sono più che mai umani. Non solo si pongono domande sulla vita e la morte, la coscienza e la possibilità di avere una seconda chance, ma in questa storia più di tutte le altre si comportano da esseri viventi, prendono in mano le redini delle loro vite, interagiscono con gli umani stessi per ottenere ciò che desiderano e infine, come fa Bo Peep, accettano anche la possibilità di una vita autonoma, in cui non ci sono bambini e i giocattoli sono gli unici artefici del proprio destino.

26 Giugno 2019 0 comment

Film Film Recensioni Walt Disney Animation Studios

Recensione: Ralph Spacca Internet

written by Irene Rosignoli

Nel 1939, dopo l’uscita del cortometraggio The Practical Pig, il quarto della serie dedicata ai Tre Porcellini, a Walt Disney fu fatto notare che si trattava di un’opera ben fatta, ma neanche lontanamente bella come il cortometraggio originale. “You can’t top pigs with pigs”, ribatté lui. Ovvero: non puoi superare i porcellini con altri porcellini, per fare di meglio bisogna proporre qualcosa di nuovo.

80 anni dopo abbiamo davanti una Company ben diversa e, nonostante abbiano resistito probabilmente il più possibile, alla fine anche i Walt Disney Animation Studios sono stati inevitabilmente inseriti nella macchina della produzione di massa dei franchise, che d’ora in poi quindi entreranno nel canone dei “classici” (anche se questo termine ormai è caduto in disuso). Curiosa è stata però la scelta del primo titolo da “sequelizzare”: non i ben più acclamati Rapunzel o Big Hero 6, ma Ralph Spaccatutto, il film che di fatto ha incassato meno in assoluto tra quelli della nuova era, segno questo della presenza di un’idea forte dietro all’evidente motivo di business.

Difatti, Ralph Spacca Internet costruisce in maniera intelligente su quanto impostato nel primo film, specialmente per ciò che riguarda il character development dei personaggi, il quale è in fondo il cuore di questa pellicola, che di trama in senso stretto a ben guardare ne ha ben poca (e quella che ha è piuttosto confusa e disconnessa). L’intero film ruota attorno all’evoluzione del rapporto di amicizia tra Ralph e Vanellope. Nel primo film, Ralph ha trovato una validazione della sua persona nel legame con la sua nuova amica: anche se non ama fare il cattivo, il rapporto con Vanellope lo gratifica. Il sequel cavalca questo spunto per esplorare invece l’insicurezza che nasce nel momento in cui Ralph fonda tutta la sua autostima sul giudizio di Vanellope e sulla presenza della stessa al suo fianco, andando in crisi al pensiero di restare senza di lei. Insomma, le insicurezze di Ralph, il suo essere possessivo e iperprotettivo verso Vanellope sono i veri “cattivi” del film, e questa volta il suo cammino di maturazione andrà verso il diventare indipendenti e accettare che gli amici sono entità separate da noi. Il terzo atto in questo senso è di una maturità spaventosa, per dialoghi ma anche per rappresentazione scenico/visiva del concetto, e forse è l’unico momento che davvero si avvicina al bellissimo climax di Ralph Spaccatutto.

A fronte di un lavoro sui personaggi davvero notevole, probabilmente il migliore da Frozen in poi, il film presenta tuttavia altri tipi di problemi, uno su tutti la scelta dell’ambientazione. Dai videogiochi in questo secondo capitolo si passa a Internet, che se sulla carta è la naturale evoluzione del setting del primo film (ci sono anche i videogiochi online, ovviamente), nella pratica è un’idea rischiosa per un’opera di questo studio. Tra le parole chiave di una pellicola Disney ci dovrebbe essere “timeless”, senza tempo, eppure c’è ben poco di eterno in un’ambientazione come quella di Internet, talmente infarcita di riferimenti alla pop culture da rischiare di invecchiare alla velocità della luce. Certo, i video con le capre che urlano, gli immancabili gattini e gli uccellini-tweet oggi sono divertenti; ma sarà così tra dieci, venti, trent’anni, o si rischia che questo Ralph Spacca Internet diventi vintage prima del previsto?

