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Jungle Cruise, la recensione: avventuroso e divertente viaggio attraverso l’Amazzonia

Una divertente ed emozionante crociera lungo una colorata, pericolosa giungla amazzonica. Una vera e propria giostra di Disneyland. Non c’è modo migliore per descrivere Jungle Cruise, nuovo film targato Disney diretto da Jaume Collet-Serra (regista spagnolo esperto di action movie) e con protagonisti Emily Blunt e Dwayne Johnson, al fianco dei quali troviamo Edgar Ramírez, Jack Whitehall, Jesse Plemons e Paul Giamatti.

La storia è ambientata agli inizi del XX secolo e racconta il viaggio della determinata archeologa Lily Houghton e di suo fratello McGregor attraverso l’Amazzonia alla ricerca del mitico Albero della Vita, che secondo la leggenda ha grandi poteri curativi. Ad accompagnare i due inglesi c’è il capitano Frank con la sua barca Quila, diroccata ma affascinante. Un viaggio lungo e pericoloso attraverso una foresta tanto colorata quanto letale.

Dopo averci svelato la leggenda del mitico Albero della Vita e della maledizione che ha colpito i conquistatori spagnoli che secoli prima tentarono di impossessarsene (con in sottofondo le note di Nothing Else Matters dei Metallica), il film ci porta nella Londra del 1916 dove un impacciato McGregor Houghton cerca di convincere un noto circolo di esploratori a lasciarlo accedere ai loro archivi per poter studiare a fondo l’albero e procedere così alla spedizione per trovarlo.

Le cose, ovviamente, non andranno come previsto e starà a sua sorella Lily, a dir poco esuberante e tenace, entrare in possesso di un artefatto necessario per poter riuscire a scoprire l’ubicazione dell’albero. Il tutto non senza scompiglio e una discreta dose di azione e peripezie. Entriamo così nel vivo dell’avventura, trasferendoci nell’esotica Amazzonia, dove non mancano facoltosi turisti europei in cerca di forti emozioni e dove conosciamo lo scapestrato capitano Frank, che sbarca il lunario con un tour fluviale fatiscente a base di pessime battute.

L’incontro tra i due protagonisti dà il via alla più classica situazione da commedia degli equivoci: i battibecchi di Lily e Frank saranno alla base dell’avventuroso viaggio, dove comunque ci sarà spazio anche per momenti di conoscenza e comprensione reciproca.

Il film diretto da Jaume Collet-Serra riesce quindi pienamente nell’intento di intrattenere e divertire lo spettatore: non c’è spazio per la noia, soprattutto perché la regia del cineasta spagnolo dà l’illusione che chi guarda sia esso stesso un membro integrante dell’avventura.

La riuscita del film si deve anche alla sceneggiatura che riesce a dare vita a una vicenda dove l’avventura e i misteri fanno da padroni (nonostante una lunghezza eccessiva che si sente), e alla strana coppia composta da Emily Blunt e Dwayne Johnson. I due sono a loro agio nei panni di una donna determinata e di un esperto capitano ormai disilluso. Non sono da meno i comprimari, su tutti Jesse Plemmons e Jack Whitehall, per quanto i loro personaggi siano fin troppo macchiettistici.

Difficile non notare i punti in comune tra Jungle Cruise e alcuni cult del cinema d’avventura anni ’40 e anni ’80, come Indiana Jones, le stesse saghe di casa Disney come Pirati dei Caraibi e Il mistero dei templari o ancora lo sfortunato classico d’animazione Atlantis – L’impero perduto. Un richiamo alle pellicole più o meno recenti che hanno fatto la storia del genere e alle quali il film si appoggia in modo confortevole, con il solo difetto di non osare mai troppo e andare sul sicuro.

In conclusione Jungle Cruise, nonostante una struttura nota e lineare, è una vera e propria giostra dove abbondano le sorprese e che riesce a intrattenere sin da subito dando vita a un’avventura colorata, ricca di pericoli, leggende e azione. Divertimento assicurato.

Jungle Cruise è al cinema dal 28 luglio e su Disney Plus con accesso VIP dal 30 luglio.

29 Luglio 2021 0 comment

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Luca, il primo film di Enrico Casarosa è un’ode alla semplicità

written by Irene Rosignoli

Lo chiameranno “un Pixar minore”, ma voi non dategli retta. L’esordio alla regia dell’italiano Enrico Casarosa arriva su Disney+ e si presenta subito come una piccola perla da scoprire, un’ode alla semplicità, quello che gli inglesi definirebbero un feel good movie. Un’inversione di marcia interessante rispetto al precedente Soul, talmente ambizioso da perdersi ogni tanto per strada: Luca non è un road movie, non c’è in ballo il senso della vita, la quest dei personaggi consiste letteralmente nel riuscire a mettere le mani sulla tanto desiderata Vespa dei loro sogni. Insomma, scordatevi le grandi avventure o i colpi di scena: non ce ne sono.

È quasi un’anomalia in un’industria in cui le storie sono sempre più vorticose, travolgenti e infarcite di eventi e di azione. Intendiamoci, non siamo davanti a un film psicologico o contemplativo, la struttura narrativa è senza dubbio quella del tipico cartoon da grande studio americano, tuttavia Luca ha il grande merito (forse conseguenza della sensibilità europea dell’autore) di abbandonare la complessità dell’intreccio a favore delle sensazioni, delle atmosfere, volendo suggerire allo spettatore il ricordo di un’estate al mare in un tempo che non esiste più. Probabilmente è questo il motivo dell’abbandono dell’iperrealismo: Pixar si serve qui di una stilizzazione graziosissima, con personaggi e fondali 100% cartoon, vagamente ispirati ai pupazzi di Aardman Animations o agli anime dello Studio Ghibli di cui il regista è appassionato.