L’impressione è che, laddove il primo film sia riuscito a girare intorno al problema, proponendo camei e omaggi in maniera intelligente ma concentrando la storia su personaggi, setting e azioni del tutto originali, che per forza di cose non invecchieranno mai, questo secondo film faccia leva un po’ troppo sulla cultura pop, rischiando di essere davvero ben poco rivedibile, soprattutto sul lungo termine. Vivrà di più, probabilmente, la famosa scena con le principesse Disney, ma anche qui le perplessità non sono poche: la scena è stata completamente tagliata e riscritta rispetto alle versioni mostrate in precedenza, è molto meno irriverente (o lo è in apparenza, ma in realtà è rispettosissima) e ha probabilmente perso un po’ di mordente rispetto a quanto era stato annunciato.

Cosa sia successo precisamente durante la lavorazione è difficile dirlo (probabilmente riscritture a seguito dell’uscita di scena di John Lasseter), quel che è certo è che Ralph Spacca Internet ha tante cose – belle – da dire, ma forse non ha completamente centrato la maniera giusta in cui dirle.

4 Gennaio 2019 0 comment

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Recensione: Spider-Man – Un Nuovo Universo

written by Irene Rosignoli

Quando nel 2012 la Disney realizzò il cortometraggio Paperman, sembrava di vedere sullo schermo il futuro dell’animazione. Per molto tempo si era cercata una soluzione che fosse in grado di prendere il meglio dell’animazione a mano e della computer grafica, e di far interagire le due tecniche in una maniera del tutto innovativa. C’era molto fermento attorno a Paperman e alle possibilità future a cui avrebbe potuto spianare la strada, e invece di lì a poco la sperimentazione attorno alla tecnica Meander si è spenta, e da allora su quel fronte tutto tace.

Negli anni ci sono stati altri tentativi di dare uno scossone all’animazione mainstream e di proporre un’estetica che deviasse dallo standard pixariano (sempre più tendente verso il fotorealismo e verso il live action): pensiamo ad esempio al film dei Peanuts della Blue Sky, a Capitan Mutanda della DreamWorks o alla saga di Hotel Transylvania di Genndy Tartakovsky. Ma mai nessuno si era spinto dove ha osato spingersi Spider-Man: Un nuovo universo, un film talmente distante da tutto ciò che abbiamo visto al cinema negli ultimi quindici anni che viene da chiedersi come accidenti abbiano fatto quei geniacci di Phil Lord e Chris Miller a ottenere il via libera da Sony Pictures Animation per un prodotto del genere.

Non si esagera certo nel dire che Into the Spider-Verse è la risposta a tutto ciò che gli appassionati di animazione hanno auspicato nell’ultimo decennio, e probabilmente anche di più. Un film che recupera la linea, il dinamismo e l’imperfezione del disegno a mano, ma senza rinunciare alle forme, ai volumi e agli spazi tridimensionali della computer grafica. Un film che finalmente non sacrifica il lavoro di tanti concept artist e production designer realizzandone la pallida imitazione al computer, ma lo sfoggia con orgoglio fino a concepire una lunga sequenza finale composta praticamente solo da macchie di colore (e a tal proposito, in un mondo giusto Justin K.Thompson vincerebbe l’Oscar al miglior production design). Un film che non solo propone uno stile totalmente controcorrente rispetto allo standard, ma addirittura riesce a farne coesistere di molteplici all’interno della stessa pellicola (basti osservare come i sei protagonisti non solo siano animati ognuno in maniera diversa, ma possiedano una texture che li contraddistingue, in maniera disarmonica come se venissero da film diversi).

È stato detto che si tratta del miglior modo di fare un cinecomic, perché il naturale passaggio dal fumetto al grande schermo è l’animazione, e questo è probabilmente vero. Ma, posto che ci troviamo davanti a uno dei migliori film di supereroi mai realizzati, l’impressione è che la “scusa” del cinecomic sia stata per Lord, Miller e i tre registi Ramsey, Persichetti e Rothman soltanto un pretesto per andare all in con tutte le potenzialità del mezzo dell’animazione. Quale occasione migliore dell’adattamento di un fumetto per recuperare tutto ciò che è stato standardizzato e uniformato dalla computer grafica “tradizionale” negli ultimi anni? Spider-Man: Un nuovo universo è un rischio meraviglioso e il prodotto di un modo di fare cinema che forse non esisteva più a quei livelli e con quei budget. Proprio per questo, la prossima sfida dell’animazione dev’essere quella di applicare questo stile e questo metodo produttivo a una storia originale. Solo allora si tornerà finalmente a correre rischi, solo allora si tornerà finalmente a fare Animazione.