C’è un po’ del classico Disney La Sirenetta nelle prime sequenze del film: come Ariel, anche Luca vive sott’acqua, ma colleziona oggetti provenienti dalla terraferma, sognando un giorno di poter sfuggire allo sguardo iperprotettivo dei genitori per esplorare finalmente la superficie. A differenza della principessa Disney, però, la sua occasione non arriva grazie all’amore, bensì tramite l’incontro con Alberto, un ragazzino della sua stessa specie ma molto più avvezzo al mondo degli umani, audace, coraggioso e pronto a spingere Luca oltre la sua zona di comfort.

Quello che Luca fa molto bene, in effetti, è tratteggiare le dinamiche tra i piccoli protagonisti, offrendoci una rappresentazione molto autentica dell’infanzia, quel periodo della vita in cui qualsiasi emozione, positiva o negativa che sia, è un’avventura di per sé. Luca è sulla soglia dell’adolescenza, ha una gran fretta di crescere, vuole imparare tutto sul mondo, ma in fondo è ancora un bambino che si vergogna della sua inadeguatezza; Alberto invece è il leader, il fratello maggiore spavaldo di cui Luca si fida ciecamente, una guida da non mettere mai in discussione, aspetto che crea tra i due un rapporto di interdipendenza sbilanciato. Queste dinamiche si spezzano non appena Giulia si aggiunge all’equazione: il legame con una ragazzina umana dimostrerà a Luca che ci sono altre verità, altri modi di vivere, e che per crescere davvero sarà necessario affrancarsi dall’amico e scoprire la sua individualità.

Il dolcissimo epilogo ci rivela proprio questo: il film di Enrico Casarosa è un nostalgico tributo a quelle amicizie che ci hanno segnato durante l’infanzia, spalancandoci le porte del mondo e dandoci la spinta necessaria a intraprendere la strada per diventare grandi.

18 Giugno 2021 0 comment

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Crudelia, la recensione: alla scoperta delle origini punk della cattiva Disney

written by Emanuele Bianchi

La carica dei 101 è uno dei Classici Disney più celebri e amati. Ispirato al romanzo omonimo del 1956 di Dodie Smith, il film ha dato origine a una dei cattivi più iconici della Casa del Topo: la perfida Crudelia De Mon (Cruella DeVil in originale), che tenta di impossessarsi dei cuccioli di dalmata di Rudy e Anita per farne delle pellicce. Dopo il successo del cartone e le trasposizioni live action La carica dei 101 – Questa volta la magia è vera del 1996 e La carica dei 102 – Un nuovo colpo di coda del 2000, con una scatenata Glen Close nei panni di Crudelia, ora è il momento di scoprire le origini di questo amatissimo personaggio.

Intitolato semplicemente Crudelia (Cruella in originale), il nuovo film di Craig Gillespie vede protagonista l’attrice premio Oscar Emma Stone, al fianco della quale troviamo la vincitrice di due Oscar Emma Thompson, Mark Strong, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Emily Beecham e Kirby Howell-Baptiste.

Recensione di Crudelia, nuovo live action Disneynuovo live action Disney

La storia è ambientata a Londra negli anni ’70, durante la rivoluzione punk, e segue le vicende di Estella, ragazza acuta e intelligente che insieme ai complici Jasper e Horace riesce a sbarcare il lunario compiendo piccoli furti. Il sogno di Estella però è quello di fare la stilista e sfondare nel campo della moda. La sua occasione si presenta quando la sua creatività colpisce l’attenzione della Baronessa von Hellman, leggenda della moda incredibilmente chic e terribilmente raffinata.

La vita per Estella inizia così finalmente ad andare per il verso giusto, almeno finché non scopre una verità sulla baronessa che la porta a tirare fuori la sua indole più perfida e ad attuare un piano che segnerà la fine della sua mentore, divenendo la prorompente, alla moda e vendicativa Cruella. Ad aiutarla, ovviamente, i fidati amici e complici di sempre.

Dimenticate ciò che pensavate di sapere su Crudelia De Mon, perché il film diretto da Craig Gillespie riscrive da zero le origini dell’iconico perfido personaggio e lo fa in maniera convincente, al netto di qualche sbavatura, unendo il biopic con l’heist movie.

In questa versione, Estella/Cruella è una ragazza ribelle e fin da piccola diversa dagli altri, determinata e irrequieta, disposta a tutto per raggiungere i suoi obiettivi. Dopo aver trascorso l’infanzia a cucire abiti per le bambole e a fare a botte con i propri compagni di classe snob, Estella arriva nella Londra anni ’60. Qui incontra due bambini soli come lei, con i quali stringe una forte amicizia. Insieme, faranno ricorso a tutto il loro ingegno per sopravvivere in un città divisa in rigide classi dove le opportunità sono merce rara.

Un prologo frenetico, vivace e sempre in movimento, come la sua protagonista. Nella prima parte assistiamo alla presentazione di un vulcano che cammina che però presto dovrà fare i conti con i suoi errori. Ci ritroviamo poi catapultati negli anni ’70, nel pieno della rivoluzione punk/rock, che fa da sfondo a una vicenda divertente e capace di catturare l’attenzione, grazie a una storia mai noiosa.

Perché Crudelia è proprio questo, la origin story di un’iconica villain che unisce gli elementi tipici del biopic – veniamo accompagnati durante lo svolgimento dalla voce fuori campo -, dell’heist movie e del revenge movie. Un mix ben amalgamato che riesce a dare vita a una storia intrigante e accattivante. Discreta la sceneggiatura scritta a dieci mani da Dana Fox, Tony McNamara, Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel e Steve Zissis, capaci di dare vita a personaggi a tutto tondo (almeno quelli principali, perché i secondari risultano monodimensionali e la loro presenza passa sostanzialmente inosservata).