Artwork di Patrick O’Keefe per Spider-Man: Into the Spider-Verse.

30 Dicembre 2018 0 comment

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Recensione: Gli Incredibili 2

written by Irene Rosignoli

Ci sono pochissimi registi nell’animazione mainstream che possono permettersi di avere un controllo pressoché totale sulle loro opere, e Brad Bird è uno di essi. Non è un caso se il suo è il nome più citato all’interno dell’industria quando si vuole indicare un esempio di qualità, un maestro a cui guardare. Nonostante sia dichiaratamente contrario alla valanga di sequel e remake che vengono prodotti a Hollywood, Bird si è finalmente lasciato convincere dalla Pixar a realizzare Gli Incredibili 2, un’opera che poteva essere un vero azzardo. Se all’epoca il primo film brillava per originalità, replicare oggi, dopo dieci anni in cui è uscito al cinema praticamente un cinecomic a settimana, era un’impresa praticamente impossibile.

Forse è stato proprio questo ad attrarre il regista, ma bisogna premettelo fin dall’inizio: Gli Incredibili 2 non ha, e non può avere per forza di cose, la carica di inventiva che aveva il primo capitolo. La pellicola si inserisce nel genere supereroistico moderno in maniera organica, e proprio in questo forse risiede la sua grandezza. Nonostante sia l’epoca del boom dei cinecomics, nonostante dieci anni di cine-fumetto, non c’è stato neanche un film originale di supereroi in animazione, fatta eccezione per le parodie come LEGO Batman e per il disneyano Big Hero 6, in cui in fondo la parte action era solo un contorno.

Gli Incredibili 2 non è la versione per bambini di un film d’azione. È un film d’azione. Fatto a cartoni. Non sfigurerebbe affatto all’interno della filmografia Marvel e neppure per un momento vira verso la parodia del genere o verso una semplificazione. Insomma, Gli Incredibili 2, laddove film come Zootropolis o Big Hero 6 finivano per essere la versione “più facile” del proprio genere, si prende sempre sul serio e fa ciò che Bird sa fare meglio: non si piega al livello dello spettatore, ma mira ad elevarlo a quello del filmmaker.

Messa così, tuttavia, sembrerebbe un voler rincorrere la presunta superiorità del live action avvicinandoglisi il più possibile. E invece no. Brad Bird non dimentica mai di star lavorando con l’animazione: da regista che ha una padronanza del mezzo probabilmente superiore alla media, sa benissimo (e ce lo fa capire) che i suoi personaggi sono cartoni animati e ne sfutta tutte le potenzialità appieno in ogni scena. E così, la risoluzione di un combattimento può essere benissimo Jack-Jack che assume dimensioni gigantesche per schiacciare l’avversario, perché nel reame dell’animazione tutto è possibile.

La recensione del corto Bao

29 Settembre 2018 0 comment

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Recensione: Sotto il burqa (The Breadwinner)

written by Irene Rosignoli

Non è arrivato al cinema The Breadwinner, o Sotto il Burqa come è intitolato in italiano, riprendendo il titolo del romanzo di Deborah Ellis da cui è tratto il film d’animazione. E se bisogna essere grati a Netflix per averlo reso disponibile nella nostra lingua, d’altra parte è impossibile non avere un po’ l’amaro in bocca nel vedere l’Italia ignorare per l’ennesima volta uno studio – l’irlandese Cartoon Saloon – che è ormai alla terza nomination all’Oscar su tre lungometraggi prodotti.

Tanto più che ci troviamo davanti a un film che ancora una volta sposta in alto l’asticella di ciò di cui Cartoon Saloon è realmente capace. The Breadwinner era un film necessario. In primis perché parla di guerra, di dittatura, della condizione delle donne e delle bambine sotto il regime talebano, e lo fa mostrandone i lati più oscuri e non edulcorando nulla. Di fronte alla brutalità, però, il film è un grande inno all’empatia e alla pietà: sono le parole e le storie che salvano, sono i nomi, le lettere e le linee di inchiostro su un foglio a ripararci dai proiettili e dall’orrore della malvagità umana.

Ma soprattutto The Breadwinner è un film necessario perché sceglie di raccontare questi temi attraverso l’animazione, ricordandoci finalmente che questo mezzo espressivo può davvero raggiungere vette e livelli di complessità a cui non siamo (più) abituati, quando è libero di fare arte e non solo mercato. L’animazione confinata al kid-friendly movie, al genere commedia-avventura, al rating PG e all’iperrealismo della computer grafica è un’animazione stagnante, che esprime soltanto una minuscola frazione delle mille possibilità che potrebbe offrire.

Cartoon Saloon ha inoltre un’abilità che non possiede nessun altro studio al mondo, fatta esclusione per Disney e Pixar: ha un house style estremamente riconoscibile, dalle forme semplici e stilizzate e che tende alla composizione artistica su modello del collage. Uno stile coerente ma soprattutto assolutamente versatile, in grado di adattarsi a una fiaba tradizionale come La Canzone del Mare, a una serie prescolare come Puffin Rocks e a un film più maturo sulla guerra come appunto The Breadwinner. In questo particolare film poi raggiungono il loro picco nella character animation, che per ovvie ragioni di limitazione di budget è sempre stata piuttosto semplice e limitata: il personaggio di Shauzia, l’amica della protagonista Parvana, ha un momento di espressività davvero notevole che è qualcosa di completamente inedito per Cartoon Saloon.

C’è solo da tenere d’occhio (e possibilmente da sostenere e da finanziare) questo piccolo studio irlandese che piano piano si è fatto strada conquistandosi il suo meritatissimo posto tra i grandi. Il loro prossimo film si chiama Wolfwalkers e promette già benissimo.

2 Luglio 2018 0 comment

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Recensione: Nelle Pieghe del Tempo

written by Emanuele Bianchi

Scritto da Madeleine L’Engle tra il 1959 ed il 1960 e pubblicato nel 1963, Nelle pieghe del tempo (A Wrinkle in Time) è un romanzo fantasy per ragazzi che dopo essere stato respinto da ben 26 editori, vinse vari premi e conquistò generazioni di lettori.

Dopo l’adattamento televisivo del 2003 ad opera della Disney con il titolo Viaggio nel mondo che non c’è, la stessa Casa di Topolino ha ripreso il romanzo per dare vita ad un adattamento cinematografico diretto da Ava DuVernay (Selma – La strada per la libertà) con protagonisti Chris Pine, Reese Witherspoon, Gugu Mbatha-Raw, Michael Peña (Ant-Man), Zach Galifianakis, Bellamy Young, Mindy Kaling, Levi Miller, Oprah Winfrey, André Holland, Daniel MacPherson, Storm Reed, Will McCormack.

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Meg Murry è la figlia di due fisici di fama mondiale, e come tutte le ragazze della sua età non si sente all’altezza e fatica ad integrarsi e a fare amicizia. La sua vita verrà stravolta dalla scomparsa del padre e dall’arrivo di tre eccentriche e peculiari donne, le signore Whatsit, Who e Which, le quali la spediranno insieme al fratello minore Charles Wallace e all’amico Calvin nello spazio alla ricerca del signor Murry.

Catapultati in mondi incredibili e ben oltre la loro immaginazione, i tre ragazzi grazie ad un congegno magico riescono a spostarsi tra le pieghe del tempo e dello spazio. Un viaggio che li vedrà fronteggiare un nemico potente sconosciuto. Per poter portare a termine la missione, Meg dovrà guardare dentro sé stessa ed imparare ad accettarsi, trovando così la forza per sconfiggere l’oscurità che avvolge lei ed i suoi amici. Riusciranno i tre ragazzi nell’impresa?

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Un teen movie che usa la fantascienza per raccontare il coming of age di una ragazza brillante ma insicura e piena di paura e rabbia. Non c’è modo migliore di descrivere l’ultimo film Disney. Meg è la classica ragazza che ha un potenziale enorme ma che reprime perché non riesce ad accettarsi per quel che è, che viene bullizzata dalle sue compagne di classe perché in qualche modo diversa. Una ragazza incapace di affrontare i suoi sentimenti e quel che le è successo.