Molto convincenti anche le interpretazioni del cast. Emma Stone è una Estella/Cruella perfetta. Da ragazza sognatrice e determinata a spietata stilista di nuova generazione pronta a tutto pur di affossare il vecchio. Perfida, calcolatrice e manipolatrice, è veramente sé stessa solo con chi la conosce bene. Villain tanto per necessità quanto per indole e sopravvivenza: è difficile non amarla.

Non è da meno Emma Thompson, glaciale, cinica e spietata, come solo le leggende della moda sanno essere. La sua baronessa è una donna egocentrica e arrivista che guarda tutti dall’alto in basso ed è pronta a calpestare chiunque per i suoi scopi. Stesso discorso per Joel Fry e Paul Walter Hauser, che restituiscono al meglio l’imbranataggine di Gaspare e Orazio, al contempo seguaci e soci fedeli di una donna tanto geniale quanto cattiva. Mark Strong è ormai sinonimo di qualità da anni e il suo sferzante John è il classico assistente che riesce a mantenere con i piedi per terra il suo superiore.

Recensione di Crudelia, nuovo live action Disneynuovo live action Disney

Certamente Crudelia, per quanto riesca a divertire e intrattenere, non è esente da difetti. Non mancano punti morti che rallentano un po’ troppo la narrazione, così come non aiuta la durata del film. Le due ore e quindici scorrono abbastanza veloci, ma uno svolgimento più asciutto e leggermente più breve avrebbe solamente giovato.

Allo stesso modo non convincono pienamente alcune scene, che stonano totalmente con lo stile del racconto, come alcune sequenze action il cui unico risultato è diventare involontariamente comiche. Difetti che però, a fronte dei pregi già elencati, possono passare tranquillamente in secondo piano. Promossa anche la colonna sonora punk/rock che riesce a conferire a Crudelia quell’energia tipica del decennio in cui si svolge.

In conclusione, il nuovo live action Disney è una divertente origin story che, al netto delle pecche citate, sarà in grado di sorprendere positivamente grazie a una storia avvincente e divertente supportata da un ottimo cast e da una regia dinamica capace di portarci nel vivo delle origini di un’iconica villain. Promosso.

Crudelia è al cinema dal 26 maggio e su Disney Plus con accesso VIP dal 28 maggio.

26 Maggio 2021 0 comment

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Raya e l’ultimo drago è il Disney epico che stavamo aspettando: la recensione

written by Irene Rosignoli

Raya e l’ultimo drago è una bellissima anomalia. Non scherzava la Disney quando con grandi proclami lo ha definito un film “diverso”: in effetti bisogna risalire piuttosto indietro per trovare un titolo che gli somigli. Per certi versi è un perfetto contraltare di Oceania: laddove il film di Musker e Clements era formulaico nella sua ottima riproposizione della struttura dei classici anni ’90, Raya si avvicina più per atmosfere e intenti a un classico dell’era sperimentale, segno forse che la Disney sotto Jennifer Lee sia già pronta a lasciarsi alle spalle il periodo Revival per cominciare una nuova epoca.

Viene subito da pensare ad Atlantis – L’impero perduto, perché ciò che Raya fa molto bene è coniugare lo storytelling disneyano al genere azione/avventura, in questo caso di stampo orientale. Anche confrontandolo con Big Hero 6, il lavoro precedente del regista Don Hall, che pure era di genere supereroistico/azione, è chiaro che ci troviamo su un livello di maturità ben superiore: le atmosfere sono cupe davvero, il pericolo è tangibile e sempre dietro l’angolo, le mazzate sono reali; insomma, è un film che, pur rimanendo saldamente nel suo target di riferimento, non si trattiene e non edulcora i suoi contenuti.

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Curiosa anche la realizzazione, che nello stadio finale è stata affidata quasi completamente ad outsider (e si vede): di fatto siamo davanti a un film girato come un live action, che sembra un live action, scritto, diretto e musicato da professionisti del mondo del live action, e purtuttavia inserito in maniera assolutamente omogenea nel canone dei classici. Forse il merito più grande di Raya e l’ultimo drago è di non far rimpiangere le canzoni, pur facendo parte del filone parallelo a quello della fiaba musicale. Zootropolis era un musical mancato, Big Hero 6 ne avrebbe beneficiato per mascherare qualche ingenuità di scrittura, Ralph Spaccatutto è corso ai ripari alla svelta nel secondo capitolo; qui invece la scrittura è talmente solida che non se ne sente mai la necessità. Non solo: i momenti che nel tipico classico Disney sarebbero stati colmati da una canzone, stavolta sono sapientemente affidati a brevi sequenze contemplative, in cui a parlare sono i movimenti, le espressioni e la splendida colonna sonora di James Newton Howard. È forse la prima volta in diversi anni che un film Disney è talmente sicuro di sé da rifiutarsi di essere over-explaining, e da lasciare quindi che il pubblico adempia al proprio compito.

Al centro di questa storia che parla di fiducia e di seconde possibilità c’è poi una triade di personaggi femminili tra cui spicca una protagonista decisamente diversa dalle principesse che abbiamo conosciuto negli ultimi anni. Raya aveva una personalità buffa e spensierata come quella di Rapunzel o Vaiana, ma l’ha perduta: a causa di un trauma infantile è diventata cinica, egoista, sospettosa nei confronti del prossimo. Non vuole neanche salvare il mondo, le è sufficiente chiudere i conti col suo passato: è la prima principessa Disney pessimista. A far rinascere la speranza sarà ovviamente il drago Sisu, che dopo aver tentato (goffamente, bisogna dirlo) di far da spalla comica diventerà per l’eroina una saggia mentore. Ma soprattutto sarà Namaari, la rivale che è anche l’ultimo legame rimasto con quel passato da cui Raya è tormentata.