Da questo punto di vista Nelle pieghe del tempo è un film Disney al 100%, è il classico viaggio dell’eroe in cui la protagonista dopo l’iniziale rifiuto inizierà un cammino che la porterà a (ri)trovare ciò che cerca e che le manca da troppo tempo. Una pellicola che sottolinea ancora una volta come i difetti siano non solo parte di noi ma anche la nostra parte migliore perché in fondo sono il motivo per cui il prossimo ci vuole bene.

Nelle Pieghe del Tempo è una storia che parla di adolescenti per gli adolescenti, con l’intento di trasmettere loro messaggi mai banali che è sempre bene ripetere e che per farlo usa la fantasia e il fantastico come base d’appoggio. Un film che oltre a sottolineare l’importanza dell’accettazione di sé e della comprensione del prossimo, evidenzia come sia importante usare bene il talento che si ha e che l’amore c’è sempre, anche quando sembra non esserci. Perché come ogni cosa intangibile non sparisce, semplicemente si nasconde.

Se dal punto di vista contenutistico Nelle pieghe del tempo riesce nel suo intento, è nella forma che non convince per niente. Difetto principale è senza dubbio la sceneggiatura scritta da Jennifer Lee (Ralph Spaccatutto, Frozen, Zootropolis) che risulta fin troppo frettolosa e con non pochi buchi di trama. Molti infatti sono i momenti in cui lasciamo in personaggi in una situazione e poco dopo li ritroviamo in un’altra senza un minimo di spiegazione logica.

Purtroppo più che ad un prodotto per il cinema siamo di fronte ad un film televisivo che unisce il viaggio di formazione e l’apprendimento, cercando di far comprendere la fisica allo spettatore con momenti in cui la protagonista userà le sue conoscenze per uscire fuori dai guai. Con tanto di immancabile spiegazione di come abbia usato il suo sapere.

Come se non bastasse l’avventura nella quali veniamo trasportati è tutt’altro che avvincente o interessante. La pellicola si limita a farci vedere un paio di pianeti dai colori sgargianti e qualche personaggio stravagante, disilludendo così le promesse di un’incredibile viaggio per l’universo ed un’epica battaglia con il villan di turno, che risulta solo una scialba copia de Il Nulla di La Storia Infinita.

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Nelle pieghe del tempo risulta così essere il classico studente brillante ma che non si applica. Uno di quei film da vedere la domenica pomeriggio quando piove. Il motivo è da ricercare anche nella scarsa caratterizzazione dei personaggi, trattati tutti in modo molto superficiale. In particolare il cattivo risulta senza arte né parte, messo lì solo per dare un minimo di scopo alla protagonista.

Deludenti anche gli effetti speciali, al limite della sufficienza. Troppo spesso durante il film si nota l’uso della CGI, che risulta datata e posticcia. Così come la regia di Ava DuVernay che si limita ai troppi primi piani, come se non conoscesse altri modi di riprendere la scena.

29 Marzo 2018 0 comment

Film Pixar Animation Studios Recensioni

Recensione: Coco

written by Irene Rosignoli

Che differenza c’è tra Walt Disney Animation e Pixar Animation? Trovare una risposta a questa domanda è centrale per la definizione dell’identità di entrambe, ma è diventato particolarmente complicato da quando nel 2006 John Lasseter è stato nominato chief creative officer dei due studi, iniziando di fatto un processo di uniformazione che va avanti ancora oggi. E se sul piano dell’estetica la differenza è ben chiara, con la Pixar che gioca con i volumi, le geometrie e con uno stile fotorealistico, mentre la Disney è impegnata a ricreare il feeling dell’animazione tradizionale, ben più complesso è capire cosa li contraddistingue a livello contenutistico. In parole povere: se la Pixar può fare un film con protagonista una principessa come Ribelle – The Brave, qual è sostanzialmente la differenza con i loro cugini Disney?
Con Coco di Lee Unkrich il problema si ripresenta, al punto che molti lo hanno definito il film più “disneyano” tra quelli della casa di Luxo. Effettivamente, non solo si tratta del classico viaggio di formazione dell’eroe pronto ad andare contro il volere della sua famiglia pur di realizzare il suo più grande sogno (leitmotiv del Rinascimento Disney, che da La Sirenetta ci collega a Oceania), ma soprattutto è un’opera musicale, in cui le canzoni non sono fuori campo ma cantate dai personaggi stessi, e servono quindi a comprendere i loro pensieri e i loro desideri.
coco pixar animation studios trailer screenshot
Coco però riprende anche la migliore tradizione Pixar, quella che in fondo contraddistingue tutti i più grandi capolavori dello studio, basata sulla creazione di mondi paralleli con una loro coerenza interna, mondi che in qualche modo entrano in relazione con il reale finendo per influenzarlo. In questo sta forse l’essere genuinamente Pixar di Coco, nel catturare un’esperienza della vita umana (il rapporto con la morte, ma anche l’importanza della memoria) e nel costruirci intorno una mitologia, un universo alternativo plausibile, retto da leggi e gerarchie che pescano sì dalla cultura messicana, ma anche dalle stesse menti geniali che due anni fa ci hanno mostrato il cervello umano come una grande fabbrica in Inside Out.
Proprio Inside Out può essere il metro di paragone con cui confrontare Coco, sia perché si tratta di film che hanno tematiche simili (“cosa succede quando si viene dimenticati?” è una domanda comune a entrambe le pellicole), sia perché la metodologia dei due registi Docter e Unkrich rivela quelle che attualmente sono forse le due anime più interessanti del cinema Pixar. Pur avendo realizzato un film senza dubbio toccante dal punto di vista emotivo, Docter è prima di tutto un animatore interessato a esplorare i limiti del medium e capace di fermare letteralmente la narrazione per proporre una sequenza fine a sé stessa come quella in cui i protagonisti si ritrovano nel Pensiero Astratto (visivamente forse una delle scene più interessanti del cinema d’animazione recente). In Coco, invece, non c’è interesse per la sperimentazione o per il gusto del movimento in sé: come già in Toy Story 3, l’attenzione di Unkrich è per le emozioni, per il cuore. L’animazione, la tecnica e lo sfoggio artistico sono quindi totalmente al servizio della storia, la quale propone un interessante twist sul classico tema dell’adolescente che deve conquistare la benedizione dei suoi avi per poter realizzare il suo sogno. Miguel in fondo non vacillerà mai nel suo proposito di infrangere le regole di famiglia e scegliere da solo il suo destino; piuttosto, dovrà prima capire perché desidera davvero diventare un musicista e come le relazioni umane, in questo caso quelle familiari, siano in realtà la linfa che nutre l’arte, qualcosa da cui non si può prescindere.
È vero che Coco non ha la tipica originalità Pixar, ma forse è anche arrivato il momento di sganciarsi da questo concetto che tutto sommato non significa poi nulla. L’originalità Pixar non esiste, e se esiste non è certo ciò che ha reso lo studio di Catmull e Lasseter un grande studio: la loro intuizione, vent’anni fa, fu piuttosto quella di raccogliere nel momento giusto la tradizione Disney parallela a quella del grande musical fiabesco. In questo senso, Coco è uno dei film che maggiormente hanno saputo amalgamare questa eredità con il worldbuilding tipicamente pixariano, con un’interessante riflessione sul reale e in ultimo con quell’attenzione per le piccole cose quotidiane che da Toy Story in poi hanno fatto la fortuna dello studio di Emeryville.
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28 Dicembre 2017 0 comment

Film Marvel Studios Recensioni

RECENSIONE: Thor: Ragnarok

written by Jacopo Iovannitti

Dal 25 ottobre sarà nelle sale italiane Thor: Ragnarok, il terzo capitolo della trilogia dedicata al Dio del Tuono dei Marvel Studios.
Di seguito la nostra recensione dedicata al film prodotto dalla Casa delle Idee.