Infine, occorre notare come per mettere in scena l’avventura epica di Raya e l’ultimo drago, i Walt Disney Animation Studios ricorrano al miglior iperrealismo che abbiano mai realizzato. Curatissime le ambientazioni, ma a spiccare sono sicuramente i sofisticati character design di Shiyoon Kim (per una volta non penalizzati dalla traslazione in CGI), i nuovi modelli 3D dei personaggi (non si può proprio dire che Raya o Namaari siano “cugine” di Rapunzel) e la character animation che non ha davvero eguali nel panorama americano. Di fronte a tutto questo ben di Dio, viene da chiedersi però se Disney non sia un po’ in ritardo: dopo lo spartiacque segnato da Spider-Man: Into the SpiderVerse, e ora che persino Pixar ha abbandonato il fotorealismo stretto grazie a film come Soul, Luca e Turning Red, una scelta del genere – pure considerata in tutta la sua gloria artistica – pare quasi un passo indietro. Ci sono un paio di sequenze che fanno sperare in qualche novità estetica in futuro, ma su questo non diciamo altro per non rovinare la sorpresa.

4 Marzo 2021 0 comment

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Recensione: Soul, nel testamento di Docter il vero trionfo è quello dell’animazione

written by Irene Rosignoli

La diversità, la vecchiaia, le emozioni: i lungometraggi più creativi di casa Pixar portano una sola firma, quella di Pete Docter, uno dei veterani dello studio, recentemente nominato direttore dopo l’allontanamento di John Lasseter. Se le sue opere si piazzano su un livello tutto loro è perché, prima di ragionare da regista, Docter ragiona da animatore: fondamentalmente, il suo desiderio è giocare con dei pupazzetti dalla forma geometrica elementare, né più né meno. Eppure, nei suoi film non ha mai mancato di sfiorare le corde delle grandi tematiche, e Soul, l’ultima fatica, non fa eccezione, ponendosi l’obiettivo di indagare addirittura l’esistenza umana stessa.

Chi conosce bene il resto della filmografia Pixar non potrà definire Soul particolarmente originale, ma noterà piuttosto un filo rosso che collega il tema principale ad altre opere dello studio. L’invito a non ricercare lo straordinario ma apprezzare piuttosto gli affetti e le piccole avventure quotidiane non è certo una novità: ne parlava Up, ovviamente, ma anche Gli Incredibili, e persino Onward quest’anno ha offerto una variazione sul tema. Per certi versi, poi, riuscire a parlare della vita e della morte tramite personaggi buffi e bizzarri come un cane parlante, un beccaccino gigante e un paffuto boy scout è forse la quintessenza di cosa dovrebbe fare l’animazione, ed è interessante notare come il pubblico risponda maggiormente a queste tematiche solo quando il protagonista è un adulto calato in un contesto realistico e urbano.

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Di certo Soul è un film ambizioso: il proposito di parlare dell’esistenza umana e dello scopo della vita è un terreno scivoloso, soprattutto in un film per famiglie che deve necessariamente lavorare per sottrazione ed esemplificazione (cosa in cui comunque Docter eccelle). Va da sé che non tutto fili liscio, la prima parte forse ha un ritmo troppo sostenuto e soffre un po’ di quella malattia di cui soffrono tutti i film Pixar, cioè il bisogno di spiegare in alcuni passaggi introduttivi le leggi e il funzionamento dell’ “altromondo”, in primis al personaggio e poi allo spettatore. L’ultimo atto è più solido, gestisce e motiva bene il classico cliché dello scambio di corpi, ma soprattutto opta per un finale singolare, destinato a dividere (se non, paradossalmente, a deludere) chi guarda. Il messaggio di Soul è banale, ma di una banalità disarmante che potrebbe racchiudere tutto il significato dell’opera: guardiamo all’arte con la speranza di ricevere grandi rivelazioni sul senso della vita, ma forse il senso è semplicemente vivere.

Tuttavia, il vero aspetto in cui Soul è rivoluzionario (e ciò a cui probabilmente dovremmo dare più credito, al netto delle tematiche senza dubbio potenti) è il comparto visivo, un cambio di rotta netto e dirompente rispetto a tutto ciò che abbiamo visto finora in Pixar. Lo studio si è distinto negli ultimi anni per l’utilizzo di sfondi e prop tendenti al fotorealismo abbinato a personaggi più o meno cartooneschi (una sintesi ben rappresentata dal cortometraggio L’ombrello blu). L’unica eccezione erano appunto i film di Pete Docter. Che fosse il maestro della stilizzazione lo sapevamo già, ma qui, nel primo (e probabilmente ultimo) film in cui è insieme regista e direttore creativo, non c’è più ragione per tenere a freno l’immaginazione. Docter ha sempre lavorato con forme e figure tridimensionali semplici, ma stavolta regina e re sono la linea e il punto, l’ossatura del disegno. È la scena del pensiero astratto, che in Inside Out era soltanto un divertissement, portata all’estremo: il mondo delle anime è un gioiello di essenzialità, e quando arriva a mescolarsi con il mondo reale (che peraltro presenta una varietà notevole di character design molto interessanti) ci regala solo un assaggio di ciò che potrebbe fare la computer grafica Pixar lasciandosi alle spalle il realismo estremo.