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Dove eravamo rimasti?
Thor: Ragnarok è un film che rispetto alle precedenti opere dei Marvel Studios non perde tempo e fin dal proprio inizio, ben prima di farci capire quale sarà la storia che vorrà raccontarci, ci mostra in successione una serie di scene dal montaggio serrato che rispondono a tutte le domande lasciate insolute o a una serie di eventi visti precedentemente in altri film della Casa delle Idee, facendoci ridere più di una volta.
E se questo è un ottimo proposito che il regista Taika Waititi si è preoccupato di portare avanti nelle prime pagine di copione, tra una battuta e l’altra, con il proseguire della storia quelli che sembravano punti di forza diventano ostacoli.
Questo, chiaramente, accade perché stiamo parlando di un film dedicato a un Dio del Tuono e non a un gruppo di Anti-Eroi senza alcuna responsabilità.

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Una volta giunti all’inizio della vera storia di Thor: Ragnarok ci sarà chiaro che questo stile narrativo sarà mantenuto fino alla fine, salutando il connubio tra l’empatia e le composizioni scenografiche ispirati a Shakespeare che Kenneth Branagh aveva portato avanti nel primo film (e che in parte abbiamo visto anche nel secondo, nonostante il cambio di regia e una dose maggiore di ironia). Ci dovremo così di fronte a qualcosa di già mostrato in un Guardiani della Galassia (e non solo per quanto riguarda i testi).
Ma se nel film di James Gunn queste scelte caratterizzavano la pellicola garantendole originalità e ben due seguiti, qui il risultato è ben diverso.
Il cambio di stile, non solo in termini di toni bensì visivo, è stato deleterio. Non esistono più contrasti tra colori chiari e scuri, solo un’eccessiva saturazione di rossi, verdi e viola, negli ambienti quanto negli abiti e nel trucco, distruggendo ciò che era stato creato precedentemente da ben due film.
Stessa sorte avrà la colonna sonora, questa volta di Mark Mothersbaugh, che nonostante il tentativo di adattarsi di scena in scena con i predenti brani (da quelli composti da Patrick Doyle a quelli da Alan Silvestri), sarà sottomessa prepotentemente spinta dalla forza di The Immigrant Song dei Led Zeppelin (usata non in una ma in ben due scene).

La presenza di draghi incendiari, lupi giganti, demoni infuocati e guardiani fuggitivi, purtroppo, non basterà a dare al film il senso di “nordico” che caratterizza i racconti del Dio del Tuono distinguendoli da qualsiasi altra opera firmata Marvel Studios.
Il triangolo formato da Thor, Loki & Odino che ha sempre caratterizzato i precedenti film della trilogia e che segue le vicende familiari dei reali di Asgard, con l’ingresso di Hela (e Skurge) non avrà vita semplice e sarà facilmente spezzato e messo in secondo piano dalla storia che, come se fosse contenuta da un Ragnarok che non vedremo mai davvero, ci mostrerà il grande Hulk che non poteva esser in alcun modo raccontato se non come comprimario (per questioni di diritti).
Per quanto l’arco narrativo dedicato allo scontro tra i due titani sia ben strutturato, tenti di rispondere alla fatidica domanda “Chi è il più forte degli Avengers?” e ci faccia conoscere due piacevoli personaggi come Il Gran Maestro e Valkiria, porta al film solo ottime scene d’azione in parte già mostrate in trailer e materiale promozionale confermando una quasi totale assenza di pathos.
Inoltre, occupando molto spazio la vicenda ispirata da Planet Hulk rispetto alla durata complessiva del film, la sete di vendetta e rivalsa che sarà presente ad Asgard è chiusa rapidamente tra segreti, rivelazioni e seconde possibilità che potevano offrire molto di più, con personaggi interessanti e repentine morti, e non solo pugnali volanti e saette luminose godibili se vedrete il film in 3D.

In conclusione:
Thor: Ragnarok è dunque un film che vuole compiacere la massa snaturando la natura stessa del Dio del Tuono, portando una tavolozza di colori, dell’ironia e dei personaggi che oscurano la magia e il pathos che la mitologia nordica poteva offrire e che in questo film restano solo accennati. Tecnicamente impeccabile come ogni film dell’universo narrativo dei Marvel Studios, la pellicola risulterà, però, un assemblaggio di un qualcosa già visto, per quanto bene possa esser stato fatto.

22 Ottobre 2017 0 comment

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