Che sia l’influenza di Into the SpiderVerse, il pericolo rappresentato da Netflix Animation o semplicemente la voglia di sperimentare di un nuovo direttore creativo, sembra che per i Pixar Animation Studios si stia aprendo un’epoca più autoriale. Progetti come Luca e Turning Red non sono più soltanto “film Pixar”; sarebbe impossibile scinderli dai loro autori Enrico Casarosa e Domee Shi, e se questo – come pare – si tradurrà in una maggiore varietà in termini di stile, non possiamo che accogliere il futuro con grandi aspettative.

31 Dicembre 2020 0 comment

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Wolfwalkers, la linea selvaggia è la nuova frontiera di Cartoon Saloon

written by Irene Rosignoli

Non sbaglia un colpo, Cartoon Saloon. In pochi anni di attività, questo piccolo studio irlandese nato letteralmente da tre artisti che volevano mettersi in proprio è riuscito a diventare la punta di diamante dell’animazione indipendente, risvegliando un business che ne aveva disperatamente bisogno (oggi i film animati rappresentano oltre il 30% della produzione cinematografica in Irlanda, con ricavi di quasi 100 milioni di euro l’anno). Tre lungometraggi, tre meritatissime nomination all’Oscar, tre opere di eccellente qualità artistica che hanno raccolto lo scettro di realtà come lo Studio Ghibli, dimostrando che sì, la grande animazione può esistere anche fuori dai colossi americani.

Dopo l’ottimo The Breadwinner, che aveva spostato il setting in Afghanistan, con Wolfwalkers (disponibile su Apple TV+) lo studio torna a ciò che sa fare meglio: un racconto tipicamente irlandese, sospeso tra storia e mitologia, diretto da quel Tomm Moore che Cartoon Saloon lo ha fondato e che negli ultimi dieci anni si è già imposto come uno dei più grandi registi d’animazione viventi. Protagoniste sono Robyn, figlia undicenne di un cacciatore inglese chiamato in Irlanda per sterminare gli ultimi branchi di lupi rimasti, e Mebh, che invece coi lupi vive, corre e respira essendo una “Wolfwalker”, un essere umano in grado di trasformarsi in lupo durante il sonno.

E in effetti potremmo anche limitarci ai nomi dei personaggi, perché Wolfwalkers è un film semplice, semplicissimo, ma soprattutto character-centrico, cosa che lo rende in buona sostanza un classico istantaneo. Tomm Moore e Ross Stewart sanno che per allacciare il cuore dello spettatore non serve altro che un personaggio credibile, ed ecco allora che tutto ciò che viene disposto sulla scena o inscritto nella sceneggiatura è al servizio dei personaggi, concorre ed è utile unicamente al percorso di crescita di Robyn e Mebh. Nessun tentativo facile di stupire o distrarre lo spettatore: l’attenzione rimane sulle due ragazze, questa è la loro storia, e ne sono assolute protagoniste fino alla fine.

Ma Wolfwalkers è anche un film complesso, stratificato, politico come è politico il pensiero del suo regista. Moore e la sua crew intrecciano e rendono interdipendenti le tematiche dell’antispecismo, del colonialismo e del femminismo con la cultura, l’arte e la storia irlandese, in un processo di rilettura sofisticatissimo nascosto sotto la modesta superficie di una storia di amicizia tra ragazze. È, in poche parole, grande cinema, forse il miglior cinema a cui ambire, quello che riesce a dire tutto nella maniera più essenziale possibile.

Ad essere ricercata è anche la cura nell’art direction. Ci troviamo davanti a una nuova vetta per lo studio irlandese, che sembra inarrestabile nella sua capacità unica di perfezionare il proprio house style e riscriverlo, riadattarlo a qualsiasi tipo di esigenza. Ogni elemento è al servizio dei personaggi, si è detto: non a caso registi e scenografi immaginano per Robyn un mondo – quello della città – composto da linee nette, figure spigolose e alte mura squadrate, una gabbia in cui sentirsi prigionieri. La magia avviene invece nella foresta, la casa dei Wolfwalkers, dove la linea è libera, selvaggia, non esistono contorni definiti, persino i personaggi sfuggono alla loro stessa dimensione con “smatitate” e tratti grafici sporchi, lontanissimi dalla perfezione di un’animazione pulita e rigorosa e proprio per questo bellissimi. Nel momento in cui è più necessario, Cartoon Saloon si libera dei vincoli che volente o nolente, per ragioni estetiche o di budget, imponeva al proprio house style: persino la character animation regala a Robyn e soprattutto a Mebh un’espressività del tutto inedita, spinta all’estremo nei momenti più drammatici, come mai avevamo visto prima da questo studio.

E un’ultima citazione, infine, per il modo in cui questi geniali artisti hanno reso l’uso della falsa prospettiva un marchio di fabbrica. Non è la prima volta che li vediamo ricorrere a questa soluzione grafica vagamente ispirata a Richard Williams, ma ogni volta è una meraviglia, e ogni frame di Cartoon Saloon meriterebbe un museo.

30 Dicembre 2020 0 comment

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Over the Moon, parola d’ordine “eleganza” per la prima regia di Glen Keane

written by Irene Rosignoli

Anche chi non conosce il background di Glen Keane, fin dai primi istanti di Over the Moon avrà la sensazione di trovarsi su un tracciato familiare. L’impronta Disney è infatti forte fin dal prologo, figlio di una tradizione portata all’apice da classici come Il Gobbo di Notre Dame e Tarzan. La leggenda della dea della Luna Chang’e, la storia della famiglia di Fei Fei, la malattia della madre e la crescita della ragazzina ci vengono raccontati con nient’altro che un connubio di immagini e musica, a ricordarci fin da subito che siamo nelle mani dell’artista che trent’anni fa diede vita alla sirenetta Ariel.

Di certo, per chi invece Glen Keane lo conosce, trovarsi davanti a un lyrical storytelling del genere e sapere che non ha potuto realizzarlo in Disney, dove in fondo appartiene, è un po’ un colpo al cuore. Ma poco male, perché ogni progetto realizzato da questo grande Artista a partire dal suo addio alla Casa del Topo è stato un piccolo gioiello, e il suo debutto con un lungometraggio non fa eccezione.

Over the Moon, così come Klaus prima di lui, fa propria una lezione importante: per costruire una buona storia non occorre essere originali, occorre essere autentici. È un modo di fare cinema ormai quasi raro, appartenente alla generazione di Glen Keane, ed è qualcosa a cui lo spettatore moderno, abbagliato da trame contorte, plot twist, cattivi a sorpresa e un trionfo di VFX, probabilmente non è più abituato. In altre parole, nulla di ciò che accade alla protagonista Fei Fei è di per sé fuori dall’ordinario per lo spettatore avvezzo alle classiche storie per ragazzi, e dunque la maestria del narratore sta piuttosto nel come e nella capacità unica di prendere per mano chi guarda e di accompagnarlo attraverso sentimenti genuini, mai artefatti. Accadeva lo stesso con Ariel e con la Bestia: personaggi non complessi, ma vivi, veri.

L’eleganza è poi il marchio di fabbrica di Glen Keane, che qui riesce a imprimere il suo tocco unico anche a un mondo in CGI, tecnica con cui finora si era confrontato solamente in Rapunzel – L’intreccio della torre. Elegante è il production design di Celine Desrumaux, che con la sua Lunaria costruita soltanto da macchie di colore, forme basiche e luci psichedeliche ci regala un’apprezzatissima boccata d’aria fresca rispetto al fotorealismo a cui ci stiamo apaticamente abituando. Elegante è l’animazione di Sony Imageworks che, guidata dalla matita di Keane, esagera le pose ed esagera l’espressività, lavorando con intelligenza su modelli dal budget contenuto (l’espressione ferita della dea Chang’e durante l’incontro con Houyi è davvero notevole). E infine, eleganti sono le scelte stilistiche, che riescono a rendere coerenti e visivamente appealing persino quei momenti inseriti palesemente per fare presa su un certo tipo di pubblico, come un concerto K-pop o una rap battle durante una partita di ping pong. Roba che istintivamente farebbe storcere il naso a chi non conosce la cultura pop orientale, e che qui invece riesce paradossalmente ad essere non solo funzionale, ma anche piacevole alla vista.

Non tutto funziona, in Over the Moon, questo è chiaro: l’umorismo zoppica, le spalle comiche non sono particolarmente ben riuscite, la colonna sonora è dimenticabile, qualche momento avrebbe forse richiesto maggiore respiro. Ma nel complesso siamo davanti a un’ottima prova sia per Keane che per Netflix Animation, che finora non ha sbagliato un colpo nel suo ambizioso progetto di portare in streaming contenuti d’animazione d’autore. La prossima volta, però, più sequenze 2D: quei pochi secondi all’inizio (animati proprio dal regista stesso) ci hanno lasciato fame di bellezza.

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27 Ottobre 2020 0 comment

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Recensione: Mister Link, la storia del Bigfoot come non l’avete mai vista

written by Emanuele Bianchi

Il 12 aprile del 2019 arrivava nei cinema americani Missing Link, ultimo film in stop-motion firmato LAIKA. Scritto e diretto da Chris Butler (Paranorman, Kubo e la spada magica), il film ha conquistato la critica, e oltre alla nomination all’Oscar per il miglior film d’animazione, ha vinto il Golden Globe per la stessa categoria. Ora a distanza di quasi un anno e mezzo la vicenda con al centro il mito del Bigfoot arriva finalmente anche nei cinema italiani il 17 settembre con il titolo Mister Link.

La storia vede protagonista l’eccentrico Sir Lionel Frost (doppiato in originale da Hugh Jackman), famoso investigatore di mostri e misteri. L’uomo passa il suo tempo in giro per il mondo a caccia di creature leggendarie, cercando la prova della loro esistenza. Finora però Frost non ha avuto successo e viene per questo deriso dalla Società di esploratori di Londra. Pronto alla rivalsa sui suoi colleghi, parte per l’America dell’Ovest in cerca del mitico Bigfoot. Arrivato a destinazione l’esploratore avrà un’incredibile sorpresa e inizierà un viaggio in giro per il mondo alla volta di una mitica città.

immagine di Missing Link

Il Bigfoot, o Sasquatch, è una creatura che non ha certo bisogno di presentazioni e le cui caratteristiche sono un’altezza compresa tra i 2 e i 3 metri e l’essere ricoperto da una folta peluria. Molteplici nel corso degli anni sono stati i film con protagonista questa leggenda e Mister Link è solo l’ultimo della lista. Il film di Butler però si discosta da tutto ciò che si è visto fino ad ora. Dopo un inizio alquanto canonico il regista ribalta le carte in tavola, trasportandoci in un’avventura tanto esilarante quanto fuori dagli schemi, piena di divertimento e azione.

Lo spettatore si trova in breve immerso in un coinvolgente road movie attraverso l’America, l’Europa e l’Asia, dove abbondano ironia, citazioni al cinema western e a quello comico. Tra risse da saloon, sparatorie, inseguimenti e scazzottate assistiamo alla nascita di una solida amicizia tra due anime incomprese che cercano il loro posto nel mondo.

Sorretto da una buona sceneggiatura, Butler decide di focalizzarsi sull’animo della creatura. Il regista ci mostra come Mister Link non sia altro che un uomo solo in cerca di compagnia. Un uomo troppo grande (e troppo peloso) che suo malgrado incute timore e paura, finendo quindi per allontanare chiunque gli si avvicini prima ancora di conoscerlo veramente.

Con personaggi ben caratterizzati e pieni di sfumature – nessuno in Mister Link è perfetto, tutti hanno paure e difetti – veniamo trasportati in un viaggio verso una mitica meta, viaggio ovviamente pieno di pericoli e ostacoli da superare, tra cui il più temibile è un villain disposto a tutto pur di raggiungere il suo scopo.

immagine di Missing Link

Un titolo, Missing Link, dal doppio significato. Se quello più immediato fa riferimento all’anello mancante tra l’uomo e la scimmia, quello più recondito si riferisce alla solitudine del protagonista. Una creatura immensamente sola alla ricerca di affetto. Un affetto che troverà in compagni di viaggio inaspettati.

Se la storia è coinvolgente è merito anche dell’ottima regia di Chris Butler, capace sin da subito di far entrare lo spettatore nella vicenda, rendendolo uno dei compagni di viaggio di Mr. Link e Sir. Lionel Frost. Sembra infatti di vivere la loro avventura in prima persona.

E dunque LAIKA ancora una volta fa centro. Mister Link è un film che piacerà a grandi e bambini, capace di catturare tutte le fasce d’età grazie a una storia ben raccontata che continua anche dopo i titoli di coda. Assolutamente consigliato.

Fonte immagini: imdb.com.

17 Settembre 2020 0 comment

Disney+Film Film Recensioni Walt Disney Pictures Studios

Recensione: Mulan, un retelling noioso della celebre leggenda cinese

written by Emanuele Bianchi

Era il 1998 quando al cinema arrivava Mulan, 36° Classico Disney diretto da Tony Bancroft e Barry Cook. Ispirandosi alla nota leggenda dell’eroina cinese, il film fu un buon successo di pubblico e critica. Ora, a distanza di ben 22 anni, la storia torna in versione live action. A differenza del Classico la distribuzione del film diretto da Niki Caro è stata molto travagliata. Inizialmente l’uscita era prevista per il 2 novembre 2018, ma fu rimandata a favore de Lo schiaccianoci e i quattro regni al 27 marzo 2020. La data poi è slittata prima al 24 luglio e poi al 21 agosto a causa dell’epidemia di Coronavirus. Infine il film è arrivato direttamente su Disney+ con accesso VIP al costo di € 21.99. Non senza polemiche.

E purtroppo la lunga attesa non è stata ripagata, perché questa storia distributiva travagliata ci ha consegnato una grande delusione, un film noioso e a tratti nonsense, costato ben 200 milioni di dollari. Ma procediamo con ordine.

Immagine di Mulan, live action Disney

Hua Mulan (Yifei Liu) è una vivace ragazza di un villaggio della Cina imperiale che fatica a rispettare le leggi e le tradizioni del suo popolo. Per la giovane è difficile accettare di poter portare onore alla sua famiglia esclusivamente ricoprendo il ruolo di sposa e madre. Per quanto lei sia abile nel combattimento, scopre presto che questo è un ruolo riservato solo agli uomini. Le cose cambieranno quando lo spietato Bori Khan (Jason Scott Lee), capo dei Rouran, invaderà l’impero costringendo l’Imperatore (Jet Li) a emanare un editto con cui richiamare alle armi un uomo da ogni famiglia.

Per impedire che il padre già debilitato dall’ultima guerra torni sul campo di battaglia, Mulan prende il suo posto. Fingendosi uomo affronterà un duro addestramento e la guerra per la sopravvivenza dell’Impero sotto la guida del comandante Tung (Donnie Yen di Rogue One). Grazie al suo coraggio la ragazza dimostrerà infine il suo valore.

Immagine di Mulan, live action Disney

Come il Classico del 1998, anche il live action si ispira alla nota leggenda cinese, ma veniamo avvisati sin da subito del fatto che quella a cui assisteremo è solo una delle tante versioni esistenti. Un espediente narrativo che permette quindi una certa libertà di manovra e consente di inserire elementi nuovi e diversi rispetto al film animato. Fin dal prologo, dunque, lo spettatore è cosciente che si tratti di una storia del tutto diversa. E questo è l’unico punto a favore del film, l’aver avuto il coraggio di discostarsi completamente dal cartone animato.

Dopo la premessa, infatti, si dipana una storia che si prende troppo sul serio, finendo con lo sfociare nel didascalico e spesso nel ridicolo. Tra frasi fatte, situazioni involontariamente comiche e personaggi a dir poco piatti la storia non appassiona mai veramente. Una vicenda la cui sceneggiatura riprende i momenti fondamentali del Classico rivisitandoli in chiave più realistica ma fin troppo macchiettistica.

Sin dall’inizio si intuisce poi come il film manchi di cuore. La storia non cattura mai veramente lo spettatore, inoltre Mulan risulta un personaggio piatto e senza anima, rendendo impossibile entusiasmarsi di fronte alle sue vicende. Stessa sorte spetta ai suoi compagni d’armi e al villain, che manca della spietatezza necessaria per essere veramente temibile – come la sua controparte animata – e che nel finale risulta anche stupido.

Gong Li in Mulan, live action Disney

Il problema principale è che nella storia fanno da padrone gli stereotipi. Il tema dell’emancipazione femminile è trattato in maniera superficiale e in modo sconclusionato, in particolare attraverso il personaggio della strega Xianniang (interpretata da Gong Li), simbolo dell’associazione tra donna e forze del male e del pregiudizio nei confronti di chi è diverso. Così come sono trattati in maniera didascalica temi come la lealtà e il coraggio di essere se stessi. Per non parlare del Chi, l’energia spirituale che pervade gli esseri viventi, concetto più volte nominato ma mai spiegato veramente.

Il film vorrebbe essere un Wǔxiá, ovvero l’equivalente orientale dei film cappa e spada occidentali, ma l’amara verità è che non ci ha creduto abbastanza. Racconta il classico viaggio dell’eroe e delle difficoltà che supera per raggiungere il suo obiettivo in maniera pedante, superficiale e ripetitiva. Inoltre come se non bastasse i combattimenti sono coreografati pigramente e vi è appena un accenno delle classiche acrobazie del genere, limitandosi a mostrare qualche calcio acrobatico ben assestato.

A tutto ciò va aggiunta una povera messa in scena. Guardando il film ci si chiede in cosa effettivamente siano stati spesi i 200 milioni di dollari di budget, visto che ambientazioni e scenografie risultano più che finte e a dir poco minimali. Stesso discorso per la regia di Niki Caro che si limita a pochi movimenti di macchina e molti primi piani, senza mai riuscire a portare lo spettatore all’interno della vicenda. La dura verità è che questa versione di Mulan è un disonore per la regista, per la Disney e, citando il Classico, per la loro mucca.

Immagini: imdb.com.

7 Settembre 2020 0 comment

Disney+Film Film Recensioni

Recensione: Phineas e Ferb, questa volta è Candace la star

written by Lorenzo Dottorini

Nell’eterno dibattito sull’animazione, le grandi major provano a convincere il pubblico che ciò che non è in CGI non vende, mentre gli appassionati cercano rifugio in produzioni indipendenti e sperimentali. Ma può un prodotto ben scritto affermarsi anche se in contrasto con le tendenze del momento? La risposta è sì. E, con i loro Phineas e Ferb, Dan Povenmire e Jeff “Swampy” Marsh ce lo dimostrano da tempo.

A cinque anni di distanza dall’ultimo episodio della serie, i due fratelli tornano alla ribalta su Disney+ con una nuova e inedita avventura di circa un’ora e mezza, Candace contro l’universo. Mandiam subito giù il boccone più amaro: malgrado la portata degli eventi narrati, questi non raggiungono l’epicità di Nella seconda dimensione. Ma lo storytelling messo in campo riesce, pur calcando una serie di dinamiche ben consolidate, a superare se stesso ancora una volta, regalando un risultato familiare e ammiccante, ma allo stesso tempo sorprendente.

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La vicenda non poteva che aprirsi con uno dei più classici cliché narrativi della serie. Candace fallisce, per l’ennesima volta, nel tentativo di mostrare a sua madre l’ultima stravagante invenzione creata da Phineas e Ferb. Ma da qui, invece che passare ai titoli di coda, inizia a prendere vita una catena di eventi inattesa, che porterà i protagonisti a viaggiare nello spazio, incontrare originali razze aliene, collaborare con il Dr. Doofenshmirtz e salvare il mondo.

Normale amministrazione per i fratelli più famosi di Danville, insomma. Molto più insolito è, invece, il livello di introspezione dedicato a Candace, la vera protagonista del film. Perché è così ossessionata dal riuscire a far beccare Phineas e Ferb? Possibile che questa mania sia solo un diversivo rispetto al reale problema, riguardante il modo in cui la ragazza percepisce se stessa? E, dal canto loro, Phineas e Ferb hanno mai realmente riflettuto su come si senta la loro sorella maggiore? Dall’usuale baraonda di risate e canzoni, insomma, emerge uno spaccato sulla ricerca del proprio posto nel mondo. O meglio, nell’universo. Una riflessione su cosa siamo disposti a fare per sentirci speciali e su cosa ci rende davvero tali.

L’evoluzione dello storytelling, però, si riscontra anche negli aspetti più comici della pellicola. I classici tormentoni, l’intelligente citazionismo e i consueti espedienti grotteschi evolvono il loro potenziale in un meraviglioso e frequente sfondamento della quarta parete. In più di un momento, i personaggi si mostrano consapevoli dell’essere parte di un film e reagiscono di conseguenza alle trovate assurde degli animatori. L’apice si raggiunge a pochi minuti dallo scoccare della prima ora: una breve sequenza di rara e pregiata ironia, perfettamente collocata nel flow narrativo, che funge da omaggio stesso alla serie, ai suoi creatori e al mondo dell’animazione in generale.

A 13 anni dal loro debutto, Povenmire e Swampy vincono nuovamente la scommessa, coadiuvati dall’ottima regia di Bob Bowen. In totale controtendenza rispetto all’animazione mainstream, superano i loro stessi standard, avvalendosi del solito art style creativo e stilizzato, e riproponendo un’ulteriore rielaborazione dei loro cliché umoristici e narrativi più apprezzati. E tutto ciò ci riporta al punto di partenza. Una solida e ponderata scrittura trascende periodi e tendenze ed è in grado di mostrare, in cornici demenziali e grottesche, sentimenti forti e temi importanti. Al prezzo forse di gag meno intuitive e virali, la risata strappata da quel turbinio di paradossi messi in campo è autentica e raffinata.

È incredibile constatare come, ogni volta, Povenmire e Swampy riescano a tornare nella notissima Danville, tra quei personaggi e le loro ben consolidate dinamiche, raccoglierne nuovamente tormentoni e frasi celebri, per riproporli in chiavi completamente nuove. Il tutto senza mai scuotere le fondamenta del loro narrativo. Chissà cosa sarebbero in grado di creare con mezzi, budget e ambizioni da grande schermo.

In anteprima la canzone Such a Beautiful Day da Phineas e Ferb: Candace contro l'Universo.

1 Settembre 2020 0 comment

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